Anna Clara Leandro Candido

“Minhas riquezas e tesouros? Se vocês quiserem, eu os deixo pegar. Procurem por ele, deixei tudo naquele lugar!“. Foi com essa icônica frase que uma jornada de mais de 25 anos começou. One Piece, série produzida pela Netflix, é a adaptação em live-action do mangá e do anime homônimos criados por Eiichiro Oda em 1997. Com oito episódios, a produção enfrentou grande resistência do público antes mesmo de seu lançamento em Agosto de 2023. No entanto, apesar dos cortes de conteúdo e da simplificação de algumas tramas, a adaptação do famoso pirata elástico não apenas agradou os fervorosos fãs de longa data, como também atraiu novos companheiros para essa jornada rumo à Grand Line.

One Piece conta a história de Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy), um garoto que deixou sua vila com apenas um barco furado e um sonho: encontrar o tesouro do famoso Gold D. Roger e, assim, tornar-se o Rei dos Piratas. Seu carisma, espírito aventureiro e sua autoconfiança tocam o coração de vários personagens ao longo do caminho, reunindo amigos que se juntam à sua desafiadora aventura. Entre eles, estão:  o espadachim Roronoa Zoro (J.J. Jr. Mackenyu), a ladra astuta Nami (Emily Rudd), o contador de histórias Ussop (Jacob Gibson), e o habilidoso cozinheiro e mestre dos chutes Sanji (Taz Skylar). A trama mostra o início dessa aventura, ou seja, como cada um se conheceu e como decidiram buscar seus próprios sonhos e ambições juntos.

Não se pode falar de One Piece sem, primeiro, contextualizar algumas coisas. A mais importante é a magnitude e a relevância da trama. Com 26 anos de publicação na Weekly Shōnen Jump, o mangá superou até mesmo Batman em número de cópias vendidas em todo o mundo. O anime, com mais de 1000 episódios, foi produzido pela Toei Animation e possui uma legião de fãs. Apesar do histórico de sucesso, quando a Netflix anunciou em 2015 que estava produzindo um live-action, a recepção da notícia não foi das melhores por parte dos admiradores de longa data. Porém, após sua estreia, a série foi ovacionada tanto por aqueles que acompanham o título original quanto pelo público que desconhecia a obra.

Logo nos primeiros minutos da produção, podemos perceber que os produtores Marty Adelstein e Becky Clements, ao lado do autor Eiichiro Oda, conseguiram trazer com maestria o mundo de One Piece para a nossa realidade, aproveitando-se de uma linda direção de Fotografia, feita pelas mãos de Nicole Hirsch Whitaker, que só acrescenta à beleza desse universo. Outros desafios foram: tornar os oceanos repletos de enormes monstros marinhos, usar caracóis como telefones e, até mesmo, transformar as ilhas exóticas da história em algo que parecesse real. A equipe cenográfica não apenas realiza essas tarefas com sucesso, como também respeita o material original, ou seja, evitam criar um mundo realista que perca a cor e a vivacidade dos ambientes e personagens, como ocorreu em outras adaptações, a exemplo de Death Note (2017).

O live-action se destaca notavelmente pelo respeito e cuidado com os personagens, especialmente através de atuações marcantes. Iñaki Godoy brilha como Luffy, capturando com maestria a essência carismática do protagonista, enquanto Mackenyu Arata oferece uma interpretação precisa de Zoro, demonstrando seu conhecimento e experiência. Emily Rudd entrega uma interpretação cheia de carga dramática como Nami, transmitindo habilmente as nuances da personagem. Já Jacob Gibson encarna seu papel com Usopp com leveza e diversão, e Taz Skylar se destaca ao combinar charme e carisma como Sanji. Inclusive, o comprometimento de Skylar com o papel é evidente, especialmente ao realizar todas as cenas de luta sem dublês. Dessa forma, a diversidade de talentos e a profundidade das atuações contribuem significativamente para a riqueza da adaptação.

Por falar em lutas, as coreografias de One Piece não decepcionam. Desde as batalhas de espadas de Zoro até os socos de Luffy e os chutes de Sanji, os duelos são executados com maestria e dinamismo. Isso é essencial, já que, embora o personagem principal seja um pirata que estica, não se pode depender de caros efeitos especiais o tempo todo. Estes, aliás, estão muito bem feitos, considerando a complexidade de se adaptar poderes elásticos e habilidades como a capacidade de desmembramento. Embora o CGI tenha algumas falhas e ocasionalmente leve a cenas em ambientes totalmente escuros ou com pouca luz, isso não prejudica a experiência do espectador. Pelo contrário, é tão bem executado que torna crível a existência de um homem de borracha.

O roteiro, escrito por Matt Owens, um grande fã da série, e Steven Maeda, produtor de Lost, segue os principais eventos da história original de forma notável. Eles fazem um ótimo trabalho ao adaptar 45 episódios em oito, mantendo a essência da narrativa presente em cada quadro, ao mesmo tempo em que a ajustam à linguagem seriada. Os capítulos têm um ritmo dinâmico: alternam entre o presente e o passado dos personagens. Isso cria uma história envolvente que atrai aqueles que não estão familiarizados com a cadência narrativa dos animes.

No entanto, algumas mudanças na história do live-action ocasionaram a diluição de personagens e arcos que, na obra original, possuem um peso dramático considerável. As vilas visitadas pelos Chapéus de Palha e seus habitantes se tornaram um mero plano de fundo para o vilão da vez. Dessa forma, a história progride sem explorar o sofrimento dessas pessoas e o impacto que a tripulação causa ao passar por elas. O personagem mais prejudicado por essas alterações foi Usopp. Ele teve menos tempo de tela e relevância em seu próprio arco. Dessa forma, houve uma falta de desenvolvimento adequado de seu sonho e de sua motivação para explorar os mares.

Embora em menor escala, o mesmo acontece com os arcos de Sanji e Nami, que acabam sofrendo com a narrativa hollywoodiana de pensar que o público não é capaz de interpretar as nuances e o peso de uma história mais complexa e subjetiva. No original, o restaurante e a vila onde cada um vive desempenham papéis ativos em ambos os arcos narrativos, adicionando complexidade ao inserir os sentimentos e as expectativas de mais pessoas. Contudo, no live-action, essa participação é reduzida e os personagens secundários passam a ser muito mais parte da paisagem do que do enredo. Com o anúncio da segunda temporada, só nos resta esperar que os produtores levem em conta esses pontos e adaptem os próximos arcos em toda sua complexidade, principalmente porque os novos fãs serão apresentados à Alabasta, uma das sagas mais políticas e importantes da obra original.

A dublagem brasileira é outra joia da obra e acrescenta à experiência de assistir One Piece. Com o retorno de todos os dubladores do anime – com exceção de Luffy, dublado no anime 2D por Carol Valença e, no live-action, por Vyni Takahashi – as traduções das falas para o português ajudam a caracterizar e aproximar os personagens do público, além de arrancar algumas risadas. O elenco conta com nomes de peso como Wendel Bezerra (Sanji), Adrian Tatini (Ussop), Tatiane Keplmair (Nami) e Glauco Marques (Zoro), todos executando um ótimo trabalho a cada fala. 

Por fim, One Piece: A Série é o live-action que quebrou a maldição e, apesar de ter algumas áreas a serem aprimoradas, agradou tanto os fãs quanto aqueles que nunca imaginaram que uma história sobre um pirata de borracha pudesse ser tão envolvente. É uma narrativa que proporciona diversão e emoção para qualquer pessoa, seja ela criança ou adulto. One Piece é uma série de aventura que traz em seu coração as batidas e emoções da liberdade.

O post One Piece: A Série é o tesouro que tanto procurávamos? apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido

Há anos, o Cinema e a Televisão se alimentam da Literatura para produzir sucessos de audiência e público. Isso vai desde o clássico Orgulho e Preconceito às séries de filmes Harry Potter e Jogos Vorazes, entre outros. Esse também é o caso de Teto para Dois, livro da autora inglesa Beth O’Leary, que recentemente foi adaptado em uma série original do Paramount+.

O romance acompanha a história de Tiffany (Jessica Brown Findlay) e Leon (Anthony Welsh), dois jovens adultos londrinos que, por motivos pessoais, passam a morar sob o mesmo teto e dividir a mesma cama, mas em horários diferentes. O velho clichê de só haver uma cama para dois desconhecidos — como os açucarados livros De Férias com Você, Imperfeitos e Uma Farsa de Amor na Espanha — é o pano de fundo para o desenvolvimento do improvável romance entre uma mulher extrovertida, animada e vítima de um antigo relacionamento abusivo, e um homem introvertido, tímido, com complexo de herói e problemas familiares.

Teto para Dois sofre das mesmas vantagens e desvantagens que qualquer obra literária passa ao ser adaptada para as telas. Ao passo que acerta na escalação dos atores, o  roteiro de Rose Lewenstein altera certas cenas e funções dos personagens ao ponto de prejudicar a essência e composição da história. Os atores principais, Brown Findlay e Welsh, são a encarnação completa dos protagonistas e coadjuvantes em tela: desde a caracterização até os pequenos revirar de olhos de Findlay e os suspiros exasperados de Welsh, todos os gestos transmitem a essência literária de Tiffany e Leon.

O mesmo vale para os atores Jonah Hauer-King, Shaniqua Okwok e Gina Bramhill nos papéis de Mo, Maia e Rachel, amigos de Tiffany, e Shaq B Grant, como Richie, irmão de Leon. Cada um deles deu um show em suas respectivas interpretações e deixou um gostinho de quero mais na boca dos espectadores, justamente porque não receberam o tempo de tela ou desenvolvimento que mereciam.

Esse é o caso da personagem Rachel, que teve sua personalidade e valores distorcidos em prol de um enredo fraco e estereotipado. No livro, ela era uma amiga leal e companheira que, apesar de um pouco avoada, ajudou Tiffany a passar por diversos momentos difíceis. Já na série, foi transformada em uma mulher invejosa e mesquinha apenas para promover um intriga desnecessária com base na rivalidade feminina. Isso destruiu as boas mudanças na construção da personalidade de Rachel, ajudando a evidenciar o roteiro fraco da série que reescreveu uma personagem para adicionar um drama inoportuno ao desenvolvimento da obra.

Outra afetada pela adaptação televisiva foi a pequena Holly. Enquanto, no livro, ela e Richie eram os conselheiros e indicadores das mudanças de Leon; na versão televisiva, a pequena foi usada como um tapa-buraco criado pelas más escolhas do roteirista Rose Lewenstein, como o fato de tirarem a iniciativa de achar o Sr. White do Leon e passar essa tarefa a menina. No fim, Holly também teve seu destino alterado com relação à trama original e acabou com um final vazio, desproporcional à importância que tinha na vida de Leon.

No fim, o roteiro de Lewenstein e direção de Peter Cattaneo cometem o maior dos pecados com o livro de Beth O’Leary ao tratarem o processo de cura de uma mulher que acabou de terminar um namoro tóxico, tomado por anos de gaslighting, de maneira ambígua. Teto para dois é e sempre foi um romance com enredo clichê, mas sua essência nunca se baseou apenas nisso.

A complexidade dessa narrativa está na história de Tiffany, uma mulher que por anos nunca acreditou que poderia, por exemplo, pegar o metrô sozinha ou enxergar sua própria beleza por causa do gaslighting que seu ex-namorado Justin (Bart Edwards) realizou durante sua relação. O livro é uma obra linda sobre o autoconhecimento, a cura e as dores de superar um trauma tão pessoal e perigoso como  um relacionamento amoroso abusivo.

Esse tipo de agressão não é facilmente visível para a própria vítima, muito menos para a sociedade, e por isso não pode ser adaptada de uma forma ambígua como foi feito em Teto para Dois. É visível que a intenção da roteirista e do diretor foi retratar como as pessoas ao redor da vítima podem interpretá-las mal e gerar certo afastamento, pois exilar a parceira e fazê-la ser erroneamente compreendida por seus amigos e familiares é uma das táticas de controle e de dominação que o agressor usa em um relacionamento tóxico.

Contudo, a imprecisão e relatividade com que o roteiro tratou a relação de Justin e Tiffany fez com que, em muitas cenas, ela fosse caracterizada com atitudes e escolhas de uma garota estereotipada como pegajosa, e não uma vítima de um abuso em recuperação. Não basta colocar cenas da personagem em um ataque de pânico ou — para indicar a superação da violência — fazendo uma escolha diferente do que faria antes, como uma forma de retratar as consequências desse tipo de abuso na vida e saúde da mulher. É preciso, tanto dentro e fora da trama, verbalizar, externalizar, ter conversas e explicações do que está acontecendo como uma forma de processar o trauma.

No livro, esse é o papel de Mo, que é psicólogo e o primeiro personagem a perceber a situação de Tiffany, acolhê-la e guiá-la da maneira correta. Contudo, não há essa pessoa e voz na série, o que cria brechas para interpretações equivocadas por parte do público que nunca teve contato com o romance, e, infelizmente, ainda não está completamente apto a entender as complexidades e consequências que um parceiro violento e suas manipulações psicológicas causam na vida de uma mulher. No início do seriado, Tiffany fica embriagada e é levada para casa por Mo, mas em nenhum momento eles conversam sobre o que está acontecendo e, no decorrer da trama, ela não busca ajuda profissional, como acontece na obra original.

A série tem êxito em seu retrato da paixão entre dois personagens que despretensiosamente encontram um no outro a inspiração e força para superar seus piores momentos, além de contar com atores maravilhosos em suas interpretações, que realmente conseguiram tirar do papel todos os amados membros da obra de Beth O’Leary. No entanto, o restante não prova seu valor em enredo, roteiro e direção; nem como uma adaptação, nem como uma obra original. 

Teto para Dois é uma história que merecia mais: mais cuidado, mais tempo e mais investimento. Ainda assim, a produção carrega em si uma mensagem necessária para desenvolver a empatia e conscientização em uma sociedade ainda muito disfuncional na compreensão das complexidades de um relacionamento abusivo e suas consequências.

O post Teto para Dois tem elenco perfeito, mas um roteiro ambíguo e estereotipado apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido

Não, a Disney não comprou os direitos de Avatar e fez um filme da Korra. Mesmo compartilhando muitas características com a personagem da Nickelodeon, Raya é, na verdade, a protagonista do mais novo filme da Disney+. Lançado simultaneamente nos cinemas e na plataforma de streaming no dia 05 de março, o filme já conquistou o coração de muitos fãs e boas críticas. Raya e o Último Dragão traz novos horizontes para o conceito de histórias de princesas que tanto conhecemos, assim como dá um show de representatividade e animação.

A história se passa no vasto reino de Kumandra, uma civilização ancestral formada por povos de diferentes culturas que compartilham a proteção e admiração pelos dragões. Um dia, o mundo foi atacado por sombrias e assustadoras criaturas chamadas Druums, que travaram uma árdua guerra contra os dragões. A batalha parecia perdida até que Sisu, o Último Dragão, utilizou uma pedra mágica para aprisionar os monstros e desapareceu. A cobiça pelo último resquício de poder dos dragões, a pedra mágica, fez com que a população de Kumandra se dividisse e lutassem entre si. 500 anos depois, um acidente faz com que os Druums sejam libertos e Raya decidi ir em busca do último dragão para salvar sua família.

Raya e Último Dragão já começa apresentando o que será um dos pontos altos da trama: a diversidade. Kumandra é um espelho do sudeste asiático e os personagens são claros reflexos de cada região que compõe o vasto território. Seja pelos traços físicos ou personalidade de cada um, o filme consegue apresentar cada detalhe naturalmente, tanto no roteiro e trilha sonora, quanto na história e animação. 

E não é só dentro da narrativa que essa diversidade se faz presente, fora dela também. Com o roteiro escrito por Qui Nguyen (The Society) e Adele Lim (Podres de Ricos) e o time de dubladores composto por Kelly Marie Tran (Raya), Awkwafina (dragão Sisu) e Gemma Chan (Namaari), o filme conta sua história com propriedade. Infelizmente, a dublagem brasileira não segue a representatividade da original, tendo Lina Mendes como Raya e Priscila Concepcion como Sisu. Ainda assim, o time nacional não perde na hora de entregar um trabalho de qualidade e igualmente engraçado. Com sua dublagem, Priscila traz vida e muitas risadas ao último dragão de Kumandra, Sisu.

Logo no começo, a vastidão e diversidade de Kumandra enchem os olhos do espectador, mas ela de nada seria sem o trabalho maravilhoso do time de animadores. Por mais que tenha investido em diferentes gêneros e tipos de filmes nos últimos anos, a Disney é, e sempre foi, a casa das animações e Raya e o Último Dragão é a prova disso. É lindo ver os detalhes da água que cortam os rios do mundo de Raya, ou mesmo a bela animação das cenas de lutas entre os personagens. Sem falar na dedicação colocada ao produzir os movimentos e fotografias dessas batalhas. 

A impressionante parte técnica do filme proporciona uma base firme para a apresentação e desenvolvimentos dos personagens, principalmente o de Raya. A mais nova princesa da Disney chegou sem uma coroa na cabeça, mas com uma espada na mão e um grande espírito de luta. Desde a primeira cena, o espectador não duvida em nenhum momento que ela é uma guerreira forte e destemida que faria de tudo por aqueles que ama e pelo que acredita. Essa representatividade feminina não é apresentada com diálogos, mas sim com ações, posicionamentos e brilho no olhar. Praticando o famoso “uma ação vale mais do que mil palavras” e, mais uma vez, demonstrando como uma representação dentro do audiovisual deve ser feita: naturalmente.

Diferente da maioria das princesas Disney, Raya inicia sua aventura não por um sonho ou desejo de unificar sua terra – que está dividida a muito tempo pelo remorso, ganância e traição -, mas sim pela esperança de salvar seu pai. A personagem constantemente alerta Sisu para não confiar em ninguém, é uma guerreira solitária, prática e com com fortes objetivos. Ela demonstra que nem toda ação heróica tem como origem um ato altruísta, que, no fim, o importante é aprender com sua jornada e fazer a melhor escolha, mesmo não sabendo se é a certa. Raya é para essa nova geração de meninas o que Mulan foi em sua época, uma revolução para o futuro das princesas.

O desfecho da jornada de Raya e seu desenvolvimento não seria possível sem os personagens secundários que caminharam ao seu lado. Faz muito tempo que a Disney acerta na hora de criar os coadjuvantes de seus filmes, desde dos hilários e despreocupados Timão e Pumba ao fã de abraços quentinhos Olaf. É, então, em seu mais novo filme que ela apresenta o adorável Tuk Tuk, parceiro de Raya; Boun, o garçom mais divertido; Noi, a bebê golpista e sua trupe de macacos; e Tong, o grandalhão mais sensível que você vai conhecer. Todos eles cumprem seu papel na trama e acrescentam apenas o que é pedido, cada um em seu momento.

No fim, não se pode falar do filme sem mencionar Namaari, a oponente de Raya e, claro, Sisu, o Último Dragão. A trajetória da princesa do reino de Presa é tão emocionante quanto a da protagonista. Ela é o reflexo puro do que Kumandra se tornou após a derrota dos dragões. Alguém machucada e desesperançosa pela situação em que seu povo se encontra e que toma decisões drásticas e egoístas para poder sobreviver. 

Até mesmo a personagem principal, Raya, compartilha de muitas semelhanças com sua adversária. Ambas são mulheres fortes e princesas guerreiras que fariam de tudo para defender seu povo. A diferença é que a protagonista teve a visão e sonho de seu pai passados a ela. No fundo, tudo que Namaari e o povo de Kumandra  precisavam era de um pouco de esperança e é isso que Sisu traz. Essas semelhanças e contrapontos  entre as duas fazem da princesa de Presa uma rival ideal para a narrativa da obra e peça fundamental para a moral da história. 

E o que dizer de Sisu? O poderoso e hilário Último Dragão é, definitivamente, uma das principais fontes de risadas no filme. Por mais que seu design seja um pouco estranho e uma tentativa forçada de humanização exagerada, Sisu não deixa de ser um ponto alto da trama. A todo momento sua personalidade alegre e despreocupada passa uma impressão imatura, mas é ela quem carrega a mensagem mais importante da obra. É a caçula dos dragões que ensina Raya, Namaari e o povo de Kumandra o que a humanidade havia perdido 500 anos atrás: confiança e esperança uns nos outros. Um verdadeiro dragão treinando seus humanos.

Por fim, a mensagem que Raya e o Último Dragão passa é uma das mais maduras de todos os filmes da Disney. Ele deixa o musical e contos de fadas de lado para apresentar uma narrativa política e recheada de questões morais. Um filme para crianças que fala sobre guerra, luto, traição e egoísmo humano de maneira suave mas impactante. Raya é um compilado de Mulan misturado à Moana, que pode facilmente tornar-se um marco para uma nova leva de histórias dentro da Casa do Mickey Mouse.

O post Raya e o Último Dragão é o “como treinar o seu humano” que precisávamos apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido

“Aquele que sobe as escadas, deve começar por baixo’’. Essa pequena frase de sabedoria dita por Ittetsu Takeda representa bem a jornada percorrida pelos personagens de Haikyuu!! desde o primeiro episódio. Agora, após terem superado a muralha de ferro, o time festeiro, o grande rei e a antes invicta águia branca, os Corvos de Miyagi alçam voo rumo a quadra laranja em Tokyo. Munidos com uma nova animação, time de produção, uma épica trilha sonora, narrativas emocionantes e muita determinação.

A história segue Hinata Shoyo, um garoto que se apaixonou pelo vôlei ao assistir uma partida do pequeno gigante da escola Karasuno no torneio nacional. Assim, inspirado pelo ídolo, ele inicia seus estudos na mesma instituição determinado a fazer parte pela primeira vez de um time de vôlei. Lá ele encontra Kageyama Tobio, um levantador talentoso e intenso que derrotou Hinata na primeira e única partida que ele pôde jogar no fundamental. Depois de alguns desentendimentos e bolas de vôlei sendo jogas um no outro, ambos se tornaram uma dupla de jogadores especializados em ataque e, juntos com seus companheiros de time, abriram espaços nas eliminatórias da província e conquistaram a vaga para o nacional.

Produzido pelo estúdio Production I.G, a 4ª temporada, intitulada Haikyuu!! To The Top, foi dividida em duas partes e narra a chegada do time ao campeonato nacional. A primeira, com 13 episódios, estreou em janeiro de 2020 e a segunda, adiada pela pandemia do novo coronavírus, chegou com os 12 episódios restantes em outubro do mesmo ano. A continuação da história trouxe consigo uma grande mudança: a tão elogiada animação e traços que davam vida ao mangá de Haruichi Furudate foram atualizados e, assim como seus personagens, o anime deu um novo passo rumo a um ciclo recheado de mudanças. 

No primeiro momento o choque é imediato. Os traços tradicionais e voltados para o realismo deram lugar ao que há de mais novo entre as técnicas de animação atual. Essas nítidas mudanças não agradaram aos fãs antigos logo de primeira. Mas, com o passar dos episódios, fica claro o quanto a qualidade superior que o novo time de animadores trouxe para o anime tem só a acrescentar na narrativa e história dos personagens. Possibilitando, assim, que o público percebesse os mínimos detalhes de cada partida, como se estivessem jogando lado a lado do time da Karasuno. 

No entanto, a produção dos episódios iniciais da segunda metade da temporada deixaram a desejar. As várias deformações de quadros e personagens, juntamente com a dificuldade em engajar o ritmo do jogo, e a baixa qualidade da animação geraram desconforto ao público que não esperava essas falhas em um anime com o histórico como o de Haikyuu. Felizmente, o problema não perdurou e a animação seguiu com seu alto padrão de qualidade até o fim.

Por falar em características marcantes e qualidade do anime, as músicas escolhidas para as openings e endings dos episódios, assim como a trilha sonora para o fundo, estavam de tirar o fôlego, como sempre. Desde a primeira temporada, Haikyuu utiliza suas composições para imergir o espectador cada vez mais para dentro da partida e fazê-lo vibrar ou gritar de frustração com cada passe, saque ou bloqueio. 

Nesse quesito, a quarta temporada não deixou a desejar e foi capaz de não só elevar os sentimentos dos espectadores durante os jogos, mas também de emocioná-los em cenas de superação e reflexões. Ambas as aberturas, Phoenix por Burnout Syndromes e Toppakou de Super Beaver, foram capazes de honrar suas predecessoras. Assim como os encerramentos, Kassen Spirit (Spirit of Decisive Battle) de CHICO with Honeyworks e One Day do SPYAIR, que utilizaram das letras e melodia para resumir a essência e história de desenvolvimento das suas respectivas metades da temporada. 

Entretanto, a maior fonte de elogios em Haikyuu!! vem do ótimo desenvolvimento dos personagens. Com narrativas cíclicas e bem definidas, as histórias de cada personagem vão se entrelaçando e desenvolvendo, sendo a 4ª temporada o início  de uma nova jornada que os levará rumo aos seus objetivos. Na adaptação, a equipe de produção e diretor Masako Satou conseguem com maestria transmitir a essência da história de Haruichi Furudate para a tela e conectá-las com o público. Abordando, com a história de cada um, diversos temas e reflexões que podem ser aplicadas em outros aspectos da vida para além dos esportes. 

Desde o princípio, Haikyuu!! disponibiliza pelo menos um episódio para desenvolver alguns de seus personagens, sejam eles oponentes, amigos, jogadores titulares da Karasuno ou reservas. Há, também, temporadas em que o foco é voltado especificamente para o crescimento de alguns deles. Dessa vez, um dos queridinhos dos fãs finalmente recebeu a atenção que merecia: Tanaka Ryunosuke foi uma das estrelas da quarta temporada, mas não por causa de sua habitual alta energia e confiança, pelo contrário. 

Em Haikyuu!! To The Top, o espectador pôde conhecer uma face da personalidade de Tanaka nunca vista antes. O sempre confiante, alegre e leal atacante da Karasuno viu sua mente pender para pensamentos negativos sobre suas habilidades durante a partida contra o time da Inarizaki. Mostrando ao público que sua personalidade e mente forte não são uma característica inabalável e que, mesmo ele, pode se sentir inferior quando colocado de frente a uma parede ou abismo que parece intransponível. Então, quando esses momentos chegam, o que podemos fazer?

“Dentre os meus companheiros de time, eu não sou o número um em nenhum aspecto agora. Mas isso não é motivo nem desculpa para desistir(…). Contudo, eu, mero mediano, tenho tempo para ficar olhando para baixo?”. Essa frase, dita por Tanaka antes de uma das suas cenas mais icônicas no anime, é um vislumbre da essência de sua força. Assim como uma mensagem de Furudate ao espectador: Não importa se você é o melhor, o pior ou alguém que apenas se mantém na média, se estiver fazendo algo que goste e quer, dedique-se até o fim. Deste modo, o antes intransponível abismo a sua frente pode não mais ser tão impossível de se superar como parecia.

Por mais que conhecer novas faces das personalidades dos jogadores queridinhos pelo público são uma novidade e tanto, a quarta temporada não parou aí. Mais uma vez, Haikyuu!! cedeu os holofotes da trama para a história de outro personagem amado pelos fãs e que até o momento não tinha recebido a atenção que merecia e, mesmo agora, ainda merece mais. Kiyoko Shimizu, a dedicada e forte assistente do time Karasuno ganha tempo de tela e um background emocionante.

Nessa temporada, ela ganha apenas um capítulo que, por mais que ainda seja pouco, revela seu histórico como um membro do time de atletismo no ensino fundamental e a motivação que a levou a se inscrever como assistente. Assim como os meninos, Shimizu entende o sentimento de se dedicar de corpo e alma a um esporte e também compreende a frustração de muitas vezes não alcançar o resultado que esperava, mesmo depois de muito treino e esforço. Sua dedicação e sentimentos providenciaram uma das melhores cenas dessa quarta temporada, deixando um gostinho de quero mais para os fãs.

No entanto, o holofote do show não foca apenas em personagens do time principal. A mais antiga rival da Karasuno, a escola Nekoma, também recebe a devida atenção. Os dois episódios dedicados a Nekoma foram o início da construção do palco para a tão aguardada batalha do lixão. A relação Neko vs. Karasu vem sendo desenvolvida desde a primeira temporada e com ela a amizade entre Hinata e Kenma. Já a quarta preparou o terreno para o futuro desses dois times.

O afeto que o público desenvolve ao conhecer mais sobre o passado do Kenma e a relação dos jogadores uns com os outros se voltará contra ele no momento em que os dois times se enfrentarem. Pois fazer os fãs torcerem por ambos durante uma partida é a especialidade do anime, e quão grande não serão as emoções quando a famosa batalha do lixão entrar em ação? Sem falar do gratificante desenvolvimento de personagem que o Kenma teve durante esses dois episódios, seu “level-up’’ para jogar contra o chefão final.

Contudo, por mais que seja importante e divertido acompanhar o desenvolvimento dos outros personagens, a trama ainda é dos protagonistas e não há como deixar de falar deles. A quarta temporada é um momento fundamental para a jornada que Kageyama vem trilhando desde o primeiro episódio.

Ao ser designado como um rei tirano e rejeitado pelo próprio time, ele passou a duvidar mais de si. Mesmo na Karasuno, onde os jogadores sabiam de sua verdadeira personalidade e ainda o aceitavam como era, ele inconscientemente se ajustava para se encaixar e evitar conflitos. 

É com a história de Kageyama que Haikyuu!! aborda temas como traumas emocionais e autoconfiança. Uma das cenas mais importantes da temporada e que marca uma grande mudança para o desenvolvimento futuro do personagem, é quando Kageyama age como o rei da quadra com seus colegas da Karasuno. 

Contudo, diferente do fundamental, ele não encontra um ambiente de exclusão ou rejeição, pelo contrário, é enfrentado. Esse ambiente que o time proporcionou a ele o ajudou a se recuperar do trauma de infância ao perceber que lá ele poderia ser quem era e que seus colegas de time o responderão com a mesma intensidade Desse modo, Kageyama supera suas memórias ruins e aceita a coroa de rei, fazendo com que a 4ª temporada entregue sua melhor performance em quadra, assim como uma bela lição de vida.

Outro fator importante que a quarta temporada traz para o desenvolvimento da trama e do Kageyama é a presença dos gêmeos Miya da Inarizaki High. Atsumo também era um levantador exigente em seu time e muitas vezes foi excluído por sua personalidade. Mas seu irmão Osamu nunca o deixou sozinho, fazendo com que ele não tivesse que mudar quem era para se encaixar. Criando, assim, um ótimo paralelo entre ambos os levantadores e atacantes dos times, ao mesmo tempo em que coloca em pauta discussões sobre amizade, pertencimento e amadurecimento.

Enquanto Kagueyama encerrava um ciclo, Hinata dava seus primeiros passos dentro de um novo. Nessa temporada, o número 10 da Karasuno teve que enfrentar muito mais obstáculos do que nas outras e, para superá-los, precisou mudar de perspectiva. Seu anseio por se tornar melhor faz com que ele se sinta preso. Como se estivesse congelado no tempo enquanto todos ao seu redor estão seguindo em frente. Quem nunca, seja nos esportes ou em outro aspecto do dia a dia, se sentiu assim? 

Sua nova jornada é o principal foco da temporada e um dos pontos em que o público mais se identifica. Hinata transforma a desvantagem em aprendizado e aproveita a oportunidade de estar fora de quadra para assistir e aprender sobre as técnicas dos outros jogadores. Mostrando, mais uma vez, a capacidade do personagem em se adaptar e cativar a audiência.

A trama do anime começa a ser ainda mais desenvolvida pelos encontros dos personagens antigos e novos no nacional, especialmente entre Hinata e Hoshiumi. Mais do que um oponente ou rival, o pequeno gigante da Kamomeday chegou na história para ser uma inspiração. O fato de que pessoas com as mesmas condições e melhores habilidades que você vão existir e podem até mesmo competir pelo mesmo objetivo é inegável. 

Mas o segredo está em como encarar essa realidade: com medo? Insegurança? Inveja? Não. Nenhuma dessas opções é a que Hinata escolhe. Ele prefere encarar seus oponentes como uma inspiração, alguém para se respeitar e almejar ser. E esse é o segredo para sua força e habilidade que impressiona todos ao seu redor. Um jeito de lidar com obstáculos que pode ser aplicada em outros aspectos da vida além do vôlei. Essa maneira de encarar um desafio é mais uma das mensagens que Furudate traz através da visão de Hinata e da relação entre os dois menores bloqueadores centrais do campeonato.

Haikyuu!! To The Top demorou mas, para a alegria dos fãs, chegou a todo vapor. A 4ª temporada pode ser considerada um sucesso por manter a essência do anime enquanto renova completamente a equipe de animação e produção. Além de ter apresentado com sucesso os novos personagens e desenvolvido com maestria a narrativa da história ao ponto de, mais uma vez, fazer com o que o espectador vibre e se emocione com as partidas como se estivesse presente nelas. Que o sucesso dessa temporada seja o suficiente para garantir que os fãs continuem a acompanhar essa longa jornada dos corvos de Miyagi rumo ao topo.  

O post A cada novo episódio, Haikyuu se desafiou ainda mais até o topo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido

Por vários séculos no passado, narrativas como Star Wars e O Senhor dos Anéis basearam-se nos confrontos entre o bem e o mal para construir suas histórias e universos. Muitas vezes, os autores caracterizam a personalidade e modo de viver dos seus personagens com base em um desses dois lados. Por isso, era sempre fácil distinguir o mocinho do vilão e guiar o afeto do público. Até que um dia, ambos os lados convergiram e um novo tipo de personagem nasceu: pessoas que não são heróis nem vilões e mesmo estando ao lado dos mocinhos não compartilham do mesmo jeito de resolver as coisas que eles. Os chamados anti-heróis.

É com essa definição em mente que The Great Pretender constrói seu universo. Um anime criado pela Netflix em parceria com o estúdio Wit, que possui como protagonistas um grupo carismático e divertido de vigaristas internacionais. A segunda parte da história chegou em novembro no catálogo do streaming e conquista os espectadores com seus personagens carismáticos, aventuras divertidas, trilha sonora cativante e uma animação com um estilo deslumbrante.

No primeiro episódio, Juntos em Los Angeles, o espectador é apresentado a Makoto Edamura, um jovem japonês que ganha a vida aplicando pequenos golpes, como vender um produto ineficiente para idosos ou abater carteiras de visitantes desavisados. Ele se autodenomina o maior vigarista do país, até que, certo dia, tenta roubar de um turista e se vê envolvido dentro uma aparente sequência de eventos aleatórios que o levam a ficar pendurado de cabeça para baixo no letreiro de Hollywood. 

Os eventos que o colocaram nessa situação, no começo, parecem desconexos. Mas isso é só até ele descobrir que o turista em quem tentou aplicar um golpe mais cedo, a velhinha para quem vendeu o filtro de água e até mesmo seu comparsa, fazem parte de um grupo internacional de vigaristas que possuem como alvos pessoas ricas e más no mundo inteiro. Desse ponto em diante, tanto Makoto quanto o espectador são arrastados para dentro de várias armações, golpes e trapaças ao redor do globo. 

Logo no começo do anime, o que mais salta aos olhos do espectador em The Great Pretender é a estética da animação. O Wit Studio, também responsável por animes como Attack on Titan e Vinland Saga, é conhecido pela qualidade de suas produções e não economizou esforços para produzir esse. Mas os aplausos devem mesmo ir ao renomado designer Yoshiyuki Sadamoto, mais famoso por seu trabalho com o mangá de Evangelion e Wolf Children. O animador foi capaz de criar para a obra lindos cenários de várias partes do mundo. Assim como retratar personagens de diferentes nacionalidades e etnias, deixando transparecer em cada traço deles um pouco de suas personalidades.

Em entrevista ao site Anime Trending e Myanimelist, Sadamoto foi questionado sobre qual parte do mundo real ele mais ficou mais orgulhoso de ter animado e logo respondeu ’o tráfego’. Contudo, se a mesma pergunta fosse feita a alguém que acabou de assistir os episódios do anime, a resposta não viria tão rapidamente. Seja com os céus de Singapura ou com as casas de Paris, The Great Pretender é tão repleto de detalhes e cores em uma qualidade deslumbrante que fica difícil escolher um destaque. 

A animação, porém, não estaria completa sem a bela e singular paleta de cores utilizada no anime. Com ela, Singapura vibrou sob cores fortes e claras, enquanto Los Angeles foi retratada pela transição entre tons frios e quentes, como o vermelho e amarelo. Segundo o diretor, o estilo do anime foi concebido durante a fase de storyboard e inspirada nas obras de um artista não muito conhecido chamado Brian Cox. Mas, uma coisa é certa, os estilos de animação e cores de The Great Pretender são um dos pontos altos que marcam essa obra e ajudam a contar a história dos personagens.

Se a animação e a paleta de cores são a estrutura base para o enredo, as músicas são o coração da narrativa. A trilha sonora principal do anime é toda trabalhada no jazz, trazendo um ritmo rápido e animado que a qualquer momento pode se transformar em uma explosão, exatamente como os golpes planejados pelos personagens. O jazz inserido nas cenas de ação e o uso da música para contar a história lembram o trabalho de Yoko Kanno no clássico e aclamado Cowboy Bebop, dirigido por Shinichiro Watanabe.

Entretanto, o anime não utiliza apenas do jazz para compor sua narrativa. Artistas como Quincy, Max e Emarie também tiveram suas produções presentes na obra e contribuíram para construir os arcos de desenvolvimentos dos personagens. Mas nenhuma dessas participações foi tão icônica, presente e importante quanto a música que inspirou o nome, o encerramento e a própria história do anime: Great Pretender de Freddie Mercury.

The Great Pretender é o primeiro anime a licenciar uma música de Freddie Mercury na história. A composição é usada não só como título da obra, mas também como ending em uma versão do clipe com uma animação dos gatos verdadeiros do cantor, e também serviu de inspiração para a história de um dos personagens da trama em específico. Ter uma música tão famosa e aclamada pelo mundo inteiro como parte da produção convém com o objetivo do roteirista Ryota Kosawa em criar uma história que agrade um amplo público, não só os fãs de anime. E que sucesso ele teve!

Além da variedade de estilos musicais, há também uma diversidade dentro do elenco de The Great Pretender. Como a história segue um grupo de vigaristas internacionais é quase impossível não incluir pessoas de diferentes países dentro da trama. A narrativa é dividida em diferentes cases que se passam em lugares novos a cada golpe. Os personagens viajam de Los Angeles à Singapura e depois da França ao Japão, sem contar as menções a outros países em que eles já estiveram. Até mesmo o Brasil já foi alvo desses famosos e carismáticos chantagistas.

Assim, com plena atenção aos detalhes e variedades de nações presentes na obra, o anime consegue passar muito bem esse tom internacional para o público. Um detalhe interessante de se notar logo no começo, é que quando Makoto encontra Laurent, o turista e líder do grupo, ele fala em inglês com o personagem e essa dinâmica é mantida até certo ponto do primeiro episódio, depois todos eles falam em japonês. Mas a todo momento The Great Pretender faz questão de indicar o idioma no qual o personagem está falando ou enfatizar a necessidade deles em aprender essa língua nova.

O próprio grupo é formado por pessoas de diferentes nacionalidades e esse fator traz certa riqueza para os arcos de desenvolvimentos dos personagens. Tanto Abigail quanto Cynthia, membros da equipe de vigaristas, possuem boas histórias construídas dentro da obra e diversas vezes flertam com diferentes estereótipos sem nunca se estabelecer em um só, gerando uma profunda e interessante complexidade para suas personas. Já Makoto e Laurent são o centro da narrativa e os constantes atritos entre suas diferentes personalidades, maturidade e valores morais dão vida a diversas cenas engraçadas e conversas profundas no decorrer da história.

O anime também trabalha com temas e críticas sociais maduras com as quais muitas pessoas ao redor do mundo podem se identificar. The Great Pretender traz à tona independência emocional, as guerras no Oriente Médio, machismo, discriminação social e racial, assim como tráfico de menores e de drogas. Temas pesados e complexos demais para serem abordados em outras obras, mas que é feito com maestria nessa. Essa proximidade com a realidade não só permite discussões profundas, mas traz também várias referências e easter eggs. Possibilitando, até mesmo, que um dos alvos do grupo seja uma versão animada do ex-presidente Donald Trump.

Contudo, no final das contas, esse ainda é um anime sobre vigaristas aplicando grandes golpes milionários contra as mais famosas e ricas pessoas ao redor do mundo. Se a história não tiver um roteiro e narrativa que prende o espectador do início ao fim, de nada vale a trilha sonora ou a animação da obra. Pois bem, esse não é um problema que The Great Pretender possui. O roteiro escrito por Ryota Kosawa é tão complexo quanto os planos da gangue. Ele manipula o espectador de maneira que, em certo ponto da história, você não sabe se pode acreditar em mais uma palavra ou ação que seja dita ou feita pelos personagens.

Cada uma das cenas que parecem aleatórias aos olhos do público, convergem de acordo com o plano traçado anteriormente. Mesmo que a maioria de suas estratégias sejam improvisadas, no final, cada detalhe foi levado em conta durante o planejamento. O único mais confuso que o espectador é o próprio personagem principal Makoto Edamura e mesmo ele poderá te surpreender se deixar a guarda muito baixa. Por mais que os planos mirabolantes da equipe deixem a história mais complexa e exijam uma atenção extra do espectador, uma hora tudo se encaixa de maneira que o faz querer ser enganado mais uma vez.

The Great Pretender é uma revolução tanto para a indústria dos animes quanto para o catálogo da Netflix. É uma história caótica mas cativante, divertida porém séria, que envolve o espectador nos mais emocionantes golpes internacionais enquanto discute e apresenta diversas críticas sociais e diferentes lugares ao redor do mundo. Tudo isso combinado à uma animação de qualidade com um estilo singular e uma trilha sonora marcante. O anime poderia facilmente ser transformado em uma série ou filme pois, assim como o roteirista desejava, é uma história para todos os públicos, seja você fã do gênero ou não.

O post The Great Pretender: ser enganado nunca foi tão divertido apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido 

“You get the best of both worlds,  Chillin’ out, take it slow. Then you rock out the show.” É quase impossível que qualquer um pertencente a geração de crianças dos anos 2000 seja capaz de ler essa frase sem cantá-la. Hoje, produções como essa estão em decadência, sendo substituídas por narrativas que agradam mais as novas gerações que estão chegando e preferem streamings ao bom e velho sofá em frente à TV.

Contudo, uma onda de remakes recentemente começou a trazer séries e filmes de 10-20 anos atrás e adaptá-las a nova realidade onde seu público-alvo se encontra. Julie and The Phantoms é exatamente isso, uma série com os mesmo moldes de Hannah Montana, As Visões da Raven e High School Musical, mas atualizadas para a nova geração de crianças e adolescentes.

Adaptada pela Netflix a nova versão criada pelo streaming não se preocupa com uma produção grandiosa ou plots-twists inovadores. Ela utiliza de uma narrativa e personagens clichês para entreter o novo público, e trazer o sentimento de nostalgia para aqueles que cresceram assistindo esse tipo de produção.

A série conta a história de Julie (Madison Reyes), uma garota apaixonada por música e muito talentosa que, por conta da morte da mãe, não consegue mais tocar ou cantar. Um dia ela coloca o CD antigo de uma banda dos anos 90 chamada Sunset Curve para tocar em sua garagem/estúdio e três fantasmas aparecem para ela.

Alex (Owen Patrick), Reggie (Jeremy Shada) e Luke (Charlie Gillispie), os integrantes da banda, estavam quase alcançando a fama quando morrem por comer um cachorro quente estragado. Os personagens começam a se entender e descobrem que quando cantam com Julie, as pessoas vivas podem ver e escutar os meninos. Eles então decidem montar uma banda juntos.

Essa história é, na verdade, uma adaptação do seriado brasileiro Julie e Os Fantasmas, produzindo pela Band e a Nickelodeon entre 2011 e 2012. A base narrativa das duas produções é a mesma, mas apenas isso. A versão estadunidense mudou vários pontos para melhor adaptá-la ao novo público de crianças que assistem a série . Enquanto a produção brasileira, protagonizada por Mariana Lessa, focou no triângulo amoroso que foi criado entre os personagens, a da Netflix possui como foco principal as músicas e coreografia.

Não por menos, já que o diretor de Julie and The Phantoms é Kenny Ortega, responsável também pela produção de High School Musical e de Os Descendentes, dois musicais bem aclamados pelos público infanto-juvenil, tanto o atual quanto o antigo. O produtor, além de ter uma marca registrada e experiência com musicais, sabe amarrar narrativa e música de uma maneira que agrada e envolve o espectador.

Com um diretor mais do que envolvido em musicais, era de se esperar uma certa qualidade na produção das músicas e coreografias da série. Há uma grande variedade de ritmos e estilos que marcam não só a narrativa mas também os personagens que as cantam. A banda Sunset Curve é bem puxada para o rock, mas quando eles estão com Julie o som fica mais para o pop-rock.

O fato da série se valer da banda para justificar toda a música e dança traz um tom mais realístico e fácil de aceitar. Diferente de muitos musicais que utilizam das letras e melodias para narrar a história, tornando-se incômodo para alguns espectadores que não são muito fãs desse estilo. As coreografias e fotografia também são muito bem trabalhadas e bonitas de se ver, valendo o destaque para o número musical do vilão Caleb, que protagoniza um show no estilo cassino de Las Vegas.

O antagonista também merece ser destacado por sua presença na série e atuação. Cheyenne Jackson, o ator que dá vida a Caleb, é um típico vilão no maior estilo Disney Clássica possível. Cheio de carisma, risadas maléficas e planos diabólico, o personagem é responsável por dificultar o vida dos meninos e trazer um pouco mais do lado fantasmagórico do trama.

Além das músicas cativantes, outro ponto positivo que o remake traz é a representatividade. Enquanto o elenco brasileiro da série é majoritariamente branco, a atriz principal escolhida por Ortega, Madison Reyes, é latino-americana, assim como a família da personagem na série. Já Alex, o baterista, é abertamente homossexual e possuí seu próprio plot e interesse amoroso com Willie (Booboo Stewart). Ainda há uma relutância da série em aprofundar as demonstrações de afeto entre os personagens, mas espera-se que isso evolua com o passar da produção.

Julie and the Phantoms é uma produção feita visando um público infantil de no máximo 12 anos, ou seja, o plot, roteiro e direção não são complexos nem inovadores. Se forçada a ser qualquer coisa além disso, as qualidades que a série possuí irão decair, e os defeitos de uma narrativa infantil serão acentuados. Pois é praticamente impossível querer dar um sentido realista a uma narrativa onde a banda da garota é composta por três fantasmas, que só aparecem quando eles cantam juntos e ela fala para o público que são hologramas.

No entanto, a série é uma grande conquista para o público juvenil que não pôde ter o prazer de pegar seu prato do almoço ou jantar, sentar no sofá em frente à televisão e assistir As Visões da Raven, Zack & Cody: Gêmeos em Ação ou Rebeldes. A nova geração hoje assiste aos filmes e seriados a hora que quiserem através das plataformas de streaming, uma realidade que os produtores originais de Julie e Os Fantasmas nem sonhavam na época.

Portanto, é importante que os antigos modelos dos seriados de sucesso sejam readaptados e atualizados, com representatividade e assuntos sociais importantes a serem discutidos, sem perder sua essência. Pois, além de proporcionar um entretenimento às crianças e adolescentes dessa nova geração, traz aos espectadores das produções originais um sentimento nostálgico e uma oportunidade de se distrair do cotidiano adulto. Julie and The Phantoms é o melhor, não só de dois mundos, mas também de duas gerações, possuindo ainda muito potencial e espaço para melhorar.

O post Julie and The Phantoms consegue o melhor de ambos os mundos apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido

A família Holmes vive há séculos no imaginário e coração de muitas pessoas ao redor do mundo. Sherlock, o personagem criado por Sir Arthur Conan Doyle em 1887, já viveu inúmeras histórias e foi interpretado por diversos rostos, tornando-se uma figura amada do público. Foi sua influência que inspirou Nancy Springer a criar a irmã mais nova do famoso detetive, Enola Holmes. Agora, a história da caçula foi adaptada a um filme pela Netflix, trazendo uma narrativa não muito original, mas divertida, envolvente e repleta de assunto importantes para se refletir. 

A história começa na manhã do décimo sexto aniversário de Enola que, ao acordar, encontra a casa vazia e sua mãe desaparecida. Percebendo que ela não vai voltar, a garota contata seus dois irmãos mais velhos, Mycroft e Sherlock Holmes. Enquanto o do meio demonstra certa apatia e desinteresse para com a irmã, o mais velho fica indignado com o modo de vida e personalidade forte da mais nova, querendo, então, enviá-la para uma escola de boas maneiras. Indignada com a posição dos dois, Enola parte em busca da mãe e acaba se envolvendo com os mistérios e perigos que cercam um jovem marquês.

O longa possui um ritmo rápido e envolvente que ajuda a caracterizá-lo como um filme próprio de Enola, não de seus irmãos. O diretor Harry Bradbeer, conhecido pela série Fleabag, usa o carisma de sua personagem principal como o centro da narrativa. Ele aplica a quebra da quarta parede – técnica cinematográfica na qual o personagem olha e interage com a câmera -, para engajar o público e fazê-lo se conectar com a garota. Feito esse que se encaixa bem ao filme e contribui para manter o compasso da produção. Contudo, é uma estratégia que pode não agradar alguns e, quando dosada da maneira errada, compromete o enredo.

Outro ponto alto da produção está na ambientação e trilha sonora do filme. A história se passa na Londres do século XIX, um local em pleno desenvolvimento urbano e social que foi resgatado e adaptado pela equipe de produção para as aventuras de Enola. Já a trilha sonora, assinada por Daniel Pemberton – responsável também por Aves de Rapina – baseou-se nas clássicas músicas de Sherlock e inovou-as completamente para encaixá-las na personalidade espirituosa e aventureira de Enola.

Por mais que a produção tenha uma boa qualidade, com diretores e um elenco de peso, a história em si não é uma novidade. A personagem percorre a típica Jornada do Herói e não possui o maior e melhor mistério para ser resolvido em suas mãos. Entretanto, é neste ponto que Enola Holmes se difere de qualquer outra obra de suspense do famoso detetive. Como ela própria diz ao irmão em uma parte do filme “Eu não quero um mistério, Sherlock, quero minha mãe de volta e as coisa como eram antes”. Deste modo, mesmo que o nome Holmes esteja envolvido no longa e sugere uma grande solução de mistérios, essa é, na verdade, uma história de autodescobrimento, empoderamento feminino e solitude.

Enola, quando escrito de trás para frente, lê-se alone, sozinha, em inglês. Essa é a primeira informação que a personagem interpretada por Millie Bobby Brown, de Stranger Things, dá aos espectadores logo no início da trama. A garota  sente-se incomodada com o peculiar significado de seu nome, e o fato de que sua mãe sempre dizer “Você vai se virar muito bem sozinha Enola” não a ajudava a se sentir menos, bom, solitária. É desta maneira que a personagem começa sua aventura: desamparada, perdida e lutando contra o mundo.

Millie Bobby Brown consegue demonstrar ao espectador todo o carisma e personalidade forte que Enola tem a oferecer, assim como seus medos e inseguranças. Sua atuação ao lado de Helena Bonham Carter, intérprete da matriarca da família Holmes, é harmoniosa e ambas conseguem passar o relacionamento maternal entre as personagens. Relação essa que é muito importante para a trama e o primeiro ponto a ser analisado para entender a mensagem final da obra. 

Mesmo que a mãe de Enola tenha sempre encorajado ela a ser livre e independente, a menina ainda é uma adolescente que quer estar perto da família e ter alguém para se apoiar. Claro, não podemos confundir esse apreço emocional com dependência, pelo contrário, Enola abomina e luta contra qualquer coisa ou qualquer um que possa tirar sua liberdade. Por isso, quando sua mãe vai embora e seus irmãos não a valorizam como um ser pensante e com vontades, ela se sente mais sozinha do que nunca. Contudo, ao invés de desistir, ela vai à luta e decide enfrentar o mundo mesmo sem ninguém ao seu lado, tornando-se um exemplo de empoderamento e coragem.

Durante a jornada, há cinco personagens importantes que influenciarão o crescimento de Enola e serão inspirados por ela. O primeiro é o irmão mais velho da família Holmes. Interpretado por Sam Claflin, intérprete de Finnick Odair na saga Jogos Vorazes, o orgulhoso e mente fechada Mycroft Holmes é brilhantemente retratado em tela. Ele se torna a personificação da sociedade que constantemente tenta domar Enola, além de ser a razão pela qual a menina precisa se disfarçar enquanto foge.

Mycroft é quem possui a guarda de Enola após o desaparecimento da mãe, era ele quem deveria cuidar da garota neste momento tão difícil. Mas, ao invés disso, ele a reprime, julga e tenta mudá-la. A figura do irmão mais velho, a suposta proteção dela, sua própria família, torna-se a primeira ameaça a sua liberdade, assim como a primeira corrente de repressão com a qual Enola precisa enfrentar. Uma algema mais dolorida do que as outras impostas pela sociedade da época, pois vem do próprio irmão, de alguém atado a ela por sangue. 

Quantas meninas já não foram julgadas dentro da própria casa e por seus familiares simplesmente por serem elas mesmas? Quantas vezes a mão da sociedade arcaica sob os pais de uma garota impedem que ela cresça e se torne uma mulher com sonhos e forças para lutar sua batalhas, sabendo que terá um lar para voltar com pessoas a apoiando? Essa é a realidade que o personagem de Mycroft representa e traz a tela, um dos obstáculos a ser superado com o decorrer da trama.

Já Sherlock, surpreendentemente bem representado por Henry Cavill, é um caso que se difere ao mesmo tempo em que se assemelha ao seu irmão mais velho. Assim como Enola, ele é uma das peças exóticas que compõe a Inglaterra do século XIX , mas há apenas um único detalhe que o difere da irmã mais nova: ele é um homem. Desde o início de suas histórias, o detetive foi retratado como alguém que não se importa muito com assuntos mundanos ou, seres humanos e suas preocupações no geral. Entretanto, com o tempo, ele passa a se aproximar mais de determinadas pessoas e a entender o mundo e realidade em que estão.

A inteligência de Sherlock constrói sua fama e faz com que a sociedade aceite sua excentricidade, mas nada disso seria o mesmo se ele fosse uma mulher. Pois Enola é muito parecida com o irmão e, entretanto, é caçada e julgada por isso. Em uma das cenas mais icônicas de Enola Holmes, Edith, amiga da mãe Holmes e membro das sufragistas, diz a ele: “Não há esperanças de você entender qualquer umas das coisas que estão acontecendo. Pois você não sabe o que é não ter poder. Política não te interessa, por quê? Porque você não tem interesse em mudar um mundo que te favorece tão bem”.

No início Sherlock é indiferente à irmã que tanto o admira, o que torna muito mais doloroso para Enola quando ela pede por ajuda e é dispensada por ele. Ela, pela terceira vez em um curto período de tempo, é decepcionada por aqueles que deveriam apoiá-la, encontrando-se mais uma vez sozinha. Contudo, a coragem e destreza da garota ganham a atenção, respeito e, depois de um tempo, a simpatia do irmão. Ela se levanta e reclama seu pódio por direito, que está no mesmo nível do maior detetive da história, e faz isso por conta própria.

O terceiro personagem a se envolver na jornada de Enola é o jovem lorde Tewkesbury, interpretado pelo carismático Louis Partridge. O marquês de Basilwether traz em sua bagagem uma grande quantidade de problemas que ele sozinho não é capaz de resolver. O garoto então recorre a ajuda de Enola e fica admirado com a personalidade forte, inteligência e determinação da garota. Por mais que ele fosse uma empecilho em sua busca pela mãe, a jovem Holmes não consegue ignorá-lo e decide salvar o menino.  

O encontro entre Enola e Tewkesbury é muito importante para a jornada de crescimento dela. Não só porque ele é a engrenagem chave do mistério que a envolverá, mas também por ser a primeira pessoa que ela conhece a não estar diretamente relacionada com sua família. Ambos encontram um no outro espíritos irmãos: dois adolescentes diferentes do que sociedade da época espera que sejam. Ele é um lorde que ama plantas e estar envolto pela natureza, ela, uma garota que sabe lutar ao invés de bordar.

É por meio da relação com Tewkesbury e o mistério envolvendo-o que Enola descobre algo muito importante sobre si mesma, uma característica dela que a difere até mesmo dos próprios membros da família Holmes. Enquanto a mãe e os irmão deixariam o garoto a própria sorte em prol de um objetivo maior, a garota sente que deve ajudar e protegê-lo. Não porque o jovem lorde vale alguma recompensa ou é a chave para conquistar algo, mas sim porque ele precisa de alguém, e ela sabe como é ser abandonada em momentos de necessidade.

Essa empatia que Enola possui para com os outros é também muitas vezes julgada por seus parentes, incluindo a própria mãe. Não por maldade, mas por medo de que essa sociedade injusta machuque-a e abuse de sua boa vontade. Pois, em tempos nos quais as mulheres não são ouvidas, ser forte muitas vezes significa ser distante emocionalmente daqueles que a cercam. 

Edith, a quarta personagem a influenciar a vida da garota diz à ela em determinado momento do filme: “Se você quer viver em Londres, seja forte. Viva a vida. Não porque está procurando alguém, mas porque está tentando encontrar a si mesma”. Ela ensina a Enola o que toda mulher que fazia parte das sufragistas, ou as que buscam subir na vida hoje, sabem: devemos buscar a força que nos motiva dentro de si, não em outra pessoa.

Contudo, Enola também não se limita a apenas esse estilo de vida, ela preza por sua liberdade, sabe de seu potencial, mas nem por isso acredita que deveria desistir de encontrar a mãe e proteger quem ama. Esse conflito acompanha a garota durante boa parte da narrativa e, juntamente com todos os problemas que a cercam, desgastam-na aos poucos.

É na escola de boa maneiras que todos os sentimentos, emoções e acontecimentos chegam ao ápice dentro da menina.  Durante uma conversa de Enola com a Senhorita Harrison, a garota percebe que as aulas e regras oferecidas naquela instituição não oferecem liberdade como a diretora alega. É uma prisão, que só poderia ser quebrada com o que sua mãe lhe deu durante os anos: autenticidade e liberdade de expressão. Quando a educadora diz à Enola que nunca a abandonaria, como sua mãe fez, a garota começa a perceber o real significado de seu nome: não é alone de solitária, mas de solitude.

Quando Sherlock a visita na escola, Enola ainda possui a chama de resistência dentro de si, mas os sentimentos conflitantes de abandono e desesperança estão aos poucos consumindo-a. Contudo, vendo o irmão reconhecer seu potencial e ter uma prova do amor de sua mãe, Enola torna-se capaz de dar o primeiro passo no caminho trilhado por ela e mais ninguém.  

Enola Holmes é um filme de mistérios, aventura, feminismo e autodescobrimento, mas principalmente sobre solitude. No fim, essa é a principal mensagem da obra, descobrir quem é e ser capaz de se sentir completa mesmo sem a presença de mais alguém ao seu lado.

Uma importante mensagem para o mundo atual, que está passando por uma pandemia e precisa da população em isolamento social. Ser capaz de conviver com as pessoas que te cercam, mas sem depender delas para ser completo. Encarar um dia, uma casa ou um passeio sozinho sem necessariamente se sentir só. É essa a mensagem que nem mesmo Sherlock é capaz de passar em suas obras, mas sua irmã o faz com excelência.

O post Enola Holmes ensina a diferença entre solidão e solitude apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido

Durante a primeira década do século XXI, o mundo cinematográfico e literário foi tomado por grandes franquias. Desde a representação de uma sociedade bruxa até um mundo pós-apocalíptico, as histórias sobre revoluções com ruptura de padrões antiquados e preconceituosos estavam captando cada vez mais a atenção dos jovens-adultos. Incentivando-os a lutar por uma sociedade melhor e mais justa, tomar a iniciativa e se levantar contra as injustiças. Dez anos atrás, o livro Jogos Vorazes chegou ao Brasil trazendo consigo esses mesmos conceitos.

A saga de Suzanne Collins envolveu em seu cerne esses ideais e apresentou aos jovens leitores uma história repleta de filosofia, política, jogos e armações, sem nunca subestimá-los. Conquistando uma grande base de fãs ao redor do mundo, a obra marcou sua presença na grande onda de narrativas distópicas que tomou o mercado literário. É uma história de jovens para jovens, sem medo de debater os mais diversos e complexos assuntos que a humanidade pode apresentar.

A narrativa se passa em um futuro distópico, no país chamado Panem, dividido em 13 distritos e uma Capital. Após uma rebelião, o décimo terceiro distrito foi bombardeado e, como retaliação, o governo criou uma grande competição anual chamada de Jogos Vorazes. Neste evento, cada um dos doze distritos remanescentes deveriam sortear uma garota e um garoto, entre doze e dezoito anos, para serem enviados a uma arena. Lá, os jovens serão obrigados a matar uns aos outros até que apenas um permaneça vivo.

Esse horrível show é a maneira que a Capital encontrou de dividir o país e prevenir outra revolta, ao mesmo tempo que impõe medo aos cidadãos. Durante a 74° edição do Jogos Vorazes, Prim, a irmã mais nova da personagem principal, Katniss Everdeen, é sorteada para ser o tributo feminino do distrito 12. Desesperada para salvá-la, Katniss se oferece para lutar na arena no lugar da irmã e, sem saber, dá o primeiro passo na jornada que irá transformá-la  no símbolo de uma revolução. 

Suzanne Collins valeu-se das filosofias e mitos greco-romanos para construir a sociedade da saga. Ela se inspirou na história grega O Labirinto do Minotauro para desenvolver os Jogos e o nome do país vem da antiga frase usada nos coliseus, Panem et circus, traduzindo-se como pão e circo. Deste modo, a autora foi capaz de criar uma obra que transforma contos históricos em uma ficção capaz de criticar e refletir sobre a sociedade do século XXI.

O  entretenimento e os altos padrões que permitem os cidadãos da Capital aplaudirem tamanho horror são apenas um reflexo do mundo real. O pão e o circo eram dados aos romanos para distraí-los dos assuntos políticos e importantes da cidade, para que ignorasse as injustiças que os cercavam. Hoje, essa mesma estratégia é usada para dividir e conquistar nossa sociedade, manter a hierarquia entre aqueles que vomitam para comer mais e os que não possuem uma migalha sequer de pão para passar o dia.

A saga é o tipo de ficção com potencial para se tornar realidade. Ela prova como o cerne de um sistema injusto pode sobreviver mesmo em um formato diferente e até que ponto a ignorância e crueldade humana podem chegar. Tudo isso, narrado e divulgado para um público jovem-adulto, os responsáveis pelo futuro da humanidade. Jogos Vorazes tem como objetivo abrir os olhos dessa geração e debater todos os assuntos relevantes que necessitam mudar no mundo atual, e faz isso de uma forma excepcional.

No livro um da saga, o leitor é apresentado ao universo de injustiças que cercam Panem. Primeiro, conhecemos o distrito doze e o cotidiano de seus cidadão, um lugar triste e cinza, onde a vida há muito tempo se esvaiu. Katniss o descreve a cada caminhada que dá nas ruas de sua comunidade, fala dos corpos das pessoas que morreram de fome jogados na rua como um lixo qualquer, do Prego – o mercado ilegal do distrito -, e como até mesmo aqueles considerados ricos no local sofrem perante tamanha desigualdade.

Depois, Katniss e o leitor são levados à Capital. Uma cidade de luxo e regalias, cercada por seus arranha-céus e cidadãos com as mais exóticas roupas e pinturas de rosto. O local é sustentado pela produção dos distritos, seus moradores se preocupam apenas em comer bem, estudar, comentar sobre política e ocupar suas horas com qualquer entretenimento que o governo tem a oferecer.

Essa realidade poderia facilmente ser a descrição do centro de uma cidade e seu subúrbio. Dois locais reais que se encaixam perfeitamente na descrição fictícia de uma país injusto e desigual. Suzanne Collins utiliza sua escrita para levar o leitor a uma autocrítica da própria sociedade e, através dos olhos de Katniss, ensina uma lição que a muito tempo está sendo apagada da mente dos jovens pelas propagandas e ilusões: empatia.

Na sequência Em Chamas, Collins aprofunda outra vertente de sua crítica social: o jogo de imagem e a manipulação televisiva. Se antes a principal preocupação de Katniss era sobreviver às ameaças físicas que a Arena trazia, agora ela tem que atuar para as câmeras como a figura pública da Capital. Nesse segundo livro, os personagens jogam com suas imagens e popularidade, mostrando a repercussão que um discurso ou sorriso da pessoa certa pode ter para incendiar ou abafar uma inevitável revolução.

Outra característica retirada da sociedade moderna. Quantas pessoas não seguem cegamente aquela figura carismática que aparece na televisão ou internet? A imagem que muitos constroem ao se exporem em um canal de comunicação pode conquistar milhares a seguirem ela, muitas vezes sem nem mesmo questionar se aquilo que estão vendo é verdade. Collins alerta seu leitor para tomar cuidado com o que é mostrado a eles, ensina-os a serem críticos. 

Em A Esperança, toda a tensão e dor construída no decorrer dos dois primeiros livros é finalizada em uma grande e épica batalha, na linha de frente e na política. Mais uma vez, a autora expõe em sua obra a influência da imagem e dos meios de comunicação no destino da população. Collins mostra que toda guerra é construída com soldados e armamentos, mas também com propaganda.

Uma guerra política e publicitária é construída entre o Distrito 13 e a Capital. Katniss é mais uma vez arrastada para a frente das câmeras, mas dessa vez para ser o símbolo da Rebelião e unificar os distritos. Enquanto isso, o presidente Snow manipula Peeta para contrapor a Garota em Chamas, tentando impor sob ela a imagem de uma ameaça para seus aliados e inimigos.

Na saga, os personagens utilizam de pequenos vídeos propagandas, chamados proto-pops para fazerem suas jogadas. Já hoje em dia um celular com câmera e acesso à internet é capaz de criar um jogo político tão complexo, ou mais, quanto o de Katniss. Ser jovem em um mundo lotado de informações faz com que a criticidade e o discernimento sejam a principal habilidade para filtrar a verdade da mentira.

Jogos Vorazes revolucionou não só dentro de sua própria história, mas também fora. Os livros trazem como protagonista uma garota de dezesseis anos, corajosa, introvertida, determinada e que também é a principal provedora de sua família. Katniss Everdeen foge de todos os estereótipos impostos à uma personagem feminina pela sociedade. E, pode não ser a primeira, mas é uma das maiores referências contemporâneas para a nova geração de meninas e meninos que cresceram lendo sua história.

Katniss é alguém capaz de inspirar aqueles ao seu redor sem nem perceber. Quando seu pai morreu e a mãe entrou em depressão, ela foi obrigada a carregar o peso de cuidar sozinha da irmã mais nova, arriscou a vida na floresta para buscar alimentos, aprendeu a caçar usando um arco e flecha e se reconstruiu das cinzas.

Passar por todas essas provações, fizeram-na levantar barreiras protetoras ao seu redor. Contudo, Katniss nunca deixou sua bondade de lado. Ela pode ter se escondido atrás de uma cara séria e atitudes rudes, mas, acima de tudo, sua honestidade fazia com que sua generosidade e verdadeira força transparecessem, quer soubesse ela ou não. 

Foram essas as qualidades que iniciaram a primeira centelha de toda uma Revolução. Quando ela sobe naquele palco pela irmã, Katniss não só ensina ao seu povo o que é amar e lutar para proteger aqueles importantes para eles, mas também ensina o leitor a admirá-la e querer ser como ela. Alguém capaz de dar um passo à frente, mesmo contra todas as chances, e lutar pelo que acredita, num ato altruísta e corajoso.

Mesmo que a realidade de Katniss seja lutar até a morte em uma arena contra vinte três outras crianças e a nossa seja, no máximo, lutar por uma vaga na faculdade ou no emprego, sua história ainda é capaz de passar outra importante mensagem para o público: autenticidade. A garota em chamas nunca quis ser o símbolo de uma revolução, ela só queria salvar sua irmã da morte e retornar para casa. Mas a responsabilidade foi à ela delegada e, ao invés de fugir, Katniss escolheu aceitar e incorporar aquela centelha de esperança e coragem que levou ela a se oferecer como tributo e lutar por seu país.

Entretanto, no decorrer da jornada, Katniss sofre diversas tentativas de manipulação. Seja por parte da Capital, que quer mostrá-la como ninguém mais do que uma garotinha apaixonada e inocente, ou por parte dos rebeldes, que querem transformar uma garota de dezesseis anos no símbolo de força e resistência da revolução. Para que possa sobreviver, ela é forçada várias vezes a representar diferentes papéis em frente às câmeras.

Suzanne utiliza Katniss para refletir sobre a sociedade em que vivemos hoje e faz de sua personagem principal um modelo a se seguir. Não alguém infinitamente corajosa e determinada e não apenas uma pessoa assustada e ordinária, mas ambos. Um ser humano assim como qualquer outro, mas que escolheu se livrar das correntes de expectativas impostas à ela e decidiu quem quer ser. Em diversos momentos da saga Katniss desempenha o papel que é dado a ela pela Capital e pela rebelião, contudo, quando chega a hora da decisão final, ela sempre segue seu coração.

Jogos Vorazes é uma saga repleta de bons personagens, cada um traz um ponto de vista ou uma reflexão diferente sobre os acontecimentos da trama, tornando-os muito importantes para a construção da história. Um deles é Peeta Mellark, o tributo masculino que foi escolhido para ser enviado à Arena junto de Katniss. Os dois são opostos um do outro: enquanto a Garota em Chamas é mais distante e uma pessoa de ações, o padeiro é gentil e bom com as palavras.

Essa dualidade entre eles contribui para uma química natural, onde cada um acrescenta algo ao amadurecimento do outro. Peeta passou por dificuldades diferentes das de Katniss, mas tão duras quanto. Contudo, ele ainda manteve sua personalidade carinhosa e empática. Ele é o porto seguro dela, a prova de que, não importa o quão ruim a situação fique, ainda podemos ser bons, temos de ser. Essa característica dele criou raízes não só coração da Garota em Chamas mas também no dos leitores, ensinando-os a perseverar.

Peeta no, entanto, também é parte do triângulo amoroso de Katniss e Gale, o melhor amigo da garota. Por mais que Jogos Vorazes debata temas importantes e sérios, a saga ainda dialoga com um público juvenil, portanto, possui um arco romântico. O desenvolvimento amoroso é trabalhado no decorrer da saga mas não se torna o foco principal da narrativa, muito pelo contrário. Suzanne Collins utiliza-o para trazer mais uma analogia à trama.

Enquanto Peeta representa uma abordagem calma e passional para com suas decisões e atitudes, Gale é, desde o começo, um rebelde de coração. Ele é quem traz o fogo da Revolução em seus comportamento e atitudes, e quando Katniss é escolhida como Tordo, é ele quem ajuda ela a ter coragem para seguir em frente, quem mostra as razões para lutar. Mas ele também representa o que pode acontecer quando esse fogo, que arde dentro de nosso peito perante uma injustiça, nos impede de enxergar a tênue linha que divide o certo do errado dentro de uma guerra. 

Esse mesmo fogo desde o começo queima dentro de Katniss também, mas todas as atrocidades pelas quais ela foi forçada a passar dentro da Arena tornam sua caminhada sob a linha entre certo e errado ainda mais estreita. Ambos os meninos que compõem o romance da saga são representações do equilíbrio que a Garota em Chamas precisava encontrar em prol de sua própria sanidade. No entanto, também é uma mensagem para os leitores de que devemos lutar pelo que acreditamos sem perder de vista quem somos.  

Dentro da história de Katniss Everdeen podemos encontrar um mundo de reflexões e ensinamentos. Numa uma saga capaz de ensinar, não a sobreviver em uma Arena, mas a viver em uma sociedade mascarada e desigual. Suzanne Collins criou uma narrativa que ensina o público jovem os assuntos que muitos adultos não são capazes de entender. Com isso, ela moldou uma geração inteira de Tordos que, mesmo 10 anos após o lançamento de Jogos Vorazes, continuam a cantar por liberdade e justiça.

O post A revolução que Jogos Vorazes iniciou completa uma década apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido 

Madam C. J. Walker foi a primeira mulher negra a se tornar milionária por conta própria na história dos Estados Unidos. Filha de escravos, nascida poucos anos depois da abolição e mãe aos 18 anos, Sarah Breedlove – nome de nascença da empresária – fez sucesso ao vender produtos para cabelos negros numa época onde o racismo e o machismo ditavam o cotidiano de uma população.

Essa tão aclamada e importante figura de empoderamento negro e feminino só foi ganhar uma adaptação de sua história esse ano pela Netflix. Produzida por DeMane Davis, Eric Oberland e Lena Cordina, a minissérie Self Made, que ganhou o título nacional A Vida e a História de Madam C. J. Walker,  chegou para levar a história de Sarah ao mundo televisivo. A produção foca em sua jornada empreendedora e utiliza de vários recursos do drama para trazer uma linda história de superação e luta, atando-se a alguns pontos verdadeiros da obra original, mas deixando muitos outros de lado.

A história começa com Sarah Breedlove (Octavia Spencer) lutando contra a queda total de seu cabelo devido a alergias, além  do estresse causado por sua vida como lavadeira e dos abusos que sofria do marido. Até que um dia, Addie (Carmen Ejogo) bate à sua porta oferecendo um produto capilar que resolveria o problema. Ela faz de Sarah sua cliente, mas não a permite ser revendedora, como é o desejo da personagem. Madam decide então pegar o produto, modificá-lo um pouco e vender, tornando-o um sucesso e iniciando uma rivalidade entre as duas personagens.

Os conflitos entre Madam C. J. Walker e Annie Malone, inspiração original para personagem Addie, realmente existiram, mas limitaram-se a acusações na imprensa. Self Made pega esses acontecimentos e os transformam em uma batalha entre arqui-inimigas apenas para adicionar uma dramaticidade à narrativa e usá-la como combustível. Construir um fim no qual uma das personagens sai vitoriosa enquanto outra acaba em derrota corrobora por passar uma mensagem negativa e destruir a oportunidade de representar a sororidade tão importante e necessária entre as mulheres na luta por direitos iguais. Na realidade, ambas as empresárias construíram seus próprios impérios e influenciaram a história dos Estados Unidos. A verdadeira versão teria impactado o público tanto quanto uma narrativa em prol dos clichês dramáticos, ao mesmo tempo em que se manteria fiel à realidade.

O roteiro de Self Made infelizmente não ajuda a honrar o legado de Madam C. J. Walker e cria uma narrativa picotada e confusa. As transições temporais são abruptas e muitas vezes não apresentam a contextualização do que teria acontecido anteriormente. Além disso, a incorporação forçada de músicas e temas atuais de mais para a época na qual a série se passa dificulta a relação entre espectador e ambientação. A ânsia por audiência prejudicou o potencial que a série tinha em contar com qualidade a história de uma das mulheres mais importantes da América do Norte. 

A série é inspirada no livro On Her Own Ground de A’lelia Bundles, descendente direta de Sarah. E, por mais que abuse da licença poética atribuída às adaptações, traz algumas mensagens importantes e inspiradoras da vida de C. J. Walker. O drama e ar de novela transmitidos pela obra atraem um público muito grande e ajuda, de certa forma, a pôr em debate alguns tópicos dos quais esses espectadores podem não estar familiarizados. Levando também aqueles que não conheciam a história de Madam C. J. Walker a procurar mais informações sobre ela.

Um dos assuntos abordados pela obra é o machismo. Em uma época de segregação racial e sexismo, ter uma mulher negra e empoderada criando sua própria empresa de cosméticos, contratando milhares de funcionárias, capacitando mães e famílias para uma vida melhor e apoiando instituições escolares para negros era impensável. Mas, Madam C. J. Walker fez tudo isso e mais. 

Em uma das cenas mais icônicas e autênticas de Self Made, Sarah se faz ouvir durante uma reunião exclusiva para homens e fala sobre sua empresa e projetos, luta pelo que acredita e, mesmo assim, é rejeitada e desacreditada. A cena retrata a infeliz realidade vivida por mulheres negras que se impõem em busca de oportunidades dentro de uma sociedade sexista e injusta. Mas, o fato da protagonista não se abalar, seguir em frente com seus sonhos e construir um império da beleza retrata a mais importante mensagem da vida de C. J. Walker e traz representatividade à obra.  

Claro, o impacto dessa e de outras cenas não seriam o mesmo sem Octavia Spencer. A atriz brilhou tanto no papel que este ano concorre ao Emmy 2020 na categoria de Melhor Atriz de Minissérie ou Filme para TV por sua performance como Madam C. J. Walker. Dona de um Oscar pelo filme Histórias Cruzadas (2011), Octavia é a primeira atriz negra a receber duas indicações consecutivas, uma por Estrelas Além do Tempo (2016) e outra por A Forma da Água (2017). A atriz tem todo o talento e currículo para ser umas das competidoras mais promissoras da categoria. O espírito de luta e força que a história de Sarah Breedlove apresenta são incorporadas profundamente por Octavia e transmitidas através de uma atuação impecável da atriz. 

Self Made é uma obra que recebeu a função de transmitir a história da primeira mulher negra a ficar milionária por conta própria, símbolo de grande força e empoderamento nos Estados Unidos, mas não conseguiu honrar tamanho legado. É uma boa série para iniciar-se na história da Madam C. J. Walker. Contudo, recomendo que não se apegue apenas a ela e busque saber mais sobre a vida dessa mulher guerreira que marcou a humanidade.

O post Self Made tenta honrar o grande legado de Madam C. J. Walker apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Anna Clara Leandro Candido

Entre o céu e o inferno. Essa é a posição que a Terra ocupa, proporcionando um local estratégico para o encontro de anjos e demônios e, quem sabe, até mesmo do Diabo em pessoa. É nesse cenário em que a série da Netflix, Lucifer, desenvolve sua trama. Após se cansar do Inferno e decidir tirar férias em Los Angeles, Lucifer (Tom Ellis) tornou-se dono de uma boate, tio, consultor civil da polícia e par romântico da detetive Chloe Decker (Lauren German). Agora, na primeira parte da quinta temporada, o Anjo das Trevas favorito de todos retorna do Submundo para agraciar o público com seu carisma e finalizar alguns assuntos inacabados. Acompanhados de uma linda ambientação e trilha sonora, os personagens voltam à ativa com todo seu glamour para agradar os fãs.

Ao fim da temporada anterior, Lucifer foi obrigado a voltar para o Inferno e impedir que os demônios fizessem mais uma de suas revoltas. Foi frustrante para os fãs verem-no partir após Chloe finalmente descobrir sua verdadeira identidade como Senhor do Submundo e (muito, muito, muito tempo depois) aceitá-lo como realmente é. Por isso, o novo ano evita alongar a instabilidade na relação amorosa dos dois, proporcionando ao público algumas cenas de um dos casais mais queridos.

Outro acerto foi consertar a enrolação que muitos dos episódios traziam desde o início da série. Depois da obrigação de fazer o quarto ano com apenas 10 episódios, os showrunners aprenderam a ser mais objetivos. Mesmo os especiais que, inicialmente, parecem não acrescentar nada a história, provam sua importância no fim. A trama, no entanto, não se desprende da sua antiga fórmula de investigação policial/problemas celestiais, o que pode incomodar o espectador que assiste a série buscando por uma abordagem mais filosófica dos temas apresentados. Não que prejudique a obra, muito pelo contrário, isso é estratégico. Lucifer já provou inúmeras vezes ter uma base de fãs gigante e fiel, portanto o objetivo é justamente inovar dentro do padrão já estabelecido e amado.

Inovações essas que chegaram de duas formas nesse novo ano: através de clichês e assuntos relevantes para a sociedade. A obra utiliza da já conhecida narrativa do irmão gêmeo do mal para resgatar Lucifer do Inferno e levá-lo de volta para à Terra. Por ser uma série sobre o divino, o tema se encaixa bem e traz um bom antagonista para o início da trama. Algo já batido dentro de produções televisivas, mas se o público não aplicar a lógica ou o criticismo à narrativa e aproveitar o show como ele é pensado para ser (um entretenimento), não incomoda realmente o espectador.

Contudo, um clichê da própria série, que foi ressuscitado no show, acabou por estagnar uma das melhores personagens da trama, a demônio Mazikeen (Lesley-Ann Brandt). A jornada de Maze em busca de uma alma, e um lugar/alguém para chamar de seu, já foi diversas vezes explorado, mas nunca bem trabalhado ou finalizado. Ela então trilha mais uma vez esse caminho, agora procurando saber de sua mãe e lutando contra seus demônios do passado. Mas, de novo, não chega a lugar algum, deixando o desfecho de sua jornada para a segunda parte da temporada. Infelizmente, essa reciclagem de motivação para a personagem limita muito seu crescimento em Lucifer e poda seu potencial para realizar cenas épicas das quais sabemos que Maze é capaz.

Mas, a jornada dela não foi desperdiçada. Pelo contrário, abriu a porta para um dos assuntos mais relevantes que a série trouxe. Tanto a Dr. Linda (Rachael Harris) quanto Mazikeen tornam-se as protagonistas de uma conversa sobre maternidade na adolescência, adoção, abandono e estabilidade psicológica e emocional de ambas as partes: filha e mãe. Maze representa na história a filha deixada pela mãe, a vontade de reencontrá-la, de se conectar com alguém e as dores que uma criança carrega por isso. Já Linda traz a visão da mãe que, por ser muito jovem, teve de fazer a difícil escolha de deixar seu bebê para a adoção.

Além disso, os outros personagens foram bem trabalhados dentro de suas próprias jornadas. A trajetória de Chloe foi um dos focos dessa temporada de Lucifer, pois, agora que tem consciência de que vive em um mundo onde demônios e anjos existem, ela participa mais ativamente das grandes cenas de ação celestiais. É interessante vê-la trocar de lugar com Lucifer para variar, pois agora é ela quem está lidando com um mundo do qual não entende. Fato que leva Chloe várias vezes ao consultório da doutora Linda, proporcionando várias conversas engraçadas e esclarecedoras. Ela até mesmo passa a ver seus casos como um reflexo da própria vida, atitude essa que era muito mais comum ao seu parceiro.

Acredito, porém, que o destaque deva ir para o próprio Lucifer. Desde o início, a série aborda a jornada do Diabo tentando descobrir como é ser um humano. Após tanto tempo convivendo e lidando com assuntos mundanos, como sentimentos de amor e afeto pelos outros, era inegável de que ocorresse um amadurecimento em sua personalidade. Ele não perdeu o charme ou ímpeto por causar problemas e ser, bom, o Príncipe do Mal. Mas Tom Ellis consegue mostrar através de sua performance e escolha de palavras o quanto o personagem cresceu com o passar dos anos, deixando o público ainda mais cativado por ele.

O ator sempre foi um dos pontos alto de Lucifer, mas nessa temporada Tom Ellis consegue expandir ainda mais seu talento ao interpretar Michel. É um desafio para qualquer um interpretar gêmeos, pois são duas pessoas que apenas compartilham do mesmo rosto, não sendo só o nome que muda, mas sim o jeito de andar, a postura e as palavras. Tom consegue fazer tudo isso e mais um pouco. Michel é invejoso, é um personagem que sempre quis provar ser o melhor e faz de tudo para conseguir, mas ele também é amargurado e carrega o peso que seu medo de falhar o proporciona. Ellis é capaz de transmitir essa análise do personagem só com sua atuação e maneira de fazê-lo se portar, tornando-se uma joia ainda mais brilhante para a série.

Lucifer voltou com todos os prós que arrebataram tantos fãs no decorrer dos anos. Numa história de fantasia que não requer qualquer lógica para cativar as pessoas, feita para entreter e divertir seu espectador. Graças ao maravilhoso elenco da série e suas histórias divertidas, ela é capaz de continuar por um bom tempo encantado as pessoas. Mas isso não significa que o público não mereça inovações e um bom show. Se mais assuntos que conectem realidade e ficção forem introduzidos na trama, eles podem muito bem melhorá-la cada vez mais.

O post Lucifer está de volta e dessa vez em dobro apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.