Juliana Craveiro Fusco

Mais um ciclo chega ao fim, um que foi forçado a terminar antes da hora. Nós sabemos que uma hora tudo vai acabar, mas é sempre mais triste quando precisamos nos despedir mais cedo. E assim, The Owl House  – A Casa da Coruja, em português – se encerra, antes da hora e deixando saudades, mas mostrando como uma animação tem capacidade de tocar profundamente seu público.

A série conta a história das aventuras de Luz Noceda (Sarah-Nicole Robles), uma garota latina e bissexual que não se encaixa nos padrões dos jovens. Ao encontrar um portal em uma casa vizinha abandonada, ela se transporta para as Ilhas Escaldadas, um mundo cheio de criaturas mágicas. Lá, a protagonista conhece Eda (Wendie Malick), King e Hooty (ambos dublados por Alex Hirsch), que mais tarde se tornam sua segunda família. Nesse novo mundo, Luz tem a oportunidade de conhecer criaturas maravilhosas, mas o mais importante: a oportunidade de conhecer a si mesma – se transformando em inspiração para crianças, adolescentes e até mesmo adultos que a acompanham.

Dentro de um só desenho, sua criadora e roteirista, Dana Terrace, desenvolve brilhantemente as questões de uma pré-adolescente: o não pertencimento na sociedade, a insegurança perante um futuro incerto, a falta de autoestima e as dúvidas sobre a própria sexualidade. É claro que algumas delas são exploradas com metáforas, mas todas são igualmente bem trabalhadas pela escritora. Cada uma com seu devido tempo, a fim de que nada pareça jogado apenas para mostrar que foi abordado.

Lembrando o personagem Steven Universe, Luz é uma menina que tende a querer olhar sempre o lado bom das pessoas, acreditando que elas podem ter salvação e precisam apenas de uma segunda chance. Para a época dos cancelamentos, essa é uma lição essencial, ainda mais para as crianças. Mas, além de ensinar a oferecer uma nova oportunidade a quem errou, A Casa da Coruja mostra que nem todos a merecem, porque alguns não possuem um lado bom.

Na trama, dois tipos de vilões são retratados por Dana: o Imperador Belos (Matthew Rhys) e O Colecionador (Fryda Wolff). O primeiro é um humano adulto caçador de bruxas, já o outro, um ser mágico muito poderoso e jovem. Com essas duas figuras em cena, a série mostra que existem vários tipos de antagonistas e alguns deles são pessoas machucadas que, por não conhecerem o amor e carinho, não conseguem expressá-los por outras pessoas e por isso, as ferem.

No entanto, existem personagens que recebem milhares de segundas chances e não mudam; mesmo com todo o carinho, amor e paciência, eles continuam iguais e realmente só querem fazer mal aos outros. Ao final da terceira temporada, com a morte do (ex) Imperador Belos, a trama não só dá fim ao verdadeiro vilão da história e proporciona um final feliz aos habitantes das Ilhas Escaldadas, mas também mostra aos telespectadores que algumas pessoas não merecem e não devem ter uma segunda chance. Para se ter um final feliz, é preciso que elas desapareçam para sempre.

Ao se apaixonar por Amity (Mae Whitman), Luz descobre que é bissexual. Assim como todas as outras representatividades carregadas pela narrativa, a paixão da personagem é retratada com a normalidade com a qual sempre deveria ser. Sabemos o quão importante é mostrar que existe uma pressão muito grande para que todas as pessoas sigam o padrão heteronormativo e o quanto a comunidade LGBTQIAPN+ sofre com os preconceitos. Por isso, entendemos que é preciso existir obras que expressem essa realidade e dor; contribuindo com o aumento da resistência a esse tipo de comportamento. Mas também é necessário que as produções tratem esse assunto com a mesma naturalidade usada para relacionamentos heteroafetivos.

Em A Casa da Coruja, o namoro da protagonista mostra como esse sentimento é confuso e o medo que o envolve, mas Dana prefere dar mais visão aos sentimentos que todos têm ao se apaixonar por alguém: a vergonha que sentimos, os brancos e as falhas. E, por mais que pareça que ela não dá espaço à luta, ela também está resistindo ao provar que uma relação homoafetiva é natural, com todos os friozinhos na barriga que um relacionamento tem.

Não é só no relacionamento das duas que essa naturalidade é mostrada. Os pais de Willow (Tati Gabrielle), uma das melhores amigas de Luz, estão dentro de um relacionamento homoafetivo e são retratados sem estigmas e em nenhum momento é questionado quem é a “mãe” ou como a Willow veio ao mundo; já que uma família não necessita de uma mulher e um homem. O personagem não-binárie Raine (Avi Roque), par romântico de Eda, tem seus pronomes usados corretamente dentro do show. Da mesma forma, o pai solo de Gus é retratado como uma pessoa plenamente capaz de cuidar de seu filho, sem que precise da figura materna.

A representatividade vai além dos personagens da história, uma vez que seus dubladores estadunidenses também são diversos. Uma mulher latina interpreta Luz, uma pessoa não-binária interpreta Raine e um homem negro interpreta Gus (Issac Ryan Brown). Isso também gera conhecimento e impacta seu público espectador. Ao dar a chance de pessoas negras e LGBTQIAPN+ ocuparem seus papéis de direito dentro da sociedade, os desenhos mostram que elas podem e devem permanecer dentro desses espaços e que todas as crianças podem sonhar em serem o que quiserem.

É uma pena que A Casa da Coruja tenha sido cancelada pela Disney, principalmente pela pluralidade que tem. Colocar uma personagem latina e bissexual como a protagonista não é pouca coisa para uma emissora homofóbica. Apesar de ser obrigada a encurtar a história e agilizá-la, Dana Terrace fez um excelente trabalho e deixou sua marca na história dos desenhos e na de quem assistiu.

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Marina Llata

The Owl House (A Casa Coruja) é uma série animada criada por Dana Terrace. Lançada em janeiro de 2020, acompanha a trajetória de Luz Noceda (Sarah-Nicole Robles), uma adolescente que tem dificuldade de se encaixar e fazer amigos e, ao encontrar um portal para as Ilhas Escaldadas, localizadas em uma dimensão habitada por bruxas e demônios, escolhe passar um tempo nesse mundo fantástico ao invés de ir ao Acampamento de Realidade no verão. Lá, ela encontra Eda (Wendie Malick), uma bruxa rebelde, e seu amigo King (Alex Hirsch), um demônio muito fofo, sendo acolhida pelos dois e se tornando aprendiz de Eda. 

O estilo do desenho é bastante único e pode-se arriscar dizer que inédito na Disney, com ênfase em elementos obscuros e de horror misturados a alguns outros fofos em contraposição. Apesar de uma animação e backgrounds bem detalhados, Terrace disse em entrevista à Collider que, inicialmente, o design dos personagens e artes conceituais eram mais minuciosos, o que não foi possível de ser mantido devido a uma questão prática de produção. Além disso, a criadora e showrunner já comentou em diversas outras entrevistas e também em sua conta no Twitter sobre como a ideia inicial para o tom e estilo da série era mais gráfica e obscura, mas teve que ser modificada para se enquadrar melhor na marca e seu público.

The Owl House consegue ser profunda não apenas no quesito visual, mas também em seus tópicos e temas abordados, tratando de questões como não se sentir pertencente, algo que se mostra presente na vida de Luz até que ela encontra as Ilhas Escaldadas. Também são abordados problemas familiares, mostrados no caso de Amity (Mae Whitman), com sua mãe manipuladora e narcisista, o processo de auto descoberta de King, o empoderamento de Willow (Tati Gabrielle), que antes se sentia inferior e fraca, o desenvolvimento emocional de Hunter (Zeno Robinson), que passa a confiar em outras pessoas. Além disso, a série aborda a questão da ansiedade, mostrada de forma metafórica em um episódio focado no personagem Gus (Issac Ryan Brown), e ainda o totalitarismo, representado pelo tirano Belos (Matthew Rhys), contra quem Eda é rebelde.

Um dos aspectos que ganhou notoriedade a respeito da série é sua ampla representatividade, que inclusive é inovadora se pensarmos nos padrões da Disney. A série conta com uma protagonista bissexual e retrata abertamente o primeiro relacionamento homoafetivo em um desenho animado da empresa. Além de contar com ume personagem não-binarie, e diversidade racial, com personagens diversos culturalmente e de distintos tipos físicos.

No entanto, recentemente uma pauta constante no fandom tem sido o famigerado cancelamento de The Owl House e quais seriam seus motivos. Quando finalmente pudemos ver avanços consideráveis a respeito de inclusão e diversidade na indústria de animação por parte da Disney, a marca volta a dar passos para trás? Em outubro de 2021, Dana Terrace esclareceu que não acredita que o motivo do cancelamento tenha sido a abordagem da temática LGBTQIA+. “Por mais que nós tenhamos tido problemas em ir ao ar em alguns países, eu não vou supor má fé das pessoas com quem eu trabalho em LA”, disse a criadora em entrevista à DigitalSpy. 

É visível a tentativa de Terrace de amenizar os boatos sobre uma Disney queerfóbica, afinal ela tem um contrato vigente com a empresa, mas também é visível sua frustração. E ela não é a primeira a passar por essa situação de censura vinda da marca, Alex Hirsch foi impedido de representar em tela um casal gay em Gravity Falls, ao passo que Daron Nefcy teve que manter um casal sáfico subentendido e há evidências de que ela não pôde colocar em Star vs. As Forças do Mal uma personagem transgênero. Os três criadores já se pronunciaram algumas vezes em suas redes sociais a respeito da censura que produtores executivos da empresa impõem. 

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Andreza Santos

Uma família de surdos onde há apenas uma única ouvinte, a filha mais nova. Essa é a descrição inicial de CODA, que ganhou no Brasil o título No Ritmo do Coração. Ruby – a protagonista – é vivida pela talentosa Emilia Jones (Locke & Key), ela é a CODA (Child of Deaf Adults,  filha de adultos surdos) da família. Trabalhando durante a manhã na pescaria, ela interpreta e traduz tudo o que seu pai, mãe e irmão querem dizer para as pessoas não-surdas. Tudo muda quando ela decide entrar para o coral da escola.

O filme de 2021 é inspirado no longa alemão A Música e o Silêncio (1996) da diretora Caroline Link, que por sua vez ganhou uma versão francesa em 2014 com A Família Bélier. Nesta interpretação estadunidense, a diretora Sian Heder (Little America) traz um ponto de vista inovador para uma narrativa convencional de filmes de dramédia, nos fazendo observar como vive uma família de surdos na sociedade, acendendo uma luz sobre o problema de inclusão e a falta de acessibilidade de pessoas com deficiência em todos os lugares.

Na trama, acompanhamos a história através da perspectiva da ouvinte, e a partir dela vemos as inúmeras dificuldades enfrentadas pela família Rossi para se expressarem. No fim, todos acabam dependendo de Ruby, que sempre está na corda bamba segurando as pontas da família, através da maneira hábil de se comunicar e traduzir a linguagem de sinais, que está presente em pelo menos 50% dos acontecimentos.

CODA passou por diversos festivais antes de seu lançamento, incluindo o de Sundance, onde levou 4 prêmios dentre eles Melhor Filme do Júri. A produção de Heder é espontânea, sensível, afetuosa e muito engraçada. A aclamação de público e crítica, fez o longa chegar até o Gotham Awards e ao Globo de Ouro, sendo indicado em duas categorias, Melhor Filme de Drama e em Melhor Ator Coadjuvante com Troy Kotsur (Número 23), pai de Ruby na trama.

No Ritmo do Coração destaca a qualidade de Sian Heder como diretora e roteirista, onde segue ganhando prêmios pela sua genialidade nas duas áreas. A  boa fotografia  – pelas lentes da brilhante Paula Huidobro  –, ótimas sacadas no roteiro e uma bela trilha sonora – assinada por Marius De Vries  –, transformam o longa em algo imperdível. 

A história que gira em torno de Ruby mostra a adolescência dela, o preconceito de seus colegas perante a família surda e o primeiro amor. Emilia Jones brilha em cena, permitindo que sua família fictícia brilhe junto dela. O longa foi comprado pela Apple TV em Sundance por 25 milhões de dólares, tornando esse o maior valor já pago por um filme no festival. Além disso, a canção original Beyond The Shore, que descreve a vida dupla que Ruby leva entre a família e a Música, está na lista de pré-indicados ao Oscar 2022, e pode surpreender na categoria.

Após se juntar ao coral da escola, Ruby é incentivada por Bernardo Villasboas (Eugenio Derbez) – seu professor de canto – a fazer uma audição para a faculdade de Música de Berklee, o que gira a vida dela e de sua família de cabeça para baixo. Conforme a trama se forma, podemos ver o quão afetuosos e unidos são os Rossi, apesar de todas as adversidades da vida, o amor e a felicidade prevalece entre eles.

O paralelo mais importante do filme se dá quando Ruby informa aos pais que quer sair de casa e ir para uma faculdade de Música. Frank vê a decisão de Ruby como algo trivial. Já Jackie – a matriarca da família – vivida pela vencedora do Oscar Marlee Matlin (The Magicians) não aceita de maneira alguma essa decisão da filha. O filho mais velho, Leo (Daniel Durant), vê a escolha da irmã como uma oportunidade de poder tomar conta da família e não ter que depender da caçula para se comunicar.

Durante o terceiro e último ato do filme, vemos Ruby se apresentar com o coral da escola onde sua família vai assisti-la, mesmo não ouvindo nada do que ela canta. Nesta sequência, experimentamos como seria a cena da perspectiva dos surdos, o que causa um estranhamento pois para nós, os não-surdos, isso é algo incomum. Mas para eles é a forma como eles veem a vida, o que traz uma grande reflexão. O olhar genial de Sian Heder nos permite observar como a família olha para as outras pessoas da plateia, buscando um modo de entender a música e de se encaixar na sociedade, mas sem sucesso.

A fórmula “batida” da narrativa é bem conduzida pela diretora, que explora mais a representação familiar, apresentando um divisor de águas entre o mundo de surdos e não-surdos, onde Ruby se destaca, enquanto se desdobra nesse conflito. É difícil não se apaixonar por CODA, o qual também conta com um elenco primoroso, nos levando do riso às lágrimas sem esforço, em um piscar de olhos, engrandecendo ainda mais a história.

No Ritmo do Coração não precisa se esforçar para ser bom, ele é autêntico e naturalmente envolvente, aquele tipo de filme que vale a pena ser visto. É encantador, divertido e emocionante de uma forma singular. Facilmente se tornou um comfort movie, já que foi uma experiência incrível acompanhar a jornada da família Rossi e o início da independência de Ruby. Original da Apple TV+, o longa está disponível no Brasil pelo Amazon Prime Video.

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Thuani Barbosa

Escândalos na realeza, desde uso de drogas, romances escondidos, crises financeiras e familiares até preconceito e morte. Todas essas vertentes você vai ver em Young Royals, o novo romance LGBTQIA+ queridinho da Netflix. Seguindo a linha de raciocínio de outros seriados como The Crown, a obra mostra o lado difícil de ser parte da monarquia e, ainda assim, nos contempla com a aventura da adolescência muito similar a Elite. Dever, status, lealdade e amor é tudo que esperamos do romance sueco. 

Lançado em 2021, o seriado acompanha uma onda de crescimento nas produções suecas, ao lado do romance Amor & Anarquia de Helena Bergström, e do drama queer Dancing Queens de Lisa Langseth. A estreia da primeira temporada de Young Royals não teve a recepção avassaladora que merecia do público, portanto ainda não se sabe sobre a produção de uma segunda parte. Assim, a Netflix vem trazendo a diversidade que frequentemente falta no catálogo, e a exibição da obra teen ajuda na credibilidade, uma vez que chegou arrasando.

A trama se inicia com um escândalo envolvendo o Príncipe Wilhelm (Edvin Ryding), que é enviado pela família para o famoso colégio interno Hillerska. Lá, ele conhece Simon (Omar Rudberg), com quem vive um romance ardente e divide suas incertezas em relação à monarquia. Em certos momentos o relacionamento deles se assemelha com o romance Me Chame Pelo Seu Nome dirigido por Luca Guadagnino. No longa-metragem, os jovens Elio (Timothée Chalamet) e Oliver (Armie Hammer) vivem uma paixão ardente; o filme e a série se assemelham quando você sente que a tensão sexual entre eles está palpável no ar e o casal tenta evitá-la, ambos tratam de temas queer, e o final feliz não chega tão fácil, mas ainda assim, são abordagens extremamente diferentes. 

Young Royals se passa “no agora”, tem personagens mais jovens, ainda no colegial e em busca de uma certa aceitação social, já Me Chame Pelo Seu Nome acontece em 1983 e mostra um estilo de vida, modo de vestir e se comportar oposto ao que vivemos na atualidade. A condução dos dois também é inegavelmente divergente, começando pelo ponto que uma se passa em Estocolmo, Suécia e tem uma paleta de cores mais neutras, optando por tons mais sombreados, mornos, exibindo as florestas e castelos antigos e em alguns casos cintilantes, e a outra em Crema, Itália e possui uma paleta mais vibrante, alegre e de tons fortes, exaltando os raios de sol e longos momentos a beira rio.

Após uma perda na família, Wilhelm se torna o príncipe herdeiro e o primeiro na linhagem de sucessão ao trono sueco, o que deixa sua relação com Simon ainda mais complicada. A morte de um membro da realeza mostra um lado sensível dos pais de Wilhelm, ainda que a Coroa sueca pareça sempre mais importante que qualquer coisa. Além disso, um evento tão marcante como o luto não tem o impacto esperado, até porque é uma morte tão importante, o que deixa o enredo fraco em relação à convivência da família real. Para completar a lista de drama parental, a família de outros personagens demonstra certa instabilidade, como os Arnas, que além de lidar com a perda do patriarca enfrentam a falência.

Os familiares de Simon também tem adversidades mal desbravadas no roteiro, dado que a relação com o pai sempre se mostra problemática devido ao álcool e uso de drogas, mas o assunto é sempre vago e deixa o espectador com a impressão de não saber exatamente o que se passou para o corte de laços acontecer. E há a os pais de Felice, que tem para a filha expectativas que ela não consegue cumprir, deixando a relação pessoal da família defasada. 

Os personagens secundários, como August (Malte Gardinger) e Sara (Frida Argento), vem pra trazer altas emoções, algumas boas, outras terríveis. A beleza e o jeito melindroso de August deixa o quase vilão ainda mais interessante, mas a imaturidade e impulsão fazem com que suas atitudes afetem o casal principal negativamente. Mas, ainda assim, é fácil ver o quão necessários são os conflitos para o desenvolver da história. 

Diferentemente de Sara, que parece sempre confusa mas, quando é conveniente, sabe ser ousada e favorecer a si mesma. Já Felice (Nikita Uggla) traz a dose exata de  simpatia para se tornar a preferida do público, é uma personagem gente como a gente! Para todos, ela parece perfeita e intocável, mas tem problemas com o próprio corpo, conflitos com os pais, e o melodrama adolescente que toda produção teen pede, mas isso não a impede de sempre empenhar para melhor e ajudar quem precisa dela. Young Royals tem o tipo de trama que te deixa com vontade de viver o que se passa na tela, onde você gosta de alguns personagens e odeia outros.

Com cenários de perder o fôlego, a série dirigida por Rojda Sekersöz e Erika Calmeyer exala sofisticação, diante de rios vastos e castelos antigos, que fazem com que o telespectador seja teletransportado para a Suécia e sinta o frescor do vento e o frenesi de ser um jovem da realeza vivendo um romance proibido. Ambientada com tons neutros e espaços amplos, Young Royals dá a sensação de quietação e liberdade, entretanto a autonomia dos personagens está sempre reduzida ao terreno do colégio e, raramente, à cidade mais próxima. E a quietação comumente é preenchida pelos burburinhos dos estudantes nos corredores e as festas organizadas às escondidas pelos veteranos.

O seriado, criado por  Lisa Ambjörn, Lars Beckung e Camilla Holter, mostra de maneira extremamente realista e calma os problemas que muitos adolescentes têm enfrentado na atualidade. Um exemplo é August, que frequentemente usa entorpecentes para manter seu alto desempenho nos esportes, outro é Wilhelm, que se droga após um grande abalo emocional. Felice, que por mais que seja popular e considerada perfeita por todos, ainda tem problemas com sua autoestima, enquanto Sara precisa lidar diariamente com a pressão social e o preconceito acerca do Asperger que convive e não a permite se encaixar perfeitamente entre outros jovens.

Esbanjando delicadeza e romantismo, o enredo também tem sua pitada de crítica social, já que traz um príncipe, presença que tem forte influência política em vários países até os dias atuais, em um relacionamento homoafetivo. O que é de extrema importância para a visibilidade da comunidade LGBTQIA+ no mundo; por mais que o casal não fique junto “pelo bem da realeza”, ato que demonstra o quão antiquado e preconceituoso tem sido o tratamento de certos governos em relação a relacionamentos gays, o drama de Young Royals é uma das formas de fazer a sociedade olhar ao redor é perceber o quão doce e suave é o amor, independente de como é.

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Ana Clara Moreira

Após cinco anos desde seu lançamento, Skam deixa seu legado inovando não só a cultura do entretenimento para jovens, mas também propondo reflexões acerca da vida e experiências sociais. Inicialmente, quando comparada a famosa série Skins, Skam surpreendeu seus espectadores logo de início, pois trata-se muito mais do que só um drama adolescente qualquer. Ela fala sobre temas muito discutido atualmente, como ansiedade, depressão, sexualidade, estupro, religião, feminismo, uso de drogas, racismo, crimes virtuais, imigração, explorando muito bem cada um deles. 

A série destaca-se na escolha de excelentes atores e diálogos de quatro a seis minutos, que antes eram considerados cansativos, agora faz com que a trama flua de maneira honesta e natural, da forma mais cotidiana possível, com debates atuais e sem romantiza-los. Isso faz com que Skam seja uma exceção das produções cinematográficas atuais, fugindo de conteúdos banais e tramas previsíveis.

A série norueguesa se passa na cidade de Oslo, contando detalhadamente a trajetória de Eva Kviig Mohn, Noora Amalie, Isak Valtersen e Sana Bakkoush pelo ensino médio. Cada personagem é protagonista de uma temporada que aborda a “vergonha” de cada um, tradução da palavra Skam. Ela é produzida e escrita por Julie Andem que, mesmo com um baixo orçamento, conseguiu construir uma narrativa esplêndida, com diálogos simples e palpáveis. A identificação dos jovens que assistem é de imediato, pois, mesmo mostrando a rotina e normas culturais da Noruega, a série retrata angústias e problemas vividos por adolescentes do mundo todo, como insegurança, preconceito e traumas. 

Na primeira temporada vemos a narrativa através da perspectiva de Eva, uma menina insegura e sem muitos amigos. Nota-se que a insegurança da garota é consequência da falta de carinho de sua mãe e, principalmente, da inimizade com Ingrid, sua ex-melhor amiga. Como a história é contada através do ponto de vista da personagem, de início acreditamos que seu namorado, Jonas que traiu Ingrid, também está traindo-a. Mas, com decorrer dos acontecimentos, Eva trai Jonas. É comovente como Skam retrata todos esses dramas corriqueiros de forma palpável, aproximando o telespectador da protagonista, mostrando os intérpretes como pessoas normais que cometem erros e que se arrependem depois.

Durante os primeiros episódios Eva conhece Vilde, Chris, Noora e Sana. As cinco amigas formam um grupo para o Russ Bus, uma tradição anual em que os estudantes arrecadam e juntam dinheiro ou conseguem patrocínio para comprar e ornamentar um ônibus. Ele os levará pela estrada em festas insanas na primavera, no fim do colegial em março até o feriado da Constituição, no dia 17 de maio. Esse é um rito de passagem característico do fim da graduação do ensino médio norueguês. Mesmo que a razão delas terem se conhecido fosse para formar o grupo para o Russ Bus, durante a temporada, as meninas criam laços fortíssimos e protagonizam o squad da série.

Um dos maiores pontos positivos de Skam é que o seriado é fiel em retratar o jovem norueguês: seus dramas, estilo de vida e rotina. Festas, estudos, romances e debates políticos, tudo que vivenciamos cotidianamente. Exemplificando: quando as meninas estão fazendo uma reunião do Russ Bus, e Vilde acaba julgando Eva, chamando-a de vadia por ter traído Jonas, Noora diz a Vilde: “interessante como se descreve feminista, e chama outras garotas de vadias”. O que gera uma reflexão no grupo e no telespectador, sobre sororidade e representatividade, já que esse tipo de debate ocorre diariamente na vida de muitas mulheres, entre amigos, familiares e até mesmo desconhecidos, e é de extrema importância a abordagem desse tema em séries juvenis.

No final dessa temporada, Eva percebe que não age de acordo com seus próprios princípios, e decide mudar isso. Ela decide fazer as pazes com Ingrid e aproximar-se da mãe e, principalmente, valorizar a própria opinião, não apenas as dos outros. Assim sendo, temos o momento emocionante de término de Eva e Jonas, em que ela entende a importância do amor próprio. Observa-se o amadurecimento da personagem, processo em que todos passamos durante a adolescência.

Uma importante personagem da primeira temporada que merece ser destacada é Noora. Uma mulher muito politizada e que leva como lema de vida “todo mundo que você encontra está lutando uma batalha sobre a qual você não sabe nada. Seja gentil. Sempre”, torna-se a protagonista da segunda temporada. Com isso, aprendemos um pouco mais sobre seu passado e algumas de suas angústias, como se sentir abandonada pelos pais que estão em outro país.

No entanto, nessa temporada vemos uma Noora mais vulnerável e apaixonada por William, um dos bad boys da série, muito popular e que demonstra estar apaixonado por ela também. Mas reagir com violência perante a algumas injustiças vai contra a alguns princípios da garota, deixando-a acreditar que deve terminar o relacionamento. Então, Noora é aconselhada por Sana, que ressalta que é mais válido entender o porquê de alguém agir do modo que age, do que julgá-lo errado e romper o namoro. Por conseguinte, a dupla entende que existem muitas diferenças entre eles, mas também muitos pontos em comum e, por respeitar as diferenças e amadurecerem juntos, formam um dos casais mais queridos de Skam pelos fãs.

A segunda temporada aborda temas ainda pouco discutidos no Brasil, como o estupro e suas consequências. Noora acredita que foi estuprada pelo irmão de William, Nico, e se sente extremamente culpada e enojada pela situação. Isso a atrapalha nos estudos e em suas relações sociais, pois é intimidada por Nico, que ameaça espalhar fotos nuas da garota. Felizmente, suas amigas a ajudam a se sentir menos sozinha e buscam assistência da legislação, e conseguem se livrar do garoto de uma vez por todas. 

Culturalmente, as leis na Noruega são seguidas de forma muito restrita, diferentemente do Brasil, onde quem denuncia algum abuso sexual, muitas vezes, não consegue o auxílio necessário, fazendo com que a população não acredite nas leis que existem para proteger os cidadãos. Porém, quando nós, brasileiros, vemos um exemplo de como deveria ser se a lei fosse respeitada e cumprida de forma efetiva, o impacto é grande, de forma a nos proporcionar expectativa de um futuro melhor e algo pelo que lutar.

Já na terceira temporada de Skam, o protagonista é Isak e, dessa vez, conseguimos ver através do ponto de vista dos garotos: Isak, que fora apaixonado por seu melhor amigo, Jonas, se apaixona por Even, o novo aluno do colégio. Assim como anteriormente, o protagonista tem dificuldade em comunicar-se com seus pais, principalmente porque sua mãe é religiosa, e ele tem medo de não ser aceito por ela nem por seus amigos. No decorrer dos capítulos ele percebe durante uma de suas conversas com Sana que “o ódio não vem da religião, vem do medo”, e revela sua sexualidade para seus pais e amigos, que o aceitam como ele é. 

Entretanto, Isak descobre que seu namorado, Even, sofre de transtorno bipolar, desconhecido por muitos, mas comum no Brasil e no mundo. Vemos, então, a dificuldade em conviver com uma pessoa com esse distúrbio, mas, ainda assim, continua sendo um ser humano que chora e ri como qualquer outro, e que merece ser amado. Nesse ponto, temos uma das frases mais emblemáticas de Skam: “Alt er love”; significa “tudo é amor”. Observa-se, então, a importância do companheirismo e lealdade em nossas relações sociais, e em como podem se tornar profundas quando o amor é quem nos guia.

Por fim, na quarta e última temporada de Skam o público tem um contato maior com Sana, uma garota muçulmana que sofre muitos julgamentos em sua vida. Desde o início da série ela foi alvo de preconceito por causa de sua religião, inclusive por parte de suas melhores amigas. Eles a julgavam pelo fato de não ter relações sexuais, usar o hijab e até mesmo ir às festas mas não ingerir bebida alcoólica. Sana se manteve, aparentemente, calma e impenetrável durante os primeiros anos de Skam. Mas agora ela está mais vulnerável e sente-se insuficiente, pois não se encaixa totalmente nem dentro da cultura muçulmana, nem na cultura norueguesa. Além disso,  sua recente paixão por Yousef, um garoto não muçulmano, torna tudo mais complicado para ela.

Durante essa temporada, a raiva que Sana sente por toda a opressão que sofre por causa da sua religião e gênero, que antes era despercebida, agora está à flor da pele. Pois estão a impedindo de ser feliz, fazendo com que aja com impulso, magoando seus amigos e afastando-os. Porém, como antes, a série traz muita realidade em seu roteiro e Sana, com a ajuda de seus entes queridos, consegue enfrentar os medos e angústias que a atormentavam, mesmo ainda que tenha de viver com eles por muito mais tempo. Ela torna-se uma inspiração para muitos, pois é uma mulher com forte convicção, alguém que está sempre questionando o seu arredor sem desrespeitar o próximo.

Apesar de não incluir todas as minorias sociais que são oprimidas na sociedade atual, como deficientes físicos, transsexuais e protagonistas negros, Skam chega muito próximo disso. Ademais, a diretora Julie Andem vendeu os direitos autorais da série antes mesmo do fim da quarta temporada, abrindo espaço para que outros países façam sua própria versão de Skam. Mesmo não obtido o mesmo impacto que a produção original, as outras versões exploram a cultura de cada país e apresentam maior diversidade dentre as minorias citadas, enriquecendo cada vez mais o papel da série em inovar e adaptar a indústria do entretenimento.

Skam superou todas as expectativas esperadas de uma série que retrata o dia a dia de adolescentes no ensino médio e, acima de tudo, mostra a importância da amizade em todos os momentos. Ela exibe como todos estamos conectados uns aos outros e como as emoções podem se espalhar tão facilmente. Pois, como dito por Jonas na última cena do seriado: “o medo se espalha, mas com sorte, o amor também”.

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