Guilherme Moraes

Próximo ao novo filme dos Vingadores, o grupo de anti-heróis, liderados por Yelena (Florence Pugh), chega para suprir a ausência de figuras marcantes do UCM (Universo Cinematográfico Marvel), como a Viúva Negra, o Homem de Ferro, o Capitão América, entre outros. Contudo, surpreendentemente, o longa não se conforma em ser apenas uma peça que alimenta a cultura do hype, ele, ao menos, busca ser uma obra audiovisual, com ideias e que pensa em sua forma. Nesse sentido, Thunderbolts* intriga ao propor a morte do cinema de heróis, porém, é boicotado pela própria Marvel.

Após Vingadores: Ultimato (2019), o esgotamento do gênero ficou cada vez mais evidente. Surgiram obras debochadas como The Boys (2019) e outras que ganharam espaço até mesmo dentro da Marvel e DC. Desde que a trilogia Batman, de Christopher Nolan, e a primeira fase da Saga do Infinito fizeram sucesso, essas produções perderam suas cores, viraram mais realistas e se escoram em outros gêneros para se revestirem de mais sérios. Batman: O Cavaleiro das Trevas (2008) é um clássico filme policial, mas protagonizado pelo morcego e, Homem de Ferro (2008) é uma ação muito mais próxima de Rambo (1982) e Duro de Matar (1988) do que Superman (1978). Nesse contexto, Thunderbolts* aparece para tentar decretar a morte desta maneira sóbria que o universo das HQs adotou para as telas.

Talvez seja o longa que melhor representa o que é um anti-herói. Deadpool é sempre associado a este arquétipo, por ser um personagem que mata os vilões, que se porta como descompromissado e decide fazer o que é certo, por motivos egoístas. Esta equipe é diferente. Viúva Negra – no caso, Yelena –, Guardião Vermelho (David Harbour), Soldado Invernal (Sebastian Stan), Agente Americano (Wyatt Russel) e Fantasma (Hannah-John Kamen) formam um time de defensores em crise. Seus problemas não são tão diferentes dos clássicos paladinos fantasiados, todavia, o jeito como lidam com eles os torna distintos. Cada um perdeu seu senso de propósito: são deprimentes, sozinhos e patéticos. 

Não voam ou saltam até a grande batalha, chegam por meio do elevador; não lutam até a morte como o Capitão América, são derrotados com facilidade e saem correndo com o rabo entre as pernas. Nesse sentido, a inspiração na A24, muito lembrada por seus dramas psicológicos –,  muitos profissionais que trabalharam na empresa fazem parte da produção de Thunderbolts* – funciona bem ao lidar com a psique dessas figuras. É a representação do estado catatônico em que se encontra o cinema de herói. É uma das poucas vezes em que os tons cinzentos da Marvel não são totalmente vazios. A fotografia sem vida presente na estética do UCM, nas mãos de Andrew Droz Palermo, finalmente encontra um propósito e fortalece a narrativa, combinando a condição mental dos personagens e do gênero com a ausência de cores.

Chama a atenção como Thunderbolts* entende que as obras do universo estão todas presas uma na outra, necessitando que sejam sempre coesas e sigam um estilo muito parecido e retirando-lhes a liberdade criativa. Dentro deste contexto, o vilão Sentinela (Lewis Pullman) funciona quase como uma metáfora. É um dos seres mais poderosos da Marvel, com uma fantasia amarela bem forte, contudo, ele é extremamente controlado, sua primeira aparição é anticlimática e seu uniforme, apesar de amarelado, não tem vida. O momento em que adquire liberdade é quando ‘morre’ e vira verdadeiramente um antagonista. Ele perde qualquer mínima cor que tinha, se torna uma persona sem rosto e totalmente escurecido, com o poder de transformar tudo em sombras. Sua morte permite seu renascimento como algo diferente, porém, sem uma definição exata do que irá se tornar.

Não é por acaso que o universo retorna a Nova Iorque e à torre dos Vingadores. Ainda que algumas histórias se passem na cidade que nunca dorme, desde a primeira fase do MCU (Marvel Cinematographic Universe), com Os Vingadores (2012), a concorrente da DC Comics não lida com a metrópole como um personagem, ou como um palco para grandes acontecimentos. Nesse sentido, o retorno se torna mais forte, pois olha para si e entende o desgaste das obras nas fases quatro  e cinco. O grande prédio do grupo de heróis está cinzento. Não existem mais defensores, é o fim dos Vingadores. Se no final da fase um ele ganha vitalidade a partir da formação do grupo, agora sua aparência é desesperançosa e vazia por dentro. Entretanto, esta construção é jogada fora ao declará-los como os sucessores dos defensores da Terra. Se Thunderbolts* busca o fim para que o cinema de herói seja reimaginado, a Marvel resiste, não se arrisca e tenta continuar lucrando.

Florence Pugh é a grande força do longa, ditando o tom melancólico sem roubar para si a encenação. Ela é cativante, até mesmo em um papel triste, cabisbaixo e limitado, provando, de novo, ser uma das grandes atrizes da nova geração hollywoodiana. Todavia, David Harbour vai para o caminho oposto, estando totalmente fora de sintonia. Seu personagem concentra um dos maiores defeitos das produções do UCM: as piadinhas para quebrar o drama. A dramaticidade não é uma necessidade, porém, é incômodo como fazem isso com o intuito de evitar o amadurecimento. O público que começou a acompanhar em 2008, cresceu, no entanto, os filmes continuam infantis, incluindo os +18, que, tem uma linguagem imprópria e fazem apologias sexuais, mas continuam abordando seus temas e utilizando deste vocabulário mais adulto de forma pueril, como a trilogia Deadpool.

Thunderbolts* foi uma grata surpresa nesse mar de obras pouco imaginativas. Não que este seja um projeto autoral – sua própria inspiração na A24 demonstra essa criatividade fajuta –, contudo, tenta ao menos criar algo, minimamente próprio, com ideias e, ainda por cima, bem executadas no geral. O grande problema é que a própria empresa boicota a fita devido aos mesmos defeitos de sempre, como as piadinhas, as referências, as cenas pós-créditos, as ‘sacadinhas’ e as indicações de algo que será desenvolvido em outro momento. Ou seja, mesmo que a película tenha sido realmente boa, o futuro não tende a ser muito esperançoso, porque a ruptura proposta não aparenta ter efeito algum. A Marvel está em um ciclo sem fim, cada vez menos inventivo e não se importa com isso.

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Gabrielli Natividade da Silva 

Stranger Things já está consolidada como um dos maiores sucessos da Netflix há muito tempo. Sua primeira temporada foi ao ar em 2016 e, agora, a quarta parte da história segue mantendo a boa recepção do público e consegue angariar ainda mais fãs, mesmo que seu lançamento tenha sido postergado pela pandemia. Esse ano, a série recebeu 13 indicações ao Emmy, sendo as principais Melhor Série de Drama e Melhor Elenco de Série de Drama – as outras nomeações figuram categorias técnicas. Um ponto ficou claro nesta última leva de episódios, o de que a aura infantil e sonhadora se foi e as sombras rondam os moradores de Hawkins. Os irmãos Duffer começaram um jogo brutal, mas, em alguns momentos, nota-se que desistiram de suas melhores jogadas.

É aparente que a temática geral da série se tornou mais sombria, a começar pelo próprio plot apresentado neste ano. O tão amado grupo de amigos retorna à escola após os eventos catastróficos do último quatro de julho, desta vez, com uma perspectiva nova: o Ensino Médio. Lidando com problemas considerados normais para a adolescência, como novas amizades, busca de uma identidade e até mesmo bullying, foi realmente uma surpresa para eles que corpos desconfigurados passassem a ser encontrados pela cidade, ainda mais quando uma das integrantes do bando poderia ser a próxima vítima. Essa narrativa se relaciona com o terror dos anos 1980, o que faz sentido e é muito interessante para quem consegue identificar referências nítidas no roteiro, com o principal exemplo sendo a inegável semelhança entre Vecna (Jaime Campbell Bower) e Freddie Krueger (Robert Englund até mesmo fazendo uma participação rápida na temporada). 

Toda a mudança de tom da produção leva a uma dúvida importante: Stranger Things perdeu sua coerência? A resposta não é certa. Ross e Matt Duffer se esforçaram para que todo o conteúdo se mantivesse interligado, mas não é difícil perceber que a série está quase irreconhecível. A linguagem macabra é, na verdade, muito bem-vinda. Porém, seria mais atrativo que os criadores dessem o próximo passo, já que eles não tem pena alguma de matar sem mais nem menos personagens secundários (e têm a fama de adicionarem-nos apenas para isso), contudo nunca tiveram coragem de tirar de cena um dos protagonistas. Will (Noah Schnapp), Hopper (David Harbour) e, agora, Max (Sadie Sink) chegaram perto, mas tiveram suas vidas salvas no último minuto, quebrando a expectativa do espectador e o deixando tranquilo quanto a uma possível grande morte – o que não é bom. Ver a morte da ruiva, por exemplo, teria sido mais intrigante do que assistí-la quebrada e cega em uma cama de hospital. 

Quanto a adição dos personagens novos, pode-se dizer que houve alguns acertos e muitos erros. Chrissy (Grace Van Dien) foi um raio de luz e conquistou o público rapidamente com seu jeito simpático, mas, infelizmente, sua presença não durou nem dois episódios. Pelo menos sua participação foi imortalizada com os vários remixes de Chrissy, Wake Up. Seu namorado Jason (Mason Dye), por outro lado, foi mantido até o último momento, mesmo que fosse inconveniente e minimamente carismático. A adição mais injusta foi a de Vickie: todo o talento incontestável de Amybeth McNulty acabou desperdiçado, uma vez que a personagem foi resumida a um interesse romântico e apareceu em pouquíssimos segundos de tela. Argyle (Eduardo Franco) teve uma trajetória parecida com a da paixão de Robin, tratado como um simples alívio cômico e tendo utilidade em alguns raros momentos. 

Eddie Munson, por outro lado, foi um sopro de ar fresco em meio ao caos da quarta temporada de Stranger Things. Joseph Quinn foi capaz de impor sua forte presença no minuto em que apareceu, mantendo-na até seu último suspiro. Com uma personalidade impossível de desgostar e uma coleção de momentos icônicos, o jovem adulto repetente trouxe uma química surreal com uma grande quantidade de personagens, especialmente com Dustin (Gaten Matarazzo), característica até então atribuída apenas para o ex bad boy Steve Harrington (Joe Keery). Eddie foi o típico jovem deslocado, a quem nunca foi dada uma oportunidade real de mostrar sua verdadeira face, e, mesmo que as teorias apontem que o metaleiro mais amado da Netflix ainda está vivo e no mundo invertido, as injustiças lhe ocorreram até mesmo depois de sua morte. 

O protagonismo neste quarto ano ficou por conta de Max e Eleven (Millie Bobby Brown). Mesmo que a súbita falta de poderes da última a tenha colocado em segundo plano, o resto da trupe foi obrigado a lidar com os problemas sem se apoiar em sua super-heroína. As duas personagens são próximas desde a temporada anterior e o fato de Max ser a última vítima de Vecna fez com que a ligação entre elas se estreitasse ainda mais. Eleven estava desesperada para retomar suas habilidades e salvar sua melhor amiga, assim como, mesmo se afogando em desespero, Max foi capaz de se acalmar com a proteção de sua aliada, até mesmo tentando ajudá-la no meio de um embate de gigantes. 

Mesmo que a volta de Max não seja tão interessante de se assistir, é emocionante notar que a personagem de Millie preza tanto pela garota que foi capaz de ressuscitá-la. Para a surpresa de muitos, nenhuma das atrizes foi indicada ao Emmy esse ano. A exclusão de Sadie foi a mais chocante, já que, após a sua performance no episódio Dear Billy, parecia óbvio que a jovem seria indicada ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante em Drama. 

Um fato curioso e, nesta altura do campeonato, um pouco incômodo, é o fato de que Eleven ainda não descobriu sua própria identidade, sempre se adaptando ao meio em que está inserida. Na primeira temporada, ela era influenciada por Brenner (Matthew Modine) e Mike (Finn Wolfhard), e na segunda, por Hopper e Kali (Linnea Berthelsen). Já na terceira, era Max quem desempenhava esse papel e, na quarta, Joyce (Winona Ryder) e Brenner novamente. De certa forma, faz sentido que a garota não saiba quem é por ter tido sua infância roubada de si, mas após quatro anos era de se esperar que houvesse um progresso em seu processo de descoberta, e não é o que aparenta. 

No início da trama dessa temporada, Eleven trava uma grande discussão com Mike, por sentir que não se encaixa em lugar algum e, pouco depois, demonstrou que seu antigo ‘papa’ ainda demonstrava muito poder sobre ela. Com o cientista morto e a jovem tendo descoberto a origem de seus problemas e seus novos poderes, aguarda-se que ela finalmente deixe desabrochar sua personalidade. Porém, tendo perdido uma batalha para Vecna, o futuro ainda é imprevisível.  

Já ficou claro que houve muita quebra de expectativa na mais recente temporada de Stranger Things, mas a maior delas envolve Mike e Will. Wheeler estava acostumado a ser o líder do grupo desde o primeiro ano da série, porém seu brilho foi ofuscado e ele foi rebaixado ao posto de namorado bobinho de Eleven e interesse romântico de Will. Byers, por sua vez, tem sido cada vez menos aproveitado: sua ligação intensa com o mundo invertido praticamente não foi abordada no novo plot e, com certeza, quase todo o público se sentiu enganado pela Netflix ter optado por prolongar o queerbating mais um pouco. Os sinais de que Will se assumiria gay e apaixonado por um de seus melhores amigos eram óbvios para muitos, mas, por algum motivo incompreensível, o último passo não foi dado. Só resta esperar que esses personagens tão importantes sejam melhor explorados na próxima trama. 

Um fator que passou longe de decepcionar no novo ano de Stranger Things foi, definitivamente, a trilha sonora. A inserção de Eddie na série realmente foi benéfica nesse sentido, já que o garoto agraciou a todos com referências ao rock e o metal dos anos 1980, além de trazer um dos melhores momentos da temporada: o solo de Master of Puppets, que faz todo o sentido com a narrativa. Mas a cereja do bolo é, sem surpresas, a música Running up That Hill. A faixa ficou na cabeça de todos por ter sido tocada tantas vezes, fazendo com que o espectador realmente se sentisse como a Max, agarrando-se à voz segura de Kate Bush nos momentos de alerta. A cantora obteve resultados muito positivos com a série, uma vez que a sua canção se popularizou novamente décadas depois de seu lançamento, alcançando até mesmo posições altas na Billboard Hot 100. É o que dizem, não dá para se competir com os clássicos. 

A última temporada da produção não é o que os fãs estavam esperando, mas todo o caos trouxe uma adrenalina necessária para quem lida com rotinas monótonas. Porém, o final deixa a desejar e quebra o ritmo frenético criado nos oito episódios. O erro começa com a divisão dos capítulos: desde o anúncio do quarto ano, foi divulgado que o lançamento seria feito em duas partes, no entanto, a segunda ‘metade’ era apenas dois episódios muito longos, diferente do formato comum das produções que recorrem a esse recurso. O fim quebra o clima de vez, já que, após altas emoções, só o que se vê é uma tela preta informando que dois dias haviam se passado e, em seguida, todos praticamente agem como se nada tivesse acontecido. 

Entre altos e baixos, a produção tem um longo histórico de participação no Oscar da TV, acumulando 51 indicações e 7 vitórias. Assim como neste ano, a maior parte do reconhecimento da série vai para as categorias técnicas, em especial as relacionadas à edição de som – Stranger Things já recebeu três estatuetas pelo seu desempenho nessa área e concorre a mais duas em 2022, Melhor Edição de Som em Série de Comédia ou Drama (Uma Hora) e Melhor Mixagem de Som em Série de Comédia ou Drama (Uma Hora), ambas pelo sétimo episódio, Dear Billy. Quanto às principais categorias da noite, o título compete pela estatueta de Melhor Série de Drama pela quarta vez, porém nunca conseguiu levá-la para casa; para Melhor Elenco de Série de Drama, Stranger Things já está em sua terceira indicação, vencendo somente em seu segundo ano no evento, em 2017. Com o sucesso estrondoso da última temporada, pode ser que mais alguns prêmios entrem para a coleção.

Dentre os episódios dessa leva, o Querido Billy e O massacre no laboratório de Hawkins se destacaram no Emmy 2022, concorrendo a quatro categorias cada, e o final da série simplesmente não faz jus a isso. Carregando momentos inesquecíveis e outros que é melhor apagar da memória, Stranger Things já está confirmada para uma quinta e última temporada, e espera-se que os Duffer tenham a coragem de tirar seu público do escuro e entregar as melhores cartas no fim do jogo.

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Júlia Caroline Fonte

Poucas obras audiovisuais conseguem se consagrar como um marco do entretenimento, mas Stranger Things é uma delas. A série poderia facilmente ter saído direto dos anos 80 e se destacado como um clássico da época, e por mais que não pareça, ela completa em 2021 apenas 5 anos desde que torcemos muito para Joyce ter Will de volta em seus braços. E é também curioso que seu aniversário de meia década seja no auge dos conflitos das gerações, causando, antes mesmo de seu encerramento, nostalgia em qualquer pessoa que tenha uma alma cringe.

Stranger Things foi um fenômeno imediato, contribuindo até mesmo para elevar o sucesso da própria plataforma que a produziu, a Netflix. Tudo isso porque a criação dos irmãos Duffer conseguiu nos proporcionar uma viagem de volta à nossa infância, enquanto celebrava os coloridos e nerds anos 80 norte-americanos, relembrando tudo o que teve origem nesse período. 

A época é muito bem construída visualmente em todas as três temporadas, sempre trazendo uma quantidade enorme de referências e easter eggs – muitas vezes não tão escondidos – dos grandes sucessos da cultura pop daquele momento, como Star Wars, E.T. O Extraterrestre, Os Goonies, Alien, Os Caça-Fantasmas, Dungeons & Dragons e Dig Dug. Além disso, não podemos deixar de mencionar os figurinos divertidos e estilosos e uma ambientação perfeita com fliperamas, locadoras de vídeo e shopping center na pequena Hawkings, que cria um cenário perfeito para a série.

Contudo, Stranger Things não se garante apenas por isso: seu ponto alto e ingrediente principal para o sucesso são, sem dúvida, seus personagens e tudo o que os envolve. Acompanhamos Mike (Finn Wolfhard), Will (Noah Schnapp), Lucas (Caleb McLaughlin) e Dustin (Gaten Matarazzo) desde a primeira temporada, ainda crianças, e presenciamos todo o peso e trajetória dessa amizade. Trazendo um forte gostinho de infância, somos invadidos pela nostalgia que eles nos proporcionam ao criarem seu próprio mundo de fantasia no porão de casa.

A partir de uma amizade forte e fiel, e com muita inocência, os garotos moveram tudo o que podiam para resgatar Will, como faziam em seu tabuleiro de D&D, uma vez que isso é o que mais importa para eles, pois “um amigo é alguém por quem você faria de tudo. Você empresta coisas legais, como gibis e figurinhas. E ele nunca quebra uma promessa”. Assim, suas personagens bem construídas e cativantes garantiram identificação com o público logo de cara, trazendo acolhimento quando se viam espelhados na tela, já que todo nerd quando criança passou por algumas coisas que esses garotos viveram, seja na vida real ou em seu imaginário.

É importante também destacar que essas relações se expandem muito mais ao longo das temporadas. Há a satisfação em ver Eleven (Millie Bobby Brown) e Max (Sadie Sink) deixando de lado uma rivalidade feminina totalmente infundada e sem sentido, para dar lugar a um laço muito forte, tornando-se melhores amigas. Elas se apoiam a todo momento e tentam abrir os olhos uma da outra para situações injustas para as quais não devem baixar a cabeça, além de mostrar que são capazes de resolver qualquer coisa.

Stranger Things acompanhou a vida dessas personagens, e, por isso, as mudanças são muito evidentes no decorrer de sua história. Após deixarem um pouco a infância de lado – nem todos, é claro -, a série desenvolve o debate sobre crescer e amadurecer. Assim como mostra Will, esse processo pode ser difícil, e às vezes não estamos preparados para deixar de lado tudo o que vivemos e amamos, ou aceitar que nem tudo se manterá da forma como queríamos para sempre. Tudo são fases, e enfrentar monstros com suas habilidades mágicas no porão de Mike um dia teria que chegar ao fim.

Crescer é fundamental e importante para entender que o mundo pode ser mais difícil do que parece e precisamos aprender a lidar com ele. Nancy (Natalia Dyer), Jonathan (Charlie Heaton) e Steve (Joe Keery) nos provam isso. Entender seu passado e consertar o que é necessário no presente pode nos levar a caminhos surpreendentes, e trazer novas experiências e pessoas importantes em nossas vidas. Além disso, é importante não apenas crescer, mas se conhecer e tentar superar antigos traumas, e aprendemos isso com Joyce (Winona Ryder) e Jim Hopper (David Harbour), que constroem uma ótima relação e mudam totalmente de vida diante de tudo o que passaram.

Essas transformações vão além dos personagens, e marcam presença na série em sua totalidade. As temporadas muito bem construídas, embora não isentas de deslizes de roteiro, conseguem captar as mudanças da época e de Hawkings de uma maneira certeira. Principalmente quando analisamos a terceira parte de Stranger Things: a chegada do verão transparece o auge das cores e da vida dos anos 80, junto com a adolescência do nosso elenco principal, trazendo um tom um pouco diferente das temporadas anteriores, mas que casa com seu desenvolvimento.

No entanto, essas mudanças e complexo desenvolvimento dos arcos das personagens não comprometem a linha geral da série, que sempre mantém seu foco nos problemas e caos que o Mundo Invertido pode trazer para o nosso. Porém, parece que essas complicações supostamente resolvidas em uma temporada continuam insistindo, ao mesmo tempo em que seu apelo se esgota. Em algum momento precisaremos ter uma solução de fato, e isso nos faz questionar até que ponto Stranger Things continuará. 

Se a intenção dos irmãos Duffer é finalizar a série em seu auge, o tempo parece acelerar, trazendo a preocupação de seu fandom sobre até onde será possível assegurar sua qualidade sem chegar ao ponto de saturação de temporadas, como ocorreu com diversas séries. Com a quarta temporada cada vez mais próxima, temos uma legião de fãs em que permanece uma forte dúvida: esperamos algum tipo de decepção ou realmente podemos nos surpreender com mais uma parte grandiosa dessa história, como já é de costume quando se trata de Stranger Things? 

A série já conseguiu deixar seu impacto no audiovisual e no entretenimento em apenas 5 anos, sem nem mesmo chegar em seu encerramento. E da mesma forma que grandes sagas – como Harry Potter, Star Wars, Game of Thrones e Jogos Vorazes -, ST tornou-se para a cultura pop um marco que dificilmente será alcançado por outra série do gênero. E o principal: consegue deixar uma forte marca para seus fãs, pois as aventuras e inocência dos personagens nos transportam em uma viagem no tempo até a época em que acreditávamos que poderíamos enfrentar qualquer Demogorgon.

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Vitória Lopes Gomez

Mais de uma década depois de sua primeira aparição no Universo Cinematográfico da Marvel, e ao som de Smells Like Teen Spirit, finalmente vemos Natasha Romanoff virar a Viúva Negra. Nos 11 anos desde a estreia da personagem em Homem de Ferro 2, o estúdio não aproveitou o que tinha em mãos e renegou a assassina de aluguel à coadjuvante, mas deu mais tempo (e motivo) para que a injustiçada conquistasse o público. Com a pandemia e o fechamento das salas de cinema, a enrolação da empresa adicionou mais 14 meses à espera até inevitavelmente ceder ao Disney+. Antes tarde do que nunca, Viúva Negra ainda é pouco para a despedida que a Vingadora merece.

O longa começa onde Capitão América: Guerra Civil parou: procurada internacionalmente por violar o Tratado de Sokovia, Natasha (Scarlett Johansson) está foragida, assim como os outros heróis do Team Cap. Ela até tenta se manter fora do radar, mas quando uma maleta com frascos misteriosos chega em suas mãos – e vem acompanhada de um vilão à la Soldado Invernal para recuperá-la -, ela se vê obrigada a reencontrar a irmã, Yelena (Florence Pugh), e confrontar os traumas do seu passado.

De cara, o prólogo já anima e nos joga na história onde queremos estar. A reviravolta na calma e agradável infância de Natasha (aqui, Ever Anderson) e sua irmã mais nova manda as duas de volta à Rússia, direto ao treinamento para virarem agentes secretas. Embalados por uma releitura que amplifica a mensagem do clássico da Nirvana, os perturbadores créditos iniciais são angustiantes ao saltarem da até então domesticidade para a crueldade da organização que fabrica as Viúvas Negras.

Em pouco tempo, a atmosfera tensa e sinistra que o passado da Vingadora evoca já está mais do que justificada e dá o tom ideal para Viúva Negra – só que não o segue. Corta para o presente (que é passado, na linha do tempo do MCU) e logo cai a ficha: 21 anos se foram em 15 minutos e já assistimos Natasha passar pela traumática preparação e virar a Viúva Negra que conhecemos. Se a Marvel demorou quase uma década só para acreditar que a personagem de Scarlett Johansson se sustentaria em um filme solo, talvez fosse pedir demais que a história de vida completa da agente seja destrinchada como merece.

Com o devido reconhecimento, toda a trajetória de Natasha renderia produções mais do que interessantes, seja em longas no cinema ou em séries no streaming. Infelizmente – e não só pela demora da empresa -, as migalhas do passado em Viúva Negra destroem as chances de a testemunharmos jovem, em treinamento e até tentando escapar da organização. Ainda que as agentes possam – e mereçam – produções inteiramente dedicadas a elas, a descrença da Marvel e o roteiro no tempo errado dão um ultimato para Natasha Romanoff.

Depois de sonhar alto, é melhor aceitar a desilusão e abraçar o que as duas horas seguintes de Viúva Negra têm a oferecer – afinal, essa é a despedida da Vingadora. O passado ficou para trás, mas a encomenda enviada por Yelena força a espiã a viajar a Budapeste e confrontar partes dele. Depois de anos separadas, o reencontro com a irmã mais nova é eletrizante e vai das lutas e cenas de ação aos papos emocionais com direito a drink em família.

Como Natasha descobre, ela não conseguiu matar Dreykov (Ray Winstone), o diretor do programa que treina as Viúvas, e ele continuou capturando meninas inocentes para servirem a seu dispor. Na iniciação, a tortura a qual submetia as recrutadas não era só psicológica e física, mas ele também as manipulava quimicamente para garantir sua influência. Então, Yelena, que também foi forçada ao treinamento e virou uma das maiores assassinas da organização, recorre a Natasha: os frascos enviados contém o antídoto para a subjugação química e, nas mãos certas, podem libertar as Viúvas do domínio de Dreykov.

Se a atuação já conhecida de Scarlett Johansson sempre sabe medir entre a frieza e a vulnerabilidade, a personagem de Florence Pugh se destaca. Yelena Belova é tão durona quanto a irmã mais velha, mas descontraída, teimosa e divertida, não demora para roubar a cena. Entre implicâncias e confidências, as duas são a dupla perfeita: atormentadas pelos traumas em comum e acostumadas a estarem por conta própria, encontram uma na outra momentos de fragilidade e apoio necessário para baixarem a guarda.

As irmãs, até há pouco vítimas das torturas da organização, se unem para colocar fim na manipulação de Dreykov, mas precisam de ajuda para encontrá-lo. Assim, Alexei (David Harbour) e Melina (Rachel Weisz), os agentes que haviam sido designados ao disfarce de pai e mãe das protagonistas, entram em jogo. A família disfuncional está reunida novamente.

Mesmo perdendo a mão em alguns momentos, como nas irritantes tentativas de tornar o Guardião Vermelho o alívio cômico, nos exagerados ‘Casos de Família’ ou nos batidos estereótipos russos, o roteiro de Eric Pearson, Ned Benson e Jac Schaeffer sabe como chegar onde quer. Quando somado à direção magnética de Cate Shortland, as interações entre personagens viram o grande destaque e, misturadas às tensas sequências de ação, criam a vibe certa para a condução da história. 

O primeiro e segundo ato envolventes, no melhor estilo filme de espião, indicam uma conclusão espetacularmente sombria – finalmente veremos a Sala Vermelha por completa! -, mas Viúva Negra não escapa da fórmula Marvel. Todo o potencial drama e suspense ao adentrarmos o centro de treinamento, assim como o plot twist com o vilão do filme, são desperdiçados com as cenas de ação espalhafatosas. Os embates em plena queda livre com aeronaves explodindo e um grande sacrifício ainda perdem para a luta inicial de Natasha e Yelena na cozinha.

Quando, finalmente, cara a cara com Dreykov, era de se esperar que os abusos sofridos pelas agentes recebessem a atenção que o tema pede. Se as protagonistas só embarcaram na missão para libertar as Viúvas, que sofrem com o mesmo que as duas sofreram na infância e ainda carregam os traumas consigo, a motivação é ofuscada pela porradaria e a sensibilidade resume o assunto a um subtexto de uma narrativa maior. A abordagem de um dos temas mais importantes acaba superficial frente ao que poderia ser, mas as espiãs continuam espalhadas e infiltradas por aí e a Marvel ainda pode fazer jus a elas.

Falando em fazer jus, em tempos em que até uniformes confortáveis e apropriados para lutas são alvo de reclamações, ainda temos que destacar a importância das mulheres contarem suas próprias histórias. Anos atrás, a intérprete da Viúva Negra só queria que a personagem fosse retratada devidamente, sem ser objetificada ou sexualizada para a apreciação do público masculino. Em Black Widow, com o protagonismo feminino à frente e por trás das câmeras, a visão de Scarlett Johansson se concretizou: olhando em retrospecto à primeira aparição de Natasha no MCU, seu filme solo arranca um suspiro de alívio.

Apesar de tudo e mesmo com as limitações que o futuro impõe – a Guerra Infinita já passou, Thanos e a rixa dos Vingadores também -, Viúva Negra não aproveita a liberdade que uma produção deslocada e isolada confere. As revelações do passado, das origens e das relações da agente são menores do que gostaríamos, mas nos aproximam da Vingadora. 

Ao final, o filme solo de Natasha é envolvente e afetuoso ao enriquecer a personagem, que é bem mais do que a assassina treinada a qual fomos introduzidos. Ainda que a despedida não tenha chegado nem perto do que ela merecia, Natasha Romanoff é mais querida depois de Viúva Negra.

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