Arthur Caires

Existem momentos na história em que o mundo se une em torno de um único artista, celebrando seu pico de sucesso com admiração. São instantes marcantes, onde a Música transcende o mero entretenimento e se torna um fenômeno cultural que define gerações. A Beatlemania na década de 1960, o lançamento de Thriller por Michael Jackson em 1982 e a ascensão de Madonna como ‘Rainha do Pop’ na década de 1990 são apenas alguns exemplos dessa catarse coletiva. Em cada um desses casos, a obsessão pela estrela era palpável, dominando conversas, inspirando moda e comportamento, e consolidando seu lugar como ícone cultural inegável.

O mesmo aconteceu com Taylor Swift em 2023. Em Março daquele ano, a cantora iniciou uma das maiores turnês da história, a The Eras Tour. Celebrando todos os seus dez (agora, onze) álbuns, a sequência de shows já ultrapassou a marca de 1 bilhão de dólares de arrecadação, e está bem longe de acabar. Durante esse período, Swift ainda lançou duas regravações – Speak Now (Taylor’s Version) e 1989 (Taylor’s Version) –, quebrou recordes nos cinemas com o lançamento do registro ao vivo da turnê e foi nomeada como Pessoa do Ano pela revista Time. Já no começo de 2024, seguindo a onda de conquistas, a artista se tornou a primeira a ganhar quatro vezes o prêmio de Álbum do Ano no Grammy, sendo o último gramofone pertencente a Midnights.

É logo após esse turbilhão de acontecimentos que Taylor Swift lança seu 11º álbum de estúdio, THE TORTURED POETS DEPARTMENT. O disco vendeu mais de 2,5 milhões de cópias em sua primeira semana nos EUA e debutou com 313 milhões de reproduções no Spotify, sendo a maior estreia da carreira da cantora e da plataforma. Ao longo de suas 16 faixas – na versão standard –, a compositora fala sobre o término de seu relacionamento de seis anos com o ator britânico Joe Alwyn, a breve mas intensa reaproximação com o cantor Matty Healy, vocalista da banda The 1975, e a não muito bem-vinda opinião da mídia e de alguns fãs sobre sua vida pessoal.

A eficácia da caneta de Swift já não é assunto a ser discutido há um bom tempo, mas em THE TORTURED POETS DEPARTMENT, a artista consegue elevar sua escrita para um nível diferente. É possível observar uma extrema vulnerabilidade em forma de hipérboles e sentimentos fatalistas, porém, expressos nas mais rebuscadas palavras e analogias. “Eu mantenho esses anseios trancados/Em letras minúsculas dentro de um cofre” a intérprete canta em um dos destaques do disco, Guilty as Sin?. Ainda assim, apesar de possuir algumas letras mais simples e literais – e alguns deslizes envolvendo Charlie Puth –, a obra, como um todo, se caracteriza por uma complexidade que exige múltiplas audições para ser desvendada e plenamente digerida em suas diversas camadas.

Na sonoridade, há uma mescla balanceada entre os três gêneros predominantes da discografia de Taylor Swift: synthpop, country e folk. Mais uma vez, ela se junta a seus parceiros de longa data, Jack Antonoff e Aaron Dessner, para dar vida à sua visão musical. Nesse momento, a presença dos produtores foi crucial para a artista, especialmente ao explorar temas íntimos e confessionais, em que a confiança é um elemento essencial no processo criativo. No entanto, essa familiaridade também traz consigo um certo déjà vu. A produção apresenta diversas semelhanças com trabalhos anteriores da cantora, o que leva o ouvinte a desejar por algo novo e inovador. 

Fortnight, primeiro single do projeto e com participação de Post Malone, assume seu papel de introdução ao álbum de forma satisfatória, mas deixa a desejar em termos de energia. A letra, repleta de metáforas, resume os acontecimentos envolvendo ‘certos homens britânicos’ na vida da artista. A produção, no entanto, peca pela monotonia, não apresentando elementos que prendam a atenção do ouvinte e despertem a sensação de um grande sucesso, como Anti-Hero ou Blank Space. Mesmo assim, a melodia do refrão consegue grudar na cabeça depois de alguns replays.

Os easter eggs e a promoção midiática do ‘TTPD’ levaram o público a acreditar que esse seria um álbum dissecando o fim do relacionamento de seis anos da cantora com Joe Alwyn. Referências a canções passadas, teoria dos estágios do luto e um grupo de Whatsapp conhecido fizeram a cabeça de vários fãs. Porém tudo isso foi por água abaixo na morna faixa-título com a menção ao “golden retriever tatuado”. O cantor Matty Healy permeia a vida de Swift desde 2014, mas ganha destaque maior nesse disco após chamas terem sido reacendidas logo depois do término da artista.

Ainda assim, em So Long, London, quinta faixa do álbum – tradicionalmente, a mais pessoal e sentimental –, Taylor Swift oferece uma homenagem empática ao seu ex, Joe Alwyn. A canção revela o conflito central: o desejo da cantora de se casar, contrastando com a hesitação do parceiro. No segundo verso, a artista canta “Parei a RCP [ressuscitação cardiopulmonar], afinal não adianta”, uma referência à música You’re Losing Me de seu álbum anterior, Midnights (2022), onde ela afirma “Eu não consigo sentir uma pulsação/Meu coração não bate mais”. Através dessa metáfora, a intérprete demonstra a frustração de tentar salvar um relacionamento já condenado. Apesar de seus ressentimentos, a faixa termina em um tom de aceitação e uma mensagem esperançosa: “Você achará alguém“.

O álbum dos poetas torturados vai além da negação e da depressão, explorando também o segundo estágio do luto: a raiva. Em But Daddy I Love Him, Swift dirige um sermão de mãe aos fãs que se sentem no direito de controlar suas escolhas. No pós-refrão, a cantora explode: “Eu prefiro queimar toda a minha vida/Do que ouvir mais um segundo de toda essa baboseira e reclamação“. Esse sentimento tem como raiz a repercussão do relacionamento da artista com um certo cantor problemático, porém se estende a outros tópicos que envolvem sua fervorosa base de admiradores, os swifties.

Além de conversar com seus fãs, Taylor Swift também fala diretamente com a mídia – e com quem ‘não vai muito com a sua cara’. Desde o começo de sua carreira, a artista é colocada em uma caixa de compositora que só fala sobre ex-namorados e que não tem sua Arte levada a sério, ao mesmo tempo em que sua vida pessoal é analisada minuciosamente e cada um de seus passos é rastreado. Então, quando canta “Você não duraria uma hora no hospício onde me criaram” em Who’s Afraid of Little Old Me, é possível sentir a exasperação de alguém que não se importa mais com a opinião pública ou, pelo menos, não tanto quanto antes.

Independentemente, é necessário reconhecer que Swift se beneficia de diversos privilégios e não é isenta de críticas. A silenciosa forma como a cantora lidou com o caso de Ana Benevides, ao passar pelo Brasil com a The Eras Tour, é um exemplo de como ela escolhe lidar minimamente com certas pautas, enquanto, com outras, age de forma mais presente. Além disso, a constante capitalização de sua Arte se torna cada vez mais difícil de diferenciar o produto e a Música. Artigos em sua loja, versões exclusivas de seus álbuns, variações de vinis, entre outros, podem ser interessantes para os fãs, mas acabam se tornando uma quantidade sufocante de conteúdo. Por estar em, praticamente, todos os lugares, a saturação de sua imagem pode se tornar algo negativo.

Há muito tempo, os swifties tentam convencer todos ao seu redor do quanto Taylor Swift é talentosa, defendendo-a de qualquer opinião desfavorável. Na promoção do álbum, a repercussão às críticas negativas e a controversa republicação de matérias positivas pela artista em suas redes sociais fizeram com que uma parcela dos fãs sentisse a necessidade de refutar, cegamente, qualquer ponto de vista contrário. Porém, nada disso é necessário. Bem ou mal, é prazeroso falar sobre a vida e obra da cantora. Como John Green disse em publicação nas redes sociais: “Eu amo as músicas e letras de Taylor Swift. Você não precisa gostar. Mas eu posso”.

Clara Bow, a última faixa do disco, é uma síntese do que se passa na cabeça da cantora mais famosa do momento. O nome que dá título à canção se trata da estrela de Cinema que lutava com problemas de saúde mental devido ao estresse causado por sua fama, sendo considerada a primeira ‘it girl’. Ao longo da música, Swift também homenageia Stevie Nicks e reflete sobre como “é um inferno na terra ser celestial”, forçada a ser um modelo de perfeição para todos que a admiram. Por isso, é compreensível quando na divertida e depressiva I Can Do It With a Broken Heart a artista desafia a audiência: “Venha e tente fazer o meu trabalho”.

Não contente em lançar um álbum, Taylor Swift resolveu lançar outro, na mesma madrugada. THE TORTURED POETS DEPARTMENT: THE ANTHOLOGY foi lançado de surpresa duas horas após a versão inicial, contendo 15 faixas adicionais, totalizando 31 músicas – 13 ao contrário, porque nada é uma coincidência. Desde o anúncio do disco, feito no palco da 66ª edição do Grammy ao ganhar a categoria de Melhor Álbum Vocal de Pop com Midnights, a cantora vinha fazendo sinal de dois com as mãos e colocando easter eggs, remetendo ao gesto na promoção do registro. A teoria de um álbum duplo percorre as conversas da sua base de fãs há muito tempo, e finalmente aconteceu.

Sempre foi uma tradição de Swift lançar versões deluxe de seus álbuns. Mas, após o projeto das regravações com as faixas From The Vault, as músicas ‘descartadas’ começaram a ser disponibilizadas em tempo real. No seu trabalho anterior, Midnights, a intérprete de Anti-Hero já havia feito isso, lançando a 3am Edition com sete novas canções. Dessa vez, ela dobra ainda mais a aposta. Enquanto na primeira versão de ‘TTPD’, Taylor Swift foca em detalhar cada um dos últimos acontecimentos de sua vida, o outro lado do disco explora os pensamentos mais intrusivos da compositora, como espiar a janela dos outros. O protagonismo na produção dessa parte fica com Aaron Dessner, remetendo à atmosfera criada nos álbuns folklore (2020) e evermore (2020). 

The Black Dog, a primeira faixa do THE ANTHOLOGY, é o principal destaque, sendo a favorita na categoria ‘músicas que deveriam estar no álbum principal’. O jeito mesquinho que a cantora diz “E eu espero que esteja uma merda no The Black Dog”, convém uma emoção irracional que todos já sentimos, de desejar algo ruim para alguém que nos machucou. Por outro lado, em thanK you aIMee, Swift não perdoa nem esquece, mas agradece. Relembrando os tempos que dava pistas em letras maiúsculas em seus álbuns, a faixa é uma indireta direta à Kim Kardashian, que foi uma das principais responsáveis pelo intenso cancelamento que a artista sofreu em 2016. Na canção, deliciosamente carregada de influências country, a compositora ainda ressente tudo que aconteceu, no entanto reconhece que sem aquele momento, não estaria onde está hoje.

Descobrimos também que a garota de Love Story continua viva dentro de Taylor Swift com The Prophecy. O desejo de encontrar sua alma gêmea persiste, o que explica porque, em certas composições, os temas adolescentes ainda são explorados. Como a mesma disse em But Daddy I Love Him: “Crescer precocemente às vezes significa não crescer de forma alguma”. Essa jovialidade é recorrente em So High School, que junto de The Alchemy, da versão original, são as canções destinadas à Travis Kelce, o novo parceiro de Swift. Com várias referências ao início da década de 2000, a mais nova torcedora do Kansas City Chiefs e vencedora honorária da 53ª edição do Super Bowl declara sua paixão da mesma forma que uma jovem de dezesseis anos.

Qual o propósito de THE TORTURED POETS DEPARTMENT: THE ANTHOLOGY? Por um lado, 31 músicas é um grande presente para os fãs e mostra o quanto Swift está disposta a sempre recompensar seus maiores admiradores. Ao mesmo tempo, pode ser visto como uma forma de obsessão por números e de alimentar a roda da criação de conteúdo nos tempos do TikTok. Ambos são verdade. A artista já se mostrou, muitas vezes, se importar com charts, vendas e premiações. Os meios podem ser questionáveis, todavia os fins são claros. Vale de cada pessoa discordar e não consumir sua música ou concordar em não se importar e aproveitar o material. Esse não é só um argumento dos swifties, mas de quem entende o impacto da música da ‘loirinha’, como o ex-CEO da empresa norte-americana Ticketmaster, Nathan Hubbard, ao dizer no podcast Every Single Album que: “Este álbum é importante. Faz parte de sua narrativa. Mas não precisa ser o seu favorito ou de qualquer outra pessoa. Deixe-a criar exatamente de onde ela está.”

Para o futuro, quando se trata de Taylor Swift, muita coisa é esperada. No momento, a artista encaminha para a finalização da The Eras Tour na América do Norte, incluindo o novo ato do THE TORTURED POETS DEPARTMENT. Quanto às regravações, reputation (Taylor’s Version) já passou da hora de aparecer, junto do auto-intitulado debut. Ainda é muito cedo para se dizer qual será o caminho para o próximo disco de inéditas, entretanto seria interessante que a banda dos poetas torturados seja separada para que Swift explore uma nova sonoridade e inicie uma nova fase em sua carreira.

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Júlia Paes de Arruda

Filmes com animais falantes podem ter enredos artificiais e forçados, como é O Zelador Animal. Outros conseguem atrair o público genuinamente, tal qual Dr. Dolittle, de forma que não seja necessário um reboot. Mas não é o caso de O Grande Ivan (The One and Only Ivan, no original). Neste novo projeto, a Disney consegue oferecer uma história leve, divertida e descontraída sobre um tema extremamente sensível e alvo de diversas controvérsias: a presença de animais em circos. 

Na obra baseada em fatos, somos apresentados a Ivan (Sam Rockwell), um gorila de costas prateadas que é o mascote de um circo dentro do centro comercial Big Top Mall. Domesticado desde muito pequeno pelo dono do espetáculo Mack (Bryan Cranston), o animal vira sua grande atração. Porém, com as baixas audiências e os altos custos do picadeiro, Ivan é substituído pela pequena elefanta Ruby (Brooklynn Prince). Com sua chegada, o gorila passa a reconsiderar suas convicções e questionar sobre a vida que possui. 

Aqui no Brasil, o uso de animais com fins circenses é proibido em apenas 12 estados, isto é, não existe uma legislação nacional que impeça esse tipo de comercialização. O motivo para a proibição é óbvia. Por trás das acrobacias “inteligentes”, eles vivem, em sua maioria, em ambientes precários – e até mesmo insalubres – contra a própria vontade a fim de proporcionar entretenimento. Só por aqui, já vemos que esse ato de humanizá-los acaba se tornando a própria falta de humanidade das pessoas, as quais enxergam uma opressão como um motivo de riso e aplausos.

A elefanta Stella (Angelina Jolie) é o retrato perfeito para tal violência. Dentro do picadeiro desde o começo, ela só é “libertada” com a chegada da sua morte. É irritante e agoniante ver a falta de empatia de Mack com o animal. Num dia, ao final de um espetáculo, ele vê Stella sem o apoio de uma das pernas e avisa para um de seus funcionários que o veterinário viria logo pela manhã. No dia seguinte, o dono do circo vê a elefanta já deitada, provavelmente agoniada, e solta um “eu ligo pro veterinário depois do espetáculo”. Essa fala deixa qualquer pessoa (pelo menos, qualquer ser humano decente) enfurecido e incomodado com a situação do mamífero que recorda com alegria nos olhos os velhos tempos na selva. 

Esse aperto é ainda mais palpável por causa dos animais serem idênticos aos selvagens. A tecnologia de CGI proporciona uma experiência extremamente realista ao importar texturas de pelos, penas e traços físicos autênticos. Apesar da crítica presente no filme, é importante mostrar que a ausência de animais nas filmagens não influenciou o capricho das telas como foi no remake de O Rei Leão. Além disso, o uso de imagens computadorizadas auxilia na prevenção de maus tratos, algo bastante polêmico em Quatros Vidas de Um Cachorro. 

As cenas de fuga em O Grande Ivan são tristes. Os animais saem desimpedidos, com o vento da liberdade batendo em seus rostos. Entretanto, ficam sem rumo, sem saber o que fazer depois. O coelho Murphy, inclusive, não consegue se desprender do seu caminhão de bombeiro para salvar a própria vida. Esse sentimento é parecido com a cena em Procurando Nemo, que mostra os peixes do aquário, presos em sacos plásticos, dentro do oceano animados com a sensação de independência. Dois segundos depois, um olha pro outro e surge a pergunta “e agora?”. É doloroso ver que na primeira oportunidade deles voltarem para sua vida antiga, eles a abraçam.

Os efeitos presentes no filme o fizeram ganhar uma indicação ao Oscar 2021 para Melhores Efeitos Visuais, categoria que já teve vencedores como O Primeiro Homem (2019) e Mogli: O Menino Lobo (2017). Os nomes encarregados do trabalho foram Nick Davis (nomeado ao Oscar 2009 por Batman: O Cavaleiros das Trevas), Greg Fisher, Ben Jones e Santiago Colomo. A técnica usada em O Grande Ivan, mesmo não sendo inovadora por ter sido usada também em Babe, O Porquinho Atrapalhado, trouxe a sensação de realismo aos animais, ainda que expressassem sentimentos humanos. Por causa da interação com os atores, as filmagens tiveram que ser divididas em duas partes, com marionetes e bonecos de tela verde, para que a sincronia entre as personagens pudessem ser complementares. Esse trabalho impecável veio da Moving Picture Company (MPC), a qual já havia produzido filmes reconhecidos nesse aspecto, como Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban e Guardiões da Galáxia. Já era de se esperar um serviço exemplar com esse currículo. 

A direção de Thea Sharrock (Como Eu Era Antes de Você) e o roteiro de Mike White (que também dubla a foca Frankie) constrói arcos para desenvolver Ivan, deixando alguns personagens sem aprofundamentos. É o caso de Julia (Ariana Greenblatt), filha do funcionário George (Ramon Rodríguez). Ela é fundamental para que o gorila retorne aos seus laços selvagens, mas pouco se é debatido sobre a doença de sua mãe – ponto citado entre os desabafos da garota com o animal. Essa menção poderia ser facilmente excluída sem que afetasse a progressão dos acontecimentos. Também não fica claro como Ivan chegou às mãos de Mack e como surgiu a ideia de empreender um circo. Esses momentos poderiam fazer o público compreender melhor a trajetória do Grande Ivan. 

A sensação de emancipação dos animais é ainda mais bonita acompanhada na sua música- tema. Selecionado mais uma vez para compor trilhas sonoras, Charlie Puth dá vida a Free, com versos profundos e deslumbrantes. A história de Ivan alcança completude com a letra e as notas do piano, alternando entre a angústia do aprisionamento com a maravilhosa sensação de finalmente estar livre. Dados do verdadeiro gorila são expostos em tela de forma a entender a inspiração do filme e, logo depois, os créditos sobem ao som da voz de Charlie. É impressionante essa construção sensorial que a sequência de imagens proporciona para a faixa. 

O Grande Ivan nos dá uma grande lição de moral. Ele entra na onda dos filmes de animação que atraem o público infantil, mas que cativam outros espectadores a saírem com reflexões sobre o que assistiu. Não chega a ser um documentário da National Geographic, mas também não se trata de um desenho simplista. O enredo trata com delicadeza tópicos complexos para as crianças e as ensinam que o entretenimento não vale a vida de um ser vivo. Com certeza, merecia mais reconhecimento fora das premiações. 

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Júlia Paes de Arruda

Quem vê Charlie Puth agora, dono de hits como Attention e Girlfriend, mal sabe que o álbum Nine Track Mind, lançado em 2016, é um produto de sua autoria. Ele mesmo afirmou que esse disco era sua tentativa de se encontrar e se descobrir como artista. Porém, isso não significa que não possamos apreciar sua genialidade e seu imensurável talento na música. A verdade é que, 5 anos depois, o álbum só reafirma a preciosidade de cantor, compositor e produtor que Puth é. 

A viagem de autodescoberta de Charlie acaba virando a do público também. O mergulho em ritmos, notas e instrumentos conduz uma narrativa nem um pouco linear, isto é, você pode apreciar personalidades diferentes de uma pessoa que tenta se estabilizar na montanha-russa que é a carreira musical. O resultado é um compilado de diversas musicalidades, uma experiência sensorial realmente emocionante e intimista.

Mesmo tendo o pop como seu gênero predominante, Charlie nunca deixa sua formação em jazz e música erudita passar despercebida. Sons de teclado e piano são as bases para a grande maioria de suas produções, em exemplo das duas primeiras faixas, One Call Away e Dangerously. Na segunda, mais especificamente, as notas clássicas evocam a percussão e o timbre mais alto, tornando-a mais rítmica, similar a Grenade de Bruno Mars. Essa sofisticação instrumental enriquece o trabalho do artista, ainda mais se tratando de Puth, que a cada dia surpreende seus fãs com novas composições de home-office.  

O maior sucesso de Nine Track Mind é a composição autoral que traz uma vibe mais dançante, apesar da letra melancólica. Tocada ao vivo, essa sensação de sofrimento pelo término do relacionamento é ainda mais marcante em We Don’t Talk Anymore, que conta com a participação da maravilhosa Selena Gomez. O sentimento que ambos os artistas colocam na voz é surpreendente, como se encarnassem o eu lírico da música. Isso poderia ter sido um sinal já que os dois, literal e ironicamente, não se falam mais. 

Pessoalmente, a obra prima do disco é Marvin Gaye, cantada juntamente com Meghan Trainor. A maleabilidade dos dedos de Charlie sob o piano, acompanhado de uma percussão mais agitada, demarca o pop que lhe é mais confortável. A sensualidade da música é mais evidente quando se apoia no clipe, porém não tira o mérito de uma harmonia envolvente e provocante. O cenário do vídeo poderia ser facilmente o Rydell High School de Grease, ainda mais pelo cabelo a lá brilhantina que Puth adota. Fora isso, é inevitável estalar os dedos e mexer o corpo de um lado para outro na parte mais calma da canção, especialmente na estrofe anterior ao refrão. 

Entretanto, a composição que lhe proporcionou mais reconhecimento é totalmente oposta à Marvin Gaye, tanto em temática quanto em melodia. Obviamente, é acompanhada de um piano, mais uma prova de que o cantor não abandona suas raízes clássicas. O sentimentalismo e a emoção são as palavras que a resumem, ainda mais por estarem associadas a uma perda irreparável. São nessas circunstâncias que See You Again, em parceria com Wiz Khalifa, mereceu seu espaço no sétimo filme da franquia Velozes e Furiosos. 

Quando se diz que Nine Track Mind é uma experimentação, não é mentira. A imersão foi tão intensa que até numa batida mais folk o cantor se arriscou. O fruto disso é My Gospel, que poderia facilmente ter saído da mente de Ed Sheeran (quem sabe uma inspiração para Nancy Mulligan, do álbum Divide?). Em contrapartida, Up All Night remete aos toques de piano mais voltados para o country de Tim McGraw, especialmente na música I Got Friends That Do. A “salada musical” que acabou se tornando não é ruim, mas quando comparado ao álbum Voicenotes (2018), dá pra perceber que Charlie estava às cegas tentando encontrar seu começo de algo novo. 

Mesmo que o artista de 2016 e o atual ‘não se falem mais’, Nine Track Mind ainda é o berço da sua maestria em expressar-se através de notas musicais. A partir daí, o garoto prodígio decolou e experimentou as delícias e os desprazeres da fama. Ainda sim, Charlie Puth mantém o sentimento que carrega consigo, tornando as canções quase íntimas, como se fossem relatos do seu diário pessoal. O resultado disso são trabalhos impecáveis e provas do fascinante potencial de músico que ele tem. 

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