Vitória Mendes

Em uma era em que a performance se impõe como valor central e praticamente obrigatório, muitos artistas se aventuram em terrenos novos que não florescem da maneira que o público espera. A inovação, por mais desejada e desafiadora que seja, não garante profundidade e, muitas vezes, escorrega em contextos vazios. Indo na contramão dessa lógica de tendências momentâneas, em EVERYONE’S A STAR!, 5 Seconds of Summer retorna às próprias origens e reformula a nostalgia do pop rock dos anos 2010, evocando a energia de Sounds Good Feels Good (2015), sua segunda gravação, produzida no auge da era das boybands.

Lançado em 14 de novembro de 2025 pela Republic Records, o álbum une o melhor do pop punk e do rock alternativo ao mesmo tempo que abraça e aprecia o lado mais sombrio do grupo. As inseguranças, os pensamentos destrutivos e as obsessões se tornam o foco nesse novo capítulo, sem desconsiderar cada curva instável que fez parte da jornada. Há deslizes, especialmente na composição lírica, mas a produção versátil e autêntica se mantém constante e se consolida como uma versão madura e confiante de seus primeiros trabalhos, trazendo um olhar diferente e maduro.

Afirmando suas estrelas interiores e esbanjando influências, a banda percorre temas típicos do gênero como fama, sexo, drogas e a linha tênue entre obsessão e amor. Há uma narrativa consciente e reflexiva sobre o potencial consumidor, intenso e distorcido que a fama pode apresentar, além de causar a perda do apelo pelas coisas prazerosas que a vida proporciona. A obra também revisita a própria trajetória, marcada pela necessidade de identificação e utilidade ao público, que, ao longo do tempo, foi reduzida ao papel de entreter. Enquanto lidam com o passado, os artistas apresentam os dois lados de uma mesma moeda e vivenciam o impacto da exposição precoce aos holofotes.

Everyone’s A Star! abre o disco e estabelece o tom das faixas seguintes de forma sólida e instigante. Ao longo da produção, a dualidade de sentimentos aparece de forma constante, acompanhada de referências ao meio musical e ao imaginário das estrelas do rock. A montagem também aprofunda as sensações e, em Ghost, apresenta o medo de encarar o próprio reflexo no espelho e não reconhecer quem se tornou, como se um fantasma familiar estivesse presente em cada gesto. Em meio a isso, surgem os dilemas ao lidar com relacionamentos amorosos, desde a necessidade de superação até o início de um novo amor, evidenciados em Start Over.

Com sua crueza e sinceridade, as faixas operam em diferentes camadas e intensificam a força do conteúdo, alcançando níveis distintos de impacto, dependendo da vivência de quem as escuta. Para sintetizar toda a estética do projeto, Boyband critica abertamente a indústria musical e os padrões e expectativas impostas. Os australianos abordam seus problemas com autoimagem, desordem alimentar e a sensação de serem valorizados apenas no auge da juventude. 

Desde o início da carreira, em 2011, o rótulo de boyband soava como uma prisão para os artistas. Diferente de One Direction e The Vamps, grupos ativos na mesma época, 5 Seconds of Summer evitava a classificação por suas implicações em gêneros, comportamentos e discursos pré-estabelecidos pela indústria. Em EVERYONE’S A STAR! o termo, utilizado para desmerecer o grupo no passado, é audaciosamente ressignificado e tomado para si com orgulho, ao se intitularem como “sua boyband favorita”. Isso não impede as críticas presentes na obra, apenas fortalece os argumentos com propriedade.

Após o lançamento do 5SOS5 (2022), os australianos exploraram suas carreiras solo sem desfazer a banda. Essa liberdade criativa permitiu experimentar novas ideias, experiências e perspectivas, sendo crucial para a maturidade e segurança de cada membro em novos projetos. As quatro faixas extras da edição deluxe, inicialmente disponíveis em CDs individuais para cada membro, expandem o diálogo com as carreiras solos e carregam nuances pessoais e subjetivas sem comprometer o conjunto do trabalho. A familiaridade estética é significativa, e cada uma poderia ser inserida nos respectivos álbuns individuais. Star Over, por exemplo, conversa diretamente com When Facing the Things We Turn Away From, de Luke Hemmings, e assim por diante. 

A construção instrumental é um dos pontos mais sólidos e destacados na obra. Baixo, bateria e guitarra, além de dialogarem na temática, trazem a batida envolvente e viva em cada canção. A escolha do ritmo para abordar temas diversos e intensos criam um contraste visível, ambicioso e que sintetiza o pop rock. No campo vocal, a produção é agradavelmente exploratória. Luke Hemmings, vocalista principal, explora seu alcance e projeção, enquanto Ashton Irwin, Michael Clifford e Calum Hood no apoio contribuem para a harmonia e equilíbrio da produção. É evidente o domínio e extensão de cada membro e o uso consciente de cada tom e técnica, até mesmo nos interlúdios.

Contudo, na composição lírica, o álbum hesita. O conteúdo se mantém coerente com o estilo visual proposto, repleto de trocadilhos, metáforas e referências, mas não alcança o refinamento e profundidade técnica das produções anteriores. A partir das faixas finais, há uma queda na densidade das letras, deixando claro a decisão de priorizar a mudança estética do que a escrita. Apesar de não afetar grandemente a construção final, impede que algumas músicas tenham maior alcance.

Ainda assim, o disco se consolida como um trabalho versátil e maduro. A identidade foi amplamente explorada na divulgação e nos clipes, enquanto as músicas exalam a essência do grupo, além de dialogar com outras fases e as reconhecerem como igualmente válidas e únicas. 5 Seconds of Summer assume a era com orgulho, reafirmando sua identidade com equilíbrio, confiança e paixão. EVERYONE’S A STAR! é o reflexo de artistas que se mantêm fiéis às suas origens e, ainda assim, reinventam e desafiam as expectativas da indústria com propósito e audácia.

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Gabrielli Natividade 

Para quem gosta de música, 2022 foi um ótimo ano, com diversos lançamentos incríveis de vários grandes artistas. Entre os novos projetos, está o segundo álbum do britânico Louis Tomlinson, Faith In The Future, que chegou ao público no dia 11 de Novembro. O disco é, desde de seu título até a última faixa, um exemplo de otimismo, esperança, mudança e maturidade, além de demonstrar perfeitamente que Louis finalmente se encontrou como artista solo, que sabe o que quer e está pronto para crescer cada vez mais como pessoa e como cantor.

O musicista precisou lidar com muita pressão para chegar onde está atualmente. Por ser ex-membro e o principal compositor de uma das maiores boybands do mundo, havia uma grande expectativa para que continuasse seu legado com suas grandes letras. Pode-se dizer que o cantor estava um pouco perdido para se inserir na indústria como solista, já que foi o último ex-One Direction a lançar um álbum – Walls foi ao ar somente em Janeiro de 2020, cinco anos após a pausa da banda. Os seus dois discos são muito distintos entre si: o primeiro é mais próximo do pop que fez parte de sua vida por cinco anos; o segundo, mais relacionado ao indie e ao alternativo. Apesar de Faith In The Future ser uma representação mais fiel de Tomlinson, ele não se arrepende de suas escolhas do passado. “Eu tenho muito orgulho do meu primeiro álbum. Eu não seria capaz de escrever Faith In The Future sem Walls, isso é parte do processo”, declarou para Lowkey Deep.

O trabalho foi um processo longo e digno de orgulho. Mesmo sendo o responsável por muitos hits pop, como Steal My Girl, Perfect, Back to You e Don’t Let It Break Your Heart, o britânico sempre demonstrou afinidade pelo estilo de música que está desenvolvendo recentemente. Na One Direction, o cantor compôs Little Black Dress, o mais distante que a banda chegou do gênero. Em seu disco de estreia, uma de suas faixas favoritas é Kill My Mind, sua primeira música a trazer a bateria e o baixo mais presentes. Já canções como Written All Over Your Face e The Greatest refletem perfeitamente a sonoridade desejada por Tomlinson em sua nova era. Ele pode ter demorado para se encontrar como artista solo, mas sua essência e estilo próprio sempre estiveram guardados em seu coração.

Além de Louis ter encontrado o estilo de música que realmente tem interesse em lançar individualmente, outro motivo que pode explicar a diferença entre seus dois álbuns é a mudança de gravadora. Durante a estreia de Walls, o músico era representado pela Syco Entertainment, a mesma gravadora responsável por toda a discografia da One Direction; já na era Faith In The Future, Tomlinson migrou para a Bertelsmann Music Group (BMG). Começar um novo ciclo com um time inédito foi ótimo para o cantor, ainda mais quando se considera os boatos de gestão abusiva envolvendo a Syco e o empresário Simon Cowell. As composições do segundo disco são mais profundas e isso não é à toa: Louis provavelmente conseguiu maior liberdade criativa em seu espaço de trabalho.

O novo projeto conta com 16 faixas e três singles, Bigger Than Me, Out Of My System e Silver Tongues. O britânico foi muito inteligente em escolher as três como representantes do álbum, uma vez que elas demonstram perfeitamente a ideia principal do disco, ou seja, recordar-se dos bons momentos do passado e desapegar do que for desnecessário para a jornada de seguir em frente com a consciência limpa. Em Bigger Than Me, Louis aceita que mudou, que todos mudam e que o mundo é maior do que ele. Em Out Of My System, ele percebe que já conquistou muito, mas que ainda tem muito para viver, e vai se livrar de todos os seus demônios para conseguir isso. Já em Silver Tongues, o cantor expõe como é muito mais fácil enfrentar o mundo com uma boa companhia ao seu lado. Tomlinson criou uma bela narrativa com seu novo trabalho, com todas as faixas conversando entre si e os singles carregando uma história linear e em comum que é muito especial.

Toda história precisa de um título, e Faith In The Future foi um grande acerto para a mensagem que o musicista quis passar. Tendo um histórico exemplar dentro de sua antiga banda, desprender-se da imagem de “Louis da One Direction” e recomeçar uma carreira praticamente do zero foi um desafio, mas o cantor se manteve de cabeça erguida na nova fase. Tomlinson tem obtido bons resultados, já que – com o novo álbum – conseguiu ocupar o primeiro lugar do official charts pela primeira vez. Além disso, ele irá começar uma turnê mundial com quase 80 shows já confirmados, e está planejando a terceira edição de seu festival de música, o The Away From Home Festival. “Meio que define minha própria jornada individual. Pessoalmente e profissionalmente, eu tive que ter fé no futuro“, disse o cantor em uma entrevista com Zach Sang.

Um ponto interessante no processo de criação do álbum é a forma como este foi divulgado. Os fãs do britânico sabem que ele adora enigmas e mensagens subliminares, e que nada do que é exposto ao público sobre seus trabalhos é por acaso – em Faith In The Future não seria diferente. Meses antes do disco ser lançado, Louis publicou em sua comunidade do YouTube 16 fotos com anagramas escondidos que formavam os títulos de todas as faixas do projeto. A jogada foi uma estratégia divertida e criativa de se promover e, ao mesmo tempo, aproximar-se da fanbase, que se empenhou em se reunir e solucionar o desafio.

Uma nova era começou para Louis Tomlinson e não é difícil perceber que grandes conquistas estão por vir. Com o otimismo mostrado no título, nos singles e em faixas como Chicago, The Greatest, Saturdays e Angels Fly, o britânico deixa claro que está preparado para explorar sua essência e seu estilo, e desenvolver cada vez mais sua musicalidade. O cantor pode ter mudado após os tempos de boyband, mas seu talento ainda é o mesmo, senão maior. “Esse é o tipo de álbum que eu sempre quis fazer, então sentar aqui agora com esse sentimento me dá muita confiança para o que está por vir“, afirmou para a Rolling Stone. Os fãs do cantor podem ter fé, porque o futuro da carreira de Louis ainda guarda grandes coisas.

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Amábile Zioli

O The X-Factor UK  de 2011 foi o fator determinante na caminhada de Harry Styles, Liam Payne, Louis Tomlinson, Niall Horan e Zayn Malik. Se os cinco jovens tinham pretensões de seguir carreira solo no mundo da música, Simon Cowell foi o responsável por não deixar isso acontecer, pelo menos não naquele momento. Assim nasce a One Direction, que, meses após conquistar o pódio em terceiro lugar, estreou no mercado cultural com Up All Night.

Quase um ano depois, a boyband britânica estava prestes a descobrir se seu sucesso expoente perduraria ou se cairiam no esquecimento no ano seguinte: será que ainda poderia contar com a legião de fãs que os acompanhou desde sua formação? É sob essa pressão que o quinteto lança Take Me Home, seu segundo álbum de estúdio, em 9 de novembro de 2012.

É certo que até o último disco de sua carreira juntos, a One Direction preferiu não se arriscar no que diz respeito aos refrões chicletes e ritmos dançantes adorados pelas rádios, e é isso que acontece no segundo lançamento da banda. Inicialmente, o disco contava com 13 faixas, se tornando 20 na versão Expanded. Com influências de Should I Stay or Should I Go, do The Clash, a música de abertura é Live While We´re Young e parece que o fato de ser a primeira foi proposital. A faixa lembra o pop genérico, animado e dançante explorado no trabalho anterior – e não é à toa que foi um grande sucesso, ganhando videoclipe e tocando nos intervalos da Nickelodeon durante anos após sua estreia.

Por mais que tenha semelhanças, são vários os pontos que devem receber destaque em relação ao seu antecessor. A evolução é notável e os samples são os diferenciais de Take me Home: além da inspiração em The Clash, a banda também buscou ritmo em We Will Rock You, clássico do Queen, na produção de Rock Me. O pop-rock fica bem marcado no álbum; faixas como Kiss You e C’mon, C’mon destacam a vontade dos jovens de se desvincularem da imagem de boyband pop cultivada ao longo de sua formação.

Os cinco, porém, não ficam presos em apenas uma melodia e passeiam por diversos ritmos ao longo do disco. Little Things é um dos destaques e conta com uma melodia calma e harmônica, guiada apenas pelos acordes de um violão. A letra parece um flashback do lead single de Up All Night, What Makes You Beautiful, evidenciando mais uma vez as inseguranças da pessoa amada como tentativa, talvez falha, de exaltá-la. 

A faixa tem mais uma particularidade: Ed Sheeran quem a compôs- e o cantor só poderia ter deixado a canção mais com a sua cara se ele mesmo a cantasse. Katy Perry e Tom Fletcher também compartilharam suas experiências musicais com o grupo. A cantora norte-americana co-produziu o hit Rock Me e o vocalista do Mcfly compôs I Would, deixando a produção dos garotos britânicos repleta de colaborações.

A produção parece prezar pela temporalidade do disco, não dando importância para a longevidade das faixas produzidas. Last First Kiss e Heart Attack são dois grandes exemplos – ambos soam tão 2012 que alguém que não faz parte do fandom não passaria a conhecer as músicas na atualidade. O resultado final é um álbum datado, já que a musicalidade não atrai tanto quanto na época de seu lançamento, fazendo com que o produto não tenha a relevância que as próximas obras da banda ainda carregam em 2022. 

Take Me Home não dificulta para seus sucessores. É um disco fácil de superar, principalmente quando as composições autorais se tornam mais frequentes e os garotos passam a firmar seus lugares na indústria. É isso que acontece nas produções seguintes: a banda começa a ganhar personalidade e ser levada a sério, finalmente se desprendendo da imagem superficial e rasa atribuída aos cinco, e Midnight Memories exemplifica isso muito bem. No terceiro álbum de estúdio, Tomlinson se destaca como compositor principal, escrevendo 12 das 18 faixas produzidas e trazendo a maturidade e unicidade que faltava para o grupo.

Os sentimentos predominantes ao ouvir os primórdios da banda são a saudade e a nostalgia. Após a pausa, em 2016, os atuais quatro integrantes seguiram carreira solo e tomaram rumos diferentes. Em 2017, Styles estreou em seu álbum homônimo com um rock que já deveria estar preso em sua garganta há muito tempo. Louis e Liam surfaram por vários gêneros musicais até se encontrarem na indústria musical, enquanto Niall parece que sempre soube que o que funcionaria para ele seria uma fusão de pop e country, acompanhado de seu inseparável violão. Zayn, o primeiro a deixar o grupo, em 2015, estreia em carreira solo apenas um ano depois, com Mind of Mine, mostrando seu amadurecimento desde os tempos de One Direction.

Em geral, Take Me Home cumpriu seus objetivos: manteve a banda nos charts e conservou a legião de seguidores conquistados no CD anterior. Apesar de não se arriscar e repetir muito do que já vimos em Up All Night, o grupo mostrou sua evolução do primeiro para o segundo trabalho, trazendo letras mais profundas e ousando nas notas agudas. A produção não revolucionou o cenário musical da época, mas foi o suficiente para manter a One Direction no topo.

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Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Pegue qualquer lista de maiores hits da década de 2010 e é certo que terá um salpicado aqui e ali de uma banda britânica muito famosa. Se você não conhece o One Direction por nome, tenho certeza que pelo menos já escutou uma vez na vida o maior single dos cantores europeus, What Makes You Beautiful. Parece que foi ontem, mas o primeiro álbum do grupo, Up All Night, já está completando 10 anos de história e de recordes. Para além dos diversos caminhos tomados por seus cinco integrantes, nada poderia ser mais nostálgico do que o início de tudo.

A jornada bem sucedida da banda começou no show de talentos The X-Factor UK em 2010. Com apresentações solo, nem tão aclamadas assim na época, e unidos em um grupo por um dos jurados da edição, Louis Tomlinson, Harry Styles, Niall Horan, Liam Payne e Zayn Malik deram o tom a algumas das vozes mais marcantes de sua geração. Com cinco álbuns lançados, centenas de recordes quebrados e um hiato que já dura mais de cinco anos, o One Direction se tornou a maior banda britânica da história, ultrapassando barreiras que até então apenas The Beatles tinha atingido no mundo.

Mas, voltando para o início dessa longa caminhada, foi em novembro de 2011 que tivemos acesso ao primeiro disco do grupo. Com 15 faixas em seu lançamento, e 18 em sua versão ultimate, fomos apresentados para alguns dos maiores sucessos da carreira dos, até então, meninos. Trazendo traços característicos do seu país de origem, Up All Night ganhou o mundo facilmente por se desviar, ainda que apenas um pouco, da enxurrada pop americana, trazendo mais uma invasão britânica para a Música.

Em questões de sonoridade, é Payne quem abre as primeiras cinco músicas, seguido da famosa voz de Styles. Ambos conseguem introduzi-las com muito fôlego, deixando sua marca e tornando-as extremamente reconhecíveis com o decorrer do disco. A princípio, a gravadora tinha mais confiança nos vocais de Liam devido às suas duas passagens pelo reality show britânico, dando-lhe o destaque com mais facilidade. Contudo, conforme as faixas vão se desenrolando, conseguimos sentir a energia que todo o quinteto emana ao performar as canções, com o coração a mil ouvindo cada nota. 

Up All Night é construído em uma aura de altos e baixos, isto é, em uma transposição de energias. Enquanto começamos com What Makes You Beautiful no pique de Leroy (não é à toa que é a música mais ouvida de sua carreira), o disco faz sua quebra de ritmo com Gotta Be You. Essa mescla de sentimentos torna o álbum ímpar, em que o ouvinte consegue experienciar todas as emoções ao mesmo tempo, sem que haja alguma perda de consistência. 

Ainda que o rótulo de boyband pudesse fazer muitas pessoas torcerem o nariz, muito do que o grupo trouxe para sua estreia permaneceu em seus próximos trabalhos. É inegável ver a semelhança entre More Than This e Half a Heart, do disco Midnight Memories (2013). Além disso, ainda que fossem suas primeiras tentativas nesse mercado, já conseguimos ter contato com suas próprias composições. Isso só foi mais um fator determinante para ver que não se tratava apenas de uma fase, mas sim de um amadurecimento crescente que não deixava de referenciar suas raízes. 

A música que intitula o álbum é a que mais se assemelha a estética sonora da década passada, reverenciando grandes artistas da época como Ed Sheeran, Taylor Swift e, especialmente, McFly. Banda essa que além de causar grande influência indireta no som que a boyband apresentou em seu debut, também teve sua cota de participação, já que Tom Fletcher, vocalista da McFly, foi co-autor de várias faixas que fazem parte do álbum. Assim, é fácil sentir a nostalgia da era de bandas que abriu caminho para o som que o One Direction decidiu perpetuar.

Todo esse background trazido pelo grupo pode ser sentido em suas composições com o resgate do pop rock britânico, amplamente acolhido por seus fãs. Para além de meras reproduções pop, o que escutamos é um cuidado extremo em criar algo que não soe genérico, mas que ao mesmo tempo acompanhe os hits da época. Exemplo dessa dualidade bem estruturada é a faixa I Want que, sem se prender em clichês de seu gênero principal, trabalha melhor elementos como guitarra e bateria.

Ainda que Up All Night possa ser visto como o trabalho com menos personalidade da curta discografia da banda, não podemos negar que ele deixou sua marca. As baladas pop românticas entoadas pelas vozes de seus cinco integrantes acumularam fama, não apenas entre o público, mas também entre a crítica. Talvez a maior prova de seu sucesso seja a vitória de What Makes You Beautiful como Melhor Single Britânico no BRIT Awards de 2012. Nesse mesmo ano, a banda concorria com nomes como Ed Sheeran, Jessie J e Adele, com o hino Someone Like You. 

Por mais que os trabalhos posteriores do One Direction comprovem sua qualidade e não nos deixem dúvidas quanto às capacidades vocais, sonoras e de criação de seus integrantes, para um primeiro contato com o mundo, o debut da banda poderia ter sido facilmente ignorado como apenas mais um em meio a multidão. Entretanto, o que torna as produções de Up All Night extremamente valiosas, ainda hoje, é a qualidade de suas composições. Trazendo nomes de peso como Jamie Scott, compositor de Cold Water, Ilya Salmanzadeh de Side to Side e Savan Kotecha de Can’t Feel My Face, o que vemos são altas apostas da gravadora da banda em investir no talento dos europeus.

Criada, encabeçada e gerenciada pela Syco Music, não são poucas as polêmicas nas quais a gravadora, dona do programa de talentos no qual a banda surgiu, está envolvida. Assim como com diversos outros artistas comandados pela empresa, como Fifth Harmony e Little Mix, o braço da Sony Music ficou conhecido pelo abuso de gestão e até mesmo por limitar a criatividade de seus artistas para que se moldassem aos padrões que ela queria. E após perder, uma por uma, as galinhas dos ovos de ouro que tornavam a gravadora uma das mais rentáveis do Reino Unido e do mundo, a Syco declarou seu fechamento em agosto de 2020, logo após a saída de Louis Tomlinson do selo. 

Além das canções alto-astrais que Up All Night entrega, há aquelas que são dolorosas, proferidas em um lirismo singelo e magnético. É o caso de Moments, a qual consegue passar despercebida aos ouvidos daqueles que não se identificam com One Direction, mas que aconchega o coração de forma fatal. Em sua versão ultimate, as músicas bônus, ainda que não sejam carregadas da melancolia da música escrita por Ed Sheeran, também não possuem o devido reconhecimento como as restantes do álbum. Another World, Na Na Na e I Should Have Kissed You apresentam as mesmas características rítmicas que as demais companheiras, mas permanecem desconhecidas para o restante do mundo. 

A primeira tentativa na carreira musical do One Direction pode não ter sido com o melhor desempenho para os olhos de certos críticos, mas não tem como negar que eles marcaram (e continuam marcando) presença no cenário musical. A desenvoltura dos membros, bem como o amadurecimento de canções e das suas próprias personalidades, fez com que o sucesso batesse na porta para alavancar cada vez mais seus trabalhos. Up All Night não chega aos pés dos projetos seguintes da banda europeia, contudo foi o primeiro passo para sair do anonimato e atingir o coração de milhares de fãs. E é isso que o torna lindo. 

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Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Encarar o passado não é tarefa fácil. Entretanto, faz parte da construção e amadurecimento de qualquer pessoa. Pensando em tudo para o que virou as costas, Luke Hemmings abre caminho para uma narrativa transcendental que fala muito mais sobre os seres humanos como um todo do que sobre si mesmo. Em When Facing the Things We Turn Away From, o que enxergamos não é apenas mais um membro de boyband em seu debut solo, mas um artista completo que deseja expor suas feridas para curar as nossas.

Seu progresso começou no final do mês de junho, com a chegada do single Starting Line. De cara, nosso primeiro contato com seu trabalho autoral possui uma energia muito sinestésica, partindo de ritmos mais lentos até ganhar compassos mais animados. A sensação é de que as angústias vão se progredindo com o passar da música, como se originasse de um despertar do eu-lírico até ele se dar conta do que está realmente acontecendo para pedir ajuda.

  Quebrando a cadência da abertura do álbum, nos deparamos com Saigon, uma aposta muito mais diversa e de possíveis contragostos. Melodias mais industriais e mecânicas constroem uma atmosfera noventista e, de certa forma, mais dançante. Tendo a frase que intitula o trabalho de Hemmings, Saigon faz referência ao nome da extinta antiga capital do Vietnã do Sul, atualmente chamada de Ho Chi Minh. 

A cidade foi palco de uma vergonha estadunidense durante a Guerra do Vietnã, expulsando a intervenção militar de duas décadas daquela região. Porém, em 30 de abril de 1975, o poder bélico do Vietnã do Norte, apoiado pelos Estados Unidos, culminou na extinção da cidade e de cenas de horror, semelhantes ao caos instaurado no Afeganistão nos dias de hoje. Coincidentemente ou não, a canção diz muito sobre enfrentar as coisas das quais nos afastamos e resistir “até que não haja mais nada de nós para continuar”. 

Entretanto, por mais que o passado seja tema recorrente e fortificador do álbum de Hemmings, outro ponto que merece sua dose de debate são as referências astrais que o cantor utiliza em todo o compilado. E aqui falamos especificamente de astronomia. Isso porque as estrelas, planetas e galáxias compõem toda a narrativa de When Facing the Things We Turn Away From, se tornando o fio condutor que integra desde a estética até a energia das faixas. Exemplo disso é Mum, que mesmo trazendo uma perspectiva terrena, nos transporta para um lugar um tanto intergaláctico e abstrato. É tudo sobre sensações, e não sobre os sentidos sólidos.

Na verdade, essa poderia ser uma definição quase perfeita para o disco já que é difícil explicá-lo sem usar metáforas e sinestesias, sendo ele próprio uma figura de linguagem. É construindo uma ambiente ambíguo entre conforto e aspereza que Luke consegue nos acolher, ao mesmo tempo em que nos leva a refletir sobre questões um tanto filosóficas. Para além do onde vim e para onde vou, nos perdemos em entender os porquês humanos de Place in Me enquanto estamos “apenas dançando no escuro”.

Assim, é por toda sua subjetividade que o álbum consegue escapar de clichês e entregar uma sonoridade e musicalidade que, por vezes, sentimos falta em meio a tantas cópias genéricas no pop. Sem se prender em padrões e expectativas, o disco se constrói dentro de sua própria verdade e definição de qualidade, desenvolvendo um conto sensitivo que poderia ser comparado com grandes obras da Cultura, como o icônico 2001: Uma Odisseia no Espaço. Isso não apenas pela temática espacial em comum, mas por se desprender de parâmetros fabricados da indústria.

When Facing the Things We Turn Away From não se deixa levar pelo pop mainstream, mas se ergue como um pop com um quê de alternativo que pode vir a se tornar mainstream. A linha é tênue, mas pode ser sentida quando escutamos a coletânea. Sem se importar com aprovações, a preocupação real é com a progressão dessa narrativa de forma que o disco se constrói ponderando o equilíbrio, tanto na passagem das faixas quanto dentro delas. Desse modo, canções como Baby Blue e Bloodline conseguem se complementar e coexistir harmonicamente apesar de suas turbulentas diferenças que, ao se anularem, podem ser traduzidas como pacíficas.

E em meio a tantas fugas do pop comercial, nos perguntamos sobre a carreira de Luke até então, como vocalista da banda australiana 5 Seconds of Summer. Apesar de trilhar um caminho gritantemente oposto ao que escutamos até então vindo dele, podemos dizer que ainda assim vemos verdade em suas duas versões. Como grupo, 5SOS começou a trazer narrativas mais maduras desde Youngblood, consolidando sua nova fase em 2020 com Calm, mas ainda assim, nada se compara ao álbum solo de Hemmings.

É impressionante ver a evolução de Luke Hemmings, bem como escutar essa separação de seus trabalhos grupais. Enquanto alcances mais agudos são utilizados para potencializar sua voz em 5SOS, em When Facing the Things We Turn Away From nos deparamos com uma singularidade vocal muito mais serena, quase sussurrante. Essas diferentes explorações só aludem para uma versatilidade completa do cantor e, nesse caso, o australiano consegue entregar de forma espetacular e sem medir esforços. 

Para além de arranjos vocais, todo o álbum é construído numa aura de suavidade. Enquanto as canções de 5 Seconds of Summer exploram acordes de guitarra, baixo e de percussão bem presentes, a musicalidade do projeto de Luke se resume primordialmente em cordas de violão e teclas, tanto de piano quanto de teclado. Talvez a faixa mais destoante de toda a coletânea é Motion, que abrange, ao mesmo tempo,  o Hemmings da banda e o da carreira solo. Versos mais aglutinantes e um clipe psicótico marcam uma faceta ainda desconhecida do australiano, como se estivesse à mercê de uma ressaca moral. A diferença é nítida, mas conseguimos enxergar quão poderosas as personalidades podem ser, trabalhando sozinhas e em grupo. 

Contudo, há um único detalhe que pode fazer do álbum um sucesso agridoce entre o público e a crítica: a sua pitada de alternatividade. Encarando um público que se deliciou com os vocais amargos de Olivia Rodrigo em SOUR recentemente, enfrentar toda a melancolia existencialista de Luke pode ser uma tarefa complicada. Mesmo contemplando um mesmo gênero e um público muito próximos, podemos ver o choque entre duas gerações do pop que convivem em uma simetria discordante. De um lado, estamos de frente com a prole da era TikTok – tentando encontrar ritmos que se encaixam em danças coreografadas. Do outro, os descendentes da década de 2010 – buscando maneiras de não serem afetados pelo looping de músicas em challenges do aplicativo vizinho que ressignificam o sentimento original das canções. 

Por mais doloroso e difícil que possa ser, encarar o que deixamos para trás é necessário e um caminho pelo qual todos deveriam passar. Essa é a mensagem que When Facing the Things We Turn Away From nos passa e imprime em seus sentimentos. Sem medo de ser rechaçado como fraco, Hemmings nos ensina que pedir desculpas e fazer as pazes com o passado é um ato de coragem para poucos, e que aqueles que se propõem a se aventurar nas turbulentas águas das emoções não costumam  se arrepender. No final da história, seus eu do passado, do presente e do futuro continuam ali, em frente ao espelho. 

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Enrico Souto

BROCKHAMPTON é a primeira boyband da história formada pela internet. Entretanto, talvez o uso desse termo – normalmente imputado a grupos de música pop como *NSYNC, Backstreet Boys e One Direction – possa soar deslocado ou inadequado para um grupo de hip-hop, mas é propriamente assim que eles se definem: boyband. Isso por si só já evidencia uma quebra de barreiras de masculinidade que o grupo fará constantemente, mas seu trabalho não se resume a isso. 

Apesar de serem frequentemente comparados com o coletivo de rap Odd Future, que revelou grandes artistas como Tyler, The Creator e Frank Ocean, a banda vai muito além desse paralelo, encabeçando um novo movimento musical e estético da cena estadunidense, protagonizado pela juventude do país, que já é muito mais relevante que qualquer coisa que a Odd fez em seu período de atuação. Essa energia pujante se manifesta o tempo todo em seu som, agora conquistando uma maturidade muitíssimo bem-vinda em ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE.

Os integrantes se conheceram e fundaram a banda através de um fórum sobre Kanye West em 2015 – o que já é peculiar por si só –, agregando hoje 14 artistas, que vão desde vocalistas, produtores e fotógrafos, até responsáveis por direção criativa e gerenciamento. Considerar todos os envolvidos no processo criativo como membros, e não só quem aparece nos holofotes, revela o olhar valioso, e infelizmente escasso, do grupo sobre o valor coletivo da produção de sua música. Todos eles são BROCKHAMPTON porque BROCKHAMPTON não existiria se não fosse por cada um deles.

Apesar de se lançarem em 2016 com a mixtape ALL-AMERICAN TRASH, é em 2017 que eles finalmente alcançam o mainstream com a trilogia SATURATION, uma sequência de três álbuns que totalizam quase 50 músicas e mais de 2 horas de conteúdo. Como foi lançado no decorrer do ano, o projeto manteve-se vivo durante todo o período e, mesmo dividido em três partes, ainda funcionava como uma obra única, com uma fluidez surpreendente para um produto tão longo. O fato dos discos terem sido revelados em um intervalo curto de tempo reforça o caráter imediatista e de constante urgência de uma geração millennial hiperconectada que transborda em todas as faixas. 

Essa vontade insaciável por se expressar é traçada por uma sonoridade carregada, pesada e por versos diretos, afrontosos, despojados e cheios de comentários políticos, perpassados também pela vivência marginalizada de grande parte dos integrantes. BROCKHAMPTON é um grupo diverso inclusive em âmbito de sexualidade, sem hesitar ao abordar isso abertamente, o que é raro dentro da cultura hip-hop.

Contudo, em 2018, ao mesmo tempo em que estavam no auge de sua popularidade e assinavam um grande contrato com a gravadora RCA Records, a boyband, que sempre apoiou um forte discurso sobre diversidade e respeito, é surpreendida quando um dos seus principais integrantes, o rapper Ameer Vann, que estampa as três capas de SATURATION, é acusado de assédio e abuso sexual, culminando em sua súbita expulsão do grupo. Após esse choque, quando todos acreditavam que a banda interromperia suas atividades e se afastaria dos holofotes para se reagrupar, a resposta imediata foi iridescence. 

Esse álbum é sujo, psicodélico e abarrotado de informação, beirando o desconfortável. Quase como se reunisse toda sua frustração e a transformasse em música, pegando os elementos mais agressivos de SATURATION e os elevando ao máximo. Provido de graves estourados e sintetizadores desarmônicos, iridescence não dá espaço para respirar; é um grito de ódio que expõe toda a raiva e desilusão com a fama que eles experienciavam.

Se iridescence foi a resposta imediata ao ocorrido, o álbum do ano seguinte, GINGER, veio de um entendimento mais sóbrio e de um questionamento interno. O resultado disso foi, ao invés de um trabalho eufórico e caótico, um olhar intimista sobre as emoções e anseios de cada um dos integrantes. Eles abrem a porta de seus corações e dão espaço para suas fraquezas e vulnerabilidades, num movimento de alívio e quietude. A sonoridade do disco reflete isso, optando por uma abordagem branda e comedida, explorando vertentes musicais do pop ao R&B. 

GINGER é não só uma ruptura da banda e seu som, mas também do próprio gênero do rap como um todo, gerando, naturalmente, opiniões divididas. Grande parte da sua base fiel de fãs criticou a produção por se sentir pouco familiarizada com sua música melosa e sentimental. O que, ao meu ver, só demonstra o cunho subversivo da obra, que nesse caso é um ponto positivo.

Até que, então, emerge o ano de 2020, junto com a pandemia. Conforme éramos forçados a nos isolar, a BROCKHAMPTON finalmente se permitiu suspender seus trabalhos e, pela primeira vez em 4 anos, interrompeu sua sequência de lançamentos anuais de álbuns. A banda ficou inativa pelo ano todo, e, enfim, retornou abruptamente com ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE, divulgando seu primeiro single apenas 15 dias antes da chegada do disco. 

A maturidade desse trabalho é incontestável, dado o tempo que ele teve para ser produzido, porém, ainda assim, não deixa para trás a potência jovem que os fizeram explodir em 2017. Na verdade, acredito que ROADRUNNER, assim como o nome sugere, busca assimilar o caráter fugidio e efêmero das temáticas abordadas em cada uma de suas obras, sempre renovadas ano após ano. Cada música parece resgatar elementos distintos de seus álbuns anteriores, mergulhando sobre seu passado a fim de encontrar respostas para o presente.

Porém, mesmo que seja um olhar para trás, ROADRUNNER está longe de ser uma parada ou unicamente reciclado, pelo contrário. JOBA, um dos vocalistas da banda, em vídeo promocional, define o álbum como “o sentimento de liberdade, e se não liberdade, o sentimento de correr de alguma coisa e em direção a outra coisa”. O objetivo aqui, portanto, é se libertar de um lugar funesto e ir em busca de sua utopia, e essa sensação está longe de ser estática. Não importa o quanto eles busquem no passado, eles sempre encontram algo novo e inexplorado. É um exercício de encontro e reencontro.

Isso pode ser enxergado na sua sonoridade dinâmica e diversa. O primeiro single do disco, BUZZCUT, com participação de Danny Brown, é vigoroso e expansivo, aludindo instantaneamente aos tempos de SATURATION. Porém, quando a banda faz os fãs acreditarem que a produção será um retorno às origens, eles são logo surpreendidos com o lançamento do segundo, COUNT ON ME, que acompanha versos de A$AP Rocky e SoGoneSoFlexy, e vocais de apoio de Shawn Mendes e Ryan Beatty, muito mais próximo da estética romântica e emotiva de GINGER.

Tal dualidade é alimentada e se mantém em toda a tracklist. BANKROLL, por exemplo – que, por sinal, deu as caras pela primeira vez em 2018 com o teaser de anúncio da i’ll be there tour –, dialoga tanto temática quanto musicalmente com as faixas caóticas e alucinantes de iridescence. Enquanto outras, como I’LL TAKE YOU ON e OLD NEWS, estruturadas por beats enérgicos cheios de vocais melódicos embebidos por autotune, abraçam uma faceta clássica de boyband e, em questão lírica, são praticamente love songs.

Essa variação de temáticas também se manifesta de outras formas. ROADRUNNER apresenta uma quantidade considerável de canções que se aproximam do boombap: desde WINDOWS, com aparições de quase todos os vocalistas da banda, em uma estrutura musical que se relaciona à cultura dos cyphers, que foram febre na cena brasileira entre 2016 e 2018, até WHEN I BALL, onde eles exploram suas memórias e experiências da infância sobre um beat old school que remete bastante aos primeiros trabalhos de Kanye West. No entanto, para além disso, a banda ousa de verdade em momentos surpreendentes como WHAT’S THE OCCASION?, um indie rock embalado por guitarras cheias de efeito, e DEAR LORD, que arrisca um coral gospel inspirador, e os resultados dessas experimentações são simplesmente extraordinários.

O álbum também não deixa de entregar momentos emocionantes e confessionais, como na poderosa e trágica THE LIGHT, protagonizada pelos integrantes JOBA e Kevin Abstract enquanto abrem suas feridas mais íntimas: JOBA relatando seus problemas com saúde mental, principalmente após seu pai ser vítima de suicídio, e Kevin delatando as tensões que viveu ao crescer no Texas, em uma família conservadora, como um homem gay. É um manifesto cru, intenso, e muito difícil de se ouvir. 

E, mesmo nos seus estados de maior vulnerabilidade, ROADRUNNER nunca abdica de ser político. DON’T SHOOT UP THE PARTY oferece um dos versos mais expressivos da carreira de Kevin, dando seu statement sobre a violência institucional destinada a grupos minoritários nos Estados Unidos, em uma alusão metafórica (ou não) aos atentados a tiros que têm sido cada vez mais comuns no país, o que obviamente também atravessa suas vivências pessoais.

No entanto, ao mesmo tempo que é um álbum excepcionalmente sólido, sua estética visual pode parecer confusa e desordenada. O clipe de BUZZCUT, por exemplo, é chamativo, colorido e faz referência a sitcoms dos anos 90, como Um Maluco no Pedaço, o que lhe dá um ar nostálgico e saudosista, ao passo que mistura esse visual com elementos de CGI ultrapassados, na limiar do uncanny valley, e propositalmente artificiais. Essa combinação bizarra e psicodélica, ao mesmo tempo que causa familiaridade, também causa incômodo e estranheza. 

Mas, ao se analisar com atenção, esses elementos deixam de parecer contraditórios, quando se entende que eles são intencionalmente desconfortáveis a fim de dar maior impacto à sua catarse, concedida em THE TOP OF THE MOUNTAIN. O clipe une as faixas CHAIN ON e DEAR LORD, e, dessa vez, essa nostalgia, envolta em uma estética retrô de videotape dos anos 90, parte de um lugar etéreo e espiritual, trazendo alento e conforto. Visto isso, a pergunta que fica é: como uma mesma estética consegue capturar sensações tão diferentes? Há várias respostas possíveis, porém é exatamente essa ambiguidade que torna seu trabalho visual tão intrigante.

Ouvindo o álbum, dá para compreender que a situação de vida dos meninos não estava fácil. Mesmo as músicas mais frenéticas e entusiasmadas vem com um gosto amargo e aflitivo, nunca é só euforia. Dessa forma, BROCKHAMPTON transforma suas angústias em arte ao buscar nova luz em luzes antigas, procurando por toda a sua discografia múltipla e díspar soluções para problemas que os assolam hoje, dessa vez com o auxílio de outros artistas. 

Feats nunca foram do feitio da banda, mas aqui eles possuem um papel crucial. Do mais infame do trap moderno da A$AP Mob, ao retorno às raízes do R&B de 2000 com Charlie Wilson, cada participação oferece outras perspectivas para cada uma das adversidades que são levantadas, ajudando a moldar suas narrativas e dando cor para as composições. 

Tem uma frase na última faixa de ROADRUNNER, THE LIGHT PT. II, que sempre ressoa em mim quando ouço, e que acho que sintetiza todo o seu conflito emocional: “A luz vale a espera”. Ou seja, mesmo passando pelo inferno, diante de um estágio da vida conturbado, lúgubre e aparentemente insolucionável, vale a pena resistir e aguardar pelo fulgor. Assim como em Salmos 30.5: “O choro pode durar uma noite, mas a alegria vem pela manhã”. 

Em THE TOP OF THE MOUNTAIN, após eles percorrerem à corrida todo aquele árduo percurso até o topo da montanha verdejante, o clipe acaba com eles tornando-se luz e sendo arrebatados para os Céus, dando ao processo de superação uma natureza divina e literalmente bíblica. A alegoria religiosa nunca fez tanto sentido. Em suma, a mensagem é clara. Não importa o quão fundo estivermos, que nunca percamos a esperança em nós e nos nossos. Então, resistiremos.

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