Mariana Bezerra 

Desde o início da história do cinema, as adaptações se tornaram um ponto marcante das produções audiovisuais. Os livros nunca pararam de virar filmes – ou séries, como vem acontecendo nas últimas décadas. No entanto, o surgimento de outros suportes midiáticos também passaram a chamar atenção dos criadores de produções seriadas. Grandes serviços de streaming como Apple TV e Amazon Studios, começaram a transformar os podcasts em seriados. Em 2025, quem ganhou destaque e garantiu presença no Emmy foi Morrendo por Sexo (Disney +), com nove indicações, incluindo as categorias de Melhor Atriz, Melhor Ator em Série Limitada e Melhor Série Limitada. 

O cinema surgiu oficialmente na França em 1895, pouco tempo depois, o romance de George du Maurier,  Trilby e o Pequeno Billy (1896), se tornou o primeiro título a ser adaptado para as grandes telas. Depois desse, outros clássicos literários também se tornaram filmes, como: As Viagens de Gulliver Entre os Liliputianos e os Gigantes (1902), O vento levou (1939) e Branca de neve (1937). Esse projeto adaptativo se formou com o objetivo de propiciar ao público o contato com grandes histórias de modo que pudessem conhecê-los despertando outros sentidos. Ou seja, era apenas uma questão de tempo até que histórias feitas para os nossos ouvidos, despertassem os interesses dos nossos olhos.

O advento dos podcasts faz parte de uma sociedade extremamente apegada a velocidade e a ideia da multitarefa, ou seja, a tentativa de realizar várias atividades ao mesmo tempo. No livro Sociedade do Cansaço, o filósofo coreano, Byung Chul-Han, essa realidade é um retrocesso, uma vez que o ser humano não consegue se dedicar plenamente a mais de uma função. A sociedade se revela contraditória: ao mesmo tempo em que são criadas séries no formato de podcasts, esses ganham imagem e viram videocasts como se fossem programas de televisão. De qualquer forma, uma única tarefa que exija a ativação de mais de um sentido, é capaz de forçar uma maior concentração e de despertar diferentes possibilidades para um conteúdo. E a verdade é que o público está comprando essa ideia. 

Assim surge Dying for Sex (no original), uma série de oito episódios inspirada no podcast homônimo de 2018, narrado pelas amigas Molly Kochan e Nikki Boyer. Molly foi diagnosticada com câncer de mama em 2011 e passou por um longo processo de quimioterapia até a sua cura. Quando, quatro anos depois, recebeu a notícia de que seu câncer havia voltado em forma de metástase (espalhado por todo corpo), Molly decide deixar o marido e começar o seu despertar sexual com 41 anos e câncer estágio IV. 

As duas amigas viveram o inimaginável juntas, desde o desabafo sobre experiências sexuais, às consultas médicas desconfortáveis até verdades difíceis de encarar sobre o quadro de Molly. Essa história dolorosa, aventureira e, principalmente, prazerosa, de uma mulher que decidiu seguir viva até seu último segundo, levou a criação do podcast com os relatos intimistas da dupla, que, certamente, inspiraram muitas outras mulheres. 

A narrativa em primeira pessoa é uma ótima oportunidade para a adaptação de uma história tão particular. Ainda mais quando se fala, literalmente, da voz dessa pessoa. Além disso, Morrendo por Sexo chegou ao streaming com as incríveis performances de Michelle Williams e Jane Slate, que interpretam Molly e Nikki respectivamente. O roteiro não precisou ousar, porque Kochan e Boyer já o fizeram suficientemente. Sem tabus, ao mesmo tempo que, sem a necessidade de criar a imagem de uma super-heroína em um pedestal, a produção consegue emocionar e entreter com uma história que subverte os padrões por si só. 

A adaptação concede ao público mais uma chance de entrar em contato com relatos fascinantes sob uma perspectiva diferente. No entanto, é preciso expandir e ir além de uma simples reprodução. Aproveitar material original, mas saber adicionar e aproveitar com excelência os elementos necessários para uma boa produção audiovisual. Até porque, a variedade de estilos de podcasts é enorme e, enquanto uns são pautados em uma narrativa linear, quase teatral, com efeitos sonoros elaborados – como em A mulher da Casa Abandonada (2022) –, outros se estruturam de forma espontanea, a partir de um bate-papo entre amigas, a exemplo de Morrendo por Sexo. 

A nova era exige – e ao mesmo tempo propicia – um exercício criativo dos produtores, que podem ampliar o leque de sua curadoria. A pesquisa realizada pela Associação Brasileira de Podcasters (Abpod) estima que, no Brasil, há 31,94 milhões de ouvintes de podcast. Diante disso, os estúdios podem se aproveitar de públicos já consolidados para as novas produções, o que pode não garantir, mas possibilita um engajamento prévio significativo. Esse foi o caso da série documental A mulher da casa abandonada (2025), que aborda o caso investigado e apresentado pelo jornalista Chico Felitti em uma narrativa sonora de mesmo nome. 

Os nove episódios contam a história de Margarida Bonetti, procurada pela justiça estadunidense por ter, juntamente com seu marido, submetido uma brasileira a trabalho análogo à escravidao enquanto morava nos Estados Unidos. A produção de 2022 foi um sucesso. No entanto, por ser um caso criminal que não gerou penalização, o documentário foi ainda mais longe – literalmente, para os Estados Unidos – e trouxe informações e relatos não explorados no podcast. Em coletiva de imprensa, Chico Felitti afirmou que “só faria sentido [ a série ] se fosse além do podcast”. 

Pensando em podcasts como ‘materiais’, é importante discutir como eles se inserem no universo digital. A ideia de que a internet é ‘terra de ninguém’ deixa de fazer sentido à medida que a legislação avança. Assim, esse formato pode ser registrado como marca e considerado propriedade intelectual. Diante disso, é preciso pontuar que o ímpeto do ser humano em se comunicar, bem como o seu talento, vem abrindo portas e gerando inovações. 

Em 2023, aconteceram as greves dos roteiristas e atores em Hollywood, que questionavam a desvalorização e precarização do trabalho na indústria do entretenimento. O período atual também é marcado por discussões sobre a possível substituição de funções pela inteligência artificial. Com o advento de mais uma forma de fazer Arte, fica claro que a força criativa humana está está mais viva do que nunca e pronta para usar novas tecnologias ao seu favor.

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Arthur Caires

De tempos em tempos, surge uma história de romance adolescente que se passa em um verão calorento e que envolve duas pessoas que acabaram de se conhecer. Um formato clássico sempre bem-vindo e que, se bem executado, pode facilmente entrar na lista de obras reconfortantes que revisitamos com carinho. O filme Aristóteles e Dante Descobrem os Segredos do Universo almeja esse status e, de certa forma, quase chega lá, mas perde seu propósito no meio do caminho.

Baseado no livro homônimo de 2012, escrito por Benjamin Alire Sáenz, o longa foi lançado em 2023 e dirigido por Aitch Alberto, que buscou reproduzir a narrativa das linhas para as telas. A trama acompanha dois jovens mexicano-americanos na cidade texana de El Paso: Aristóteles Mendoza, um garoto introvertido que luta para se encaixar, e o livre e espirituoso Dante Quintana, que chega à cidade para passar o verão com sua família. Em meio a temas de identidade, raízes e amizade, a produção oferece uma reflexão sobre crescimento e aceitação.

Ao contrário do livro, que apresenta uma narrativa mais pessimista sob a perspectiva de Ari, o filme opta por uma atmosfera acolhedora e vibrante. A ambientação da década de 1980 e da cultura mexicana é retratada de forma eficiente, fugindo de estereótipos e valorizando esse elemento crucial da história. A Fotografia, feita por Akis Konstantakopoulos, embora não seja espetacular, cumpre seu papel e apresenta alguns momentos marcantes. O único ponto fraco, do aspecto cinematográfico, reside na composição de Donna Lisa para alguns figurinos que, apesar de remeterem à época, transmitem uma visão atual e caricata do que as pessoas realmente vestiam.

O roteiro, que foi adaptado pela própria Aitch Alberto e o autor Benjamin Alire Sáenz, tem como destaque a expansão do papel de Tia Ophelia (Marlene Forte) que, no livro, era apenas mencionada. A tia favorita de Ari, vivendo isolada devido à reprovação dos outros familiares sobre sua parceira romântica, ganha maior relevância na história. Sua participação se torna fundamental para o desenvolvimento do personagem principal e sua jornada de autoaceitação. Outro ponto positivo da adaptação é a forma como a mudança de cidade vivida por Dante é representada através da leitura de cartas. Apesar de ser um momento que sua presença fica reduzida, as cenas paralelas com a vida de seu melhor amigo são muito bem construídas.

Contudo, um dos principais motivos pelo qual Aristotle and Dante Discover the Secrets of the Universe não consegue se destacar é a sua duração. Para uma comédia romântica despretensiosa, 96 minutos podem ser suficientes. No entanto, para uma história profunda com personagens complexos, a falta de desenvolvimento prejudica a experiência. As cenas, rasas e rápidas, falham em se conectar, especialmente nos momentos de tensão, como a cena do acidente de carro. A diretora, conhecida pelos seus curta-metragens, opta por deixar muitos detalhes subentendidos, acessíveis apenas àqueles que leram o livro.

Um ponto crucial que a adaptação deixa de explorar em sua totalidade é a questão do irmão de Aristóteles, preso por assassinar uma travesti. As poucas memórias que o protagonista tem do irmão despertam sua curiosidade, mas seus pais, Liliana Mendoza (Verónica Falcón) e Jaime Mendoza (Eugenio Derbez), não tocam no assunto. No filme, essa temática é tratada de forma superficial, o que é decepcionante, especialmente considerando as polêmicas envolvendo pronomes que cercam o autor e a identidade transexual da cineasta. Da mesma forma, a epidemia de Aids, que no livro gera um maior debate, é resumida a uma mera menção no noticiário da Televisão.

Max Pelayo e Reese Gonzales, que interpretam Aristóteles e Dante respectivamente, fizeram um ótimo trabalho em representar as principais características e essência dos dois personagens. Ari, por trás da fachada de ‘valentão’, esconde inseguranças e receios, enquanto Dante é mais receptível e extrovertido, fazendo com que suas diferenças se complementem. A química entre os dois como amigos é intocável, como se ninguém os entendesse tão bem quanto o outro, especialmente o sentimento de se sentir um pocho – uma forma pejorativa de se referir a um mexicano que se tornou ‘americanizado’. Porém, à medida que a obra avança e a atração romântica floresce, a intimidade inicial se esvai, prejudicada pela falta de desenvolvimento gradual nas cenas anteriores.

Em um mar de blockbusters que sexualizam e adultizam a adolescência, Aristóteles e Dante Descobrem os Segredos do Universo ousa navegar um universo cristalino, preservando a inocência e os encantos dessa fase tão singular. Primeiros amores, descobertas da própria identidade e amizades genuínas permeiam a vivência de Ari e Dante. Para se consagrar como um clássico atemporal, faltou ao longa um farol, uma mensagem final ou uma bússola moral que guiasse os espectadores por essa jornada. Bastariam alguns minutos a mais para eternizar essa história nos nossos corações.

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Beatriz Apolari

A Cinco Passos de Você, obra cinematográfica lançada em 2019, completa cinco anos presente na memória afetiva de muitas pessoas. Dirigido por Justin Baldoni, o longa conta a história de dois jovens diagnosticados com fibrose cística que vivem uma história pura, mas dramática, de amor. O livro homônimo que inspira a produção audiovisual é escrito por Rachael Lippincott e Mikki Daughtry, e também foi lançado em 2019.

A película veio seguindo a tendência de romances teen trágicos iniciada por A Culpa É das Estrelas (2014), mas se mostra diferente por abordar a distância física entre os protagonistas, denotada no título, e discutir a necessidade do toque humano. Inclusive, a narrativa se inicia com essa ambientação: o quão importante é o contato com aqueles que amamos.

De cara somos apresentados à Stella Grant (Haley Lu Richardson), uma adolescente perfeccionista de 16 anos com fibrose cística que passa seus dias internada no hospital seguindo uma rotina rígida estipulada por ela mesma: ela faz conteúdo para a internet, desenvolve aplicativos e organiza seu tratamento quase sozinha. Quando ela conhece o excêntrico Will Newman (Cole Sprouse), sua mania de controle entra em colapso.

Will sofre de fibrose cística como ela, mas fora contaminado com uma bactéria altamente contagiosa para aqueles que possuem a síndrome respiratória. Já sem esperanças de viver, ele negligencia o próprio tratamento. Isso deixa Stella inconformada, então eles fazem um acordo: Will deixaria Stella administrar sua rotina e tratamento se ele pudesse desenhá-la. O apelo psicológico nasce do fato de que, mesmo apaixonados, por conta da fibrose e da bactéria, os dois precisam ficar fisicamente afastados, separados por cinco passos de distância.

Diversos foram os curiosos para ver Cole Sprouse, na época galã de Riverdale, interpretando mais um garoto sarcástico e reservado. Neste quesito, não existe nenhuma novidade em sua atuação. É Haley Lu Richardson, a Stella, quem mais cativa. Você chora, se apaixona e se diverte com ela. Ainda, é preciso destacar as atuações de Moises Arias (ex-Hanna Montana) como o também paciente e melhor amigo de Stella, Poe Ramírez, e de Kimberly Hébert Gregory como a enfermeira Barbara.

O filme acerta em mostrar o ambiente hospitalar como muito mais que um prédio carregado de tristeza. As amizades entre funcionários e pacientes e o espírito coletivo de cuidado já trazem essa humanização, mas a direção estreante de Justin Baldoni explora muito bem os espaços físicos do hospital. Quando Stella e Will passeiam separados por um taco de sinuca, por exemplo, podemos conhecer todos os cantos deste lugar que deveria ser melancólico, mas para muitos é como um lar (mesmo que temporário). 

Entretanto, os vínculos parentais dos protagonistas são pouquíssimos explorados. Esse é realmente um furo no roteiro. Will fala sobre a preocupação de sua mãe com sua recuperação, porém ela raramente aparece. Stella conta que gostaria de se manter viva por seus pais, contudo ela se encontra com a mãe apenas uma vez e seu pai só aparece quando ela é submetida a um transplante de pulmão. A única menção parental recorrente é de Abby, irmã de Stella que havia falecido anos antes. 

A narrativa da paixão entre os pacientes mostra a rebeldia contra o tratamento e tudo aquilo que a doença havia lhes restringido, como a simples ideia de liberdade de amar quem se ama. Dessa forma, mesmo distantes e correndo risco de vida, eles decidem viver esse amor. Ainda, o constante diálogo com a morte manifestado nas complicações da doença, na perda de entes queridos e nos questionamentos sobre o que acontece quando morremos é responsável por manter uma atmosfera sensível e emotiva durante todo o longa.

Assim é construída a beleza do filme. Pode até parecer um romance adolescente sem muitas novidades cinematográficas, mas é muito certeiro no que se propõe: mexer com o coração do público. Em 2019, as pessoas saíam com os olhos marejados das salas de cinema. Em 2024, os espectadores permanecem assistindo à obra por trás de uma lente de lágrimas.

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Giovanna Freisinger

“Eu me aventurei e não encontrei nada além de açúcar e violência”. Essas são as palavras de Bella Baxter em Pobres Criaturas após andar pelas ruas de Lisboa sozinha, vendo o mundo com os próprios olhos pela primeira vez. Adaptado do romance vitoriano Pobres Criaturas de Alasdair Gray, com o roteiro assinado por Tony McNamara, a nova obra de Yorgos Lanthimos é um banquete sensorial. 

Com cores vibrantes, arranjos musicais provocantes, caracterizações exageradas e elementos surrealistas de ficção científica, o longa é uma experiência audiovisual como nenhuma outra, principalmente diferente de qualquer coisa que vemos nas salas de cinema há tempos. Não à toa, está concorrendo ao troféu de Melhor Filme no Oscar 2024, junto a outras 10 indicações, que também incluem Lanthimos em Melhor Direção e McNamara em Melhor Roteiro Adaptado. 

O diretor tem um olho particularmente bom para reconhecer talentos e, mais do que isso, enxergar o potencial de um ator para ir onde ainda não teve a oportunidade de explorar. Essa não é a sua primeira colaboração com Emma Stone, que encarna a protagonista nada comum Bella Baxter. Ela teve um papel importante em A Favorita em 2018, que também recebeu muita atenção das grandes premiações. Os dois trabalharam juntos novamente no curta-metragem Bleat em 2022. É arrebatador o encontro entre dois criativos que falam a mesma língua e, assim, expandem a sua Arte com a parceria. 

Interpretar Baxter garantiu à atriz a sua quarta indicação ao Oscar por atuação, concorrendo como uma das favoritas ao prêmio de Melhor Atriz, o que pode significar sua segunda vitória. Stone participou da concepção do longa também como produtora executiva, o que coloca seu nome na corrida pelo troféu de Melhor Filme, sua quinta indicação da carreira.

A personagem é o resultado de um experimento do brilhante cientista Dr. Godwin Baxter, a quem ela se refere apenas como God – uma simbologia bem escancarada. O especialista, interpretado com maestria por Willem Dafoe, se preocupa muito pouco com as considerações éticas envolvendo os seus projetos. Stone alcança um novo patamar em sua carreira ao desenvolver em detalhe, junto ao diretor, os modos de caminhar, se portar e falar de Bella do zero, para então se desprender deles de maneira tão orgânica que a criatura amadurece como uma nova mulher diante dos nossos olhos, sem percebermos a mudança abrupta. 

A trama de Poor Things (no original) se passa durante o século XIX, mas o compromisso assumido não é com a precisão histórica, e sim com a construção de um mundo através das lentes da visão da Bella, que está o conhecendo pela primeira vez. A distorção dos cenários e os demais efeitos conquistados pela fotografia de Robbie Ryan através de lentes amplas, com efeito olho de peixe, conversam com o design do set de cores saltadas e elementos futuristas, criado pela direção de arte de James Price, Shona Heath e Zsuzsa Mihalek. Juntos, somam mais duas indicações ao Oscar em suas respectivas categorias: Melhor Fotografia e Melhor Direção de Arte.

Todos os elementos do filme também acompanham a evolução do arco da protagonista, o mais evidente sendo a transição do preto e branco da sua criação para o colorido vibrante das novas descobertas. Os figurinos extravagantes e cativantes de Holly Waddington, que trazem uma leitura moderna à moda da época, e as maquiagens e penteados de Nadia Stacey, Mark Coulier e Josh Weston são ferramentas para a expressão vibrante da personalidade e estado mental dos personagens ao longo do enredo. A trilha sonora de Jerskin Fendrix não é diferente: as composições se transformam e se expandem em complexidade conforme Bella amadurece e encontra o seu lugar no mundo como mulher. Todas essas categorias também foram notadas pela Academia e concorrem à premiação. 

Lanthimos definiu, em entrevista à Vogue Brasil, Pobres Criaturas como “um filme sobre o que um ser humano é capaz de fazer em um novo começo, com uma tela em branco, e o que experimenta a partir daí de uma maneira diferente do que já foi feito”. Bella Baxter é uma personagem extremamente interessante de assistir por ser completamente livre de quaisquer convenções sociais ou morais. Por questionar tudo, ela expõe ao ridículo regras fúteis da sociedade ao seu redor, como as de etiqueta, e nos faz olhar para o modus operandi em que vivemos. A mulher-criança decide o que quer a partir do que lhe dá prazer e, fazendo isso, planta a pergunta em nós: o que está nos impedindo de fazer o mesmo?

Nesse processo, a protagonista esbarra em uma de suas descobertas mais fascinantes: o orgasmo. Começa como uma curiosidade sensorial, de revelação do próprio corpo e suas sensações de prazer, como uma jovem na puberdade com a inocência de acreditar que é a primeira a descobrir isso. Eventualmente, a sua busca se estende a outros corpos e as possibilidades ao se relacionar com eles, não só restritas ao desejo, mas também à vontade de conhecer de perto as inúmeras formas de relações interpessoais. 

Duncan Wedderburn, personagem de Mark Ruffalo, aparece como uma porta para o mundo afora e seus deslumbres. Bella se deixa ser guiada pelo advogado arrogante em seus primeiros passos em direção à independência, mas não permite que ele determine o caminho. O horizonte de sua curiosidade se expande para além de sensações e momentos, através de livros e pessoas que, assim como ela, questionam o que é estabelecido. O relacionamento dos dois desmorona conforme ela aprende a andar com os seus próprios pés.

É aí que, de repente, a criança é Duncan: birrento e perdido, representação de um homem que não só não está acostumado com frustrações, mas que também não consegue conceber em sua mente a noção de uma mulher que talvez queira experimentar o mundo, muito como o próprio, e não tenha interesse em se restringir às suas promessas, não importa o quão sinceras. O que Ruffalo conquista em cena é espetacular. A performance charmosa e hilária de um sedutor dramático é um dos pontos mais altos do filme, o que o levou ao reconhecimento muito merecido com a indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.

Em defesa do galã desiludido, não é só Wedderburn que demonstra não saber como reagir a uma mulher como Bella. Quase todos ao redor da protagonista querem encontrar formas de controlá-la e moldá-la de acordo com suas crenças e interesses pessoais. Uma eventual exceção é o seu criador, God, que passa a abrir mão do controle sobre o seu experimento para deixá-la seguir sua própria caminhada. Com isso, ele se torna um pai ao qual ela retorna, como uma redenção de Frankenstein com o seu monstro. 

O cerne de Pobres Criaturas é a quebra da ilusão, a saída da caverna para Bella. A vida é, sim, sobre doces deliciosos, viagens, dança e sexo, mas também é sobre violência, injustiça e miséria. Quando o amigo que ela conhece no cruzeiro, interpretado por Jerrod Carmichael, se revolta com a sua ingenuidade e decide a expor ao mundo real, ela experimenta a culpa. Até então ignorante a essa realidade, ela é colocada diante da parte feia do que torna o seu estilo de vida possível. Esse é um ponto crucial no seu desenvolvimento, o impulso necessário para começar a perceber as estruturas sobre as quais a sociedade se apoia e entender que conhecer a verdade pode ser doloroso, mas é o único caminho para a liberdade. 

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Gabriela Bita

O anúncio de adaptação de uma obra literária para as telas é algo que deixa muitos fãs apreensivos. A aposta da Amazon Studios em Vermelho, Branco e Sangue Azul permitiu que os admiradores do livro homônimo – escrito por Casey McQuiston – respirassem, de certa forma, aliviados ao verem seus queridos personagens ganhando vida. Em pouco menos de duas horas, o filme reconta a história de 392 páginas de Alex Claremont-Diaz e o príncipe Henry.

Na trama, Alex (Taylor Zakhar Perez) é filho da presidente dos Estados Unidos e queridinho da mídia americana, enquanto Henry (Nicholas Galitzine) é um dos príncipes da Inglaterra – amado não só por sua nação, mas também pelo mundo todo – e ambos não se suportam. Após um desastre no casamento do irmão mais velho do membro da realeza, que incluiu um bolo milionário sendo destruído, os jovens precisam manter as aparências para o público e fingir que são amigos de longa data. Conforme se aproximam, a mágoa e ressentimento entre os dois dá lugar a um sentimento novo, confuso e intenso, que pode pôr em jogo a reeleição da mãe de Alex e a vida do príncipe britânico na conservadora corte.

Apesar de ser impossível abordar cada um dos pequenos detalhes explorados por McQuiston nas páginas nesse tipo de produção audiovisual, o longa passa a verdadeira essência da narrativa original apenas na sua segunda metade. Durante toda a primeira hora, o roteiro de Matthew López, Casey McQuiston e Ted Malawer parece vagar perdidamente por entre a ambientação e os personagens. Todos os acontecimentos do período são desenvolvidos com uma rapidez desfavorável para a trama e tentativa de alcançar uma dinamicidade para o denso romance acaba fracassando.

Já no início da segunda hora, é possível perceber a presença de uma maior profundidade no desenvolvimento da história, ainda que a sensação de pressa permaneça. López acerta na ambientação projetada para a comédia romântica, garantindo que um sentimento de familiaridade seja captada pelo público através de toda a caracterização e elementos visuais que parecem ter sido minuciosamente retirados das descrições feitas por McQuiston em seu livro. Dessa forma, é possível perceber que a fidelidade à essência da obra adaptada é mantida.

Através de Taylor Zakhar Perez e Nicholas Galitzine, McQuiston vê Alex e Henry criando vida e conquistando o público novamente. Perez absorve a personalidade de Claremont-Diaz com maestria e realmente dá vida ao filho da presidente dos Estados Unidos. Contudo, mesmo com sua atuação excelente, Galitzine, infelizmente, não fez jus ao príncipe da Inglaterra. Ao contrário de seu par romântico, o ator não parecia estar totalmente imerso e em sincronia com a essência de Henry. 

No entanto, a química entre os protagonistas é um ponto que não se pode negar. Quando juntos, Perez e Galitzine fazem a temperatura de qualquer ambiente aumentar e garantem que pelo menos a paixão proibida e avassaladora entre os jovens seja representada com êxito. Em união, os dois formam um casal perfeito para comédias românticas e são certeiros em encenar os pequenos detalhes que demonstram o amor nascendo gradualmente entre eles, até que ambos estejam ardendo um pelo outro.

Outro ponto positivo da adaptação é a sensibilidade na produção das cenas de intimidade entre os rapazes. Tanto López quanto as figuras principais do elenco abordam a questão com maturidade e responsabilidade, o que reflete em um tom leve para toda a trama, especialmente para os momentos em que os amantes estão a sós. Após alcançar um equilíbrio e uma dinamicidade para a obra, o trânsito entre o cômico e o sensível se demonstra um ponto forte e bem trabalhado, convergindo com a literatura da qual é adaptada. É realmente uma pena que tal tom leve mais da metade do filme para ser estabelecido.

A trilha sonora de Vermelho, Branco e Sangue Azul é um dos pontos fortes da produção. A parte instrumental, composta por Drum & Lace, finaliza o ambiente e materializa os sentimentos e o íntimo dos personagens, tal qual externalizados pela escrita de McQuiston. Além disso, agradando a todos os gostos – de Queen a Bad Bunny – músicas de diversos outros artistas são incluídas de modo certeiro durante todo o longa.

Apesar de possuir pontos fracos, o resultado da adaptação de Vermelho, Branco e Sangue Azul é um filme divertido e que acalenta o coração. Considerando o tempo limitado da produção e a extensa quantidade de páginas da obra original, o trabalho foi bem realizado por toda a equipe e, mesmo que alguns personagens, cenas e diálogos façam falta, Alex e Henry continuam fazendo História.

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Vitória Gomez

O Cinema, enquanto Arte, amplia horizontes. Seja ao apresentar pontos de vistas únicos que fazem o espectador pensar duas vezes ou retratar uma cultura diferente, entrar em contato com o desconhecido pode também ser desafiador. Na 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, A Sibila é um desses desafios para um público desavisado: o longa, presente na seção Novos Diretores do festival, adapta o romance homônimo de uma importante escritora portuguesa, Agustina Bessa-Luís.

No entanto, diferente de outros escritores portugueses, Bessa-Luís não virou leitura obrigatória no Ensino Médio ou nos vestibulares, e a adaptação de sua obra, tida por muitos como impossível de ser realizada pelo tom de monólogo, instiga o público a pensar em como a Literatura e o Cinema se constroem, se conectam e se sobrepõem (se é que o fazem). Em pouco mais de uma hora, Eduardo Brito, diretor estreante em longas-metragens, assume o desafio e questiona esses limites.

Assim como no livro, A Sibila se passa no interior de Portugal em meados do século XX, em um charmoso casarão rústico, com móveis de madeira, janelas altas e paredes amarelas claras. Nele, Germana (Joana Ribeiro), sentada em uma cadeira de balanço, conta a história da vida da tia, Maria Joaquina (Maria João Pinho) a um amigo. Quina, como a familiar era conhecida, foi a única das irmãs que não se casou e teve filhos e, por isso, criou uma afeição em especial com Germa (a sobrinha).

No entanto, como qualquer narrador, a mais nova tem suas opiniões e o monólogo em off não a deixa mentir. Porém, é através das farpas e dos comentários duvidosos proferidos pela sobrinha que o espectador analisa as situações, equilibrando o que se escuta com o que se vê. Nesse caso, o que se vê são as ações de Maria Joaquina, já que, passeando entre os tempos em uma linguagem cinematográfica dinâmica, o longa mescla a contação de Germa, no presente, às ações de Quina, no passado. A semelhança física entre as duas atrizes tornam a experiência ainda mais curiosa, ao, em um primeiro momento, tentar distinguir quem é quem.

Indo e voltando entre tempos da narrativa, mas sem sair da mesma sala da Casa da Vessada que foi herdada por Quina, A Sibila impõem um ritmo que frequentemente se contrapõem à narração. Enquanto a caracterização bucólica e a sensação de isolamento prevalecem entre ambos – essa segunda parte graças à fotografia de Mário Castanheira, que filma amplos ambientes internos e externos destacando a ausência de corpos -, a condução em forma de monólogo pede um passo atrás.

Isso porque a obra se constrói em um texto que parece tirado diretamente do livro base. Com uma língua afiada e um punho fechado, a protagonista reproduz falas literárias que fascinam pela riqueza de vocabulário e construções frasais únicas – embora afastem o espectador, que, pelo menos nas sessões da Mostra de São Paulo, não recebeu uma legenda adaptada para o português brasileiro e pode ter perdido parte da complexidade da narrativa. Tamanho é o floreio na escrita, em um roteiro também de Eduardo Brito, que é como assistir um filme narrado pelas irmãs Brontë ou Jane Austen – ou por Agustina Bessa-Luís.

Para além da condução, a narração e a atuação das duas protagonistas engrandecem o roteiro de Brito: desde o início, Germa retrata Quina de uma forma manipuladora, mas também extremamente esperta e resistente às adversidades de uma sociedade que a subjugava. Descrita como “possuidora de todo o puro enigma do ser humano”, na voz de Joana Ribeiro a mais velha ainda ganha tons de mistério, como se seus negócios nada secretos tivessem motivos alternativos por trás, uma espécie de feitiçaria. No entanto, o que se mostra na tela é uma Maria Joaquina simples, com desejos que não passam de ganância.

As dualidades vividas intensamente por Maria João Pinho retratam uma personagem solitária, que não se tornaria submissa a um homem apenas por convenção, mas que, pelo desejo por propriedades, jóias e outros bens materiais, afastou o afeto e comprava o amor da família. Germa foi uma das agraciadas: a sobrinha, uma criança curiosa e questionadora que se afastou da tia na infância, se reconectou com ela posteriormente. Na idade adulta, as diferenças – a mais nova foi viver na cidade e estudar artes, enquanto a mais velha defendia a vida no interior e os ensinamentos dos deveres de casa – criam uma relação magnética de admiração, mas também de ciúmes e ainda mais ganância.

A complexidade da protagonista ganha novos tons em sua relação com Custódio (Raimundo Cosme), criança moradora da Casa da Vessada antes de Quina herdar a posse do lugar. Adotado afetivamente, ele foi criado com a mesma sede por riqueza que ela. Porém, sob sua rigidez, se tornou um jovem ocioso e dependente, que, sem planos de vida, espera somente o testamento da mais velha. O filho adotivo, assim como os outros homens da trama – pais, irmãos e maridos – são os donos daquela Portugal arcaica e rural, mas, em A Sibila, a visão feminina de Germa sobre a tia a coloca em um local de superioridade ao gênero oposto: eles podiam ditar as regras no mundo, mas nas terras herdadas por Quina, especialmente no Casarão da Vessada, ela quem mandava.

Jogando um olhar sob uma Portugal patriarcal, A Sibila subverte uma lógica simplista ao retratar duas personagens decididas, cheias de nuances e defeitos (que podem tornar até difícil a conexão), mas sempre dispostas a bater de frente com quem fosse para conseguir o que queriam – inclusive, uma com a outra. Com um texto extremamente literário, o envolvimento depende da disposição em decifrar um idioma homônimo ao nosso, porém com poucos traços de similaridade prática. Em um exercício de como a linguagem cinematográfica pode corroborar com a adaptação literária, Eduardo Brito mostra que ambas Artes andam de mãos dadas.

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Fábio Gabriel Souza

Sorriem, fiquem eretos. Vocês estão no ar

– Effie Trinket

Após 10 anos do lançamento, é interessante analisar um filme que se mantém tão atual se comparado com a realidade geopolítica do mundo. Jogos Vorazes – Em Chamas acontece no país distópico e totalitário de Panem, onde 12 distritos são governados com mãos de ferro pela Capital. Após uma guerra devastadora, conhecida como Dias Sombrios, os Jogos Vorazes foram instituídos como punição, em que uma garota e um garoto de cada distrito lutariam até a morte em uma arena, sobrevivendo apenas o mais forte.

O longa inicia com um ritmo mais lento e introspectivo, quase exatamente onde terminou o primeiro, Jogos Vorazes. Tal dinâmica demonstra a existência de uma grande confusão na cabeça de Katniss (Jennifer Lawrence), que, após os traumas sofridos na 74° edição do evento, tenta se recuperar antes da Turnê da Vitória. O que ela não esperava era enfrentar as consequências dos seus atos e se encontrar em um intrincado jogo político ditado pelo presidente Snow, interpretado brilhantemente por Donald Sutherland. A trama entra em um ritmo mais acelerado com o início da turnê, na qual a personagem principal e Peeta (Josh Hutcherson) voltam a interpretar os amantes desafortunados do Distrito 12.

Essa viagem não acaba quando volta para casa. Você nunca desce desse trem.

– Haymitch Abernaty

Em paralelo a isso, ainda existe o forçado e sem sal romance da garota em chamas com o revoltado e egoísta Gale (Liam Hemsworth), que não convence e existe apenas para mostrar o quanto a protagonista não sabe o que está fazendo. O plot twist aparece quando se anuncia a 75° edição dos Jogos e o 3° Massacre Quaternário: Katniss voltaria para a Arena e novamente fica sob custódia da Capital.

O longa dirigido por Francis Lawrence, diretor também de Água Para Elefantes (2011), trabalha muito bem a intimidade dos atores com a câmera. Os momentos de tensão, por exemplo, são muito bem feitos e passam ao telespectador um constante recado de que nada está bem e que a qualquer momento irá piorar. Isso acontece durante todo o desenrolar de Em Chamas, mas alguns momentos são mais marcantes, como no encontro entre a protagonista e o ditador instantes antes do início da grande viagem por Panem.

A fotografia, desenvolvida por Jo Willems, é outro ponto de destaque. Com o dobro de orçamento de Jogos Vorazes, o resultado são imagens belíssimas que complementam o brilhante trabalho do diretor em passar mensagens com a câmera. Ora com takes intimistas e melancólicos, ora com sequências revoltantes que despertam ódio e stress, a produção é sem sombra de dúvidas uma obra-prima contemporânea.

Entretanto, a fidelidade extrema da produção para com o livro escrito por Suzanne Collins, que agradou e muito os fãs, por vezes atrapalha a dinâmica da adaptação. As cenas idênticas ao romance quebram o ritmo da narrativa em algumas situações, interferindo na experiência imersiva da proposta cinematográfica. Além disso, sendo o segundo filme, Em Chamas não possui início e nem final, o que, a depender dos olhos de quem vê, pode ser um ponto negativo. Começando logo após o primeiro longa da franquia e terminando exatamente onde começa o terceiro, os desavisados podem ter um problema para entender a trajetória dos amantes e de toda Panem.

Ainda durante a sequência podemos acompanhar o amadurecimento de Jennifer Lawrence enquanto intérprete de Katniss Everdeen. A atriz consegue transparecer claramente todos os sentimentos conflituosos sentidos pela personagem. Quanto ao elenco principal, o que se vê é um show de atuação entregue por atores de peso, como Elizabeth Banks, Josh Hutcherson, Woody Harrelson, Lenny Kravitz e Donald Sutherland, que dão vida com primazia a personagens complexos e profundos construídos por Collins.

A imagem de Effie Trinket (Banks) é essencial para se entender a profunda complexidade da sociedade distópica retratada. A escolta do Distrito 12 é uma pessoa deslumbrada com os jogos, mas que, no decorrer da trama, começa a perceber a verdadeira realidade em que está inserida. Representando todo o fetichismo, futilidade e manipulação que a população da Capital sofre, Effie nos apresenta ao resultado do Pão e Circo proposto pelo governo de Panem.

Novamente, assim como no primeiro filme, Peeta representa a grande oposição a Katniss e o complemento perfeito para toda a voracidade e revolta internalizada da protagonista. Sendo um grande orador, o personagem consegue transformar em palavras belas e convincentes a dura realidade em que estão inseridos, inflamando os telespectadores e patrocinadores da Capital. Afinal, no grande simbolismo do Massacre cada um usa a arma que têm, e o padeiro sabe muito bem usar as suas.

Os novos rostos transformam a dinâmica da trama, nos inserindo ainda mais nesse universo distópico e mostrando um pouco sobre a realidade vivida em cada distrito. Com atuações excepcionais e envolventes, Finnick Odair (Sam Clafin) propõe uma sensualidade fortemente presente na figura dos tributos, mas que faltou nos jogos anteriores, e Johanna Mason (Jena Malone) traz toda a revolta que Katniss e a população periférica dos distritos não conseguem colocar para fora.

Jogos Vorazes – Em Chamas foi um sucesso de público, sendo a 5° maior bilheteria de 2013 e muito bem recebido pela crítica, com altos índices de aprovação. Mesmo após 10 anos, o longa ainda provoca grandes reflexões no telespectador quanto ao capitalismo e a banalização do mal (aspectos fortemente criticados na franquia), além de problematizações sobre a sociedade contemporânea. 

Em Chamas pode ser considerado um excelente segundo capítulo e esse é um dos motivos da grande expectativa para o quinto filme da franquia, Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes. A adaptação da mais recente obra de Collins chega aos cinemas brasileiros no dia 15 de novembro, pouco depois do aniversário da irmã, e promete continuar emocionando a legião de fãs conquistada pelas quatro primeiras adaptações e trilogia de livros.

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Henrique Marinhos

Dirigido e roteirizado pelo cineasta português Artur Serra Araújo, Dulcineia conta a história de Hugo, um contrabaixista de jazz que decide tirar um ano sabático e voltar a Porto, sua cidade natal, em busca de equilíbrio e inspiração. No entanto, como o fio condutor da trama, a sinfonia se desenvolve lentamente em torno de um mistério como um pianista famoso, que toca uma música que o protagonista vem escrevendo na sua cabeça há anos, mas nunca conseguiu colocá-la no papel.

A obra está presente na 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, na seção Perspectiva Internacional, e mistura elementos de romance, suspense e uma quase fantasia. Suas referências também são diretas e bem-vindas, construindo uma base sólida para o desenvolvimento da narrativa: Dom Quixote, que influi o nome da personagem Dulcineia (Alba Baptista) e sua relação com Hugo (António Parra); a própria cultura de Porto, retratada em belas imagens e diálogos; e o jazz, a paixão e a expressão de Hugo e dos demais músicos que ele encontra em sua nova jornada de autoconhecimento. 

Apesar do destaque positivo das atuações do elenco principal, a exploração de temas como a identidade e o destino já são complexas por si só. Além disso, a escolha de utilizar questões fantásticas em um personagem enigmático e contraditório, que vive uma crise existencial e artística, contrapõem ainda mais a clareza da narrativa. Infelizmente, essa dinâmica traz um desenrolar não tão fluido e confortável à plateia – mesmo que talvez fosse para ser assim. 

Em um esforço notável para relacionar o audiovisual com o roteiro, a construção do longa é muito calma e contemplativa. A fotografia de Tiago Carvalho reúne tons frios e escuros em uma ambiência de desesperança, ressaltando os detalhes dos cenários e dos personagens. E assim como o visual, que muitas vezes impulsiona instrumentos musicais como foco, a composição sonora, com o desenho de som por Pedro Marinho e música por Pedro Marques, também reflete estados emocionais e atmosféricos do protagonista de maneira majestosa, alternando entre melodias suaves, harmoniosas, tensas e dissonantes muito bem aproveitadas pelos atores.

No entanto, a montagem, também por Tiago Carvalho, com planos longos e curtos, não entra em uníssono com toda composição descrita até aqui. Aparentemente comprometida com o mistério por sua alternância, a escolha de diálogos, transições e duração dos planos não potencializa tudo que é ofertado pelas boas atuações, fotografia e som. Talvez sequer fizesse diferença em produções mais curtas, mas em seus longos 90 minutos, a concentração e construção de uma linearidade por parte do público poderiam ter sido facilitados, ainda considerando a obra como uma adaptação pelo diretor.

Dulcineia como um todo, na verdade, é uma ode à Música como Arte e parte da vida dos personagens. Apresentada através do contrabaixo, do piano, da guitarra, da bateria e da voz, a orquestra audiovisual transita entre pontos de muita beleza e contemplação e uma tensa confusão expressa pela busca de si mesmo, mas também pela organização, intencional ou não, de cenas contrapostas como entraves para a fluidez.

O filme é, sem dúvida, uma produção com profundidade e ricas referências, dialogando com a literatura, a Música e o Cinema, mesmo que com uma estética representativa de autoconhecimento não tão única assim. O questionamento dos limites das escolhas e desejos do Hugo causam o frio na barriga que só o conhecimento de si mesmo pode provocar – e que bom ser assim. 

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Vitória Gomez 

Sofia Coppola é mestre em retratar mulheres jovens adultas enclausuradas em residências enormes sob o controle de terceiros. No entanto, se Maria Antonieta terminou com a cabeça na guilhotina, Priscilla Presley quebrou o ciclo de solidão e escapou de sua prisão em Graceland, a segunda casa mais famosa dos Estados Unidos. Em Priscilla, uma adaptação do livro de memórias Elvis and Me, a diretora e roteirista deixa o nome do Rei do Rock de lado para direcionar o olhar à personagem-título.

Já sabemos o que precisamos sobre Elvis Presley. Para além da cultura popular, a recente cinebiografia indicada ao Oscar de Baz Luhrmann mostra a ascensão e queda do cantor, incluindo seu relacionamento com Priscilla Presley e com a fama. Priscilla existe no mesmo contexto, mas Coppola – que esclareceu que fez o filme para ela mesma – procura o lado da menina que chegou perto demais do brilho de uma estrela e teve o seu próprio apagado.

Na obra, Elvis (Jacob Elordi) conhece a protagonista – ainda então Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny) – na Alemanha, quando servia o exército. Na época, ele já era um astro da Música, tendo todos os olhos voltados para ele mesmo no exterior. Casualmente, a menina é convidada para um evento na casa dele e prova um pouco de sua atenção, que não seria constante pelo resto do casamento dos dois. Presley era a típica celebridade cercada de pessoas a seu dispor, dando palhinhas de seu talento e usando seu charme para questionar à protagonista qual era sua canção favorita dele.

Como toda adolescente dos anos 1960, Priscilla era fã de Elvis Presley e seus pôsteres na parede não a deixam mentir. Mesmo no nono ano da escola, como o cantor rapidamente descobre – e não parece ligar -, ela ganha a afeição do artista e conhece seu lado mais frágil e carinhoso. Ele estava de luto pela mãe, precisava de companhia e não media esforços para conquistar ela e os pais.

Já no primeiro ato, Sofia Coppola mostra um Elvis Presley apaixonado. Se a história do casal se desdobrou para um divórcio conturbado, o início não se mostrava assim. A cineasta não vê necessidade em discorrer sobre a carreira do Rei antes da entrada da protagonista em sua vida e, acertadamente, distorce o título do livro adaptado: Elvis e Eu se torna apenas Priscilla e, quem quiser assistir sobre a vida completa do astro, pode procurar essa história em outras obras. Aqui, o antes, durante e depois do casamento deles se torna a trama principal e a mudança de tom no relacionamento entre os dois, o grande chamativo.

Logo de cara, é palpável a influência que Elvis Presley exerce sobre Priscilla – e, diga-se de passagem, todos a seu redor. Com uma atuação contida e inquietante de Jacob Elordi, o artista usa todo seu charme para provar à protagonista que, por trás do topete invejável, bate um coração. No entanto, é só dele mesmo que Elvis sabe falar e todas as pessoas ao seu entorno parecem estar ali para meramente entretê-lo ou servi-lo, como a bizarra Memphis Mafia de urubus que nunca sai de perto. Ela aparenta ser a exceção, até não ser mais.

Para impor o desenrolar da narrativa, Priscilla se preocupa mais em contextualizar como a personagem foi parar em Graceland e trocou o Beaulieu por Presley do que o que vem depois. Também a partir da influência do futuro marido, a menina vai e vem entre os Estados Unidos e a Alemanha, até que ele convence os pais dela a aprovarem a mudança para Memphis, sob tutoria do pai de Elvis e estudando em uma escola católica.

Porém, como seria no restante do relacionamento, a protagonista deve se encaixar se quiser pertencer à vida do cantor. Ele está sempre entre trabalhos, seja na gravação de um filme com fofocas de envolvimento com alguma atriz da época ou projetos musicais – e o artista faz questão de lembrá-la o quão sortuda ela é pelo privilégio de estar com o Rei do Rock. Até quando o astro não quer aprofundar a relação íntima dos dois, ele faz questão de lembrá-la que, se ela não for a mulher que ele precisa, haverão outras.

Para apresentar as nuances do relacionamento dos dois, a direção de Coppola se une ao trabalho primoroso de Cailee Spaeny e Jacob Elordi. Presley poderia ser o homem mais apaixonado do mundo, mas sua demonstração iria apenas até a página dois. Elordi incorpora a visão da cineasta em mostrar como o cantor passou a usar o carinho pela namorada como uma forma de controlá-la, dizendo a como se portar, sentir e vestir. Em uma das cenas mais emblemáticas, Elvis convence a menina a trocar os cabelos castanhos por uma tintura preta e a maquiagem suave por um lápis escuro que destacaria os olhos, uma imagem que estamparia o álbum de casamento dos dois e as revistas da época.

Em menos de duas horas, o ator conduz um homem misterioso e apaixonado a um marido distante, indiferente e violento em todos os sentidos. Ao contrário de sua outra versão no Cinema, o Elvis de Priscilla não ganha tons extravagantes, mas uma aura de intocabilidade e fascínio envolvente, principalmente ao reconhecer seu verdadeiro caráter e assistir seu declínio. 

Já Spaeny é o contrário. De uma menina inocente que saiu de casa para doar sua vida a Presley e se gabava de namorar o ídolo na escola, Priscilla cativa ao finalmente levantar a voz, mesmo que isso signifique ser calada e repreendida. No entanto, antes disso tudo, ela se entrega à própria solidão e quietude de forma gritante, apenas no interior. Andando perdida e solitária por uma Graceland vazia na ausência de Elvis Presley ou cheia de gente indiferente em sua presença, ela é acompanhada da própria solidão e da fantasia de estar do lado de um astro, retrato que a rendeu o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Veneza.

Como é marca registrada em outras obras, Sofia Coppola abusa dos detalhes. A visão do universo feminino de uma maneira sensível se une à atenção pelas pequenas coisas. Unida a uma direção de arte e uma fotografia cuidadosa – essa segunda por responsabilidade de Philipe Le Sourd -, os pôsteres nas paredes, o quarto do casal decorado pelo cantor (sem um detalhe sequer lembrando a esposa), a recriação das capas de álbuns e revistas, e as pílulas cada vez em maior quantidade ganham atenção especial da câmera, como se naquele casamento, o diabo realmente estivesse nos detalhes.

No entanto, a sensibilidade do retrato de Priscilla Presley – apoiado, inclusive, pela própria celebridade, que exerceu o cargo de produtora executiva do filme – encontra seu fraco no roteiro, também realizado por Coppola. O relacionamento dos artistas e como ambos se desenvolvem para melhor ou pior dentro dele cria a atmosfera envolvente de observar duas pessoas reais, cegadas pelos holofotes e pela atenção, em uma situação já conhecida na cultural popular, mas vista de dentro. É aliada à montagem de Sarah Flack (colaboradora da cineasta desde Encontros e Desencontros) que a narrativa se dedica demais a alguns pontos, enquanto esquece outros.

Porém, enquanto roteirista, Coppola passa mais tempo pintando o quadro de Priscilla como uma doce menina submissa do que mostrando os momentos em que a jovem cresce para além da sombra perversa do marido. Inclusive, a cineasta acena para aqueles da internet que decidiram que as cenas de sexo não agregam à narrativa como um de seus maiores pecados: depois de anos desejando a atenção do marido, quando Priscilla e Elvis finalmente concretizam o casamento, a cena que poderia ser a mais íntima e reveladora de como o matrimônio dos dois seguiria é esquecida – ou simplesmente deixada de lado.

Aqui, não há espaço para interpretações errôneas e é notável o quanto, ao longo dos mais de seis anos que passaram juntos, os Presleys mudaram – inclusive um ao outro. Sem esconder os abusos físicos, verbais e psicológicos de Elvis, Priscilla não romantiza, mas também não desrespeita a biografia da protagonista e passa a mensagem de que, para além de um vilão maniqueísta, Elvis fez parte de sua vida. Apesar do ponto de virada acontecer durante todo o tempo em que estiveram juntos e não do dia para a noite, ainda é amarga a sensação de que são poucos os minutos dedicados à emancipação de Priscilla, agora uma mulher junto da filha, das garras da fama, luxo e falsidade dos jardins de Graceland, deixando um gosto de quero mais para um clímax curto demais.

Exibido com uma sessão lotada na Gala de Encerramento da 25ª edição do Festival do Rio, Priscilla prova novamente e mais uma vez o talento de Sofia Coppola em tornar narrativas peculiares, universais. Sob sua visão única, até a trilha sonora encabeçada por Phoenix, que de Elvis Presley não tem nada, vira uma grande contadora de histórias. De comum os Presley não entendem, mas a cineasta sim: a solidão e o enclausuramento são os mesmo em Memphis da década de 1960 ou na França do século 18. O que muda é que, de repetido, Priscilla não tem nem o título.

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Gabriela Bita

Inglaterra, 1761. Rainha Charlotte: Uma História Bridgerton se inicia no momento em que uma jovem chega da Alemanha para se casar com o príncipe George III (Corey Mylchreest). Após ser examinada dos pés à cabeça pela princesa-viúva e futura sogra, Charlotte (India Amarteifio) começa a sentir a pressão que a aguarda em seu novo posto. A aristocrata precisa unir todas as suas forças para cumprir o papel para o qual foi preparada desde o berço, o que não deveria ser algo complicado, afinal, quem não gostaria de ser a rainha da maravilhosa corte inglesa? 

Desenvolvida por Shonda Rhimes, a minissérie do universo de Bridgerton conta a história da querida rainha Charlotte. Após duas temporadas de sucesso, engana-se quem pensa que os únicos que chamaram a atenção do público foram os casais principais das tramas envolvendo a família Bridgerton. Com aparições marcantes, a monarca conquistou o público com sua extravagância, gosto por arranjar casamentos e estar por dentro das fofocas da corte, tanto que ganhou seu próprio espaço na Netflix, após duas temporadas da série principal.

Com figurinos exuberantes e uma trilha sonora — produzida pela Sony Masterworks — certeira, o roteiro de Rhimes desenvolve com excelência a história da amada rainha. Além da forte narrativa, todo o visual da produção é mais do que agradável aos olhos, sendo até mais belo e cativante do que o da série da qual esta se deriva. É difícil se decepcionar com toda a ambientação criada: o espetáculo faz jus a rainha que encomendou pavões para o casamento em seu palácio. 

A abordagem de temas como racismo e machismo ocorre de maneira pontual e explícita. Em quase todos os episódios, observa-se que há uma preocupação em retratar tais questões na sociedade da época, associando a presença de Charlotte (agora na realeza) e sua importância para a mudança ocorrer efetivamente na corte. Outro ponto positivo para Rhimes no spin-off, já que é sua primeira adaptação do universo de Julia Quinn, a roteirista deixou a desejar na abordagem de tais pautas, perdendo a abertura que a série, por si só, produz.

Curiosamente, a história da monarca inglesa não foi inspirada por um livro específico de Quinn. O que ocorreu foi exatamente ao contrário. Somente após o lançamento da série, a nova novela da autora foi escrita e tornou-se disponível para os fãs. Rainha Charlotte: A história de amor que veio antes dos Bridgertons e que mudou a alta sociedade consolida a parceria entre a escritora e a roteirista, que agora dividem também as páginas dos romances de época aclamados por muitos. 

Nesse ponto, o sucesso da franquia já se tornou claro, mas esperamos que haja um ponto final em vista para a saga, ainda mais tendo consciência do histórico de temporadas infinitas produzidas por Rhimes em suas séries. No entanto, em Queen Charlotte, todas as questões são muito bem elaboradas e resolvidas ao longo dos seis episódios, o que não torna necessário uma continuação com foco no casal principal, por mais que eles sejam lindos em frente às câmeras.

Não é possível falar da minissérie sem comentar sobre o elenco. Dando vida a jovem rainha que não suporta seu Lulu da Pomerânia, India Amarteifio encarna a personagem com maestria e, junto com Corey Mylchreest, o jovem George, exala uma química perfeita entre um rei e uma rainha cuja paixão foi à primeira vista. Mylchreest não fica para trás de Amarteifio ao interpretar seu parceiro. A angústia de um monarca com uma condição de saúde que o debilita encenada pelo ator transpassa a tela e emociona em diversos momentos.

Além dos protagonistas, outros personagens também roubam a cena. A jovem Lady Danbury (Arsema Thomas) traz consigo questões sobre o papel da mulher na sociedade e a importância do autoconhecimento. O paralelo traçado entre o passado e o futuro da jovem Agatha lutando por seu lugar e descobrindo quem ela é por si só acrescenta um tom reflexivo para a série e demonstra a habilidade de Rhimes em trabalhar a profundidade de seus personagens secundários.

Ainda sobre figuras não principais, Brimsley (Sam Clemmett) e Reynolds (Freddie Dennis), os fiéis mordomos de suas majestades, seriam mais do que perfeitos para uma possível segunda temporada. Em Joias da Coroa, último episódio da série, chega a ser difícil segurar as lágrimas com as cenas nas quais ambos dividem a tela. A partir disso, é de se esperar que o público cativado pelos serviçais de George e Charlotte façam com que a história dos dois não seja esquecida, assim como ocorreu com a protagonista da minissérie.

O episódio que finaliza a série demonstra sua bela execução não só pela emoção causada nos telespectadores, mas também, por suas duas nomeações ao Emmy de 2023. Joias da Coroa marca presença entre os indicados por Melhor Figurino de Época em Série e Melhor Cabelo de Época. As equipes responsáveis pelas caracterizações exuberantes contam com a presença de Lyn Elizabeth Paolo, Laura Frecon, Jovana Gospavic e Alex Locke, na produção e supervisão dos figurinos, enquanto Nic Collins e Giorgio Galliero lideram a produção dos volumosos e característicos penteados.

Apesar dos protagonistas não terem sido indicados em nenhuma categoria, Julie Andrews, que dá voz a Lady Whistledown na narração da produção, acumulou sua terceira nomeação na categoria de Melhor Performance de Voz. O episódio responsável pela presença da atriz na disputa é o segundo da minissérie, denominado Lua de Mel ou Lua de Fel. Das quinze indicações de Bridgerton nos Emmys de 2021 e 2022, Andrews disputou a mesma categoria em ambos os anos, mas infelizmente não levou a estatueta para casa. Torcemos para que três seja o número da sorte e que a série — indicada em três categorias, com a atriz concorrendo pela terceira vez em 2023 — seja a vencedora.

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