Arthur Caires

Selena Gomez tem uma carreira musical carregada de hits. Desde o começo, quando estava fazendo músicas contratuais para a Disney, ela entregava ‘farofas’ marcantes como Slow Down e Love You Like A Love Song. Já em 2015, quando conseguiu mais controle artístico com Revival, ela foi pioneira no pop ASMR com as deliciosas Hands To Myself e Good For You. Na era dourada dos singles avulsos em 2017, a cantora lançou algumas de suas melhores faixas, como Bad Liar e Fetish. Até mesmo o Rare, de 2020, tem Dance Again e Souvenir, que servem algum propósito.

Porém, ao longo dos últimos anos, foi possível perceber que a Música tratava-se mais de um hobby para Gomez do que algo que ela colocasse um esforço substancial. Logo após o lançamento de Emilia Pérez, em 2024, a atriz declarou em uma entrevista: “Será muito difícil para mim voltar para a Música algum dia”. Mesmo assim, após um período polêmico envolvendo seu namoro altamente público com o produtor Benny Blanco, a ex-Disney lançou um novo álbum.

I Said I Love You First surge como um disco colaborativo entre os dois artistas, concebido, supostamente, para narrar a história de como se conheceram e celebrar seu amor incondicional. Benny Blanco, que já havia trabalhado com Selena Gomez em Revival, é um dos produtores que mais influenciaram a década de 2010. Com um currículo repleto de sucessos, ele foi peça-chave na produção de Teenage Dream, de Katy Perry, além de assinar hits para nomes como Kesha, Maroon 5 e Justin Bieber.

O resultado dessa combinação é uma coleção aleatória de músicas de outras pessoas em que o único trabalho de Gomez foi adicionar os vocais. Em Bluest Flame, a cantora tenta aproveitar da composição de Charli XCX para emular um hype pós-brat. A mesma coisa acontece em Ojos Tristes, que ao menos conta com a participação da banda The Marías. Em sua essência, são músicas boas e bem produzidas, mas a falta de autenticidade nos faz pedir pela versão dos respectivos artistas que as inspiraram.

Os momentos aproveitáveis de I Said I Love You First são quando é possível perceber uma vulnerabilidade verdadeira na letra e na voz de Selena Gomez. Younger And Hotter Than Me e Scared Of Loving You, co-produzidas por Finneas, mostram a artista desabafando sobre suas inseguranças com relação a sua juventude na indústria e o medo de perder alguém. Cowboy e You Said You Were Sorry também flertam com essa introspecção, incorporando influências sonoras de Lana Del Rey, mas acabam esbarrando em letras que não atingem a mesma profundidade emocional.

O maior desperdício de potencial, no entanto, é Call Me When You Break Up, o primeiro single oficial, em parceria com Gracie Abrams. A faixa tinha todos os elementos para se tornar um pop chiclete envolvente, porém, o efeito distorcido nos vocais de Gomez e o encerramento abrupto passam a impressão de um trabalho inacabado. O mesmo problema se repete em Sunset Blvd, uma produção agradável que, infelizmente, traz a letra mais constrangedora do álbum: “Eu só quero tocar, tocar/Tente o seu melhor para não chegar lá/Me dê, me dê, como eu amo seu grande, grande coração”.

Em suas aparições públicas, Selena Gomez e Blanco parecem um casal genuinamente feliz e é evidente que a criação deste álbum foi um processo especial para ambos. Não há nada de errado em querer transformar esse sentimento em Música – o problema está na forma como o relacionamento deles é traduzido para as canções. As letras não revelam nada substancial sobre a conexão dos dois, o que torna o disco menos uma declaração de amor e mais um exercício de branding.

Além disso, a imagem pública de Benny Blanco, com suas excentricidades e declarações questionáveis, acaba influenciando a recepção do projeto, desviando a atenção do que realmente importa. No fim das contas, I Said I Love You First luta para encontrar uma identidade própria. O álbum soa como uma coleção de faixas dispersas, incluindo, por algum motivo, I Can’t Get Enough, um reggaeton de 2019. Não é memorável – e, se o objetivo era transformar esse romance em Música, talvez fosse mais interessante simplesmente assistir aos vídeos dos dois no Instagram.

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Nathalia Tetzner

Segundo a ciência, o arco-íris é explicado pela refração, dispersão e reflexão da luz solar por gotículas de água presentes na atmosfera. Já para os supersticiosos, o arco luminoso pode significar prosperidade e abundância, tal qual a história clássica do duende e o pote de ouro. Porém, nos versos de Katy Perry, a magia está no Double Rainbow, algo que você somente seria capaz de testemunhar uma vez na vida. 

Mas, afinal, se a misticidade determina que a duplicidade do fenômeno físico pode ocorrer uma única vez ao longo da trajetória de uma pessoa, quantas vezes é possível se alcançar o topo do mundo? Contrariando as estatísticas de discos que são amaldiçoados pelo sucesso estrondoso do anterior, PRISM (2013) refratou todas as cores de Perry ao colocá-la no caminho certo para encontrar a recompensa dourada novamente em sua carreira.

O conceito e a estética do prisma dispersivo da óptica não é novidade na Música. Em 1973, Pink Floyd simbolizou a transformação da sua sonoridade com a capa icônica de The Dark Side of the Moon. 40 anos depois, a garota californiana chegou para demonstrar como se cria luz em meio a escuridão. Inspirada pelo namorado da época, o também cantor John Mayer, ela traz à tona uma versão mais madura e pessoal, no entanto, não menos colorida.

Depois de se deliciar com as nuvens de algodão-doce em Teenage Dream (2010), Katy Perry une o pop perfection característico com a melancolia das suas primeiras composições para construir o cenário multifacetado de PRISM. Inicialmente tida como uma era dark, repleta de teasers em que enterra o figurino estilizado com doces e queima a peruca “Baby Blue”, Perry surge com o hino motivacional Roar dentro de uma floresta cartunesca.

Virada de costas para a câmera, mostrando a figura do tigre estampado na jaqueta azul, a cantora deu os primeiros passos da nova fase com a determinação de quem já sabia que quebraria ainda mais recordes. Além do trabalho de divulgação extraordinário da Capitol Records, Katheryn Elizabeth Hudson soube mesclar o inédito e a nostalgia, com o rugido sendo o sucessor natural de Firework, atingindo tanta glória quanto em seus tempos de chantilly.

Entretanto, na contramão dos lançamentos anteriores, o contexto do terceiro álbum de estúdio é de amplo conhecimento do público. Agora, a artista tinha uma base de fãs e um frenesi da mídia em torno de sua vida particular forte como nunca. Por isso, era de se esperar que o divórcio traumatizante com o humorista menos engraçado do Reino Unido, Russell Brand, fosse respingar nas produções mais cruas do projeto.

Com o vocal ríspido como quando assinava sob o nome de Katy Hudson, By The Grace Of God traz uma redenção gospel sobre um assunto delicado, principalmente pela perspectiva das instituições religiosas, o suicídio. A faixa é uma das canções mais vulneráveis de toda a discografia de Katy Perry, transportando o ouvinte para os momentos mais críticos da intérprete: deitada no chão do banheiro, descobrindo ser o suficiente pela primeira vez, “não ia deixar o amor me levar desse jeito”.

Diante da proposta do PRISM de retratar essa metamorfose de sentimentos, o disco deixa o tom obscuro para trás em grande parte dos seus minutos através de um dance-pop à la Madonna. Transcendente e eufórica, Walking On Air sofreu a mesma injustiça que a apoteótica Legendary Lovers – ambas as canções foram deixadas no limbo sem se tornarem singles, mesmo com o potencial e a devoção dos ‘katycats’, uma verdadeira lástima. 

Se o que nos resta é imaginar como as ‘esquecidas no churrasco’ se sairiam nos charts, o smash hit Dark Horse largou na frente antes mesmo de ser enviado às rádios. A parceria com o rapper Juicy J tem tudo do melhor e do pior, desde um flow invejável, passando por uma menção insensível ao serial killer Jeffrey Dahmer até a apropriação cultural do videoclipe. O trabalho também foi alvo de um processo de plágio vergonhoso, criticado por especialistas devido a fragilidade da acusação.

Passados dez anos desde o lançamento, a segunda parte do disco permanece sendo um tesouro a ser encontrado, mas que, no fundo, quem ama talvez prefira que continue assim, quase um laço único com a artista. Composta por faixas bônus da versão deluxe e as demais não trabalhadas como singles, essa dualidade da era é representada pela vulnerável It Takes Two, que se deixa levar pelas reflexões taoístas que contornam o conceito yin-yang e o próprio PRISM.

Assinando a produção, os colaboradores de longa data Max Martin, Dr. Luke, Stargate, Benny Blanco, Cirkut e Greg Wells retornam como o verdadeiro ‘dream team do pop’. Entre ritmos potentes e baladinhas românticas, a equipe realizou uma força tarefa com o intuito de unir a visão de Perry para o álbum com o refinamento dos compositores SIA, Bonnie McKee, Henry Walter e John Mayer, objeto das dedicatórias sobre aprender a se amar para ser amada.

Extremamente sentimental, Unconditionally é a irmã mais nova de Thinking Of You e The One That Got Away, responsável por herdar as lágrimas de felicidade ou tristeza que caem quando os vocais atingem notas esplêndidas. Entregando as chaves do coração através da aceitação, a canção se tornou um clássico tanto para cerimônias de casamento quanto para quem está sozinho no quarto, se perdendo em devaneios com os fones de ouvido.

Atingindo os fãs como uma experiência de encontro com o sobrenatural, em que a mente parece se desprender do corpo, Ghost e Spiritual fazem jus aos títulos, se dedicando a ecoar os ressentimentos de um término nada amigável e gritar para o mundo sobre o achado de um amor. O importante é que, frente a todas essas questões duplas que atravessam a situação da cantora durante esse tempo, ela aprende, ao final, como escolher as batalhas para vencer essa guerra interna.

Embora vivendo nas trincheiras, se tem algo que o tempo prova é que Katy Perry não se leva a sério. É impossível pensar em um projeto da diva pop sem o teor ‘brincalhão’ que sempre dá as caras. No caso do PRISM, a trinca Birthday, This Is How We Do e International Smile proporcionam calafrios no lugar da alegria intensa que os versos tentam passar. Perdidas na tracklist, dessa vez, não há visuais impressionantes que reprisem os melhores momentos de Perry na ‘Candyfornia’.

Na missão de espalhar a palavra do disco para o maior número de pessoas possível, a artista embarcou em uma sequência de performances que incluiu lutar em um ringue debaixo da ponte do Brooklyn no VMA’s, abalar a estrutura do Saturday Night Live e atear fogo vestida de bruxa no palco do Grammy. Em turnê, levou a Prismatic World Tour para 38 países, incluindo o Brasil, com direito a encerrar a sexta edição do Rock in Rio.

O sucesso do seu terceiro álbum de estúdio também rendeu o convite para estrelar o show do intervalo do Super Bowl em 2015. Com uma carreira recheada de hits, Katy Perry fez história com o recorde de audiência televisiva do halftime, 118,5 milhões de visualizações. Dividindo o palco com Lenny Kravitz e Missy Elliott, os 15 minutos de apresentação renderam memes já eternizados e, provavelmente, o momento mais importante da trajetória artística de Perry.

Celebrando uma década de refração das cores de Katheryn Elizabeth Hudson como um duplo arco-íris, PRISM nasceu com a ambição de encontrar o pote de ouro no final mais uma vez e, contra todas as superstições, conseguiu se tornar um marco na história da Música pop. Se nem mesmo a ciência poderia explicar o tamanho do fenômeno que foi essa era, pelo menos Katy Perry um dia soube a fórmula secreta para “brilhar mais que a aurora boreal”.

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Nathalia Tetzner

Ela não gritou quando viu uma aranha assustadora e escolheu os acordes da guitarra em troca das sapatilhas de balé, mas dentro dela sempre existiu um desejo oculto: o de se tornar uma musa pin-up, daquelas que os meninos colecionam posters. Então, começou a ler revistas para adolescentes e a depilar as pernas na tentativa de se tornar a rainha do baile de alguém. Ainda assim, ela continuou invisível para eles. Há 15 anos, o álbum One of the Boys dava luz a Katy Perry, essa jovem que procurava incessantemente o seu lugar no mundo e que não teve outra escolha a não ser se infiltrar entre os garotos para deixar a sua marca.

Seguindo com o tom desafiador e, até mesmo, irônico da faixa-título, Perry dedicou a maior parte do disco em provar que, ainda que se esforçasse, a delicadeza de colares de pérolas nunca a satisfariam como a provocação despertada por acessórios adornados de cerejas. E não é que a irreverência convenceu? A sonoridade pop rock misturada com a imaginação fértil da cantora resultou em algo completamente diferente do que as outras garotas da Música estavam fazendo em 2008. Ela veio, de fato, para mudar o jogo da indústria com uma declaração que não poderia ser mais incisiva para o seu primeiro projeto sob o nome artístico.

Influenciada por Alanis Morissette e toda a ruptura causada na década de 1990 pelo álbum Jagged Little Pill, Katy Perry estava decidida em emplacar as 13 faixas de One of the Boys e se transformar em uma inspiração para as novas gerações de ouvintes. De uma certa maneira, Perry tinha em mente a necessidade de reproduzir o que Morissette significou para ela durante a sua juventude. Por isso, a fim de alcançar uma rachadura no ordinário, a californiana adotou temas que os artistas masculinos exploram sem limites desde que o universo foi criado: o sexo e a sexualidade.

O diferencial aqui não caiu no pioneirismo e sim na abordagem, afinal, outras cantoras já haviam trilhado esse caminho tortuoso para as mulheres anteriormente. É através das bochechas coradas e dos olhos cativantes que Katy Perry arrancou os gritos da mesma quantidade de meninas que qualquer membro de boyband nos anos 2000. Infelizmente, mesmo que a malícia do duplo-sentido nas letras tenha sido grandiosa nos minutos cruciais, unindo o disco como um todo, algumas insinuações feitas por ela acabaram datadas pelo teor potencialmente nocivo, principalmente para a causa LGBTQIA+.

Não é de se estranhar que Madonna tenha se encantado pela primeira composição de Perry a tocar nas rádios quando a mesma começa com os versos: “Eu espero que você se enforque com seu lenço H&M/Enquanto se masturba ouvindo Mozart”. O que é de se questionar é a verdadeira intenção de Ur So Gay, que utiliza o termo como um insulto não relacionado a homossexualidade, no entanto, enraizado em uma certa moralidade. Com notas tímidas no violão, um vocal ríspido e um videoclipe cômico, a obra é um capítulo que mereceu ser esquecido junto com os demais atos desse tempo que retratam percepções ultrapassadas da sociedade.

Com doses de fetichização circulando pela corrente sanguínea do álbum, I Kissed a Girl veio para continuar o frenesi de caráter duvidoso e, simultaneamente, consagrar Katy Perry como um ícone da comunidade. Em 2017, o grupo de defesa dos direitos civis LGBTQIA+ estadunidense, Human Rights Campaign, concedeu à cantora um prêmio pelo ativismo ao longo da carreira que, após One of the Boys, realmente foi efetivo: “Espero estar aqui como evidência de que não importa de onde você veio, é para onde você está indo e que uma mudança pode acontecer se abrirmos nossas mentes e abrandarmos nossos corações”, afirmou Perry durante a cerimônia.

O primeiro single do disco também significou o encontro dos produtores Max Martin e Dr. Luke, uma dupla imbatível no estúdio quando o objetivo era a criação de uma sonoridade extremamente radiofônica e, nem por isso, menos autêntica. Nos anos que se seguiram, escutar a artista significava entrar em contato com a combinação perfeita entre eles, pensada exclusivamente para a persona Katy Perry. Contudo, a colaboração chegou ao fim com as acusações de abuso e assédio sexual feitas pela cantora Kesha contra Luke; o experimental Witness (2017) encerrou a parceria com apenas Martin assinando a direção executiva.

Colecionando nomes que ascenderam ao topo com o sucesso comercial do álbum, o time de Perry tomou forma quando Glen Ballard, responsável pelos bons frutos da sua ídola Alanis Morissette, aceitou trabalhar com a menina, que bateu em sua porta carregando um violão e um sonho. Nas canções delirantes à la Hot N Cold, o multi-instrumentista Benny Blanco fez história com a sagacidade de seu ritmo. Já nas passagens mais cruas, Greg Wells deixou o DNA nas texturas estridentes e teatrais de faixas como Mannequin. A tarefa de arrematar os diferentes estilos ficou a cargo do técnico em masterização Brian Gardner, que cumpriu com maestria.

Esperta e criativa ao extremo, Katy Perry não foi apagada pela genialidade de sua equipe. Nos palcos, ela demonstrou que, devido a sua experiência nada fácil no mercado musical, sabia exatamente como queria fidelizar a imagem dessa novata fissurada por gatos infláveis, frutas e figurinos camp. Em 2008, pegou a estrada com a Vans Warped Tour, festival que revelou Paramore e 3OH!3, e logo arrumou as malas para a sua primeira turnê solo, a carismática Hello Katy Tour. Repleto de referências próprias do projeto, o cenário dominado por um gigante coração rosa cravou que Perry se tornaria uma especialista em eras temáticas.

O estilo pin-up e a estética que remonta aos anos 1940 foram usados com sabedoria pelo diretor de arte do disco, Ed Sherman. Partindo do logo, divertidamente colorido, passando pela ambientação cartunesca até os elementos tão característicos como os flamingos rosas, a obra se tornou um símbolo de sua época. Por meio das lentes do fotógrafo Michael Elin, One of the Boys foi eternizado com uma capa que captura o oceano hipnotizante do olhar da musa. E, se “com cada cicatriz tem um mapa que conta uma história”, a melódica e dramática Self Inflicted sumariza esse aspecto magnetizador.

Inserida por completo no contexto de avanço das redes sociais e a consequente interação dos músicos com as plataformas, a artista navegou pelo MySpace, Vimeo e Tumblr como ninguém. Com vídeos em formato de vlogs, Perry divulgou o seu trabalho ao mesmo tempo em que desenvolveu um laço profundo com os fãs, os ‘katycats’. Seja rodando em círculos na sala de espera da gravadora, a Capitol Records, importunando a sua gata de estimação Kitty Purry ou se enrolando em luzes de natal, ela criou momentos que são lembrados com carinho e, obviamente, muita nostalgia.

Duas décadas separaram o nascimento de Katheryn Elizabeth Hudson e a criação da identidade Katy Perry, ou melhor, da possessão da menina que cantava no coral da igreja pela entidade popstar. Antes de assumir o nome de solteira de sua mãe, Katy Hudson distribuiu apenas 200 cópias do seu primeiro álbum auto-intitulado, algo que não se repetiu com One of the Boys, detentor de 7 milhões de discos vendidos. Dessa vez, porcentagem fundamental para tamanho sucesso foi a existência de uma equipe capaz de fazer tudo acontecer e que, em 2023, permanece ao lado da cantora.

Entre os membros mais efetivos, o empresário Bradford Cobb e o desenvolvedor artístico Chris Anokute deram tudo de si para que a jovem não tivesse outro projeto cancelado como o simples e rebelde (A) Katy Perry, ou que gravasse vocais para alguma banda que tentasse se aproveitar do seu sucesso, como The Matrix fez em 2009 ao lançar músicas produzidas quando ela tinha apenas 19 anos. Injetando respeito ao nome e à marca Katy Perry, o ambiente de If You Can Afford Me resumiu a ascensão: “Porque alguns não tem paciência/Alguns me chamam de manutenção cara/Mas você paga a conta/Porque esse é o trato”.

Compositora nata, Katy Perry deixou a caneta pesar nas duas faixas mais dolorosas e sombrias do álbum: Thinking Of You e I’m Still Breathing. A primeira, totalmente autoral, contém os versos mais inspirados dela que, através de uma progressão tocante, ganharam amplitude na balada romântica trágica, sendo praticamente um prelúdio da história contada por The One That Got Away no sucessor de One Of The Boys, o pop perfection Teenage Dream (2010). Por outro lado, a respiração pesada foi a chave da segunda canção, dotada de tendências suicidas e que evidenciou o processo de independência vivido por Perry durante essa fase.

Personalizando a luz no fim da estrada, a artista entregou uma redenção única em Lost, música que trata da sensação de não se sentir em seu próprio corpo e o de saber o caminho para casa e, mesmo assim, não conseguir voltar. Surpreendentemente, o sentimento deixado para os ouvintes foi o de conforto por descobrir que há mais alguém no universo que já esteve perdido. O especial acústico MTV Unplugged potencializou a melodia e, ainda, trouxe o belíssimo cover de Hackensack da banda de rock alternativo Fountains of Wayne e o toque sensível de Brick by Brick, gravação que infelizmente acabou descartada do disco.

Para aqueles que morrem de saudade somente em lembrar das performances grandiosas em premiações na época em que One of the Boys conquistava incontáveis indicações e vitórias, desde 2021, Katy Perry relembra os grandes clássicos da era na setlist da sua residência de shows em Las Vegas, a PLAY. Com cenários de tirar o fôlego, cogumelos e um banheiro completo em escala gigantesca, Perry oferece um prato cheio para os ‘katycats’ da velha-guarda mais saudosistas e coloca a extravagante Waking Up In Vegas em destaque no espetáculo para os olhos e ouvidos.

Entretanto, a experiência sensorial do projeto não ficou restrita aos palcos, uma vez que a edição física passou a ser uma peça fundamental da memória do público graças ao design atemporal de Shayne Ivy. Para além do ensaio fotográfico esplêndido e um material de encarte que fez qualquer colecionador ficar obcecado, o desenho de morango estampado no CD permanece capaz de trazer o cheiro da fruta à mente. Katy Perry, querendo que todos se lembrem dela como em Fingerprints, também investiu nos videoclipes em que os diretores Melina Matsoukas, Alan Ferguson, Kinga Burza e Joseph Kahn eternizaram as canções.

Depois de beijar uma garota e gostar, se infiltrar entre os garotos e tentar de todas as formas colocar a sua digital na história da Música, a jovem deixou para trás a inocência de debutante e assumiu que estava pronta para o amadurecimento com I Think I’m Ready, faixa que encerra o disco e a sua sonoridade pop rock. Celebrando 15 anos de One of the Boys e de sua carreira artística sob o nome Katy Perry, a camaleoa que transitou por diversas eras, refletiu as cores do arco-íris com PRISM (2013) e recuperou o sorriso em Smile (2020), chega em 2023 sabendo exatamente qual é o seu lugar no mundo.

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Giovana Guarizo

“A injustiça em qualquer lugar é uma ameaça à justiça em todo lugar”. É com as palavras poderosas de Martin Luther King Jr. que Justin Bieber dá início ao seu álbum mais recente. Um disco que transmite paz, mas também desabafa sobre tudo o que está entalado na garganta do canadense. O álbum é exatamente aquilo que você precisa ouvir em um banho quente, com meia luz e depois de um dia difícil. Ele fala de amor, fé, ansiedade e inseguranças reconfortantes, as quais você consegue se identificar. Justice é um respiro em meio a momentos caóticos. 

Já de início, é preciso destacar que o CD é um dos melhores feitos de Justin, porém, não é coeso. O nome Justice e os fragmentos do discurso do ativista Martin Luther King Jr. deixam o ouvinte com expectativas distorcidas do que ele realmente irá ouvir. As falas de Luther King são potentes e democráticas e não se encaixam no conteúdo do canadense: sua vida pessoal. Mas, por incrível que pareça, isso não diminuiu a qualidade do disco, que recebeu nada mais, nada menos, do que 8 indicações ao Grammy Awards de 2022, incluindo a tríplice de maior expressão: Álbum do Ano, Gravação do Ano e Canção do Ano.

Geralmente, é difícil se identificar logo de cara com as primeiras canções de um álbum, aquelas que não são singles e nem foram pensadas para serem tão amadas assim. Mas 2 Much, Deserve You e As I Am conseguem fazer isso com maestria. As três faixas são muito serenas e relaxantes, com destaque para a terceira, que é uma das mais aclamadas pelos fãs e público em geral. As I Am é um feat bem pensado com o cantor Khalid, em que ambos entregam muito vocal. E particularmente falando, não tem como errar com Khalid.

É impossível não comentar o quanto o loirinho se supera nas performances. A era Justice proporcionou aos fãs muita divulgação ao vivo, entre elas, uma live de 5 músicas, em um hotel de Paris, incluindo o single badalado Hold On. E já que falamos de single, o álbum de 16 faixas foi bem aproveitado por Bieber, rendendo músicas que ficaram no topo das paradas e dos streamings. Dos maiores, podemos citar Peaches, Anyone e o desabafo doloroso Lonely. Na parceria com benny blanco, Justin explica como foi difícil e solitário crescer com o mundo o julgando por atitudes infantis: “Talvez, quando eu for mais velho, tudo se acalme/Mas isso está me matando agora”, desabafa.

O foco principal do álbum é amor e fé, dois tópicos extremamente importantes na vida de Justin. O cantor passou por momentos muito conturbados nos últimos anos, e assim como Kanye West, decidiu dedicar seu trabalho a Jesus. Bieber assumiu, em uma entrevista, que era viciado em sexo e drogas. Chegou, até mesmo, a chocar os fãs quando disse que houve uma época em que seus seguranças precisavam checar seu pulso todas as noites, para se certificar de que ele não havia sofrido uma overdose. O caminho do canadense foi muito difícil até aqui, porém, é visível que ele está em sua melhor fase, trabalhando com o que acredita e o que lhe faz bem.

E foi nesse caminho que ele acabou reencontrando Hailey Baldwin (agora Hailey Bieber), a maior inspiração para as músicas do Justice. Os dois foram amigos por muitos anos e tiveram um romance em 2016, mas, por questões pessoais e da vida conturbada do artista, acabaram se distanciando. Em 2018, os dois se reencontraram e não demorou muito para que Justin pedisse Hailey em casamento. O mundo todo entrou em colapso, pois meses antes, Bieber foi visto com Selena Gomez, a qual todos acreditavam ser o amor de sua vida. Entretanto, os dois nunca tiveram culpa pelas expectativas dos fãs. 

Isso fica claro em Lifetime, faixa que faz parte da versão Deluxe. A música é a mais romântica entre todas e dá até vontade de viver um amor. Nela, Justin declara: “Tudo o que aprendi foi que não era a minha vez/Não era a hora certa/Algumas pessoas entram na sua vida por uma razão/Outras vem na sua vida por uma época/Mas, amor, você é para a vida inteira”, declara. Lifetime veio para não restar mais dúvidas de que Hailey é a certeza que ele tanto buscava.

Segundo Justin, foi assim que ele conseguiu se conectar mais com sua fé e se livrar de seus tormentos. Hailey o ajudou muito no processo de sobriedade, além de ser o maior suporte do cantor quando ele foi diagnosticado com a doença de Lyme, em 2020. Todas essas etapas o motivaram a ser uma pessoa melhor e a buscar ajuda no amor e em Deus. É o que ele clama em Holy, mais um single ovacionado. A parceria com Chance The Rapper faz jus perfeitamente à sua fé, com o instrumental inicial, que alude um coral de igreja, porém, o feat não deixa de lado o eterno R&B de Justin. É o combo perfeito de sua nova fase.

E não pense que vai parar por aí, porque a era Justice ainda não acabou e você ainda vai ter que ouvir muito Peaches em seus stories do Instagram. Sem contar que Stay não quer descer das paradas e segue batendo recordes nas mais diversas plataformas. A música já vendeu mais de 4,5 milhões de cópias nos Estados Unidos e ultrapassou Mood, de 24kGoldn e Iann Dior, tornando-se a canção mais transmitida da década. É impressionante como o loirinho consegue emplacar qualquer música, em qualquer ano.

Acredito que, quando você faz um trabalho autêntico e de coração aberto, você, de alguma maneira, é recompensado por isso. Justin nunca teve 8 indicações ao Grammy Awards, nem mesmo com o álbum Purpose, julgado por muitos como o melhor dele. Purpose é um álbum gigantesco, mas até o hit Love Yourself, com Ed Sheeran, foi para casa de mãos abanando em 2017. E nem se fala de Changes, o maior fiasco de Justin, mas que acabou rendendo indicações hilárias aka Yummy como Melhor Performance Pop Solo. 

Além da estatueta dourada por Where Are U Now, o canadense também venceu em 2021, com 10,000 Hours, na categoria Melhor Performance de Dupla/Grupo Country, pelo feat com Dan + Shay. Dentre o que ele apresentou na última era, 10,000 Hours foi, com certeza, uma das melhores produções. A música e o clipe são extremamente fofos e, pra variar um pouco, ele exalta a amada Hailey Bieber. A voz do canadense veste como uma luva no country, ritmo, até então, nunca explorado. Esse gramofone realmente o pertencia.

E nesse ano, Bieber vai com tudo para disputar as 8 categorias em que foi indicado. Peaches tem chance de levar Canção do Ano e Melhor Clipe e Anyone é uma das fortes candidatas a Melhor Performance Pop Solo. Além das já ditas, o cantor ainda foi indicado em Melhor Performance de Dupla/Grupo Pop, Melhor Álbum Pop Vocal e Melhor Performance de R&B. O que resta é saber se Billie Eilish não vai embora com todos eles, mais uma vez. Há dois anos, a declarada fã de Justin Bieber, não sabe o que é ir embora para casa com menos de 3 Grammy em mãos. Mas, as indicações de Bieber foram mais do que merecidas. Resta saber se a Academia vai, de fato, recompensá-lo.

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Entre a falta de coesão de suas falidas referências a Luther King e momentos conturbados de sua vida pessoal, Justin conseguiu espantar seus fantasmas e entregar um ótimo trabalho. Ele tirou a visão que Changes o impôs e mostrou que sabe fazer muito melhor. Justice é um trabalho diferenciado e que vai além de hits. É um desabafo pessoal de alguém que sofreu muito internamente para estar em pé fazendo música. Bieber expõe Deus, seu relacionamento e suas inseguranças, de uma forma genuína. Em Justice, ele está completamente limpo.

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