Ana Júlia Trevisan

Antígona. Filha de Édipo Rei e Jocasta; irmã de Etéocles, Polinice e Ismênia; sobrinha de Creonte. Antígona. Obra do dramaturgo grego Sófocles que conversa com a atualidade e com os valores humanos pautados pela razão e pela emoção, e é a terceira peça da trilogia tebana. Antígona 442 A.C. Monólogo de Andrea Beltrão, dirigido por Maurício Farias, destaque que integra a Mostra Brasil na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

Foi em 2015 que a vontade de Andrea Beltrão de ter uma peça de teatro de resistência e que pudesse ser feita a qualquer momento, floresceu. Instigada por Fernanda Torres, Beltrão condecorou Antígona como um de seus textos favoritos e assim surgiu o desafio, transformar uma peça de teatro com no mínimo quinze personagens em um monólogo. A estreia de Antígona aconteceu, oficialmente, nos palcos em 2019, mas o contexto epidêmico de covid-19 fez com que a peça tivesse um pouso forçado. Após esse hiato, Antígona 442 A.C. estreia na 45ª Mostra em forma de espetáculo filmado, onde a montagem é reestruturada para o Cinema, variando em cenas dos bastidores com estudo e mapas mentais da obra e partes da encenação no teatro.

A peça se inicia com o prólogo de Millôr Fernandes que ilustra todo contraponto com a realidade que vamos encarar de Antígona 442 A.C.: “e assim a história avança, em luta fratricida, ódio mortal, violência coletiva, tudo pago por fim, naturalmente, com a escravidão do povo, na derrota final.” O texto sobre a destruição de uma cidade parecia um tanto distópico em 2015. Mas, quando Andrea Beltrão estreou sua peça em 2019, qualquer semelhança com a realidade se tornou mera coincidência e com sua chegada ao digital em 2021, sua subversão política ecoa em notas agudas.

Antígona enfrenta a ordem do rei Creonte de deixar seu irmão Polinice, que lutou na guerra, sem sepultura para que seus restos mortais sejam devorados por animais selvagens. A jovem desobedece, realiza um ritual funerário digno ao irmão e rebate seu ato afirmando: “morrer mais cedo não é amargura, deixar o corpo do meu irmão é amargura”. Soberana em tela, Andrea Beltrão comove ao mesmo ponto que se emociona com as próprias falas, usando o texto para não apenas gerar reflexão, mas também para provocar.

O diferencial que torna magnífico é ver a própria Andrea Beltrão contando a história e se preparando para a peça. Há cortes para o teatro entre as cenas, que é quando a atriz aparece maquiada já em cima do palco, encenando com força cada uma de suas falas. Em seu estúdio de ensaio a entrega é com a mesma intensidade e precisão. De cara limpa, Andrea revela todo empenho aos estudos e a história que estava interpretando. Em sua parede, uma mapa mental dos personagens de Zeus aos tebanos; em seu computador, roteiro e fotos que guiam a atriz por essa viagem entre séculos.

Tamanha é a devoção mostrada nos bastidores que Andrea Beltrão se firma como dona de um conhecimento inigualável sobre o texto de Antígona 442 A.C.. As mudanças no tom de voz conforme ela encarna uma nova persona elucida a confiança da atriz e o conhecimento de cada vírgula da peça teatral; por meio da sua voz fica claro o poder e a importância da personagem na odisseia. Sua narrativa com olhar fixo para a plateia consagra a atriz dona do tablado, que domina o palco com tamanha destreza que não sentimos falta da plateia lotada. Sua linguagem corporal fala tão alto quanto a verbal, concentrando total atenção a figura da atriz, independente do lugar de onde a câmera esteja.

Imersa no próprio oásis, Andrea se emociona com a crescente narrativa. A razão e a emoção são postas lado a lado e Antígona não cede, ela abre mão de sua posição social e de poder para arriscar dar um último ato humano à memória do irmão. A peça teatral ganha nova ótica e substância no contexto pandêmico e tirano do Brasil de Bolsonaro, enquanto os governantes responsáveis por esse genocídio não querem seus nomes correlacionados a essa tirania, temos milhares de Antígonas que lutam pelo respeito da memória de seus entes. E as palavras finais de Andrea reverberam com ainda mais precisão: “os tebanos não tiveram outra chance, mas pra nós ainda há esperança”.

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Jamily Rigonatto 

Hebe Maria Monteiro de Camargo foi uma personalidade autêntica, sua alegria e carisma marcaram a história da comunicação e da televisão brasileira. Em homenagem ao impacto da apresentadora, a minissérie Hebe, que segue a linha de projetos como Maysa e Dercy de verdade, foi lançada para a plataforma Globoplay em julho deste ano.  

A obra conta com 10 capítulos escritos por Carolina Kotscho, e é uma extensão da produção cinematográfica Hebe – A Estrela do Brasil. Em um recorte  mais focado na vida da artista, a série se conecta à sua pessoalidade e intimidade, desde a juventude até a trágica morte para o câncer em 2012.

Nos primeiros minutos da produção, a representação da Hebe já demonstra a força de seus posicionamentos. Em cenas do programa ao vivo, a apresentadora se impõe sobre temas que contrariam a censura pós-ditadura e geram polêmica, como é o caso das pautas LGBTs e feministas. Esse traço de personalidade irreverente permeia toda a trama e se mantém bem aproveitado dentro da não-linearidade escolhida para contar a história.

Em momentos que retratam a adolescência e a juventude de Hebe, a audácia da personagem também é inegável. Desde muito nova, ser do interior de São Paulo ou ter sotaque caipira não a impedem de ser corajosa e ousada. Ao longo da narrativa, isso se mostra um aspecto positivo que a ajudou a construir sua carreira, mas, em contraponto, a fragilidade que a artista não deixa transparecer se insere de forma suave nas suas expressões e momentos íntimos.

Outra faceta interessante e muito explorada pela minissérie é a música como grande motivadora da carreira de Hebe. Ainda na juventude, o canto a ajuda a começar a conquistar relevância, e a mistura da música e da personalidade da personagem é bastante significativa para a produção. Em uma das cenas de destaque, ela é intimidada para conseguir ser cantora de boate, e é esse tipo de atitude que explicita bem quem é Hebe.

Relacionamentos e amizades também são trabalhados no enredo, e se Hebe era tão apaixonada pela vida, não seria menos pelo amor. Ao longo da história é explorado que a mesma essência que a faz ganhar o Brasil, de certa forma, atrapalha seus relacionamentos amorosos. Ela nunca desiste do amor, mas enfrenta relações desastrosas que trazem muita frustração. 

O machismo da época não via com bons olhos uma mulher tão livre quanto a apresentadora, e os homens que passaram por sua vida não foram diferentes. Em seus relacionamentos, ela vive situações abusivas, com parceiros controladores e até agressivos. Com Lélio Ravagnani (Marco Ricca), o segundo marido e grande amor, ela também é vítima de atitudes impulsivas e violentas. Apesar de terem vivido juntos um casamento de quase três décadas, o marido se mostra extremamente incomodado com a carreira da apresentadora, e  isso  causa  muita instabilidade.

Por outro lado, nas amizades o cenário era diferente, o carisma de Hebe conquistou não só o público como muitas pessoas que passaram por sua vida. Isso fica claro com a representação das relações dela com convidados, nas cenas em que aparece festejando e comemorando com amigos, e até na convivência afetuosa que tem com o filho (Caio Horowicz) e com o sobrinho (Danton Mello). 

As atuações da série praticamente não tem falhas, a escolha do elenco foi muito bem feita e conseguiu dar vida à história da maneira correta. Valentina Herszage interpreta perfeitamente uma versão mais jovem da Hebe, ela se parece fisicamente com a artista da vida real e consegue transmitir o roteiro de forma equilibrada e emocionante. A música é muito presente nessa fase de 14 a 25 anos e a atriz encarna muito bem a cantora Hebe, tem controle de sotaque e os gestos da apresentadora também aparecem na medida certa. 

A transição entre a versão menos e a mais experiente também não peca, com a falta de semelhança física entre Valentina e Andréa Beltrão sendo suprida pela atuação. As atrizes não deixam de levar a mesma Hebe ao público em nenhum momento, e, muitas vezes, é visível que elas fazem os mesmos gestos ou risada. As mudanças ficam integradas na maturidade e evolução da representação, mas a ligação construída entre as atrizes e a própria Hebe permanece. 

Andréa Beltrão dá um show à parte, decepcionando quem esperava que ela fosse ser cômica demais para a personagem, ou ainda que fosse a escolha errada pela aparência. A atriz entregou Hebe como se tivesse nascido para o papel, acertando dos trejeitos às gargalhadas. Todo o dinamismo, a alegria e o drama, foram encaixados sem exageros e com uma interpretação brilhante. Em diversos momentos é fácil esquecer que Andréa não é a verdadeira apresentadora em carne e osso, e a caracterização contribuiu com ótimas escolhas de figurinos,  joias e maquiagem. 

A atuação não passou despercebida, e a série foi indicada para o prêmio Emmy Internacional 2020.  Andréa estava na lista de concorrentes a Melhor Atriz, mas perdeu para a britânica Glenda Jackson. A premiação ocorreu hoje, dia 23 de novembro, e teve produções brasileiras em destaque, com 7 indicações nacionais concorrendo entre as 11 categorias principais. Além de Hebe, a Globo emplacou mais duas obras, a novela Órfãos da Terra, que levou a estatueta, e a também minissérie, Elis – Viver é melhor que sonhar. 

Entre os pontos negativos da produção, os cortes temporais e flashbacks poderiam ter sido introduzidos com mais fluidez. Muitas vezes essas passagens de um momento a outro são muito rápidas e causam certa confusão sobre o tempo em que os acontecimentos estão se passando. Assim, Hebe se torna o tipo de série que precisa de atenção aos detalhes para que os contextos não sejam perdidos.

 Os exageros do roteiro também poderiam ser medidos de outra maneira. A tática de juntar momentos marcantes que aconteceram em dias diferentes comove e causa impacto, mas, nesse caso, explorar demais isso tornou alguns episódios mais agitados do que deveriam. A classificação da obra enquanto ficção permite essas mudanças, mas trazer mais leveza no lugar de episódios abarrotados de muitos acontecimentos teria sido interessante. 

As pequenas imperfeições não impedem Hebe de ser um belíssimo trabalho que cumpre muito bem sua proposta, o resultado é ótimo e melhora tudo que nos foi apresentado no filme. Hebe é o tipo de minissérie que todo brasileiro que já sentou na frente da televisão e ficou encantado pela energia da apresentadora deveria assistir, a história encanta pela lembrança e pela emoção de resgatar a vida e a despedida da mulher que tanto significa para a mídia brasileira.

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Caroline Campos

Verlust, no alemão, significa perda – mesmo que lust, sozinha, signifique desejo. Afinal, quanto mais desejamos algo, mais medo temos de perdê-lo. Se soubermos que vamos perder, maior é o desejo. É essa complexa e profunda palavra do alemão que o cineasta Esmir Filho escolhe para intitular seu novo filme, Verlust, que participa da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, na seção Mostra Brasil. Uma experiência angustiante e cheia de conflitos, o longa carrega no elenco grandes nomes do cenário nacional e uma trilha sonora impecável.

Andrea Beltrão, a nossa Hebe global, é Frederica, a irreverente protagonista que controla cada respiração do seu dia a dia e das pessoas ao seu redor. Planejando sua festa de Ano Novo numa casa de praia isolada, a mulher está sempre se chocando com Constatin (Alfredo Castro), seu marido e fotógrafo chileno, e Tuane (Fernanda Pavanelli), sua filha subversiva e contrabaixista. Além disso, ela ainda administra a vida pessoal e profissional de Lenny, a maravilhosa Marina Lima, ícone musical que decide lançar um livro pelas palavras do escritor João Wommer (Ismael Caneppele).

A situação dos personagens se torna ainda pior, ou mais estranha, quando uma criatura, mais parecida como uma baleia com incandescência azul, encalha na praia bem de frente a casa. Ao som de uivos agonizantes, o animal parece desencadear ainda mais situações aborrecedoras entre as interações, comunicando-se com pessoas que não se comunicam entre si. Assim, parece que os personagens vão sufocando, tentando se desprender de laços forçados e antigos da mesmo forma que a criatura marinha 

A constante sensação de incômodo no filme trespassa as barreiras do proposital e se torna desconfortável. É extremamente difícil se apegar a qualquer um dos personagens de Esmir Filho, e isso se dá pelo fato de todos eles possuírem relações tão frígidas e decrépitas entre si que o espectador passa a fazer parte de tal morbidez. O longa é indigesto, nos fazendo sentir uma espécie de perigo em co-habitar aquela casa badalada, mas vazia. Vazia de sentimentos, vazia de comunicação, e vazia de paz. 

O elenco, no entanto, traz o glamour que o filme tenta a todo tempo forçar. Beltrão incorpora uma Frederica doente por comando, mas perdida em seus próprios sentimentos, sempre imprevisível e alheia aos toques e sutilezas. Em conjunto com Marina Lima – a cena final, especialmente – , a tela se enche de cuidados em um contato íntimo de antigas amantes e atuais co-dependentes uma da outra. Lenny tem classe e poder, sendo reverenciada a todo momento pela narrativa como uma estrela do rock, seja na ficção ou na realidade.

É interessante perceber como o contrabaixo de Tuane às vezes funciona como um personagem por si só. Ele parece se comunicar mais que os seres humanos, a única forma pela qual a garota consegue se impor sobre os desejos de qualquer um que não sejam os dela. Sempre o tocando em cima das grandes pedras na areia da praia, em meio a ondas e ao balanço do mar, Tuane grita para o mundo suas vontades, sua rebeldia adolescente e reivindica sua liberdade. A criatura o responde, Frederica não o entende. Mas ele segue despejando sua música para a atmosfera de Verlust.

Quando o réveillon chega, todos precisam lidar com o que sabíamos que seria inevitável: a perda. Frederica, que curiosamente estava vestida de amarelo, a cor que ‘atrai dinheiro’ na passagem de ano, flutua entre seus convidados em uma belíssima cena em que, enquanto todos estão congelados, ela desfila em câmera lenta. Câmera essa que, por sinal, está em controle total de Esmir Filho, sempre em planos perfeitamente posicionados – o uso constante de espelhos condiz com a vaidade e o interior de seus personagens. O longa é uma coprodução de Brasil e Uruguai e foi produzido e escrito por 10 anos pelas mãos de Esmir.

Planejado para estrear dia 5 de novembro nos cinemas, Verlust é longo demais para seus 111 minutos. À medida que o filme passa, ficamos mais cansados de tamanha falta de conexão entre nós e seus personagens. Apesar de sua cinematografia categórica, assisti-lo se torna uma experiência tediosa, pois ficamos mais preocupados com o destino da pobre criatura encalhada do que com as decisões da narrativa que a cerca. A obra funciona como um jogo de espelhos, refletindo desafetos, conquistas e talento. E, como num espelho, às vezes vemos o que não gostaríamos.

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