Nathan Nunes

Na manhã do dia 15 de Janeiro de 2015, Hollywood ficou em polvorosa com a falta do então favorito Uma Aventura Lego entre os indicados ao Oscar de Melhor Animação. Lembrado, ainda assim, na disputa de Canção Original com Everything is Awesome, o longa de Phil Lord e Christopher Miller (que seriam premiados anos depois por Homem-Aranha no Aranhaverso) foi preterido em razão de dois candidatos menos conhecidos: O Conto da Princesa Kaguya, do cultuado Studio Ghibli, e A Canção do Oceano, da pequena produtora irlandesa Cartoon Saloon. Completavam a lista Como Treinar o Seu Dragão 2, da DreamWorks, Os Boxtrolls, da LAIKA Studios, e o eventual vencedor Operação Big Hero da Disney. Apesar do esnobe, é notável que havia um equilíbrio na disposição dos estúdios por trás dos concorrentes naquele ano, abraçando tanto os gigantes quanto os independentes e estrangeiros. 

Essa harmonia não se vê mais atualmente. Das cinco animações indicadas em 2023, apenas uma se encaixa nesse perfil “pequeno” antes mais reconhecido: Marcel the Shell with Shoes On, falso documentário em stop motion orçado em menos de 7 milhões de dólares e distribuído pelo atual pedigree independente, a A24. O restante pertence aos figurões, sendo duas da Netflix (Pinóquio por Guillermo del Toro e A Fera do Mar), uma da Disney (Red: Crescer é uma Fera) e uma da DreamWorks (Gato de Botas 2: O Último Pedido), além de serem todas superproduções de grande orçamento. Não é à toa que a categoria está novamente dominada pelos grandes estúdios, pois o que se evidencia, na prática, é a constatação de um descaso da indústria com a própria Arte da animação em si. 

O Oscar de Melhor Animação: Uma História

Em 19 de Fevereiro de 1992, assim como na manhã de 2015, Hollywood também pulou da cadeira quando A Bela e a Fera foi anunciado como um dos cinco concorrentes ao Oscar de Melhor Filme, tornando-se a primeira animação a realizar esse feito na história. O reconhecimento potencializou a chamada Era do Renascimento da Disney, marcada por um sucesso quase constante de bilheteria e crítica em suas produções, que, não à toa, cada vez mais adentravam a disputa pela estatueta dourada. 

A conversa sobre uma categoria para reconhecer única e exclusivamente as animações se intensificou à medida que outros estúdios começaram a surgir para disputar espaço com a Casa do Mickey, notoriamente a Pixar de Monstros S.A. e a DreamWorks de Shrek. Em 2002, a concorrência entre ambos esses filmes, juntamente com a presença de outros competidores de peso (Jimmy Neutron foi o terceiro indicado), se mostrou suficiente para inaugurar a modalidade, que fez da comédia do ogro verde o seu primeiro vencedor. 

Ainda assim, na época, não faltaram críticas a como o prêmio poderia ser uma forma de excluir as animações da disputa de Melhor Filme, pois o longa foi esnobado nela, mesmo com menções significativas no BAFTA e no Sindicato dos Produtores. O histórico da Academia também não era favorável, pois a indústria sempre foi tendenciosa com a presença animada na categoria. Esse sentimento, até então, tinha sido mascarado pela entrega de prêmios especiais para três produções específicas ao longo das décadas: Branca de Neve e os Sete Anões, em 1938, Uma Cilada para Roger Rabbit, em 1989, e Toy Story, em 1996.  

Depois de sua estreia, o Oscar de Melhor Animação continuou evoluindo. 2003 viu o seu primeiro e único vencedor vindo de fora dos Estados Unidos, A Viagem de Chihiro de Hayao Miyazaki. A presença internacional também foi se expandindo com o passar dos anos, através de nomes como os franceses As Bicicletas de Belleville, em 2004, e Persépolis, em 2008. Isso ocorreu devido ao aumento do número de membros no comitê que selecionava os indicados, composto apenas por profissionais da área. 

Em retrospecto, a década de 2010 pode ter sido o ápice dessa representatividade, tendo em vista o equilíbrio que a seleção de 2015 exalou, por exemplo. Candidatos pequenos de outras nacionalidades que não a americana ou a inglesa como Um Gato em Paris, Ernest e Celestine e A Tartaruga Vermelha, da França, Chico e Rita, do México, e Minha Vida de Abobrinha, da Suíça, foram agraciados com as indicações que antes estariam destinadas a outros campeões dos grandes estúdios, como Universidade Monstros, O Bom Dinossauro e Procurando Dory da Pixar, todos esnobados em seus respectivos anos. 

O golpe

Hollywood, obviamente, não estava feliz com essa situação. O contra-ataque veio na forma de uma mudança nas regras de votação da categoria, sancionada em 2017. Através dela, o comitê foi descontinuado, em razão do fato do voto para indicação ter sido aberto para todo e qualquer membro votante da Academia. O resultado disso nunca ficou tão claro quanto no ano passado. Entre as cinco animações indicadas em 2022, apenas uma (o dinamarquês Flee) era internacional, sendo três (Raya e o Último Dragão, Luca e a vencedora Encanto) das outras quatro pertencentes a um único estúdio, aquele do rato com fome de monopólio. 

Para coroar a situação, a cerimônia do tapa ainda apresentou os concorrentes animados da seguinte forma, nas palavras de Lily James (Cinderella), Naomi Scott (Aladdin) e Halle Bailey (A Pequena Sereia): “experiências formativas para as crianças que assistem elas”. A frase evidenciou a noção da indústria de que a animação é uma coisa de criança, algo que os mesmos Phil Lord e Christopher Miller de Lego, indicados na noite com A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas, criticaram em uma coluna na revista Variety. “Não estamos querendo diminuí-las, mas está na hora de as elevarmos”, defenderam. 

O problema

O caso do último Oscar é emblemático para discutir os dois principais problemas que assolam o prêmio de Melhor Animação. O primeiro deles é o sequestro de sua existência como mais um meio para os grandes estúdios prestigiarem apenas a si mesmos. É notável o posicionamento de James, Scott e Bailey para a entrega da estatueta, pois as três são as novas encarnações das princesas da Disney para a geração atual, implicando que a empresa seria a grande e única guardiã responsável pelo impacto sócio cultural dos filmes animados.  

Já o segundo é o próprio descaso em si da categoria como representante de um “tipo inferior” de Cinema, na visão da Academia. Ao citar o público infantil como o único a ser impactado pela animação, a instituição deixa claro que enxerga as animações dessa forma, e somente reforça isso ano após ano, ao nem sequer considerá-las como dignas de mérito igual – ou, às vezes – maior que seus grandes concorrentes de carne e osso. 

As animações do Oscar 2023: tão boas quanto os Melhores Filmes?

Nos 31 anos que separam a indicação de A Bela e a Fera da atual lista de Melhor Filme, apenas duas outras animações repetiram o feito: Up: Altas Aventuras em 2010 e Toy Story 3 em 2011, nos primeiros anos de expansão do número de nomeados de cinco para dez, cujo um dos motivos foi justamente o esnobe de Wall-E em 2009. Para além do fato de que outras grandes produções animadas mereciam demais o mesmo reconhecimento (em especial Divertida Mente em 2016, Aranhaverso em 2019, e Soul em 2021), 2023 marca um ano em que os concorrentes de Melhor Animação apresentam aspectos tão bons e quiçá até melhores que os indicados da categoria principal.

As sequências marítimas de A Fera do Mar são tão deslumbrantes quanto as de Avatar: O Caminho da Água, enquanto o valor familiar é tão emocionalmente catártico em Marcel como em Os Fabelmans. Gato de Botas 2 é uma história sobre um herói frente a sua obsolescência e a quebra de seu mito, assim como Top Gun: Maverick. Red se utiliza da estilização e da fantasia para explorar as barreiras emocionais no relacionamento entre mãe e filha amarelas, tal qual o favorito Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo. Por fim, o Pinóquio por Guillermo Del Toro fala melhor sobre o valor da humanidade em tempos de guerra do que Nada de Novo no Front, sendo que ambas as produções dividem a mesma distribuidora – a Netflix. 

Conclusão

O que se tenta dizer com essas comparações não é um desmerecimento dos outros candidatos, mas sim um exemplo de que essas animações possuem tanto valor quanto eles. Onde estão os filmes animados nas disputas de roteiro, atuação, montagem, fotografia, efeitos, design de produção e outras? Sabemos que eles têm qualidade suficiente para figurarem nesses mesmos espaços, e só não o fazem por concepções arcaicas, vazias e preconceituosas da própria indústria cinematográfica. Concepções essas de que seu público-alvo é apenas o infantil, ou de que seu valor está apenas ligado ao nome de grandes corporações. Nas palavras do diretor Guillermo del Toro: 

“Animação é um meio. Animação é filme. Animação é Arte e pode contar histórias que são lindas e complexas, e que são feitas à mão por humanos para humanos”  

O post Animação não é coisa de criança, mas para a Academia… apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Lopes Gomez

Nunca esteve tão claro que filmes de animação não são sinônimos de infantilidade. Soul talvez seja o exemplo mais popular e atual disso: o visual é apenas a técnica escolhida para um filme que explora o metafísico e desperta o existencial. Um pouco mais fantasioso, um pouco menos alegórico (ou vice-versa), da Pixar aos Estúdios Ghibli às irreverentes séries americanas, os ‘desenhos’ comportam uma multiplicidade que alcança diferentes faixas etárias. E é em meio a diversidade de narrativas e a crescente predileção por computações gráficas que chega Wolfwalkers, que se destaca pelo visual 2D cada vez mais raro e, desde o seu lançamento no Festival de Cinema de Toronto, aproveita a atenção para encantar todos os públicos.

Na trama, que se passa em 1650, a jovem Robyn Goodfellowe (dublada por Honor Kneafsey) e seu pai Bill (dublado por Sean Bean, o Ned Stark) são recém-chegados na cidade irlandesa Kilkenny. Contratado para extinguir os lobos que vivem na floresta, o pai da menina passa o dia caçando e ela, contrariando as ordens de não entrar na mata, resolve ajudá-lo a completar a tarefa para que os dois possam voltar logo à Inglaterra. Em uma de suas fugas, Robyn se depara com uma matilha e, quando sua líder se transforma em Mebh (dublada por Eva Whitaker), descobre a existência dos wolfwalkers, uma lenda local.

Após o encontro inesperado e passado o estranhamento inicial, as duas rapidamente viram amigas. A curiosa Robyn, excluída e caçoada por ser inglesa em uma vila irlandesa, passa a conviver com a agitada Mebh, que vive isolada na floresta, e as meninas formam uma dupla divertida, principalmente por serem tão diferentes. É com Mebh que Robyn aprende sobre os wolfwalkers: as criaturas, adaptadas do folclore irlandês, são seres humanos comuns, mas, quando dormem, têm sua alma desprendida do corpo físico e assumem a forma de lobos.

A mitologia celta que inspirou e torna o filme tão único é tema recorrente nos trabalhos de Tomm Moore, co-fundador do Cartoon Saloon e diretor ao lado de Ross Stewart. Em suas outras produções, como as indicadas ao Oscar Uma Viagem ao Mundo das Fábulas (O Segredo de Kells, em tradução literal) e A Canção do Oceano, do mesmo estúdio e consideradas parte da trilogia que termina com Wolfwalkers, os seres folclóricos da região, principalmente da Irlanda e da Escócia, são o carro-chefe. 

Porém, apesar de a lenda ser uma encantadora abordagem da cultura local e servir como base para a história, a fantasia não é necessariamente o ponto central da narrativa, que passeia por assuntos e aprofunda o ambiente e os personagens. Sem se perder entre as camadas que constrói, o longa cria espaço para tratar do equilíbrio entre o homem e a natureza, a relação com a autoridade e o papel da mulher na sociedade da época, além de contextualizar o cenário da Irlanda no século 17. Sem dúvidas, Wolfwalkers é mais do que só um filme de fantasia para crianças.

Discretamente, mas não tanto, Moore e Will Collins, os responsáveis pelo roteiro, incluíram até referências políticas e históricas reais, para os mais atentos. Na época em que se passa o longa, o país vivia um período de invasão pelos ingleses, liderados por Oliver Cromwell, que expulsaram habitantes locais de suas terras e tomaram o controle. O vilão Lorde Protetor Cromwell, comandante da vila, é uma clara menção ao militar e sua postura também é semelhante: ele associa a “maldade” aos “pagãos”, ao folclore e aos lobos que ele pretende expurgar, um episódio que também aconteceu. 

Nenhum dos tópicos ou alusões é destrinchado ou explorado a fundo, mas eles são trazidos como intrínsecos à narrativa, de forma a complementá-la e desenvolver as protagonistas, suas crenças e motivações. Apesar do risco das histórias secundárias, em nenhum momento os desdobramentos parecem superficiais ou corridos: pelo contrário, casam com a obra e formam o todo, sem destoarem ou esquecerem da fantasia que o filme propôs entregar. Afinal, apesar de não ser exclusividade do público mais jovem, a produção foi lançada na categoria infantil do streaming da Apple.

Enquanto na cidade o Lorde Protetor Cromwell prega que os animais são feras perigosas e devem ser dizimados, a amizade com Mebh, que contagia com sua animação e sotaque irlandês viciantes, prova a Robyn que os humanos e a natureza podem viver em harmonia. A nova visão de mundo da inglesa torna-se inevitável quando, durante a noite, ela percebe que foi mordida acidentalmente pela amiga e se transforma em lobo. Se antes ela queria caçar os animais, agora é uma wolfwalker e tem de fugir até do próprio pai. 

Quando Robyn, que sequer teve tempo de assimilar seus novos poderes, é perseguida pelos intolerantes habitantes da cidade e acaba se escondendo no castelo de Cromwell, a situação piora: ela descobre que a mãe perdida de Mebh, a líder da matilha, foi capturada e aprisionada pelo Lorde. Aqui, as ilustrações animadas à mão, que podem parecer incomuns para o olho acostumado à computação gráfica das grandes empresas, escancaram seu poder em passar as sensações em Wolfwalkers.

Provando ser mais do que só um grande atrativo, o visual e a estética do filme, frutos da colaboração entre os diretores e outros artistas do estúdio, são fundamentais na construção da narrativa e da mensagem. A cidade e seus habitantes, geométricos e pintados em cores sóbrias, são hostis e opressores, reprimindo Robyn. Já a floresta, onde a menina pode ser ela mesma em todos os sentidos e formas, é desenhada em linhas arredondadas e abstratas, com muitos detalhes e pintada em cores vivas, que tornam o ambiente acolhedor. 

Apesar do arco principal tomar um rumo previsível a partir da descoberta, o acontecimento impulsiona o clímax e amplifica o dilema das personagens e das relações. Mebh precisa resgatar a mãe, Robyn tem de enfrentar o pai de uma vez por todas e Bill tem de decidir entre seguir a autoridade repressora ou acolher e ajudar a filha. O caminho sentimental é inescapável – e essencial para parte do público do gênero -, mas não falha e nem cai só no clichê: as escolhas feitas no ápice do conflito, suas consequências e o desfecho do filme verdadeiramente emocionam.

O espectador que não sabia o que esperar pode até escolher com o que prefere se comover ou qual mensagem tirar da obra. As várias camadas interessantes na já interessante premissa de Wolfwalkers, somadas a um visual deslumbrante e uma trilha sonora incrível, tornam a produção um verdadeiro espetáculo, seja para o público infantil, seja para o adulto, que não precisa disfarçar a admiração.

Não por menos, o filme já é o melhor do ano, se considerada a opinião dos críticos: após honrarias de importantes organizações como as Associações de Críticos de Cinema de Los Angeles, Nova Iorque e Boston, a produção é a mais homenageada da temporada. Acumulando reconhecimentos, o longa disputa o Oscar de Melhor Animação, concorrendo com produções de estúdios mandachuva, além de ter sido indicado em outras importantes premiações do cinema, como o Globo de Ouro e o Critics Choice Super Awards. Wolfwalkers não levou os dois últimos, mas que a competição acirrada da Academia faça justiça.

O post Wolfwalkers é mais do que só um filme de fantasia para crianças apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.