Davi Marcelgo

É muito difícil falar algo novo de Homem-Aranha 2 (2004) vinte anos depois de seu lançamento. Todo mundo já teceu algum comentário: sobre ele ser a adaptação definitiva de um quadrinho de super-herói, sobre suas cenas de ação de tirar o fôlego ou do enredo espetacular. De tudo já dito a respeito, pouco se fala – principalmente no meio nerd, que foca apenas em fidelidade para com a obra original – do melodrama. Para comemorar as duas décadas do filme que marcou e ainda marca gerações, ligue a Televisão e lembre-se do horário das nove, porque a sequência de Sam Raimi é um ‘novelão’.

Porém, é imprescindível falar sobre o responsável pela produção. Sam Raimi é um diretor muito autoral, é fácil identificar seus trejeitos e estilos desde seu primeiro longa lá no distante ano de 1981, A Morte do Demônio, com os close-up, câmera hiperativa e as longas sequências com poucos cortes. Na década de 1990, ele experimentou um pouco de tudo: um herói trágico com estética noir em Darkman – Vingança sem Rosto (1990); Um Plano Simples (1998), um thriller inquieto e silencioso; dirigiu um romance em Por Amor (1999) e, até mesmo, desbravou as terras do Velho Oeste com o bang-bang Rápida e Mortal, de 1995. Como consequência, a trilogia do Homem-Aranha, idealizada por Raimi, acaba sendo uma somatória de tudo que ele já havia feito antes.

Então, em 2002, depois de tantos esforços para fazer filmes, Sam Raimi foi chamado para comandar o primeiro grande blockbuster do aracnídeo da Marvel – o seu herói favorito desde a infância. Com orçamento e equipes maiores, o autor fez de Homem-Aranha, daquele mesmo ano, um belo retrato de Nova York. Os becos do município – espaços estreitos e normalmente sujos – são lugares para o amor, o tesão, a descoberta, o luto e o amadurecimento. São vias de transformação: Peter Parker (Tobey Maguire) passa por várias etapas da vida em vielas, o que mostra como a cidade é viva e presente. O peso entre a metrópole nova-iorquina e sua população ficou mais sensível depois dos ataques às Torres Gêmeas em 11 de Setembro de 2001. Por isso, ver um herói que veste as cores da bandeira americana cuidando do povo foi catártico.

Contrastando com a mansão de seu melhor amigo, Harry Osborn (James Franco), o público acaba frequentando pouco a residência. Raimi sempre filma ela de longe e nunca a encaixa inteira na câmera – diferentemente da casa de Peter que, em um quadro, já podemos vê-la por completo. Os objetos em cena, como máscaras tribais, quadros e assentos caros afastam a família Osborn do espectador, e o aproximam da simplicidade dos Parker. O cineasta registra as diferenças de classe através das imagens, afinal, Cinema é uma Arte Visual.

A partir disso, cria-se um personagem mais verossímil, que mora em bairros comuns e frequenta ambientes relacionáveis. Nos extras do DVD de Homem-Aranha (2002), o diretor de arte Neil Spisak conta que a ideia era realmente fazer da cidade um personagem, diferentemente das fictícias Gotham e Metrópolis. O Cabeça de Teia acaba por ser um ótimo herói para isso, porque além da intenção de filmar os lugares em comum da cidade, a produção quis levar os nova-iorquinos para regiões inacessíveis, como o pico de um prédio. 

O longa perpetra seu protagonista como fruto da cidade e concentra elementos humanos no filme todo, tais como: ciúmes, ausência de dinheiro, escola, figuras paternas e “como toda história que se preze, é sobre uma garota”, cita Peter Parker (Tobey Maguire) em sua primeira fala. Com todo material-base estabelecido, qual era o caminho para Homem-Aranha 2? Sam Raimi responde: o melodrama.

Mas, afinal, o que é melodrama? Para entender a narrativa melodramática, é preciso voltar alguns séculos na história. Ela surge no fim do século XVIII com a Revolução Francesa e a popularização do Teatro para o povo. Neste movimento, a Arte afasta-se da aristocracia, então é preciso contar histórias que a população quer ouvir. A tragédia grega com seus heróis nobres e dignos de atitudes que dimensionam toda a humanidade não interessa à burguesia e às classes populares, daí surge o melodrama: histórias cotidianas e personagens identificáveis. 

Misturado ao drama moderno altamente subjetivo, muitos autores vão definir algumas características ao melodrama. Além da natureza trivial, há a forte presença da visualidade, uso de móveis e objetos habituais, assim como um tratamento maniqueísta do ‘mocinho’, ‘mocinha’ e vilões. As atuações tendem ao exagero, são corporais e expressivas. No Cinema contemporâneo, a forma de contar uma história, dificilmente é ou será purista, não seguirá à risca a cartilha dos elementos que fazem de um texto parte de um gênero. Um filme de terror pode ter fragmentos do coming-of-age, assim como um suspense pode ser pitoresco. Em Homem-Aranha 2, é possível identificar características do melodrama, das peças gregas, francesas de outrora e das novelas brasileiras.

De partida, as personagens da sequência não são unidimensionais. Peter Parker (Tobey Maguire) enfrenta dilemas e assume erros. O antagonista, Doutor Octopus (Alfred Molina), é composto de complexidades dificilmente presentes em filmes de quadrinhos. Apresentado ao público como homem nobre, de filosofias altruístas e ideias científicas que ajudarão a humanidade, a faceta do personagem vai sendo subvertida com a rolagem dos minutos do longa, indo de benfeitor a vilão que despreza a vida e vai cometer crimes para realizar seu sonho, e de benevolente a egocêntrico. 

O ‘mauricinho ‘favorito dos fãs do Teioso, Harry Osborn, também tem suas próprias motivações. Crédulo de que seu pai, Norman Osborn (Willem Dafoe), foi morto pelo Homem-Aranha (Tobey Maguire), o jovem fica obcecado na ideia de matar o herói. O amor paterno sempre lhe foi negado e agora ele acredita que vingar a sua morte trará orgulho para ele. Mary Jane (Kirsten Dunst) também continua vagando por relacionamentos com homens de sobrenome importante para impressionar o pai. A trilogia de Sam Raimi é um grande daddy issues.

Outro elemento do personagem também se equipara à tragédia grega. Quando Peter desiste de ser herói, todo o peso dos crimes, acidentes e calamidades que decorrem em Nova York é atribuído à escolha dele. A cena do incêndio ilustra a presença do gênero grego na história; após salvar (como cidadão comum) uma ‘garotinha’ de sua casa em chamas, o protagonista descobre, pelos bombeiros, que um homem ficou preso e morreu queimado. Parker, então, faz recair a culpa sobre seus ombros. Como Homem-Aranha, ele poderia ter salvado todos ter feito mais. A cena se contrapõe a um outro incêndio que ocorreu durante os eventos do primeiro filme; na ocasião, o herói salvou todo mundo. 

Isto posto, onde as novelas que nossas mães e avós assistem se encaixam nisso tudo? Em telenovelas brasileiras, podemos fazer um checklist de elementos melodramáticos: as tramas do cotidiano, ‘mocinha’ e vilão definidos com exatidão, núcleos populares e de alta identificação – ‘olha só, aquela personagem lembra nossa vizinha, nossa tia’ como também a direção, já que a cenografia da teledramaturgia é muito visual, expressiva e corporal, bem diferente do Cinema Hollywoodiano. E todas essas referências estão em Homem-Aranha 2 e, além de todo mérito solo do filme, essa semelhança pode ser um grande fator os brasileiros terem tanto afeto por ele.

‘Correria’ do trabalho, festas de aniversário, atrasos em compromissos importantes, humilhação no banco, relações familiares, ida ao médico, faculdade, problemas amorosos e ‘grana’ curta. Todas essas cenas são da sequência de 2004. Quantos desses uma pessoa brasileira se identifica? E quantos desses já não se tornaram arcos de personagens de novelas? Sam Raimi e os roteiristas compreendem o conceito do aracnídeo é ser esse personagem que qualquer um poderia vestir a máscara – como repercutido em Aranhaverso (2018) – e enxergam no melodrama, no Teatro popular, o estilo narrativo ideal.

Para além da explosiva cena no trem ou a de terror no hospital, outros momentos são marcantes na produção. Dois se referem à família do protagonista e outro a uma banalidade da vida. Neste, Ursula (Mageina Tovah) oferece um bolo a Peter em um momento delicado da vida dele, esta pequena cena humaniza e nos aproxima da história. As outras duas são protagonizadas pela Tia May (Rosemary Harris), em uma é negado um empréstimo no banco e na outra ela dá dinheiro como presente de aniversário ao sobrinho, mesmo que momentos antes eles tivessem dialogado sobre atrasos na hipoteca. É muito difícil ver um filme de super-herói fazendo algo semelhante, o que torna a obra singular e atemporal. 

É comum vermos familiares se dobrar para deixar sobrinhos, netos, filhos felizes, ainda que somente em datas comemorativas. O filme coloca Peter Parker em um problema financeiro que superpoder algum consegue resolver – claro, ao menos que ele usasse-os para seu benefício. Desenvolvendo assim, o arco do personagem incapaz de solucionar os contratempos da vida comum, seguindo na proposta de fazer o espectador se ver na tela.

A penúltima cena se dá em um grande gancho para a terceira parte da trilogia. No final do antecessor, Harry diz a Peter – no enterro de Norman – que a única coisa que resta a ele é Parker e o Aranha, este como objeto de vingança e o outro como família (que, ironicamente, são a mesma pessoa). O remanescente da família Osborn fica todo o segundo filme fissurado no herói, até que descobre a sua identidade secreta: é o seu melhor amigo. Na sequência disso, ele descobre o arsenal do Duende Verde e o alter ego do vilão: seu pai. Então, é inserido um efeito de fade out, passando para outra cena. O que não passa é a ansiedade em saber quais serão as decisões de Harry Osborn.  

Em telenovelas, os monólogos de vilões contando planos maléficos ao espelho já são marca registrada. As personagens divagam sozinhas e, curiosamente, o protagonista do épico de quadrinhos também faz isso. Assim como a presença de núcleos narrativos, de humor, da roça, do salão de beleza, novelas possuem tramas que podem ou não se encontrar, é comum seguirem paralelas. E não é que toda trilogia do veterano de terror também tem isso? O Clarim Diário é um núcleo de humor que não tem tanta interferência na trama, mas que está sempre presente na vida do protagonista. Ver uma cena na redação do jornal é se preparar para o riso, assim como quando vemos o Leleco (Marcos Caruso) em Avenida Brasil. 

Sam Raimi consegue lidar com todos esses dilemas na primeira uma hora de Homem-Aranha 2, momento que Parker não tem sossego e sua vida parece uma sucessão de desgraças – até no seu aniversário –, sem deixar o filme denso e cansativo. O humor autodepreciativo suaviza as cenas, exemplo é a sequência no planetário em que Peter apanha de seu melhor amigo, precisa tirar foto de pessoas ricas, leva um fora de Mary Jane ao mesmo tempo que vê ela sendo pedida – e aceitando – em casamento. No passo de tantas desventuras, há uma piada acontecendo: Peter não consegue pegar um drink. Quando a taça não está vazia, alguém pega antes. É um humor que continua a narrativa de pobre coitado, mas que equilibra o tom do filme. 

O cineasta sempre foi muito fã do personagem e quis relembrar o porquê amamos tanto aquela história; por meio das personagens e cenários que podem nos espelhar. O filme é para quem cresceu com a trilogia criada pelo mestre do terror, que na infância sonhou em escalar paredes e atirar teias por aí, mas, quando se tornou adulto, percebeu que é muito mais Peter Parker do que Homem-Aranha. No Brasil, os longas ganharam mais carinho por serem tão próximos da nossa realidade e das obras que crescemos assistindo. Em 20 anos de Homem-Aranha 2, o Cinema de Herói mudou, as novelas mudaram, mas o amor por essa obra e ela por nós continua sólido.

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Lucas Lima

Quando perguntam “qual a melhor novela que você já acompanhou?“, não é difícil ver muita gente falar Avenida Brasil. A novela que literalmente parou o país, ficou no imaginário popular e se mantém viva, mesmo após uma década de seu início. Quem acompanhou a saga da vingança de Nina contra Carminha sabe quão fervorosos eram os momentos em frente à TV, com todos os olhos vidrados na tela e muitas respirações quase nulas com as cenas mais tensas, até o último capítulo, transmitido em outubro de 2012.

Novelas são muito criticadas pelas pessoas “cultas“ por serem produzidas para, segundo eles, alienar as pessoas. Dizem que são quase como uma “receita de bolo”, sendo comum o amor do mocinho e da mocinha atrapalhado pela vilã ou pelo vilão. Sim, Avenida Brasil não é completamente um ponto fora da curva, mas ela é especial. Ela tem a dádiva do tempero certo no momento certo. Não à toa foi indicada ao Emmy Internacional, prêmio em reconhecimento aos melhores programas de Televisão inicialmente produzidos e exibidos fora dos Estados Unidos.

A novela que liderou em absoluto o horário das nove, escrita por João Emanuel Carneiro (que deve estar cansado de ser pedido para fazer uma nova Avenida Brasil), contou com participações de atores como Débora Falabella, Adriana Esteves, Murilo Benício, Cauã Reymond, Alexandre Borges, Débora Bloch, Vera Holtz e José de Abreu, nomes de peso da emissora Globo. Foi televisionada em 2012, um ano de muitos extremos. Quem não lembra do fim do mundo que não chegou ao fim? 

Lá em 2012, houve uma grande ascensão da classe média brasileira, que, na época, equivalia a mais de 50% da população, a considerada Classe C. As políticas públicas aplicadas na época e em anos anteriores fizeram com que mais de 40 milhões de pessoas emergissem e saíssem da linha da pobreza, elevando o país a marca de sexta maior economia do mundo, gerando até mesmo pane no sistema aeroviário, com tantas novas pessoas tendo a oportunidade de viajar de avião.

Esses milhões de brasileiros estavam ali, representados no horário nobre da maior emissora do país. A Classe C foi a verdadeira protagonista da novela, Tufão (Murilo Benício) se tornou um dos novos ricos mas não deixou de lado suas raízes que advinham da Classe C: atrapalhado, espalhafatoso, sem os modos da elite, roupas, ao mesmo tempo que simples, mas também com acessórios luxuosos, honesto e trabalhador. Tufão leva consigo sua família para uma mansão digna de Beverly Hills, mas não na zona sul, e sim no Bairro do Divino, fictício bairro da periferia do Rio de Janeiro, não largando suas origens. 

E era nesse contexto que tudo se passava, uma mansão dos novos ricos, entre seus amigos que não eram ricos e ainda trabalhavam todos os dias para pagar suas contas. A população se identificou com o enredo, com as cenas da família de Tufão na mesa de jantar falando alto, um por cima do outro, o tradicionalismo de alguns personagens, seus encontros no Bar do Silas para comer uma coxinha com um suco… Tudo isso gerou a identificação com o público para com essas similaridades. Afinal, estavam podendo se ver, finalmente. Não mais assistindo uma Helena voltando de sua viagem da Europa.

Foi um grande passo social na teledramaturgia, que sempre renegou às classes menos favorecidas o direito de pertencimento. O pertencimento é o direito que as classes têm de se afirmar como grupo e de se diferenciar dos demais. Com tais personagens encantadores e representativos, Avenida Brasil se tornou um fenômeno popular. Seu enredo alternou maravilhosamente entre a tomada para si da realidade social (tendo temas do cotidiano e temas importantes como a estratificação social como suas aliadas) e a ficção. O público projetou na novela a oportunidade de se ver representado em meio aos personagens, que tinham figuras conhecidas e famosas em seus papéis, ganhando ainda mais o telespectador.

As situações da trama foram compostas de modo a mexer com os sentimentos de quem a assistia. Após a morte de seu pai, Rita (Débora Falabella) foi deixada quando pequena em um lixão por sua madrasta Carminha (Adriana Esteves), que contou com a ajuda de Max (Marcello Novaes), fazendo todos tomarem repúdio pela vilã e seu comparsa. Quando Rita cresce, se faz passar por Nina e começa a trabalhar na mansão que a madrasta atualmente mora, arquitetando uma vingança contra Carminha, fazendo todos torcerem pela empregada disfarçada.

Mas a história muda totalmente de tom de forma inesperada, pois tanto Nina quanto Carminha começam a ser desenhadas pelo autor como lados de uma mesma moeda, ambas com facetas humanas e contraditórias, conquistando o sentimento do público que começou a gostar de ambas. Gostavam de Nina e a apoiavam para finalmente chegar o dia da vingança. Porém, quando seus planos foram concretizados, o público não queria mais o mal de Carminha pelo passado conturbado com seu pai, que era o verdadeiro vilão, revelando suas fragilidades.

Carminha também era engraçada e carismática. Emanuel Carneiro conseguiu a façanha de expor o lado mais introspectivo do público que, ao se identificar com a personagem nestes dois pontos, passava a transmitir seu lado obscuro, mas que não se podia materializar na vida real. 

Afinal, todos temos um lado vilão, mas não o mostramos devido a nossa moral e ética. Por isso os vilões são tão instigantes. E Carminha, (menos em suas cenas mais tenebrosas, como quando enterrou a Nina viva), mesmo tendo suas atitudes repudiadas pelo público, era idolatrada por todos, pois era carismática, engraçada e divertida. Quem não cantou Eu Quero Tchu, Eu Quero Tcha junto da vilã?

Fomos apresentados a perspectivas singulares tanto de Carminha quanto de Nina. Chegamos a debater sobre a enteada ir mesmo até o fim com sua vingança. Estivemos alternando entre ora uma, ora outra. Toda essa delicadeza de construção dos vieses serviram para tornar Avenida Brasil o fenômeno que é até os dias de hoje. 

No decorrer da trama, muita coisa aconteceu. Memes com a vinheta final de congelamento dos personagens inundaram as redes sociais, bordões não faltaram (“A CULPA É DA RITAAA“) e cenas memoráveis. Além da já citada, tivemos outras como quando Nina humilha Carminha na mansão da família, ou também naquela em que a família de Tufão desmascara Carminha após saber de sua traição com Max.

Muitos coadjuvantes se destacaram e ganharam holofotes. Nilo (José de Abreu), morador do lixão, ganhou o público com sua insanidade e risada “hi-hi-hi”. A trabalhadora doméstica Zezé (Cacau Protásio) foi o alívio cômico da mansão, que cantava “Eu quero ver tu me chamar de amendoim…”. Suellen (Ísis Valverde), a “piriguete” do Divino que, supostamente, veio da Bolívia mas que não carrega nenhum sotaque ou algo da cultura de seu país (sim, um erro da produção da novela). 

E como não falar da Mãe Lucinda (Vera Holtz)? A mãezona da novela que criou dezenas de crianças no lixão, inclusive Nina. Foi enganada, renegada, presa injustamente, esbanjou conselhos e, ao final, pôde assistir a reconciliação de Carminha com Nina, que era o que tanto queria. Fato este que não agradou em nada a crítica nacional, que considerou a redenção de Carminha como previsível. Enfim, os críticos!

Se o início e o meio já estavam bons, foi nessa reta final que, podemos dizer: Avenida Brasil parou o Brasil. Ruas desertas, sobrecargas de energias, bares lotados com TVs ligadas no canal 5, bolões de apostas para saber quem matou o Max, adiamento de compromissos presidenciais, recesso de aulas… Ufa! Tudo para não perder um segundo sequer do desfecho das rivais e do jogo de futebol do Divino Futebol Clube que, claro, ganhou a competição. 

Todo esse movimento rendeu picos de quase 54 pontos de audiência em seu último capítulo, tendo atingido um marco de 70 em Fortaleza. A obra de João Emanuel Carneiro provou que novela boa não é apenas do século passado, e que podemos ter ótimas tramas capazes de encantar o país ambientadas nas camadas mais populares, para as camadas mais populares. Afinal, essa Avenida tem nome e é Brasil.

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