Mariana Bezerra

Em Setembro de 2005, foi ao ar, na CBS, o primeiro episódio de How I Met Your Mother (Como eu conheci sua mãe, em tradução livre). Nessa época, milhões de pessoas se sentavam em frente à televisão toda segunda-feira para acompanhar a vida dos cinco amigos sem sequer cogitar a ideia de que, um dia, todos os episódios estariam em um aplicativo para serem assistidos on demand. O mais relevante é que pouco importa a passagem do tempo ou o formato, porque a amizade, o amor, os sonhos e as frustrações – que são o cerne desse enredo – serão sempre parte de todos. Em função disso, How I Met Your Mother segue sendo um sucesso, conquistando cada vez mais espaço nas novas gerações, ganhando, inclusive, um spin-off intitulado How I Met Your Father (2022), o qual contou com participações especiais de alguns atores do elenco original.

Como de costume em sitcoms que viraram clássicos, a série conta com um elenco brilhante, nascido para seus personagens, mas ainda desconhecido para boa parte do público. A não ser que você fosse fã de Buffy, a Caça-Vampiros (1997) ou American Pie (1999). Nesse caso, provavelmente reconheceria Lily (Alyson Hannigan). Diante disso, os escritores e produtores, Craig Thomas e Carter Bays, tinham a fórmula ideal: um elenco carismático e um enredo envolvente voltado para a história de um grupo inseparável – que rendia tramas particulares, e também coletivas – em um cenário simbólico. Para os fãs de sitcoms, esse elemento é essencial e gera intimidade, como se o espectador fosse tão próximo dessas figuras quanto eles são entre si. Em Friends (1994), tem-se o Central Perk; em Seinfeld (1989 ), o ponto de encontro é o Monk ‘s Café. Já em How I Met Your Mother, o café vira cerveja e é apresentado o McLaren’ s Pub. 

O enredo, porém, não funcionaria tão bem se os protagonistas não fossem tão cativantes, tornando suas histórias, talvez, ainda mais interessantes que o esperado. Marshall ( Jason Segel) e Lily – marshmallow e lilypad para os íntimos –, por exemplo, carregam o título de um dos casais mais amados da TV, sem que seu relacionamento seja explorado de forma superficial. Robin ( Cobie Smulders), uma jornalista canadense determinada, aparece no primeiro episódio como interesse amoroso de Ted (Josh Radnor), que logo passa a ocupar um espaço muito maior, se tornando uma integrante do futuro quinteto. Já Barney (Neil Patrick Harris), é um executivo cuja função exata ninguém sabe ao certo, um clássico mulherengo e dono dos bordões mais famosos da série, este, que consegue se mostrar um amigo especial por debaixo do terno e da gravata.

Ao assistir à trama, é fácil esquecer o porquê de seu nome, já que a narração dos acontecimentos é muito natural. Afinal, são nove temporadas que transcorrem mais de vinte anos – todas contadas por Ted aos seus dois filhos, em 2030. Seguindo a essência do roteiro ( Craig Thomas e Carter Bays ), todo esse tempo leva ao ponto em que Ted conheceu sua futura esposa, como um grande efeito borboleta, que se conecta ao guarda-chuva amarelo, símbolo do seriado. Diante disso, é interessante que, entre todos os momentos pelos quais poderiam ter escolhido para começar a narrativa, optaram pelo qual seu grupo de melhores amigos se tornou completo.

Vale lembrar que essa ideia da vida acontecer exatamente da maneira como está destinada a acontecer, por mais interessante e bonita que seja, dividiu a opinião dos fãs quando o final se revelou bem diferente do esperado. A morte de Trish (Cristin Miliot), ‘A mãe’, é extremamente triste, principalmente, porque ela é muito mais do que a sonhada parceira de Ted, é uma personagem apaixonante, marcada pela sua sinceridade e espontaneidade. O desenrolar da história contribui desde o primeiro momento para que se pense assim, uma vez que, em seu primeiro contato com o grupo, Trish se mostrou carismática e empática em um momento de vulnerabilidade de Lily. 

Apesar da dor da despedida, o final cumpre seu papel e traz a simbologia das coisas só acontecerem quando estamos prontos e temos muito menos controle do que gostaríamos sobre o destino. Ted e Robin sempre se amaram, mas sua relação não fazia sentido quando eram mais jovens, por exemplo. Ao mesmo tempo, a breve relação entre Barney e Robin serve para solidificá-los emocionalmente e, quando chega o seu fim, não significa necessariamente dizer que ela não deu certo. Até hoje, esse ainda é considerado um dos desfechos mais polêmicos da história das séries. A despeito disso, o público continua assistindo-a e amando essas figuras ficcionais.

A obra aniversariante também revisita o conceito de amizades que são uma família escolhida, ao mostrar como os momentos mais decisivos da vida deles foram vividos com seus amigos. Além disso, compartilham feriados especiais, grandes segredos, angústias e até mesmo, choques de realidade entre si. Este último é apresentado de forma cômica no enredo, por meio das ‘intervenções’, que serviam para denunciar alguma atitude de um dos integrantes, como o sotaque britânico de Lily ou a obsessão de Marshall por chapéus. Esse é apenas um dos muitos elementos que tornaram-se grandes piadas internas. Outros inesquecíveis momentos são, Robin Sparkles, o nome artístico de Robin como cantora pop de sucesso no Canadá e os bordões de Barney como “Você já conheceu Ted?”, usado para introduzir o amigo a garotas, ou “Legen- espere por isso -dário”. 

É importante pontuar que muitas falas e atitudes de Barney são extremamente problemáticas, e algumas até criminosas, como a abordagem sobre gravar mulheres durante relações sexuais sem consentimento. Além disso, o personagem reforça práticas de objetificação, reduzindo mulheres a conquistas e contribui para a naturalização da gordofobia, o que, com certeza, ‘envelhece’ muito mal. Infelizmente, o estereótipo de seu papel não se resumiu ao sexo sem compromisso, esses elementos tornam algumas partes do roteiro ainda mais desconfortáveis.

Por outro lado, o humor dessa figura funciona muito bem e há um ótimo desenvolvimento, inclusive, com a masculinidade saudável de outros personagens. Assim, os erros não são anulados, mas os criadores conseguem provar a sua capacidade de gerar risadas a respeito de coisas, de fato, engraçadas. Inclusive, o próprio Barney conquista um dos melhores ‘arcos de redenção’ da série.

O primeiro encontro entre Barney e Ted ocorre de forma aleatória no McLaren ‘s Pub e é marcado por uma química imediata, o suficiente para dar início a amizade. Barney promete ensinar a Ted ‘como viver’, com a intenção de transmitir seu estilo boêmio e técnicas de conquista amorosa. Apesar de Barney falhar na missão que delegou a si mesmo, o roteiro não o faz, porque How I Met Your Mother, composta por histórias confusas e trilhas imperfeitas desses indivíduos, nos ensina, de fato, como viver. São diversas situações que chamam para a realidade mesmo assistindo uma sitcom O ensinamento não está exatamente no que cada um faz, mas na forma como a história convida a abraçar a falta de linearidade da vida.

Já na primeira temporada, vemos isso em diferentes exemplos, como na relação de Robin e Ted. Enquanto ele sonha em se casar e ter filhos, Robin não deseja o mesmo e evita pensar ou planejar essas possibilidades – o que mostra que eles não estão bem alinhados como casal, pelo menos não naquele momento. Ainda assim, Ted move mundos por ela, o que no fundo reflete sua maior frustração: não ter encontrado o amor da sua vida no momento em que esperava. Além disso, Marshall sonha em ser advogado ambientalista, mas acaba trabalhando na mesma empresa que Barney para pagar as contas e custear a sua festa de casamento. E em determinado momento, Lily arrisca tudo em Nova Iorque e decide fazer um curso em São Francisco para se dedicar ao seu sonho artístico. 

Em How I Met Your Mother, cada emoção tem sua hora. Os autores dão a oportunidade de sentir-se mal quando o tema do episódio pede, sem que a melancolia vire piada ou que falte tempo para processar os sentimentos. Essa sensibilidade da narrativa possibilitou a criação de episódios marcantes para os fãs. O melhor de tudo é que os conflitos e desafios amadurecem juntamente com os personagens, mas não a ponto de lhes tirar a simpatia e o ar de pessoas incríveis, e, no entanto,  falhas que encantam desde o início. Apesar de seus defeitos, que se tornam mais incômodos a cada década, a série não deixa de ser um ícone dos anos 2000, sendo considerada um clássico, porque, mais do que marcar momentos cômicos, marcou muitos corações.

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Sinara Martins

A 77ª edição do Emmy Awards aconteceu no domingo (14), em Los Angeles, e a tradicional chegada das estrelas foi marcada por modelitos sofisticados e elegantes. Com produções como Ruptura, O Estúdio, Adolescência, Pinguim, The Last of Us e O Urso entre as indicadas, não faltaram celebridades desfilando. O tapete vermelho reforçou uma tendência clássica, com muitas silhuetas tradicionais e tons de destaque como vermelho, preto e rosa. 

A premiação entregou um tapete vermelho bonito, mas pouco marcante. Houve raros momentos de ousadia, que até ganharam repercussão, porém ficaram diluídos diante da predominância do clássico. O contraste entre a vontade de se manter sofisticado e a necessidade de surpreender mostra o dilema atual do evento: como preservar uma tradição sem abrir mão da relevância cultural?

A cor da paixão apareceu em peso. Britt Lower, vencedora da categoria Melhor Atriz em Drama, surgiu com um traje escarlate de corte clássico; já Hunter Schafer apostou em um modelo deslumbrante no mesmo tom, e Cristin Milioti também seguiu a paleta. Apesar da predominância de escolhas seguras, o que realmente chamou atenção foram os looks que buscaram equilibrar ousadia e harmonia entre beleza e styling, quebrando a previsibilidade.

O preto também marcou presença de maneira imponente na cerimônia. Anna Sawai apostou em um modelo minimalista e sofisticado, que ressalta sua silhueta de forma elegante, e Natasha Rothwell trouxe um toque de exuberância com um traje volumoso e cheio de movimento, contrastando com a sobriedade da cor. Já Marta Pozzan preferiu uma proposta contemporânea, com recortes modernos que deram frescor ao clássico. Para fechar, Catherine Zeta-Jones estava usando um vestido dramático, que combinava perfeitamente com sua postura marcante no tapete.

Entre os destaques da noite, a cantora Lisa, do Blackpink, encantou o público com um delicado vestido rosa da Lever Couture, digno de um conto de fadas. Jenna Ortega também brilhou com um modelo ousado e um top cheio de pedrarias da Givenchy, que combinava com modernidade, enquanto a drag queen Arrietty surpreendeu ao surgir com um traje cheio de presença e glamour.

O tapete vermelho não rendeu só bons looks, mas também momentos que deram o que falar. A drag queen Joella se vestiu de Labubu e foi uma das aparições mais inesperadas e divertidas da noite. Outro ponto alto foi a aparição das atrizes Lauren Graham e Alexis Bledel, protagonistas de Gilmore Girls, que emocionou os fãs da série, que completa 25 anos. Para fechar, Meg Salter chamou atenção ao surgir com um visual básico, carregando uma bolsa de protesto escrita “Cessar fogo”, usando a moda como forma de posicionamento político.

O predomínio de escolhas clássicas no Emmy reflete um certo conservadorismo da própria premiação. Antes palco de grandes momentos culturais, hoje o evento parece preso a fórmulas seguras em meio a um cenário em que a atenção do público se divide entre tantas outras atrações. A moda, que deveria dar brilho ao espetáculo, acaba perdendo força quando não surpreende. Enquanto o Met Gala e até o Oscar usam os figurinos para criar narrativas e marcar posição, o Emmy se mantém elegante, mas pouco memorável, e isso ajuda a explicar por que a premiação vem perdendo espaço na conversa cultural.

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Stephanie Cardoso

Se The Batman (2022) já tinha mostrado uma Gotham encharcada de corrupção e sombras, Pinguim – seu spin-off na HBO Max – vai além do que era esperado: mergulhando no fundo do submundo, onde não existem ‘mocinhos’, somente aqueles que lutam para sobreviver ou dominar. A série mergulha no caos e mostra que o verdadeiro medo não está na máscara, mas na ausência dela, entre as conversas frias onde o poder é vendido em pedaços e a lealdade vale menos que um dólar sujo.

No centro disso está Oswald Cobblepot, o Pinguim. Colin Farrell aparece irreconhecível, diante de um trabalho incrível da equipe de maquiagem – liderada pelo maquiador protético Mike Marino. Porém, é no jeito de ser do personagem que o enredo fica mais sério. Oz, como é conhecido por todos, é um vilão que dá medo e pena ao mesmo tempo – um gângster que mistura astúcia de rua com a vulnerabilidade de quem sabe que o mundo pode virar do avesso em um piscar de olhos. O primeiro episódio, After Hours, já deixa isso claro, provando que o clima é sombrio, pesado e íntimo demais.

Sofia Falcone, interpretada com uma pegada feroz e elegante por Cristin Milioti, não é uma antagonista típica – se é que poderia chamá-la assim. Ela é o contraponto perfeito para Oz, uma mulher que visa reivindicar o trono da máfia com uma combinação de charme letal e inteligência cortante. A tensão entre eles cresce lentamente, cheia de olhares atravessados e interesses cruzados. Enquanto Oswald é o malandro que conquistou seu espaço na marra, Sofia quer resgatar um passado que já não existe e a justiça que lhe foi negada. O embate dos dois vira o motor que faz a série pulsar, é um duelo de ambições, ego e poder que redefine o jogo.

Mas a história não trata somente da briga pelo comando. O segundo episódio, Inside Man, dirigido por Craig Zobel, intensifica o clima de conspiração e segredos. Os diálogos são secos, certeiros e cheios de silêncios que ‘gritam’. É nesse momento de desconfianças que Oswald se infiltra no Império Falcone, mostrando que, em Gotham, o sorriso largo quase sempre esconde uma faca na manga.

Visualmente, a série acerta em cheio. A cidade parece um organismo vivo, pulsando em seus espaços decadentes, como bares úmidos, escritórios com a tinta descascando e ruas que parecem nunca ver o Sol. Em cada detalhe é criado uma atmosfera suja e crua, quase palpável. A trilha sonora também é outro personagem quando traz uma mistura de música clássica, ruídos urbanos e pausas estratégicas, ajudando a moldar o ritmo entre acelerações e momentos de reflexão. É um cocktail que junta a vibe de máfia tradicional com um toque moderno, similar a produções como Sopranos (1999) e O Poderoso Chefão (1972).

No quarto episódio, Cent’Anni, mergulhamos a fundo nas feridas de Sofia Falcone, que sofre da traição de sua própria família — um golpe que a leva direto para Arkham, um lugar que funciona como prisão e é símbolo da humilhação que ela carrega. Essa trama revela como a personagem ainda é refém do passado e das armadilhas construídas pelos seus entes queridos, tornando a sua sede de poder ainda mais desesperada. A emblemática cena do jantar dela com seus familiares, é um retrato tenso dessa traição. O ambiente elegante contrasta com o clima pesado, repleto de olhares cortantes e promessas quebradas. É ali que entende-se o quão frágil e traiçoeira era a posição dela dentro da dinastia Falcone, e como isso a impulsiona a uma guerra particular que também envolve seu embate constante com Oswald Cobblepot.

Entre tantos personagens, um que merece destaque é Victor, figura menor que ganha peso ao mostrar as ramificações do caos deixado pelo final de The Batman. Sua trajetória é um retrato das consequências reais das inundações na cidade e do vácuo de poder deixado. Ele representa o lado mais afetado de toda a situação, a população comum que acabou esmagada e corrompida pela disputa brutal dos grandes poderosos. Sua história traz uma camada extra de tensão, lembrando que em Gotham ninguém sai ileso, nem mesmo os personagens que ficam às margens do jogo de poder.

Quando chegamos ao oitavo episódio, A Great Or Little Thing, a série fecha a temporada com uma reviravolta que tira qualquer resquício de pena que seria possível ter nutrido por Oswald Cobblepot. Até ali, a narrativa consegue equilibrar a linha tênue entre a vilania e a vítima, explorando suas fraquezas e motivações. Entretanto, a revelação final explode essa bolha pois Oz não é um coitado preso nas circunstâncias, mas sim um manipulador frio, que não hesita em pisar em quem for para garantir o seu espaço no topo. Essa virada de perspectiva nos força a encarar o personagem com mais realidade – sem romantismos ou desculpas. O Pinguim é um vilão puro e essa complexidade sombria é justamente o que faz a produção ser tão impactante. A trama não quer o amor ou ódio da plateia, e sim o entendimento do preço do poder – e o que acontece quando você aceita pagá-lo.

Ao final do episódio, no gran finale, fica óbvio que a produção não é somente um spin-off. O roteiro fecha suas lacunas com precisão cirúrgica dos confrontos – tanto emocionais quanto físicos –, e a cidade do Batman, mais do que nunca, parece prestes a desmoronar. Não há redenções fáceis nem finais açucarados, restam apenas as escolhas, o cheiro de pólvora e o gosto amargo do poder.

Pinguim também não passou despercebido ao Emmy. Foram 24 nomeações, incluindo as categorias de Melhor Minissérie, Roteiro, Direção e as atuações centrais de Colin Farrell e Cristin Milioti – que levou para casa o prêmio – contudo, a disputa foi pesada contra Adolescência, a grande vencedora na categoria de minisséries. Mesmo assim, quando a temporada de premiações terminar e os nomes deixarem os trending topics, será difícil apagar da memória aquele sujeito de olhar torto que subiu no trono de Gotham sem ninguém perceber.

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Andreza Santos

Como seria pudéssemos descobrir o que o outro está sentindo ou pensando para assim resolver problemas no relacionamento a dois? Essa é a premissa inicial da nova série de humor ácido da HBO Max intitulada Made for Love, que estreou em abril de 2021 na plataforma. Estrelando a talentosa Cristin Milioti (Palm Springs e How I Met Your Mother) no papel de Hazel Green, uma mulher que vive em um relacionamento sufocante de 10 anos com seu atual marido, Byron Gogol (Billy Magnussen de Aladdin), um magnata da tecnologia, sarcástico, controlador e impiedoso.

No primeiro episódio, batizado de You’re User One, vemos Hazel ao lado de Byron sempre mantendo as aparências e fingindo estar feliz naquela vida vazia dentro do Hub – assim é denominada o terreno todo montado a partir de cubos hiper tecnológicos que viram qualquer lugar do mundo que você desejar –, o lugar onde os dois vivem há quase 10 anos reclusos do mundo exterior. Todo dia, na mesma rotina, ela se encontra infeliz e deslocada dentro deste mundo à parte da realidade.

E é em uma festa dentro do Hub onde Hazel descobre que o marido implantou em seu cérebro – sem o seu consentimento – o novo dispositivo tecnológico desenvolvido por ele e sua equipe, um chip que promete compartilhar todos os pensamentos e dados emocionais entre o casal, os interligando para sempre. Hazel não consegue esconder a sua ira ao descobrir este feito e tenta se afogar na piscina do casal onde consegue escapar com a ajuda do golfinho de estimação do casal, chamado Zelda.

Em meio a flashbacks de sua infância e flashforwards, Hazel volta a sua cidade natal – no meio do nada – e vai ao encontro de seu pai Herbert (Ray Romano, de Everybody Loves Raymond) que vive com uma parceira sintética, a Diane, porque nunca superou a morte da esposa e mãe de sua filha. Quando ela finalmente acredita ter despistado Byron, descobre estar sendo vigiada por meio do chip em seu cérebro. Cada passo e cada conversa são observadas atentamente por Byron, que a persegue incansavelmente tentando convencê-la a voltar para a vida a dois.

Dentre ser bizarra, engraçada, assustadoramente tecnológica e distópica, Made for Love surge com uma proposta relativamente nova, e surpreende quem a assiste sem ler a sinopse. Entretanto, é a partir do quarto episódio, intitulado I Want a New Life, que conseguimos entender parcialmente aonde a história quer chegar.

A série é produzida e roteirizada por Patrick Somerville, que também trabalhou em The Leftovers e Maniac – minissérie da Netflix com Emma Stone e Jonah Hill –. A série se utiliza de elementos também já vistos em outras produções sci-fi, como Upload (Amazon Prime Video) e Black Mirror (Netflix), e sendo mais específica, Made for Love possui muitas similaridades com o episódio The Entire History of You. 

O humor irônico dos personagens de Cristin Milioti – que já virou uma marca registrada da atriz – está de volta com muito carisma e suspense, o que segura bem a série. Ray Romano também tem ótimos momentos em cena com Cristin, e claro, com sua parceira Diane. Por outro lado, Billy Magnussen traz um perfeito aprendiz de psicopata, obcecado pela ex-mulher, o que lhe rende cenas estranhas, porém, engraçadas.

Os efeitos visuais super bem trabalhados e o elenco coadjuvante entram neste meio termo entre o ‘mundo perfeito’ e o real de forma bem inteligente. Fiffany (Noma Dumezweni, de The Undoing), cirurgiã e ajudante de Byron, percebe o quão louco seu patrão se mostra neste tempo longe de Hazel, e juntamente com Herringbone (Dan Bakkedahl, de Veep) tenta ajudar a moça, mas sem sucesso.

Made for Love caminha bem entre relacionamentos, superficialidade e a problemática da tecnologia em sua primeira temporada. Contudo, conforme vamos adentrando mais a história, não conseguimos nos apegar emocionalmente a nenhum personagem. Mesmo com atores e atrizes de qualidade, esse assunto não é tão explorado. 

Essa falta de apego emocional é um pouco diminuída no último episódio, Let’s Meet, mas no contexto geral, a série não prepara o público para a resolução encontrada pelos roteiristas para Hazel. Na verdade, ela causa revolta, e caso seja o final oficial da série – que não confirmou se haverá uma segunda temporada –, trouxe a tona uma controvérsia, se a decisão da protagonista foi por apreço ou talvez uma Síndrome de Estocolmo mal resolvida, mas independente da motivação, o resultado, infelizmente, deixou a desejar.

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Vitor Evangelista

Alguns anos atrás, quando as tramoias de Frank Underwood não chocavam tanto quanto as de Donald Trump, percebemos que a modernidade não deve nada aos roteiros de Hollywood. São muitos os fatores que colocam 2020 num radar dramático e narrativo para a ficção se esbaldar. No contexto da pandemia e das eleições norte-americanas, Charlie Brooker e Annabel Jones decidiram que não liberariam uma temporada nova de Black Mirror no momento, mas eles fizeram melhor: optaram por lançar um especial de comédia recapitulando o ano. Eis que surge 2020 Nunca Mais.

É fato que a tradução do ‘especial de comédia da Netflix’ reduz um pouco a carga de sua mensagem. No original, Death to 2020 exprime com mais exatidão o caráter emergencial e execrador do filme. O que, a princípio, já levanta a maior questão de todas: 2020 realmente demandava uma retrospectiva cômica tão cedo assim? Não existe resposta certa. O roteiro, escrito por muita gente, categoriza os acontecimentos do ano e segue numa linha do tempo simples, onde quem é acostumado à Retrospectiva da Globo pode estranhar o pessimismo dos entrevistados, mas, certamente, estará acostumado ao formato adotado.

E, então, somos apresentados às figuras fictícias que nos guiarão ao longo dos 12 meses do ano. Samuel L. Jackson é um jornalista da paródia do NYT e tem as referências pop mais afiadas do filme, chegando no auge criativo de Brooker e companhia quando compara o status de popstar de Greta Thunberg à Billie Eilish. Na verdade, 2020 Nunca Mais pouco se esforça na hora de temperar seu texto com acidez e sarcasmo. Nesses tempos de notícias falsas, com presidentes pedindo para que supremacistas brancos deem um passo para trás, e outros ainda duvidando da eficácia da vacina, a ficção não tira riso fácil de ninguém.

O que já tinha sido colocado a teste quando Borat voltou 14 anos depois. Em 2006, o personagem de Sacha Baron Cohen conseguia fazer rir pelo absurdo e por revelar camadas nojentas de quem entrevistava. Agora, em 2020, acompanhado da formidável Maria Bakalova, Cohen não atira tão alto quanto no passado. Já virou rotina encontrar o abominável no canal de notícias ao invés da Netflix. Não à toa, a personagem de Diane Morgan, a cidadã comum, satiriza esse fato, chegando a interpretar a eleição de Joe Biden como o final de temporada da América. “Eu me surpreendi quando o país continuou indo em frente”, ela condecora em seu sotaque britânico. 

Qualquer tirada sacana ou ridicularização da estupidez cai por terra, sem qualquer peso cômico ou mesmo de estranhamento. Hugh Grant interpreta um historiador que jura de pé junto que os Caminhantes Brancos fazem parte da História americana, e Cristin Milioti personifica sua própria versão da Karen, a Kathy. Os atores se estendem em longos diálogos, com cenas de reconstituição visual e muita noção do ridículo, mas nada se sustenta como peça de comédia ou mesmo como partes de um filme. O Saturday Night Live faz isso desde 1975 e mesmo eles tem ciência do quão complicado é concorrer com os absurdos do mundo real. 

Usando o roteiro copiado e colado da realidade, e sem necessidade de inventar firulas espaciais ou uma Miley Cyrus Alexa, Charlie Brooker segue o caminho mais fácil que poderia seguir: ele envelopa as loucuras do ano num agasalho de sua marca maior, a do espelho preto. 2020 Nunca Mais em momento algum se identifica como algo derivado de Black Mirror, mas tampouco se afasta desse guarda-chuva. Dessa vez, não tem vergonha na cara de tentar soar original ou escrever tramas cheias de ganchos e viradas, nem o mínimo esforço para sair do senso comum, e não há nada mais ‘Black Mirror’ que isso.

O filme leva na brincadeira os terrores do ano, mas encontra em maio seu momento mais poderoso e com vigor. Na hora de falar sobre George Floyd e o movimento Black Lives Matter, a direção de Al Campbell e Alice Mathias é terna e resiliente, fazendo brilhar os personagens de Samuel L. Jackson e Leslie Jones (uma terapeuta que está de saco cheio), reiterando que as figuras negras de 2020 Nunca Mais são os únicos seres pensantes desse microuniverso. De resto, o elenco é estelar mas demasiado estressante. Kumail Nanjiani é irritante, Joe Keery é burro e Lisa Kudrow dá nos nervos. São estereótipos que assistimos e acompanhamos diariamente na mídia, e revê-los em suas versões banais é mais problemático do que benéfico.

Isso pois 2020 Nunca Mais é uma piada interna. Seus 70 minutos esbanjam a babaquice de quem sabe que está certo e vê, por esse meio e formato, a maneira mais certeira de escrachar a outra parcela da população. Parcela essa que pode assistir ao especial e não enxergar para além do véu do sarcasmo, como muitas vezes vemos acontecer no mundo real. As Karens abraçam esse princípio, e ser chamado de racista ou fascista não pesa os ouvidos que recebe as palavras. O filme é emergencial, apressado e empunha a má fé, rir de assuntos do gênero de forma tão imediata não é só errado, como também é deselegante. Mas, vejam o lado bom, pelo menos não teve Black Mirror este ano.

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Isabella Siqueira

15 anos atrás, Ted Mosby começava uma longa história sobre como conheceu a mãe de seus filhos. A partir daí, pode se dizer que How I Met Your Mother é um eterno filler, mas no bom sentido. A sitcom fez sua estreia pela CBS em 2005, e aproveitava o momento para adotar os órfãos de Friends, que acabara um ano antes. Com aquela mesma fórmula sobre um quinteto jovem em Nova York, mas dessa vez aproveitando os dias em um pub. Contudo, apesar das ressalvas, foram nove temporadas incríveis que acompanharam o amadurecimento (ou não) de personagens muitos cativantes.

Ao longo dessa jornada foram muitos clichês, frases de efeito, músicas e tapas. Contudo, hoje em dia, é de se imaginar que a obra seria ‘cancelada’, com alguns temas e personagens provavelmente problematizados pelo público, e com certa razão. Ainda sim, apesar de seus defeitos, How I Met Your Mother permanece memorável para seus fãs, e é claro legendária.

O quinteto é composto por personagens que conquistam logo de cara, cada um evoluindo ao longo do tempo. Com Josh Radnor (que retornou às telas na série Hunters da Amazon) vivendo o romântico Ted, logo fica claro que a busca pela mulher ideal vai levar alguns anos. E apesar da sensação de estar pronto para a chegada de sua alma gêmea, Ted ainda precisa cometer alguns erros para aprender a não apressar a vida.

Assim, baseada em uma longa encheção de saco, a trama percorre a busca pela escolhida. Sendo uma espécie de romântico incorrigível, ala Tom Hansen de (500) Dias com Ela, Ted exibe inúmeros problemas de relacionamento e padrões absurdos. Desde exigir que a namorada devolva os cachorros por ciúmes, até uma lista de características essenciais para a garota ideal, fica óbvio como o personagem não passa de um chato disfarçado de sonhador.

Barney Stinson, interpretado pelo sensacional Neil Patrick Harris, é o clichê do conquistador. Mesmo sendo o elemento mais cômico do grupo, hoje sua postura geraria algumas críticas, talvez até se encaixando como um boy lixo.  A clara objetificação de mulheres ao longo da série e falta de responsabilidade do personagem seriam características rejeitadas pelo público consciente atual. Contudo, ainda sim é impossível negar o carisma de Barney. Tanto o ator como o personagem roubam a cena, seja com suas frases de efeito marcantes ou números musicais exagerados.

A relação do casal Lily e Marshall (ou Lilypad e Marshmallow), se tornou a meta de muitos fãs. Em especial a química entre os atores, Alyson Hannigan e Jason Segel, garantiu que o par fosse um dos mais queridos da TV americana. Curiosamente, eles são baseados no próprio criador da série, Craig Thomas e sua esposa. Mesmo que o casal permaneça quase a história inteira juntos (afinal, a Teoria da Azeitona é infalível), não é no sentido de felizes para sempre. Com alguns momentos de tristeza e egoísmo, a relação é marcada também por contratempos.

Conhecida também por estrelar a série Buffy, a Caça Vampiros e a comédia pastelão American Pie, a atriz Alyson Hannigan interpreta Lily Aldrin. Como a personagem mais fofa da série, sem sombra de dúvidas, ela pode ser considerada a cola do grupo nos momentos difíceis. Mesmo que um tanto intrometida na vida de seus amigos, a artista é a mais sensata em assuntos de relacionamento.

O advogado Marshall Eriksen é interpretado por Jason Segel, atualmente criador e protagonista da série Dispatches From Elsewhere. O personagem de coração mole deseja lutar pelas causas ambientais, independente do lado financeiro, e também acaba protagonizando alguns dos momentos mais tristes da série. Sendo abandonado por Lily na primeira temporada, e lidando com a morte de seu pai na sexta, Jason Segel impressiona não só na comédia, mas também nas partes dramáticas.

Na primeira temporada, logo de início somos apresentados a uma nova integrante (qualquer semelhança com Friends é mera coincidência). Robin é uma mulher independente e forte, que muda a dinâmica do grupo. Vivida por Cobie Smulders, a Maria Hill do Universo Marvel, a personagem passa uma boa parte da trama em idas e vindas amorosas com Ted ou Barney, contudo, em nenhum momento se restringe a apenas esse detalhe. A jornalista, que começa sua carreira num programa da madrugada, trilha seu caminho sem se comover por um romance qualquer.

Mesmo seguindo alguns temas, como a chegada de uma nova integrantes, triângulos amorosos e, claro, os estereótipos de personagens, esgotados por sitcoms. A escolha de diversificar a narrativa foi um diferencial, visto que muitos episódios tem escolhas criativas, e optam por diversos formatos.

A série já se diferencia pelo fato de Ted estar narrando lá em 2030, e com a voz de Bob Saget (eterno Danny Tanner de Fuller House) comentando as memórias, erros e acertos da trupe nova iorquina. Em Three Days of Snow, a trama é contada em três momentos diferentes, que se unem no final do episódio. Enquanto em Tick Tick Tick, a agonia de Barney é acentuada em uma simples cena em câmera lenta.

Além disso, são momentos musicais grandiosos que misturam a trama com músicas viciantes. O hino Let’s Go To The Mall, interpretada por Cobie Smulders, é uma das canções mais icônicas da série, que conta ainda com um clipe estilo anos 80 totalmente exagerado. Já a música Nothing Suits Me Like a Suit exemplifica o carisma de Neil Patrick Harris, em um número que é a cara de seu personagem.

Os flashbacks e flashforwards também são marca registrada da narrativa. Em alguns capítulos a história utiliza de saltos no passado para mostrar o passado dos personagens, ou até para crescer detalhes essenciais para a trama. Já os saltos para o futuro são curiosos pois são visões idealizadas do que será a vida em alguns anos. Em The Front Porch, eles debatem como vão ser os jogos de Bridge quando forem mais velhos, o episódio conta também com a participação da atriz Laura Prepon (de Orange), como a esnobe Karen, uma das mil ex-namoradas de Ted.

Nessas nove temporadas, Ted acaba passando por muitas namoradas, e em cada relação o personagem descobre novas decepções e aprendizados. Mas, graças ao fracasso amoroso de Ted, o leque de participações especiais é excelente. Começando pela mais promissora Victoria, vivida por Ashley Williams, cujo romantismo é um espelho do protagonista.

Já a obstinada Zoey é interpretada por Jennifer Morrison, a eterna Emma Swan de Once Upon a Time. Mas no quesito personagens criativos, ganha a misteriosa Slutty Pumpkin, cujo rosto é da atriz Katie Holmes. Outros nomes que apareceram em poucos capítulos, mas que ainda devem ser nomeados, são de grandes artistas musicais ou celebridades como: Katy Perry, Britney Spears, Jennifer Lopez, Kim Kardashian e Enrique Iglesias.

Uma década e meia depois de sua estreia, How I Met Your Mother correria o perigo do cancelamento. Algumas piadas recorrentes não seriam aceitas, levando em conta o público mais consciente que o de 15 anos atrás. A estereotipização de personagens asiáticos, com exemplo de Ranjit e a caracterização racista dos protagonistas ao se vestirem como chineses, são pontos a serem criticados hoje em dia.

Mas isso não acontece apenas com How I Met Your Mother, sucessos como Sex and The City e Friends também tinham tramas cheias de preconceito e estereótipos problemáticos. A falta de diversidade séries do passado são percebidas nos dias de hoje, já algumas comédias atuais como Brooklyn Nine Nine e Sex Education não cometem o mesmo erro, escalando atores negros, latinos e LGBTs.

Devem ser citadas as piadas gordofóbicas, e ainda toda a bagagem cultural negativa dos trajes de gordo utilizados em flashbacks na série. Em certos momentos, Barney e Robin aparecem vestidos com essas roupas, como uma piada à aparência deles no fim de seu relacionamento. Já o machismo presente aparece de forma mais acentuada. A objetificação de mulheres e termos como ‘vadia’ são utilizados de forma recorrente em HIMYM, além da sugestão de conquistar mulheres jovens assim que entram na maioridade. Quase a maioria das cenas de Barney se utilizam dessa mesma fórmula, e o bordão ‘Challenge accepted!’ (O desafio está aceito!) é um exemplo claro disso.

Da mesma forma de muitas comédias, como One Day at a Time e Modern Family, a série também possui seus momentos de fragilidade que fazem chorar. Em especial, no capítulo Bad News, com a morte do pai de Marshall, e o sensível Symphony of Illumination, quando Robin descobre que não pode ter filhos e cabe a Ted consolá-la. Alguns términos de relacionamento são bons exemplos desse outro lado da história. Em No Pressure, ao levar um fora de Robin, um compilado de agressões que Ted sofreu aparecem na tela, mas de acordo com ele nenhuma supera o momento daquela dor da rejeição.

A trajetória dos personagens também demonstra que nem sempre a vida é fácil ou engraçada. A busca de Lily por outras opções de carreira e o desencanto com a maternidade são nuances da mocinha bem colocadas pelos roteiristas. Os problemas familiares de Barney são outra parte sensível do personagem, e nessas cenas Neil Patrick Harris é convincente em entregar tanto humor quanto drama.

Umas das grandes decepções da série é por conta da figura da Mãe, Tracy McConnell, visto que depois de oito anos, quando finalmente vemos seu rosto, é por pouquíssimo tempo. Com a maravilhosa Cristin Milioti  escolhida para interpretar Tracy McConnell. Contudo, apesar de um ótimo plot, sua aparição foi muito curta e toda a história do casal foi compactada em vinte e poucos episódios. Nessa última temporada, inclusive, a narrativa toma um caminho interessante, com várias histórias paralelas acontecendo em meio ao casamento de Barney e Robin.

E apesar de um tanto rejeitada pelos fãs, a nona temporada encerra e entrelaça bem a jornada de Ted e companhia. Os dramas acompanham o amadurecer dos episódios, e ainda os caminhos diferentes que os amigos tomaram ao longo dos anos são retratados em momentos cômicos e dramáticos. No fim, o triângulo amoroso central da série, Barney, Ted e Robin, foi um dos fatores que separou o grupo e essa realidade foi cruel, mas necessária.

É certo dizer que mesmo em seus erros, How I Met Your Mother é uma das grandes sitcoms dos anos 2000. Com personagens cativantes, mas que muitas vezes dão raiva, é uma obra que garante risadas, choros e impaciência. A narrativa envolvente e longa sobre a história da procura pela misteriosa Mãe é apenas uma entre os diversos caminhos que a série trilhou com maestria e humor.

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