Nathalia Helen

Os livros de Percy Jackson marcaram profundamente uma geração de leitores, e celebrar 20 anos do início da saga é também celebrar o impacto emocional que as histórias tiveram ao longo do tempo. Desde o lançamento de O Ladrão de Raios em 2005, o autor Rick Riordan abriu portas para um universo onde a mitologia grega deixou de ser algo distante, recorrente nos livros escolares e passou a fazer parte do cotidiano de jovens leitores ao redor do mundo. Para muitos, foi o primeiro contato com deuses, monstros e heróis – mediados por humor, aventura e identificação.

Percy Jackson nunca foi o herói perfeito. Ele começa sua história como um menino confuso, impulsivo e deslocado, sem saber exatamente onde pertence – sentimento familiar de quem lê a saga durante os anos formativos. Logo no início da história, por exemplo, Percy é constantemente punido na escola, sendo diagnosticado com TDAH e dislexia e rotulado como problemático, e desenvolve sua trajetória inicial sem entender porque parece não se encaixar em lugar nenhum. Ao se descobrir filho de Poseidon, o protagonista precisa lidar não só com monstros e missões perigosas, como também com questões de identidade, amizade e responsabilidade. Essa humanidade é um dos grandes motivos pelos quais a série continua contemporânea mesmo duas décadas depois, ganhando diversas adaptações.

A obra original é composta por cinco livros publicados entre 2005 e 2009: O Ladrão de Raios, O Mar de Monstros (2006), A Maldição do Titã (2007), A Batalha do Labirinto (2008) e O Último Olimpiano (2009). Ao longo das histórias, acompanhamos o crescimento de Percy e seus amigos, Annabeth e Grover, enquanto enfrentam profecias cada vez mais sombrias e ameaçadoras, que colocam em risco tanto o mundo dos deuses quanto o dos mortais. Em A Batalha do Labirinto, a trama gira em torno da expansão de um labirinto mágico criado por Dédalo, um notável arquiteto e inventor, que serve como rota de invasão para inimigos do Olimpo, obrigando os semideuses a assumir responsabilidades maiores. A cada volume, os desafios se intensificam, assim como as consequências das escolhas feitas pelos personagens. O leitor cresce e amadurece junto com eles, criando um vínculo que torna o desfecho da saga ainda mais marcante.

Outro elemento que fortalece a série é a maneira como Rick Riordan reintroduz a mitologia grega para o público jovem, usando referências clássicas em situações contemporâneas. Deuses antigos passam a ocupar espaços do mundo moderno, enquanto monstros e desafios mitológicos surgem em cenários cotidianos, como escolas, estradas e cidades comuns. Essa abordagem criativa transformou a saga na porta de entrada para o estudo da mitologia e o incentivo à leitura entre jovens leitores.

Ao longo dos anos, Percy Jackson deixou de ser apenas uma saga de livros e se transformou em um universo literário expansivo. Novas sagas, como Os Heróis do Olimpo (2010) e As Provações de Apolo (2016), aprofundaram personagens já conhecidos e apresentaram novos heróis, mantendo o interesse dos fãs e mostrando que esse mundo ainda tem muitas histórias a serem contadas. Mesmo assim, a pentalogia segue sendo o coração desse universo.

Progressivamente, a epopeia moderna também encontrou novos públicos por meio de adaptações. Em 2023, Percy Jackson e os Olimpianos ganhou uma série no Disney+, estrelada por Walker Scobell (Percy Jackson), Leah Sava Jeffries (Annabeth Chase) e Aryan Simhadri (Grover Underwood), reacendendo o carinho dos fãs antigos e apresentando a história a uma nova geração. A primeira temporada adapta O Ladrão de Raios, acompanhando a jornada de Percy após se descobrir um semideus e sua missão para recuperar o raio-mestre de Zeus, impedindo uma guerra entre os deuses do Olimpo. Esta é a adaptação mais fiel aos livros e ajudou a reforçar a relevância da obra, além de trazer novamente Percy para o centro da cultura pop.

Celebrar os 20 anos de Percy Jackson não é apenas lembrar de quando o primeiro livro foi publicado, mas reconhecer como ele continua influenciando leitores até os dias atuais. É evidente que muitos espectadores releem a saga com outro olhar, agora mais velhos, e percebem novas camadas em cada personagem e interpretam de forma diversificada mensagens sobre amizade, pertencimento e coragem. Enquanto isso, outros a descobrem pela primeira vez, provando que boas histórias realmente atravessam o tempo.

Mesmo após duas décadas, Percy Jackson continua correndo pelos corredores do Acampamento Meio-Sangue, enfrentando deuses mal-humorados e lembrando aos leitores que ser diferente não é uma fraqueza – é uma força. A longevidade da história mostra que, mais do que aventuras mitológicas, os livros oferecem acolhimento, identificação e a sensação de que sempre haverá um lugar onde pertencemos, mesmo que esteja escondido entre o mundo mortal e o Olimpo.

“Você, Percy… você é parte deus, parte humano. Vive em ambos os mundos […]. É isso que torna os heróis tão especiais. Você transporta as esperanças da humanidade para a esfera do eterno” – O Mar de Monstros (2006)

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Íris Ítalo Marquezini

Não é surpreendente falar sobre Doctor Who para alguém alheio à série e a pessoa se impressionar com o número de episódios. No ar desde 1963, e com décadas de influência na cultura pop, o seriado televisivo de ficção científica continua a encontrar novos fãs curiosos para saber como uma cabine telefônica policial – a TARDIS – pode ser maior por dentro. Os últimos três especiais da série não são exatamente receptivos para quem desconhece aquele universo transmídia gigantesco, mas com certeza confortam os dois corações dos ‘whovians’ que estavam com saudade das frenéticas e criativas aventuras que só os Senhores e Senhoras do Tempo sabem trazer. 

Uma das características mais únicas de Doctor Who, desde a década de  1960, é a capacidade do protagonista se regenerar: isto é, trocar a própria fisionomia em situações de risco de vida e mantendo as memórias intactas –  uma solução inventada para justificar a troca de atores ao longo da produção. Após três temporadas polêmicas com Jodie Whittaker interpretando a Doutora, o seriado trocou de showrunner, e Chris Chibnall deu lugar a Russel T. Davies – o responsável pelos primeiros quatro anos da Era Moderna da série. Ou seja, trata-se do mesmo produtor que cuidou do reboot de 2005 do seriado , que continua a história da Era Clássica, mas com o objetivo de receber novos fãs, na época, com Christopher Eccleston interpretando o viajante do tempo.

Foi em 2022 que soubemos quem iria substituir a tão criativa, amorosa e elétrica Jodie Whittaker no papel de 13º Doutora. A BBC revelou que Ncuti Gatwa, astro de Sex Education e Barbie, seria a próxima encarnação do personagem. Com uma das cenas de regeneração mais épicas de todos os tempos, essa notícia tornou o emocionante e ambicioso capítulo de despedida de Jodie Whittaker, O Poder da Doutora, ainda mais surpreendente: o rosto que apareceu na tela não era de Gatwa, mas sim de David Tennant.

Com todas as 13 temporadas da Era Moderna explorando e adicionando novas camadas ao personagem do Doutor, os especiais de 60 anos aparecem quase como um fim para a Era Moderna como um todo. O próprio Russel T. Davies afirmou que a próxima temporada, agora sim estrelada por Ncuti Gatwa, será considerada a primeira de uma nova era. Os três episódios especiais, distribuídos pela Disney+, aparecem como um fechamento inesperado para os fãs do que foi uma das séries mais marcantes da última década.

O primeiro episódio dos especiais de 60 anos, A Fera Estelar, além de trazer David Tennant de volta ao papel do protagonista, também marca o retorno de uma das companions mais carismáticas. Donna Noble, interpretada por Catherine Tate, aparece com um marido, uma filha e um cotidiano corrido. Nada tão aventuresco quanto a vida acompanhada do amigo viajante do tempo. A personagem não era vista no seriado desde a quarta temporada, quando ela teve a memória apagada pelo Doutor em um dos finais mais tristes e chocantes na história de Doctor Who.

Com o risco de Donna morrer caso se lembre quem é o Senhor do Tempo, a força desse primeiro episódio está no ritmo certeiro de Comédia entre Tennant e Tate, ambos atores shakespearianos especialistas no assunto, mesmo anos depois de terem atuado juntos. O destaque vai também para Yasmin Finney (Heartstopper), que interpreta a curiosa e carinhosa Rose,  filha de Donna. Além disso, o episódio ainda conta com os fofos e impressionantes Meeps, ‘criaturinhas’ que são o foco dessa narrativa. A Fera Estelar começa como uma releitura de E.T. O Extraterrestre (1982) combinado com o memorável capítulo Parceiros no Crime, justamente para subverter ao fim a trama que esperávamos de forma divertida.

É impossível ignorar a importância que a narrativa dá ao tema da diversidade e da mudança. Afinal, é a aceitação que salva o mundo. O acolhimento do novo abre a possibilidade de haver soluções diferentes que driblem a morte e sirvam à vida. Toda essa mensagem fica clara para Rose, que se sente deslocada no começo até perceber que existe uma força bem mais bonita e poderosa dentro de si. Doctor Who é brilhante pelo equilíbrio entre o senso de aventura e a emoção: os personagens podem passar por todos os lugares mais fantasiosos do universo, mas a saudade, culpa e insegurança são sentimentos muito reais.

Nesta perspectiva, a sensação de ver Donna e o Doutor no episódio seguinte, A Imensidão Azul, é a mesma de ler HQs ou ouvir os incontáveis audiodramas do universo expandido. Temos aqui um aprofundamento do que já eram dinâmicas engraçadíssimas e únicas de se acompanhar. Trazer os dois aventureiros amados novamente parece uma jogada fácil para reconquistar os fãs mais antigos, mas se mostra uma decisão acertada, pois prova o quanto a dupla ainda tinha muito a resolver entre si. 

Temos aqui uma companion que sabe como é a dor da perda e um Doutor que está exausto de sentir o medo de sempre colocar amizades em risco. Essa soma apresentada e como ela é aplicada na narrativa é de partir o coração, por forçar esses dois personagens a desconfiar um do outro e suspender a vulnerabilidade que tinham entre si até então. Em uma trama que homenageia os filmes O Enigma de Outro Mundo (1982), de John Carpenter, e Alien, O Oitavo Passageiro (1979), de Ridley Scott, os amigos precisam lidar com cópias de si mesmos interpretadas por aliens metamorfos e cruéis. 

Um dos destaques deste capítulo é a produção da Wolf Studios Wales. Com locações construídas e complementadas com a tela verde, o cenário claustrofóbico de uma estação no fim do universo se torna imersivo e aterrorizante. Os famigerados efeitos especiais duvidosos de Doctor Who aparecem aqui de forma proposital, beneficiando-se muito da sensação incômoda de que existe algo de errado. O fato do episódio A Imensidão Azul ser montado de forma que o espectador fique tão desnorteado quanto os personagens gerou um dos finais mais desesperadores de todo o seriado.

Quando a terceira aventura de Donna e Doutor chega em A Risadinha, já é possível reparar em algumas diferenças entre as duas versões do Senhor do Tempo interpretadas por David Tennant. O personagem passa por genuínos surtos de raiva ao longo dos especiais e parece muito mais reflexivo do que a atuação mais enérgica e contida vista nas primeiras temporadas da série. Isso se explica pelo fato de ser uma regeneração do protagonista que mantém as mesmas dores e memórias dos acontecimentos que vieram até esse momento. Nesse sentido, esse aspecto poderia ter sido mais desenvolvido, já que nos momentos em que Tennant decide citar os traumas sofridos depois da própria regeneração, vemos uma carga dramática acumulada que fica reservada somente para os últimos segundos do último capítulo. 

A Risadinha alcança uma escala que tenta ser tão épica e fantasiosa que, infelizmente, acaba se distanciando bastante da ficção científica na qual os whovians estão acostumados a assistir. O Artesão, originalmente um vilão da série clássica – agora interpretado pelo ator Neil Patrick Harris –, possui poderes praticamente ilimitados e funciona bem como um contraponto ao Doutor, que também poderia ser considerado uma figura quase divina. O embate entre os dois se dá pela inteligência, e não pelo esforço físico, em um duelo de cartas semelhante ao aclamado episódio O Pesadelo de Metal.

É justamente essa quebra de regras da ficção científica que faz A Risadinha extrapolar, por bem ou por mal, os limites do que entendemos por Doctor Who. A fantasia é abraçada para colocar o Doutor em uma posição impotente em que precisa se esforçar até o limite para derrotar o vilão que alterna entre o caricato e o brutal. Essa aleatoriedade do que está por vir resulta em um episódio com cenas icônicas dividindo espaço com um ritmo muitas vezes incoerente. Após momentos extremamente tensos, a audiência é surpreendida com Neil Patrick Harris utilizando seu histórico musical em uma performance ao som de Spice Girls, de forma gratuita até demais. 

A introdução de Ncuti Gatwa acontece nesse tom, e a aparição do novo Doutor cura qualquer constrangimento sentido ao longo da narrativa. A presença de ambas versões do personagem ao mesmo tempo na tela se complementam, já que Gatwa aparece pela primeira vez tão frenético, carismático e até mesmo sarcástico quanto David Tennant foi nas próprias temporadas da Era Moderna. Mesmo com uma participação curta, o novo ator já se mostrou alguém com todas as características inteligentes que o Senhor do Tempo exige, mas com uma elegância e estilo só vistos anteriormente no 8º Doutor, interpretado por Paul McGann.

Por mais que as histórias sejam às vezes confusas, os especiais juntos formam uma ótima narrativa sobre abraçar as dualidades presentes no seriado e na vida. Se William Faulkner uma vez disse que o coração em conflito consigo mesmo é o único assunto na qual vale a pena escrever, Doctor Who se prova como uma das melhores séries a fazer isso desde sempre: o antigo e o novo; o diferente e o familiar; e o cansaço e o senso de aventura. É a coexistência como uma aplicação do que é diversidade por definição no gênero da ficção científica, nunca falhando em se reinventar. 

Quando o Doutor abraça o lado melancólico de nunca vencer completamente, mas também aceita que fez o que podia, vemos um fechamento emocionante para toda a Era Moderna da série. O protagonista sente um amor tão grande pela vida que acaba preso em um luto constante, incapaz de esquecer o que já se foi. Esse aspecto vale para todas as encarnações do personagem das 13 temporadas, mas aparece agora de forma mais leve e livre no 15º Doutor, Ncuti Gatwa. Chega a ser um ato corajoso dar um final feliz ao personagem sabendo que o ideal seria mantê-lo – com o objetivo de entreter a audiência – em um ciclo de sofrimento que poderia chegar, no fim, a contradizer a mensagem de esperança que Doctor Who sempre foi ótima em ressaltar.

Com essas possibilidades abertas, surge então um espaço para uma boa e velha história de Natal, tradição já conhecida no seriado. A primeira aventura do Doutor de Ncuti Gatwa em A Igreja da Rua Ruby faz o milagre de criar uma aventura ao estilo Charles Dickens sem ser na icônica Era Vitoriana. Parte da razão que faz isso funcionar é a nova companion, Ruby Sunday, uma órfã gentil interpretada por Millie Gibson. A dinâmica entre Ruby e Doutor funciona, pois aqui se tem uma jovem de coração muito puro, mas ignorante para muitos aspectos da vida, e um Doutor muito sábio – e completamente embasbacado  com o fato de ela conhecer tão pouco do mundo. 

Além de sarcástico, o 15º Doutor consegue ser muito expressivo tanto nas cenas de Comédia quanto nas de Drama. O personagem serve de ‘anjo da guarda’ para Ruby, tal qual vimos o Doutor de Christopher Eccleston ser para Rose Tyler (Billie Piper) no primeiro capítulo da Era Moderna. O especial de Natal protagonizado por Gatwa e Gibson é quase um episódio piloto para o que está por vir na série. Os vilões da aventura – ‘duendes comedores de criancinhas’ – são cômicos e protagonizaram uma cena musical com a colaboração do já conhecido Murray Gold, compositor das trilhas mais icônicas da série.

Doctor Who, em todos os aspectos, encerra um arco iniciado em 2005 com capítulos que tentam ao máximo fazer jus ao legado de décadas do seriado. Em meio a tantos gêneros que foram explorados, muitas abordagens para o protagonista foram inseridas e muitas companions entraram e saíram da TARDIS, deixando saudades nos espectadores e muitas piadas que aparecem para os mais atentos captarem. Mesmo com o tema principal sendo as constantes mudanças da vida que nem mesmo a viagem no tempo é capaz de evitar, muito se mantém. 

Ver Ruby entrar na TARDIS pela primeira vez causa uma sensação de conforto enorme. Nem foi preciso ouvir um “‘é maior por dentro” – a reação clássica de qualquer companion. Tudo já está lá. Assistir Doctor Who ontem, hoje e daqui muitos anos, é ter a certeza de que essa série bizarra sobre uma nave na forma de cabine telefônica policial sempre ofereceu bem mais do que prometia. O seriado mostra que ver a vida com um senso de aventura e maravilhosidade é o suficiente para que se sinta dois corações batendo no peito.

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Juliana Craveiro Fusco

Mais um ciclo chega ao fim, um que foi forçado a terminar antes da hora. Nós sabemos que uma hora tudo vai acabar, mas é sempre mais triste quando precisamos nos despedir mais cedo. E assim, The Owl House  – A Casa da Coruja, em português – se encerra, antes da hora e deixando saudades, mas mostrando como uma animação tem capacidade de tocar profundamente seu público.

A série conta a história das aventuras de Luz Noceda (Sarah-Nicole Robles), uma garota latina e bissexual que não se encaixa nos padrões dos jovens. Ao encontrar um portal em uma casa vizinha abandonada, ela se transporta para as Ilhas Escaldadas, um mundo cheio de criaturas mágicas. Lá, a protagonista conhece Eda (Wendie Malick), King e Hooty (ambos dublados por Alex Hirsch), que mais tarde se tornam sua segunda família. Nesse novo mundo, Luz tem a oportunidade de conhecer criaturas maravilhosas, mas o mais importante: a oportunidade de conhecer a si mesma – se transformando em inspiração para crianças, adolescentes e até mesmo adultos que a acompanham.

Dentro de um só desenho, sua criadora e roteirista, Dana Terrace, desenvolve brilhantemente as questões de uma pré-adolescente: o não pertencimento na sociedade, a insegurança perante um futuro incerto, a falta de autoestima e as dúvidas sobre a própria sexualidade. É claro que algumas delas são exploradas com metáforas, mas todas são igualmente bem trabalhadas pela escritora. Cada uma com seu devido tempo, a fim de que nada pareça jogado apenas para mostrar que foi abordado.

Lembrando o personagem Steven Universe, Luz é uma menina que tende a querer olhar sempre o lado bom das pessoas, acreditando que elas podem ter salvação e precisam apenas de uma segunda chance. Para a época dos cancelamentos, essa é uma lição essencial, ainda mais para as crianças. Mas, além de ensinar a oferecer uma nova oportunidade a quem errou, A Casa da Coruja mostra que nem todos a merecem, porque alguns não possuem um lado bom.

Na trama, dois tipos de vilões são retratados por Dana: o Imperador Belos (Matthew Rhys) e O Colecionador (Fryda Wolff). O primeiro é um humano adulto caçador de bruxas, já o outro, um ser mágico muito poderoso e jovem. Com essas duas figuras em cena, a série mostra que existem vários tipos de antagonistas e alguns deles são pessoas machucadas que, por não conhecerem o amor e carinho, não conseguem expressá-los por outras pessoas e por isso, as ferem.

No entanto, existem personagens que recebem milhares de segundas chances e não mudam; mesmo com todo o carinho, amor e paciência, eles continuam iguais e realmente só querem fazer mal aos outros. Ao final da terceira temporada, com a morte do (ex) Imperador Belos, a trama não só dá fim ao verdadeiro vilão da história e proporciona um final feliz aos habitantes das Ilhas Escaldadas, mas também mostra aos telespectadores que algumas pessoas não merecem e não devem ter uma segunda chance. Para se ter um final feliz, é preciso que elas desapareçam para sempre.

Ao se apaixonar por Amity (Mae Whitman), Luz descobre que é bissexual. Assim como todas as outras representatividades carregadas pela narrativa, a paixão da personagem é retratada com a normalidade com a qual sempre deveria ser. Sabemos o quão importante é mostrar que existe uma pressão muito grande para que todas as pessoas sigam o padrão heteronormativo e o quanto a comunidade LGBTQIAPN+ sofre com os preconceitos. Por isso, entendemos que é preciso existir obras que expressem essa realidade e dor; contribuindo com o aumento da resistência a esse tipo de comportamento. Mas também é necessário que as produções tratem esse assunto com a mesma naturalidade usada para relacionamentos heteroafetivos.

Em A Casa da Coruja, o namoro da protagonista mostra como esse sentimento é confuso e o medo que o envolve, mas Dana prefere dar mais visão aos sentimentos que todos têm ao se apaixonar por alguém: a vergonha que sentimos, os brancos e as falhas. E, por mais que pareça que ela não dá espaço à luta, ela também está resistindo ao provar que uma relação homoafetiva é natural, com todos os friozinhos na barriga que um relacionamento tem.

Não é só no relacionamento das duas que essa naturalidade é mostrada. Os pais de Willow (Tati Gabrielle), uma das melhores amigas de Luz, estão dentro de um relacionamento homoafetivo e são retratados sem estigmas e em nenhum momento é questionado quem é a “mãe” ou como a Willow veio ao mundo; já que uma família não necessita de uma mulher e um homem. O personagem não-binárie Raine (Avi Roque), par romântico de Eda, tem seus pronomes usados corretamente dentro do show. Da mesma forma, o pai solo de Gus é retratado como uma pessoa plenamente capaz de cuidar de seu filho, sem que precise da figura materna.

A representatividade vai além dos personagens da história, uma vez que seus dubladores estadunidenses também são diversos. Uma mulher latina interpreta Luz, uma pessoa não-binária interpreta Raine e um homem negro interpreta Gus (Issac Ryan Brown). Isso também gera conhecimento e impacta seu público espectador. Ao dar a chance de pessoas negras e LGBTQIAPN+ ocuparem seus papéis de direito dentro da sociedade, os desenhos mostram que elas podem e devem permanecer dentro desses espaços e que todas as crianças podem sonhar em serem o que quiserem.

É uma pena que A Casa da Coruja tenha sido cancelada pela Disney, principalmente pela pluralidade que tem. Colocar uma personagem latina e bissexual como a protagonista não é pouca coisa para uma emissora homofóbica. Apesar de ser obrigada a encurtar a história e agilizá-la, Dana Terrace fez um excelente trabalho e deixou sua marca na história dos desenhos e na de quem assistiu.

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