Arthur Caires

Em 2025, depois de um ano dominado por artistas femininas como Charli XCX, Sabrina Carpenter e Chappell Roan, o cenário pop abriu espaço para nomes masculinos como ROLE MODEL e Conan Gray se destacarem – e é aí que Sombr aparece. Com seu álbum de estreia I Barely Know Her, Shane Boose consegue ocupar um nicho que vinha faltando: aquele rock com flertes do indie de 2013, que lembra Arctic Monkeys e The Neighbourhood, mas sem perder a sensibilidade do bedroom pop que ele vem lapidando há anos. O disco chega com uma mistura deliciosa de término de relacionamento e descoberta artística.

Mas não se engane: Sombr não é o típico ‘padrão alternativo performático’ que você vê ostentando vinil, bebendo café superfaturado e lendo Sylvia Plath só para parecer cool. Pelo contrário, ele desconstrói esse clichê com charme e autoironia, provando que dá para ser introspectivo, poético e, ao mesmo tempo, divertido. O trabalho é mais do que um álbum de término – é um retrato de um artista se encontrando, testando limites e fazendo de tudo para agradar seus fãs. Em um post do Instagram recente ele declara: “Minha vida é dedicada a esta música e a servir vocês para sempre. Nada mais. Eu amo vocês de todo o coração. Isso é só o começo”.

Por trás do nome Sombr está Shane Michael Boose, ou SMB, que escolheu o pseudônimo em uma fase mais sombria da vida, combinando perfeitamente com o clima melancólico e introspectivo de suas músicas. Depois de abandonar o ensino médio e deixar os dias de skate e matando aula para trás, ele viralizou com caroline em 2022 e mergulhou de cabeça na carreira musical. Desde então, vem construindo uma persona única nas redes, especialmente no TikTok, misturando humor autodepreciativo com o charme a là Finn Wolfhard e Timothée Chalamet. Com I Barely Know Her, ele sai de seu quarto para o mainstream, entregando sua primeira grande declaração como artista com visão clara e identidade própria.

No quesito produção, o disco de estreia é quase um feito solo de Sombr: ele é o único compositor de todas as faixas e toca guitarra, teclados, baixo e bateria na maior parte das músicas, conferindo uma sensação intimista e totalmente autoral. Ao seu lado, Tony Berg atua como co-produtor, trazendo sua experiência de veterano – com trabalhos recentes de Phoebe Bridgers e Lizzy McAlpine – para expandir o som sem jamais apagar a personalidade única de Shane Boose. O resultado é uma mistura sofisticada de indie rock dos anos 2010 com um pop alternativo moderno, que soa tanto familiar quanto revigorante.

A faixa de abertura, crushing, já chega dando o tom do álbum: melodias envolventes e batidas marcantes que lembram os melhores momentos dos primeiros trabalhos do The 1975, misturando energia pop com aquela melancolia indie que gruda na cabeça. Em contraste, i wish i knew how to quit you mergulha na nostalgia dos anos 80 e transforma desejo em música pura, quase como se estivéssemos ouvindo a trilha sonora de um filme coming-of-age. Versos como “Você é o eco nas minhas veias” e “Vou escrever um livro com todos os motivos pelos quais poderia te chamar de lar”, mostram a capacidade de Sombr de traduzir sentimentos intensos em imagens poéticas.

Entre os destaques, undressed é a que melhor sintetiza a mistura do clima sombrio, composições confessionais e produção marcante. As letras de Sombr exploram lembranças e amores passados de forma íntima e intensa: “Não quero que os filhos de outro homem tenham os olhos da garota que não esquecerei”. Já back to friends funciona como o ponto de consolidação do disco: viral, cativante e direto, a faixa foi responsável por colocar Shane no radar da Billboard Hot 100.

Outras canções, como 12 to 12 e we never dated, acrescentam camadas interessantes à experiência. A primeira transforma obsessão em romantismo intenso, com uma vibe noturna que lembra uma caminhada por ruas iluminadas de Nova York, enquanto we never dated oferece uma reflexão melancólica e bem-humorada que condiz com o nome do disco, cantando sobre relacionamentos não concretizados: “Como é que nunca namoramos mas ainda me pego pensando em você diariamente?”.

Quanto ao futuro, Shane Boose tem um leque enorme de possibilidades à frente. Para quem acompanha o pop alternativo, o trabalho do cantor é uma experiência que merece ser ouvida, refletida e curtida – e pode ser apenas o início de uma carreira que promete ser memorável. No cenário de 2025, ainda em formação para muitos nomes em ascensão, Sombr já se destaca como um artista singular, e a corrida pelo Grammy de Best New Artist em 2026 parece cada vez mais plausível. Mesmo sendo um álbum de estreia, I Barely Know Her revela maturidade e visão artística consistentes, deixando claro que ele não chegou para brincar, mas para deixar sua marca.

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Leandro Santhiago

Desde seu álbum de estreia até o clássico indie AM, de 2013, o Arctic Monkeys havia se estabelecido como uma força gigantesca do rock mainstream, lotando estádios internacionalmente e lançando hits atrás de hits, como é o caso de Fluorescent Adolescent e R U Mine?. O quarteto de Sheffield, até então, cultivou a fama de trazer ao público um som mais enérgico e potente, liderado pela instrumentação rock clássica com a tríade de guitarras, baixo e bateria. No entanto, um piano dado de presente ao vocalista Alex Turner fez com que o grupo expandisse seu vocabulário musical e entrasse em uma nova etapa sonora.

A energia acumulada até o momento foi o combustível para a viagem até o espaço na qual vemos Tranquility Base Hotel & Casino, um passeio lunar regado pela sonoridade dispersa – ainda que coesa – emprestada da psicodelia das décadas de 1960 e 1970. Em The Car, o sétimo disco da banda, a poeira levantada pela decolagem do som espacial de seu precursor assentou. Nesse último lançamento, o grupo traz canções mais reclinadas e relaxadas, quase como um descanso depois da viagem proporcionada pelo sexto disco, ainda que com um sabor melancólico e nostálgico de fundo.

The Car foi lançado em 21 de Outubro de 2022 e precedido de três singles que ilustraram a sonoridade do projeto que estava por vir. There’d Better Be A Mirrorball, um dos destaques da obra, foi o primeiro lançamento da banda desde o álbum ao vivo Live at the Royal Albert Hall em 2020, e conta com um videoclipe dirigido pelo próprio Alex Turner. Nessa faixa, fortes influências do jazz e pop sinfônico trazem um certo contraste ao rock espacial explorado em Tranquility Base e, dessa vez, a letra mostra um Turner mais pessoal e introspectivo, abordando temas de um relacionamento que está chegando ao fim e de uma dificuldade em lidar com as próprias emoções.

Para o projeto, o grupo conta com seu produtor de longa data James Ford, que proporcionou arranjos sofisticados e luxuosos reminiscentes da década de 1960, mas não banais o suficiente para soarem datados. Aqui, é apresentada uma sonoridade mais palpável e definida — no entanto, ampla —, sem um uso intenso de efeitos e distorções, com a orquestra tendo um papel bem maior em relação aos trabalhos anteriores da banda. Violões dedilhados (presentes na faixa-título, assim como em Mr Schwartz), pianos elétricos e a bateria com um timbre mais seco também compõem a paleta geral do disco, junto com uma produção saborosa e firme.

A sonoridade se mantém ao decorrer do álbum, com exceção da espreitadora Sculptures Of Anything Goes, outra pérola, que foge completamente do arsenal sonoro presente no resto das canções, trazendo uma nova face não só para o disco, como também para o grupo em geral. A faixa conta com uma imersão total em um ambiente eletrônico e semi-industrial, repleto de sintetizadores e quase isento da habitual guitarra. Aqui é também presente uma letra que expressa os sentimentos de Turner em relação à reação divisiva do público às mudanças pelas quais a banda passou ao longo dos anos, tudo isso em palavras direcionadas ao próprio ouvinte. Essa estética inédita reforça a audácia do grupo de se reinventar, ao mesmo tempo em que mantém uma identidade própria, além de se mostrar ciente das críticas e do quanto essa recepção mal importa (e mal deve importar) para a satisfação de um artista com a sua obra.

É evidente que, nesse disco, o Arctic Monkeys propõe novamente um retorno às décadas de 1960 e 1970, assim como fizeram em Tranquility Base quatro anos antes. Enquanto que no álbum anterior eles prezaram pela adoção de um som psicodélico e reverberante, em The Car a banda inglesa direcionou seu foco para uma abordagem predominantemente mais contida em termos melódicos e dinâmicos nas canções, vestindo fortes influências do soul e do funk, por exemplo. No entanto, por mais que o grupo incorpore essa estética de corpo e alma, não traz muitas novidades em relação ao que já foi feito dentro do gênero: os arranjos se limitam a instrumentos e efeitos setentistas, além das músicas seguirem uma estrutura tradicional do estilo que a banda emula nesse projeto.

Ainda assim, essa nova etapa sonora do quarteto funciona nos dias de hoje e mostra maturidade dentro da evolução ao longo dos anos. Em comparação a discos mais antigos do Arctic Monkeys, The Car apresenta maior sofisticação e sensibilidade nas composições e no ritmo da obra em si, deixando claro o quanto cada membro aperfeiçoou a musicalidade em seus instrumentos no decorrer da discografia da banda, com destaque à performance vocal e lírica de Turner. Nesse último álbum, o vocalista preza — assim como em trabalhos anteriores — pelo forte uso de metáforas e referências específicas à cultura pop. Porém, aqui há uma ênfase maior em observações a respeito de seu próprio grupo e à sua trajetória em um tom reflexivo, casando com a estética instrumental das canções.

É comum para o Arctic Monkeys que suas músicas tomem uma nova forma e vitalidade quando tocadas ao vivo, no contexto de uma performance geralmente de grande porte, em que há uma troca efervescente de energia entre os músicos e o público. Por mais que isso seja o usual para as mais frenéticas do catálogo da banda — como a trovejante Brianstorm, tocada normalmente no início das apresentações —, esse fenômeno também se aplica à nova era do grupo. É o caso de Body Paint, mais um destaque de The Car, que quando performada em shows recentes, decola até as alturas e ganha mais vida (e duração), mostrando que a banda ainda mantém o ímpeto e ânimo que os fãs sempre puderam presenciar quando fossem vê-los ao vivo.

Para quem acompanha o trabalho do grupo há muitos anos e está acostumado ao som mais enérgico e explosivo de álbuns como Favourite Worst Nightmare, o novo disco pode parecer entediante e sem inspiração de início. Na verdade, a beleza aqui não está necessariamente em refrões grudentos ou momentos dignos de pirotecnia exorbitante nos shows (ainda que ambos existam em doses menores nesse projeto), mas sim em uma expressão sincera e verdadeira com a própria identidade artística dos músicos, mesmo que isso signifique se distanciar daquilo que os levou até onde estão hoje. Desse jeito, The Car é um álbum que retribui tempo investido nele, além de representar amadurecimento e uma etapa importante na estrada que a banda percorre há mais de 20 anos.

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Leticia Stradiotto

AM. É uma abreviação? Madrugada? Radiofrequência? Não existe uma resposta correta. Seria mais fácil juntar tudo em uma explicação só: AM é a abreviação que encapsula a essência do Arctic Monkeys como uma madrugada interminável, na qual a radiofrequência das guitarras distorcidas e os versos envolventes de Alex Turner conspiram e nos seduzem para a atmosfera dos becos britânicos. Separe seu gel de cabelo, vista uma jaqueta de couro, invista em óculos escuros (principalmente se for à noite) e, por favor, não esqueça do cigarro na mão, pois há uma década era lançado ao mundo o disco que influenciaria uma geração de jovens e catapultaria a banda para o estrelato.

Originários dos subúrbios da cidade de Sheffield, na Inglaterra, a banda foi formada em 2002 e rapidamente se destacou na cena musical alternativa. Em Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, o recorde de álbum de estreia mais vendido na história do Reino Unido foi quebrado pelo grupo. Até então, os britânicos haviam liderado o gênero indie com grandes influências de The Clash, The Smiths e The Strokes. No entanto, em 2013, sua proposta foi modificada e eles finalmente decidiram abraçar o hard rock. 

Apesar de ganhar notoriedade global em oito anos de carreira, o Arctic Monkeys ainda era considerado uma banda de menor expressão antes de AM. A grandiosidade do álbum conquistou lugares que eles ainda não haviam alcançado. Em números, estreou no topo das paradas musicais e liderou vendas com mais de 150 mil cópias na primeira semana de lançamento. Em 2023, o grupo foi certificado três vezes platina pela Recording Industry Association of America (RIAA) com mais de 3 milhões de cópias. A recepção não se limitou apenas aos formatos digitais e físicos, mas também se estendeu ao vinil, se tornando um dos mais comercializados da década, provando mais uma vez o status do grupo como um dos mais influentes da atualidade.

Tão icônico hoje quanto no dia de seu lançamento, o álbum é o ponto de virada da carreira da banda. A mudança ousada de estilo e o sucesso comercial solidificaram o lugar de AM em uma obra-prima que moldou o som contemporâneo e o conectou profundamente com uma geração que estava se tornando cada vez mais envolvida com questões de identidade, desejos e descobertas emocionais. 

Conectado intrinsecamente ao fenômeno do Tumblr – uma plataforma de blogs que, em seu auge nos primeiros anos do século 21, era marcada por uma estética que abraçava a melancolia da adolescência -, o disco prosperou por meio das letras de Alex Turner que encontraram ali um lar, com linhas sobrepostas de memórias sobre fotografias vintage de garotas fumando ou citações em máquinas de escrever. As pessoas se apropriaram do álbum, tanto fisicamente quanto emocionalmente, usando-o como uma projeção de suas próprias experiências, sejam elas os corações partidos, as noites selvagens ou as saudades de amores desconcertantes  –  além de muito mais daquilo que, com certeza, todo mundo já passou na excêntrica juventude.

Com influências musicais amparadas em Black Sabbath e The Velvet Underground, AM é o trabalho que a banda sempre desejou criar e que os fãs sempre desejaram ouvir. Uma fusão dos riffs de Humbug com o pop do Suck It and See deu origem ao som sensual característico. É a mistura de todas essas influências presentes em suas discotecas anteriores que resulta em uma sonoridade verdadeiramente única. Arctic Monkeys captura perfeitamente o espírito da cena musical britânica da época com letras que fazem referência a bares, festas noturnas, cotidiano e até mesmo a estética visual do ambiente.

Contendo 12 faixas e 4 singles, destacam-se entre as músicas mais populares do álbum, Do I Wanna Know?, Why’d You Only Call Me When You’re High? e RU Mine?. Certamente, com tantas interrogações, o disco reflete, mais uma vez, as dúvidas e incertezas de uma geração alimentada por amor e desejo, conectando a autonomia e personalidade distintiva da banda com seus ouvintes. One For The Road, por exemplo, transmite o desejo e a paixão por meio dos riffs e sussurros do vocalista Alex Turner. 

Arabella tem uma cabeça dos anos 1970, mas é uma amante moderna. É o primeiro rock psicodélico no álbum, também responsável por caracterizar a presença de Black Sabbath que, assim como a garota da canção, surge na década setentista e influencia o heavy metal em guitarras distorcidas. A icônica e romântica I Wanna Be Yours foi inspirada no poema do poeta punk John Cooper Clarke, dando uma profundidade lírica à construção da faixa.

Entre a conexão de experiências pessoais e relacionamentos românticos, surge o par Alexa Chung e Alex Turner. Você deve ter ouvido falar do casal britânico ou pelo menos já se deparou com a tão famosa carta de amor perdida. Eles eram considerados um dos casais mais badalados do Reino Unido e atraíam constantemente a atenção da mídia. O relacionamento começou em meados de 2007 e durou até 2011, dois anos antes do lançamento de AM. Dizem as más línguas que as faixas Fireside e Knee Socks foram escritas para a modelo que, frequentemente, usava meias até os joelhos. Assim como as demais canções, que contribuem para a atmosfera provocante, não é bobagem falar que o grande sucesso do disco veio de um coração partido. 

Ao longo de uma década, a obra do Arctic Monkeys provou ser duradoura. Em uma atmosfera incrivelmente sedutora com a voz corrosiva de Turner, somos transferidos para encontros noturnos, flertes intensos e quartos de hotel onde as escolhas erradas são frequentemente feitas. Mesmo com a evolução da banda em novos discos, como Tranquility Base Hotel & Casino e The Car, eles nunca escaparão do legado de AM. 

Mais do que um álbum, o trabalho é um retrato sonoro de uma época, uma trilha sonora para a juventude eternamente cativada pela mistura única de sensualidade, paixão e autenticidade. A obra ressoa o clima irresistivelmente sexy que, mesmo com 10 anos, ainda nos envolve com sua aura de mistério e atração. Arctic Monkeys trouxe à tona um espaço de identificação para adolescentes cheios de experiências intensas, e que agora são adultos expressivos, ou pelo menos, nostálgicos acerca de suas paixões rebeldes na juventude. Por que, afinal, iríamos querer sair dessa?

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Guilherme Veiga

Lançar uma moda não é das tarefas mais fáceis e premeditadas. Ela simplesmente acontece, como uma aurora boreal ou a formação de um tornado. Repetir esse sucesso e criar uma tendência, então? É extremamente mais difícil e inúmeros são os fatores, como originalidade, proposta, apelo e mercado já estabelecido. Na música, podemos colocar os festivais nesse balaio. Encabeçados pelo pai dos megaeventos musicais, Woodstock, passando pelo rural e flamulado Glastonbury, o apocalíptico Burning Man, o descolado Coachella, o psicodélico Tomorrowland e o desastroso Fyre Festival; os festivais hoje são uma realidade na indústria do entretenimento.

Em terras brasileiras, que tinham uma experiência próxima com o Festival de Música da Record – de festival não tinha nada, pois era um concurso -, foi o apoteótico Rock in Rio de 85 que iniciou os trabalhos. Isso, além de dar margem para outras vertentes nacionais surgirem nos anos seguintes, colocou o Brasil no mapa dos eventos. Foi somente em 2013 que o reinado do festival carioca foi ameaçado com a chegada do já estabelecido Lollapalooza, criado em 92. Com um cenário extremamente polarizado, parecia difícil adentrar esse público – o próprio Tomorrowland arriscou algumas edições, sem sucesso. Porém, em novembro de 2022, uma brisa de primavera trouxe novos ares para esse cenário, com a primeira edição do Primavera Sound.

Sendo um dos mais novos desse grupo, o evento foi concebido em 2001, em Barcelona, na Espanha, e logo se tornou referência na Europa quando o assunto é música alternativa. Rapidamente virou queridinho do público e dos artistas, principalmente por sua miscelânea cultural e diversidade, que atraiu nomes como Caetano Veloso, por exemplo. Logo, o festival também cruzou a fronteira portuguesa com a edição na cidade do Porto, dominando de vez o Mediterrâneo.

Somente 21 anos depois de sua fundação que ele resolveu cruzar o Atlântico para quatro edições no continente americano: Los Angeles, Santiago, Buenos Aires e São Paulo. Ao mesmo tempo em que a decisão soa conservadora devido à demora, uma vez que alguns de seus irmãos concorrentes já tinham feito o caminho inverso, ela se mostrava arriscada. Barcelona já estava fincada na rota dos eventos, funcionando quase como uma Meca dos indies, e esse talvez era um passo megalomaníaco demais para quem tem em seu DNA um toque de minimalismo.

Mas como entrar no homogêneo território dos diferentões aqui do Brasil? Na busca pelo seu diferencial, o festival notou que sua maior novidade era algo batido, que, em algum momento, se perdeu pelo caminho: a própria Música. Longe das megaestruturas extremamente decoradas, das rodas gigantes instagramáveis, dos fogos de artifício ao final ou as tirolesas cortando os palcos, a primeira edição do Primavera Sound em terras brasileiras entendeu que o verdadeiro showman são as pessoas que o compõem, estejam elas em cima ou em frente àquela estrutura metálica, mostrando um enorme respeito tanto com o público quanto com os artistas.

Assim como qualquer novidade  que se comprometa a quebrar certos padrões, a ideia dividiu opiniões e torceu o nariz de alguns em seus primeiros passos. A escolha do Distrito do Anhembi foi o ponto de partida, devido a consolidação do Autódromo de Interlagos para esse tipo de evento. Logo depois, seu maior tesouro foi talvez o mais contestado: o line-up. Aqui, ele mostrou que não está disposto a arrastar multidões baseado em charts do Twitter, mas sim usar a Música como principal fio condutor de experiências únicas, sem precisar apelar para seu nome ou para nomes gigantes do mainstream.

Claro que não podemos subestimar os gradeiros que foram para o Anhembi com um único objetivo, afinal, todos têm aquele artista por quem seu coração bate mais rápido e o nervosismo toma conta minutos antes de vê-lo no palco. No entanto, nesse caso – e isso é grande mérito da curadoria dos nomes – prezou-se pelo conjunto da obra e pelo mix de sensações que somente um festival em sua forma mais genuína pode proporcionar. Pensar que o típico fã de Travis Scott coexistiu com o fã de Caroline Polachek, no mesmo lugar em que Hermeto Pascoal se apresentou, coloca o line-up do Primavera Sound como um dos melhores – se não, o melhor – do ano.

Esse acerto se deu por dois aspectos. O primeiro: caras novas. Enquanto outros festivais repetem à exaustão Jota Quest e Capital Inicial ou trazem The Strokes e Cage The Elephant ano sim, ano não, o Primavera apostou em nomes que sequer tinham conhecido o afeto do público mais caloroso do mundo. Isso, além de um ótimo atrativo, fez com que os artistas estivessem sedentos por entregar uma ótima primeira impressão, convergindo com uma plateia extremamente engajada que surpreendeu a maioria dos performers ao mostrar que sua música chegava tão longe. Tal cenário resultou em performances apoteóticas, como o estrondoso coro de gritos no final de I Know The End, coroando o desempenho de Phoebe Bridgers, ou a capela de Washing Machine Heart do público que rendeu um “good job” de Mitski.

O outro aspecto? Elas. Na primeira edição do Lollapalooza, em 2013, um nome feminino só aparecia a partir da sexta linha do line-up e somente três anos depois teríamos uma headliner, com Florence + The Machine. No Rock in Rio, quase sempre o principal nome é masculino e, em uma tentativa de reparação, a edição de 2022 reservou um dia para as artistas no Palco Mundo. Dos 63 nomes do Primavera, 24 eram mulheres, aproximadamente 40% de suas atrações originais. Isso sem contar nomes como Lorde, Björk, Phoebe Bridgers, Mitski e Charli XCX ocupando altas posições da lista, e não podendo esquecer de Gal Costa, que infelizmente teve que cancelar sua nova versão de Fa-tal, naquela que provavelmente seria sua última apresentação em vida.

Claro que Arctic Monkeys e Travis Scott foram os maiores chamarizes. Contudo, o que se viu foi um festival tomado por elas, notável no discurso de Lorde, exaltando os nomes femininos do dia. E era impossível não notar o quão gratas elas estavam por viver aquele momento juntas, seja pisando pela primeira vez no Brasil, seja voltando depois de anos. Vale lembrar também que o evento abriu seu fim de semana com Tasha & Tracie e fechou com Mc Dricka, evidenciando uma de suas principais características: além de não se prender a um estilo de música e apresentar novos gêneros e artistas, o festival tem como missão fortalecer a cena local. Através das duas expoentes femininas, é uma tremenda esperança para o espaço que todas elas, nos mais diferentes momentos de suas carreiras, ainda podem ocupar.

Raveena, por exemplo, se espantou com a recepção do público. Mitski fez um verdadeiro show de arena. Björk e toda sua excentricidade lembrou que tal experiência é gigantesca demais para caber em uma tela de celular. Chai e Japanese Breakfast trouxeram a vertente asiática para o Palco Becks e suas árvores, enquanto Phoebe Bridgers e Lorde floresceram na dobradinha do Palco Primavera. Jessie Ware entregou a performance de sua carreira. Arca e Caroline Polachek botaram o Palco Elo abaixo. E a agora paulistana Charli XCX não pode reclamar, pois finalmente encontrou o caos e a energia do público que tanto procurava.

Extremamente bem organizado e diverso, em todos os sentidos positivos, o festival, que chegou a ser cotado como flop do ano, estreou botando muita inveja em seus concorrentes. Entre as fantasias de esqueleto, as graphic tees, as maquiagens azuis e amarelas em referência a Solar Power e as balinhas icebreakers, o Primavera Sound São Paulo entregou um debut histórico. Ainda não confirmado para 2023, o evento pode morrer em sua primeira edição ou, quem sabe, durar tanto que eu possa não estar em vida em sua última apresentação. Mas se tem uma coisa que a brisa fresca do próximo ano promete trazer e nos faz lembrar é que não importa o que aconteça, não se pode deter a chegada da primavera.

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Bruno Andrade

É comum ouvir dizer que Alex Turner interpreta um personagem diferente em cada álbum, e que isso pode ser visto de forma mais visceral em Tranquility Base Hotel & Casino (2018) – o mais recente trabalho do Arctic Monkeys –, no qual ele realmente transforma-se em uma persona. Mas em Suck It and See, quarto álbum de estúdio do grupo, que completou 10 anos em junho deste ano, não é somente Turner que assume uma nova identidade. No disco, o quarteto inglês assumiu a influência do rock estadunidense – principalmente dos anos 1960 –, e deixou transcorrer por todas as faixas suas referências, dando ao projeto um ar de álbum conceitual. 

O que consolidou o grupo e os alçou às paradas de sucesso é visível desde os primeiros discos, porém ganha um enfoque gradual em Suck It and See: as letras ágeis de Alex Turner, a cozinha muito bem trabalhada de Matt Helders (bateria) e Nick O’Malley (baixo), e a guitarra espalhafatosa de Jamie Cook. Gravado no icônico estúdio Sound City, famoso pelo lançamento de Nevermind (1991) do Nirvana, e produzido por James Ford – parceiro de Turner e Miles Kane em The Last Shadow Puppets –, o álbum dá voz ao estilo provocativo, colocando no centro das interpretações a própria irreverência, cuja capa do projeto também reivindica esse tipo de insolência. 

Apesar do título ser uma provocação mal interpretada, algo que soaria como “dê uma chance” ou “tente algo novo” na gíria inglesa (e não o que a tradução literal pode sugerir), não deixa de ser uma polêmica premedita. O simples escrito Suck It and See em um fundo creme levou o disco a ser censurado em algumas lojas de departamentos nos Estados Unidos – “lojas das grandes”, segundo Alex Turner –, sendo coberto com uma faixa preta.

O fato é que o Arctic Monkeys cresceu rápido demais. Seu álbum de estreia, o prolixo Whatever People Say I Am, That’s What I Am Not (2006), chegou ao topo das paradas como uma avalanche, sendo, até hoje, o disco estreante mais vendido da história do Reino Unido – título que o Oasis carregava anteriormente, com Definitely Maybe (1994). Posteriormente, com Favourite Worst Nightmare (2007), clássicos como Fluorescent Adolescent e Do Me a Favour surgiram, já apontando para o lado mais sentimental que encontramos nas letras mais à frente.

Porém, desde 2009, com o lançamento de Humbug, a banda deixou as versões rápidas e passou a apostar em canções mais lentas e expansivas, e nem por isso menos ruidosas. Além de parecer a trilha sonora de um conto de Edgar Allan Poe, Humbug também marcou o início da colaboração de Josh Homme, do Queens of the Stone Age – uma das principais influências dos Monkeys – nos trabalhos do grupo. Todavia, Suck It and See aposta em algumas canções mais psicodélicas, com ecos de guitarra se encontrando ao fundo, com uma boa dose de humor sombrio. 

É o caso, por exemplo, de The Hellcat Spangled Shalalala, canção que, mesmo com um refrão inventado – “shalalala” –, consegue nos manter imersos em sua sonoridade desde o começo. Também é interessante contrapor as músicas I Bet You Look Good on the Dancefloor, do álbum de estreia, com a canção That’s Where You’re Wrong. Além do fato de serem, possivelmente, duas das melhores canções dos respectivos álbuns, elas são, essencialmente, faixas que mantém uma espécie de ruído de guitarra; entretanto, enquanto a primeira está mais próxima de versões pesadas de Black Sabbath, a segunda aproxima-se do ruído melódico, e não do caos total. Há uma expansão, ocasionada pelas notas soltas da guitarra base de Cook, elevando a música a um tom mais espiritual do que pesado.

Outra alusão que dá sustentação a ideia de um álbum conceitual são as referências do disco aos filmes de faroeste norte-americanos, declaradas pelo próprio Alex Turner, cujas insinuações perpassam, inclusive, os videoclipes de algumas músicas (todos protagonizados pelo baterista Matt Helders). Os clipes de Black Treacle, Suck It and See e de sua canção b-side, Evil Twin, formam uma trilogia, na qual Helders dá vida a um motoqueiro estadunidense, procurado pela polícia após fugir da prisão. 

Curiosamente, o primeiro single lançado para o projeto foi Brick By Brick, faixa cantada inteiramente pelo próprio Helders. Como primeiro contato do público com a obra, esse fato incomum deixou em evidência que este não seria um álbum para provar nada a ninguém – a não ser para os próprios integrantes, que deixaram o CD repleto de piadas internas ao longo de suas 12 canções.

Outra influência silenciosa no disco é Nick Cave & The Bad Seeds, uma espécie de aura que caminha pela sonoridade específica de Suck It and See. O próprio Nick Cave, mesmo sendo australiano, carrega a forte influência do rock estadunidense, principalmente Lou Reed e Iggy Pop. É verdade que os membros do Arctic Monkeys vieram de um subúrbio de Sheffield, na Inglaterra. Porém, neste álbum, essas características transformam o disco dos ingleses em uma bela peça de rock referencial aos anos 1960, visível em canções como All My Own Stunts, que ecoa um misto de The Velvet Underground e Johnny Cash desde o início. 

Também é curioso saber que, 10 anos depois, Suck It and See segue como um dos álbuns menos vendidos do grupo, pelo menos em números absolutos. Quando se emplaca um recorde logo na estreia, desbancando os gigantes do Oasis, naturalmente cria-se um nível muito alto a ser batido. Mas esse disco em específico parece dialogar com muitas questões pertinentes na indústria musical, como, por exemplo, a soberania de canções provenientes dos Estados Unidos no topo das paradas e premiações.

Essa parece ser a gênese de toda a sátira interessante que o grupo expôs no álbum. No próprio clipe de Evil Twin, em seus segundos iniciais, Matt Helders desfila com uma camiseta do Arctic Monkeys que carrega a bandeira dos EUA. O título e a censura que o disco recebeu no país também apontam para esse dialogismo, pois, mesmo sendo a mesma língua, pequenas nuances e gírias não compreendidas colocam em evidência que não há somente um predomínio da cultura de língua inglesa, mas da cultura estadunidense, especificamente.

De qualquer forma, sendo o melhor álbum do grupo ou não, Suck It and See marca o amadurecimento de seus quatro integrantes, trazendo um projeto mais coeso e entrosado entre voz e instrumentos, sem a típica sobreposição ruidosa de alguns singles que marcaram seus anos de formação. No fim, é por isso que soa como um álbum conceitual: trata-se de uma enorme piada do que aconteceria se o Arctic Monkeys fosse uma banda de rock estadunidense.

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Maria Carolina Gonzalez

Nos últimos anos, percebemos que o Arctic Monkeys é uma banda totalmente fora da caixinha. O caminho para a imagem de queridinhos da música alternativa, consolidada com o gel no cabelo e as jaquetas de couro, começou a ser expandido há quase uma década. O terceiro álbum da banda, Humbug, mostrou que os garotos de Sheffield não se contentavam em ser apenas ícones do indie, mas também tinham potencial como promessas do rock.

Até o lançamento do Humbug, em agosto de 2009, não houve descanso. Os dois primeiros anos da banda foram de trabalho intenso após o estouro do Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006) e a preocupação de manter seu nome com um sucessor à altura, o Favourite Worst Nightmare (2007).

Foi em 2008, com a formação do The Last Shadow Puppets, que Alex Turner mostrou seu amadurecimento musical além do Arctic Monkeys. A boa recepção do magistral The Age Of The Understatement (2008) mostrou que aquilo não era simplesmente um projeto paralelo, mas um duo com identidade original e fora do esperado. 

Qualquer banda que fez carreira na internet em meados dos anos 2000 corria o risco de facilmente se esgotar ou ser engolida pelo frenesi da mídia. Mas claro que os Monkeys sabiam que não eram qualquer banda. 

O primeiro passo para a produção do Humbug não foi apenas sair da zona de conforto, mas sim cruzar o oceano e atravessar desertos – literalmente. Joshua Tree, na Califórnia, foi o destino escolhido, mais precisamente no famoso estúdio Rancho de la Luna. A bagagem que o Arctic levou para essa viagem incluía Jimi Hendrix, John Cale, Nick Cave e (por que não?) The Beatles como principais influências do novo álbum. Para acompanhá-los nessa jornada e na co-produção, nada melhor do que um conhecedor tanto do destino quanto da música: Josh Homme, vocalista e compositor do Queens of the Stone Age.

O lugar que abrigou centenas de bandas e artistas notáveis deu todo o suporte que Turner, Helders, O’Malley e Cook não sabiam que precisavam. A sonoridade do terceiro álbum era até então a mais peculiar e robusta em comparação aos dois trabalhos anteriores. Enquanto o Favourite Worst Nightmare soa agressivo de forma agitada, o Humbug corre de maneira mais frouxa. As três primeiras faixas – que incluem o single “Crying Lightning” – ainda carregam muito da melodia das guitarras agudas e quebradas, só que de forma mais consistente. 

A vocalista do The Kills, Alison Mosshart, dá o ar de sua graça como backing vocal de “Fire And The Thud”. No meio desses quase 40 minutos, as baladas “Secret Door” e “Cornerstone” desaceleram o álbum e Alex abusa do seu charme para compor e cantar músicas românticas no melhor sotaque que a região de Yorkshire pode oferecer. Porém o sossego dura pouco para finalmente dar o espaço que bateria excepcional de Matt Helders merecia e também para o uso até então inédito do órgão, xilofones e até a construção de um coral na sequência final “Dance Little Liar”, “Pretty Visitors” e “The Jewellers’s Hands”. 

Era claro que cantar sobre noitadas em pubs, relacionamentos instantâneos e as mentes vazias da cidade natal não combinava mais com esse novo estilo. Os macacos do ártico viraram adultos sem caretice e expandir sua sonoridade foi quase que uma obrigação. 

Mas não dá pra mentir. Quem conheceu o Arctic Monkeys através de “I Bet You Look Good On The Dancefloor” ou “Fluorescent Adolescent” sabe que o Humbug pode ser bem chato quando se ouve pela primeira vez. Aprender sobre o processo criativo talvez seja mais interessante do que ouvir o álbum em si. Mas negar sua importância é um erro grave. De acordo com crítico Mike Williams, se a banda não tivesse ido para o deserto com Homme, o estimado AM (2013) talvez nem existiria. 

Sabemos como o final dessa aventura na Califórnia terminou. O singelo sucessor, Suck It And See (2011), é uma reciclagem tímida, mas bem aproveitada que infelizmente não teve o destaque merecido. Em 2013, vimos o Arctic perder a mão com o êxito comercial do AM e todo o hype construído durante essa era. E ainda assim eles conseguiram a proeza de retornar os pés ao chão, mesmo com a cabeça na lua para criar o Tranquility Base Hotel + Casino, em 2018.

Humbug pode até não ser o melhor álbum (o Favourite Worst Nightmare já estava lá para provar isso), mas peço desculpas aos fãs mais chatos e reforço o clichê que mudanças são importantes. O Humbug foi crucial para perceber que o Arctic Monkeys nunca mais foi o mesmo e é ambicioso o suficiente para nunca mais se contentar em querer ser a mesmo. 

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Maria Carolina Gonzalez

A bagunça começou em janeiro de 2016, quando Alex Turner ganhou um piano Steinway Vertegrand no seu aniversário de 30 anos. Acostumado com o caminho certeiro que a guitarra o levava desde sua adolescência, Turner – agora com mais experiência, mais barba e a maturidade dos anos – precisava se reinventar diante daquilo que não era comum ao estilo que o Arctic Monkeys criou por muito tempo. Com esse tiro no escuro, o quarteto de Sheffield lançou seu sexto álbum de estúdio: Tranquility Base Hotel + Casino.

O álbum carrega no título o nome do lugar onde o homem pousou na lua pela primeira vez: a base da tranquilidade. Foi nesse memorável dia de 1969 que Neil Armstrong disse algo sobre “um salto gigante para a humanidade”. Então o que seria exatamente um salto gigante para o Arctic Monkeys?

O que era para ser um trabalho solo de Turner – muito diferente daquele que compôs a trilha sonora do filme Submarine (2010) – acabou gerando entusiasmo nos outros membros da banda, principalmente para o guitarrista Jamie Cook. No entanto, a subjetividade do vocalista mais queridinho do cenário indie é o que predomina nas letras e na melodia. E é aí que Alex Turner mostra que não é nenhum gênio, apenas um amontado de boas referências.

O processo de criação de Tranquility Base Hotel + Casino contou com a influência de grandes nomes da música, como Nina Simone, Joe Cocker e até o brasileiro Lô Borges. No entanto, foi sob o legado de David Bowie em que podemos ver o quanto Alex usufruiu de muita inspiração, tanto nos arranjos e técnicas vocais quanto nas excessivas referências a ficção científica e uma viagem ao espaço.

O resultado dessa mistura foi apresentado no dia 11 de maio deste ano. Sem nenhum lançamento prévio de single ou b-sides, contando apenas com um teaser. Até mesmo a divulgação foi um diferencial do estilo Arctic Monkeys, muito longe daquela utilizada para trabalhos anteriores.

A recepção do Tranquility Base Hotel + Casino foi crucial nessa bagunça. Em entrevista à revista londrina Uncut, a banda contou que o novo álbum tendia muito ao som feito pelo The Last Shadow Puppets – duo formado por Alex Turner e Miles Kane, ex-vocalista do The Rascals. De fato, a guitarra desaparece na maioria das faixas, diferente daquilo que o seu antecessor, AM (2013), trouxe para o repertório do grupo.

Os dois álbuns são pontos fora da curva para a banda. AM é um álbum mais comercial em comparação aos anteriores. Há uma banda de rock, óculos escuros, jaqueta de couro, gel no cabelo e uma guitarra envolvente, acompanhada pelo peso da bateria de Matt Helders. Muito diferente dos garotos de 20 e poucos anos que gritavam no microfone e se apresentavam vestidos de o Mágico de Oz em grandes premiações.

Com certeza não estamos mais no Kansas. O Tranquility Base nós leva para a brandura de um bar a meia luz e ao mesmo tempo para uma viagem a lua. Esse ambiente, dominado pelo estilo burlesco do piano, decepciona um pouco quem conheceu a banda através dos hits “Do I Wanna Know?” e “R U Mine?”. Agora eles seguem em direção oposta a essa fórmula de sucesso de deuses do rock.

“Eu só queria ser um dos Strokes / Agora veja a bagunça que você me fez fazer”. Assim começa a primeira faixa, “Star Treatment”, com Alex questionando a passagem do tempo. Tanto no pessoal quanto no estilo da banda, não é novidade que os discípulos ingleses superaram seus mestres americanos, que há muito tempo não empolgam. As novas letras utilizam as mesmas características do começo da carreira, quando a banda estreou com o álbum Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006).

Essa viagem espacial fica mais empolgante na sequência “Tranquility Base Hotel & Casino”, “Golden Trunks” e “Four Out Of Five”, sendo essa última o carro chefe do álbum. O clipe do single evoca uma vibe despótica com claras referências ao espírito de Stanley Kubrick em O Iluminado e Laranja Mecânica. Talvez essa seja uma pequena amostra do conteúdo que ainda estar por vir.

A viagem termina com “The Ultracheese” – uma referência à “grande bola de queijo” que é a lua. A letra depreciativa e a melodia sedosa, que traz um pouco de “No. 1 Party Anthem”, encerram o álbum com uma atmosfera
catártica. Assim o Arctic Monkeys encara sua nova era. Pode-se dizer que agora a banda está livre para seguir qualquer direção, sem criar grandes expectativas.

A mudança brusca no estilo da banda pegou de surpresa até mesmo os fãs de longa data, que acompanharam transições importantes, como o nascimento do Humbug em 2009, após se consolidarem na cena alternativa com o Favourite Worst Nightmare (2007). O fato é que todas as esperanças de que um dia os macacos voltariam a soar como em “Fluorescent Adolescent” acabaram. E só nos resta aceitar.

Tranquility Base Hotel + Casino carrega a maturidade de uma banda que dificilmente enjoou, mesmo com mais de 10 anos de carreira. E não adianta fazer previsões para o futuro do grupo, a maturidade que cada membro carrega ainda está sendo trabalhada. Depois desse lançamento não nos resta esperar mais nada além de surpresas, mas isso a gente já deveria saber. Em 2006, ainda como os meninos de 20 e poucos anos, eles já se perguntavam: who the fuck are Arctic Monkeys?

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