Guilherme Moraes

Um dos grandes desafios para as franquias decenais não é de se reinventar, mas de inserir uma ideia original dentro da mesma fórmula. A necessidade do estúdio de lucrar sempre irá se sobrepor ao do artista na indústria americana, dessa forma, a reinvenção vira apenas um discurso, pois apostar no conhecido se paga e ainda faz dinheiro – aliás, é exatamente por esses motivos que esses filmes são refilmados ou recebem uma continuação. O que resta para alguns cineastas é fazer um trabalho de artesanato e criar algo singular dentro desse sistema. Longe de dizer que Dan Trachtenberg é um artesão da Sétima Arte, porém, pelo menos em Predador: Terras Selvagens, o diretor consegue instaurar uma relação entre os personagens e o ambiente de maneira criativa.

A trama é um pouco diferente de seus pares, pois, desta vez, o protagonista não é um humano que será perseguido por um alienígena, e sim o próprio Yautja. Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi) é enviado para um outro planeta com uma missão: levar a cabeça de um grande predador para seu clã. A falha da missão significa a sua morte.

O aspecto cultural como base para a história já está se tornando uma marca de Dan Trachtenberg. Em O Predador: A Caçada, uma guerreira Comanche precisa provar o seu valor e salvar a sua tribo, e para isso ela precisa enfrentar o alien. Neste, o irmão do herói é assassinado pelo próprio pai, por mostrar misericórdia com o mais fraco – no caso, Dek –, um crime imperdoável entre os Yautja. No entanto, o que torna essa característica especial é como o cineasta toma cuidado em não julgar tais culturas, ao mesmo tempo que dá liberdade aos seus personagens para se entenderem dentro delas. O herói do filme não adquire um ódio contra seu clã, apenas começa a se compreender fora dele a partir do contato com outros seres e dessa maneira ele conquista sua liberdade.

Mais do que a cultura modificando o indivíduo, a obra também coloca o ambiente como peça fundamental nessa mudança. Agora, o Yautja se encontra em um lugar desconhecido, sempre tensionando ele entre predador e presa; ele é apenas um animal precisando sobreviver. No final de Planeta dos Macacos: A Guerra (2017), uma avalanche mata todos os humanos, restando apenas os macacos, que se penduram nas árvores para se proteger; na natureza se perdura aquele que melhor se adapta. Predador: Terras Selvagens segue essa mesma linha; Dek, ao perder suas armas, precisa usar seus conhecimentos sobre aquele planeta para criar novos equipamentos, que se tornam mais vantajosos que os seus antigos, afinal a tecnologia também é contextual.

Nesse sentido, a presença de Thia e Tessa (ambas interpretadas por Elle Fanning) é fundamental. As personagens são uma máquina que detém as informações de todas as criaturas daquele universo, entretanto, a primeira – que se torna aliada do protagonista – se humaniza, não apenas pelos sentimentos e pensamentos próprios que ela passa a adquirir, como também pela sua capacidade de observação e interpretação do mundo. Thia e Dek começam a compreender as criaturas a partir do contato e das experiências – como quando eles descobrem a familiaridade da criatura que estava com eles com o grande predador daquele mundo –; Tessa tem dados programados, e sua incapacidade de entender a interrelação de diferentes espécies é o que leva a sua ruína.

Alguns pontos, ainda assim, causam incômodo, como o final que deixa um gancho para a sequência, porém, parece mais uma cena pós-créditos, tirando um pouco a unicidade da obra. As cenas de ação também não são tão marcantes como as da saga John Wick, mas, pelo menos, a franquia parece estar trilhando um caminho interessante nas mãos de Dan Trachtenberg, sempre relacionando ser, natureza e cultura, de maneira própria.

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Guilherme Moraes

Após a Depressão de 1929, os Estados Unidos entraram em uma crise profunda que afetou diversas áreas, dentre elas, a agrária. Nesse contexto entra As Vinhas da Ira (1939), livro de John Steinbeck que foi adaptado aos cinemas por John Ford em 1940. Ainda que seja um pouco ofuscado pela outras obras-primas do diretor, The Grapes of Wrath, no original, se consolidou na história do Cinema como uma grande análise sociopolítica, feita a partir da destruição de uma família em meio a instabilidade econômica que, de certa forma, dialoga com o quadro Os Retirantes (1944) de Candido Portinari.

Na trama, Tom Joad (Henry Fonda) retorna para casa depois de anos cumprindo sua pena. No entanto, o que ele encontra é um lar abandonado, com madeiras desgastadas e ambiente escuro. Dentro do local, o personagem Muley Graves (John Qualen) explica ao protagonista e a Casy (John Carradine) – ex-pregador que irá acompanhar Tom em sua jornada – que a sua família, assim como todas as outras da região, foram expulsas de suas terras. Ao encontrar seus parentes, os dois, junto com os Joad’s, saem em direção a Califórnia, em busca de oportunidades.

A inteligência político-social de John Ford, na década de 1940, está acima da maioria dos cineastas ‘politizados’ de hoje. Com uma cena simples ele expõe a contradição do sistema vigente. No flashback em que a família está sendo despejada, eles ameaçam o informante; este, por sua vez, diz que quem está expulsando-os são as companhias donas das propriedades, que também estão recebendo ordens dos bancos. “Devem ter um presidente. Alguém que sabe o que é uma espingarda”. Os moradores buscam a culpabilização de um indivíduo, porém, o problema está em toda a sistematização do país, Ford não cai na tentação de achar um vilão contra quem lutar, ao invés disso, aceita o futuro trágico e realista.

Na sequência, Muley relembra o momento em que sua moradia é destruída por um trator, dirigido por um conhecido, alguém da mesma classe do fazendeiro. Quando questionado o porquê de estar trabalhando contra o seu povo, a realidade recai sobre os personagens: ele é só mais um tentando salvar a sua família. O diretor sabe o que faz com a câmera para não dar a ideia errada. O jogo de luz e sombras e os contrastes são pouco dramáticos nesse momento, o contra-plongée não empodera aquele que está em cima da máquina, a ideia não é criar vilões. Neste sentido, a técnica é utilizada para contrastar o Muley antes e depois dos acontecimentos. A perda de seu teto, também lhe tirou a vitalidade, vagando como um fantasma pelos sobrados abandonados, do qual se acostumou a ver a vida inteira.

O pessimismo toma conta do filme, da sua temática, a maneira como a história se desenvolve, até como a mise-en-scène é pensada. A Fotografia, bem contrastada, evidencia os rostos tristes e desesperançosos, os infortúnios não são apenas inevitáveis, como também esperados pelos personagens. Chama a atenção o momento em que o avô da família morre e precisa ser enterrado no meio do nada, pois não tem dinheiro nem para dar dignidade aos seus mortos. Fica ainda mais melancólico quando a câmera dá um close na carta que será deixada no túmulo e o escritor muda a palavra “funeral” por “funerais”, pois ele crê que haverá ainda mais mortes.

Em 1944, Candido Portinari pintou Os Retirantes, um dos maiores quadros da pintura brasileira. A imagem representa uma família de emigrantes nordestinos que estão se mudando em busca de melhores condições de vida, fugindo da fome e da miséria. O pintor retratou memórias que tinha dos retirantes na sua infância, no contexto de grande seca na região nordeste, que levou milhares de pessoas a se deslocarem.

A Arte de Portinari conversa muito bem com a de John Ford. Apesar de não se saberem se uma influencia a outra, é possível encontrar paralelos, ainda que, em diferentes circunstâncias. As Vinhas da Ira estampa a desgraça dos Joad’s de maneira muito dramática, porém, pouco apelativa. O diretor evidencia os problemas e a crise, entretanto, não força algum sentimento no espectador. Deixa que ele consiga olhar para algo maior do que a destruição e entender o panorama geral do país. O pintor já faz de forma diferente, Os Retirantes é uma obra potente, tão dramática quanto o filme, todavia, é muito mais expressivo e impactante. Ambas expõem a destruição humana, contudo, o fazem em diferentes cenários e com intenções e maneiras distintas, afinal, são linguagens diferentes.

A desenvoltura de John Ford para aplicar as técnicas cinematográficas na Era de Ouro de Hollywood, dentro de um modelo de produção que tendia a suprimir a autoria, foi muito marcante em sua filmografia. Aliás, é admirável assistir um filme tão questionador conseguir espaço em meio ao Código Hays. Todavia, se engana quem pensa que seu legado se baseava em encontrar sua própria voz naquele contexto. Ainda hoje impressiona como ele discute a sociedade norte-americana de forma crítica, algo que inspirou e inspira cineastas como Clint Eastwood.

Grapes of Wrath não esconde suas opiniões políticas, não tem medo de incomodar, inclusive, faz com muita clareza. A abordagem que tem em relação a polícia é uma boa demonstração: o policial acompanha o empresário, com a função de fazer a manutenção do status quo. Enquanto, o homem de negócios se aproveita da fome e desemprego em massa para gerar empregos exploratórios, o homem da lei garante a segurança e integridade física do primeiro, contendo qualquer revolta.

Ademais, o longa consegue discutir conceitos apenas pela imagem, sem cair na armadilha de colocar monólogos ou conversas explicativas. Chegando à reta final, os Joad’s conseguem uma casa e um emprego que paga bem. No entanto, conforme o tempo passa, eles vão vendo a remuneração diminuir, por causa do número de pessoas que estão implorando por um trabalho. Ou seja, o salário desvaloriza e a pressão aumenta, de acordo com o aumento da procura.

As Vinhas da Ira entrou para a história do Cinema como um grande retrato da falência sistêmica. John Ford é um cineasta extraordinário, capaz de entender e representar os Estados Unidos e suas crises de maneira crítica, sem ser apelativo ou taxativo. Seus filmes não estão interessados em educar, mas sim em gerar debates sobre as profundas contradições do país em que vive. Todavia, não se pode pensar que fica apenas no discurso, Ford entende de cinema, sabe trabalhar ideias por imagens, e ninguém filma como ele.

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Marcela Jardim

Lançado em 2015, Kingsman: Serviço Secreto trouxe um novo fôlego para os filmes de espionagem ao combinar ação estilizada, humor ácido e uma estética sofisticada. Dirigido por Matthew Vaughn, o longa subverteu clichês do gênero ao transformar um jovem marginalizado em um agente de elite, sob a tutela do carismático Harry Hart (Colin Firth). Inspirado na HQ The Secret Service, de Mark Millar, a obra se destacou pela violência coreografada e pelo tom irreverente, equilibrando homenagens aos clássicos de James Bond com uma abordagem moderna e exagerada. O roteiro dinâmico e repleto de reviravoltas, aliado às atuações cativantes, fizeram do longa uma experiência única, misturando o charme britânico com sequências de ação eletrizantes.

A trama acompanha Eggsy (Taron Egerton), um jovem problemático recrutado para uma agência de espionagem secreta chamada Kingsman. Ele é treinado por Harry Hart (Colin Firth), um agente veterano que vê potencial nele. Enquanto Eggsy passa por um rigoroso processo de seleção, um vilão bilionário, Richmond Valentine (Samuel L. Jackson), planeja lançar um plano mortal para “salvar o planeta” eliminando grande parte da população mundial por meio de sinais transmitidos via cartão SIM.

Kingsman se equilibra entre a sátira e a homenagem ao Cinema de espionagem, misturando luta de classes, feminismo, relacionamento abusivo, estereótipos e violência estilizada. Se, por um lado, exalta a nobreza e a sofisticação dos agentes britânicos, por outro, ridiculariza a fama vazia e o poder do dinheiro. Eggsy é um herói vindo da periferia, mas sua origem é retratada com preconceito: enquanto ele se destaca, seus vizinhos são caricaturas da ignorância e da grosseria. O filme traz personagens femininas fortes, como Gazelle (Sofia Boutella) e Roxy (Sophie Cookson), sem subordina-las a interesses românticos. A direção de Matthew Vaughn dá um tom de quadrinhos à violência extrema, transformando o choque em espetáculo.

O segredo para evitar o colapso dessa mistura está no equilíbrio entre opostos, refletido na escolha de elenco. Colin Firth, conhecido por papéis de realeza e cavalheirismo, interpreta um assassino letal sem perder a compostura. O vilão Valentine inverte expectativas: Samuel L. Jackson abandona sua voz marcante por uma dicção afetada, quase ingênua, que contrasta com sua periculosidade. A presença de Mark Hamill, às vésperas de reassumir Luke Skywalker, é uma piscadela ao público nerd, reforçando o jogo metalinguístico da produção.

Ainda nesse contexto de metalinguagem, assim como Thanos em Vingadores: Guerra Infinita, da Marvel Studios, Richmond Valentine em Kingsman assume o papel de um ‘messias deturpado’, decidido a salvar o mundo a partir de um sacrifício calculado. Ambos compartilham a crença de que a humanidade está condenada pelo próprio excesso e que apenas uma intervenção radical pode garantir a sobrevivência do planeta. No entanto, enquanto Thanos se apresenta como um agente do equilíbrio, eliminando metade da vida de forma aleatória, Valentine adota um critério ainda mais perverso: só os mais ricos e poderosos merecem viver. Seu plano reflete uma lógica eugenista disfarçada de pragmatismo ambiental, onde os privilegiados escapam do caos enquanto as massas se aniquilam entre si. No fundo, tanto ele quanto Thanos personificam a visão distorcida de que a salvação exige genocídio, mas Valentine escancara a hipocrisia de um mundo onde o poder sempre define quem tem direito ao futuro.

Contrariando as premissas de Valentine, a trajetória de Eggsy mostra que é sim possível manter suas origens e ser digno de ascender socialmente. O protagonista passa por diversas barreiras sociais até alcançar seu lugar no grupo de elite. Mesmo mudando seu comportamento, modos e até mesmo figurino, sua essência é o diferencial que o torna um agente talentoso e empático. Enquanto seus colegas de elite confiam no berço e na tradição, Eggsy sobreviveu a desafios reais, desenvolvendo instintos que o tornam mais adaptável e estratégico. O filme poderia cair na narrativa comum do pobre que precisa se moldar para ser aceito, mas, ao invés disso, reafirma que ele não precisa provar nada – apenas mostrar que sempre teve valor, mesmo quando o sistema insistia em ignorá-lo.

O impacto de Kingsman: Serviço Secreto foi imediato, tornando-se um sucesso de bilheteria e consolidando Matthew Vaughn como um dos diretores mais inovadores do gênero. A recepção positiva do público e da crítica garantiu sequências e até um prelúdio, tentando expandir o universo da saga. O Círculo Dourado (2017) manteve a identidade estilizada do original, mas sua história recebeu críticas por exagerar na extravagância, tornando-se menos coeso. Já King’s Man: A Origem (2021) tentou dar profundidade ao universo dos agentes secretos ao explorar as origens da organização, mas acabou dividindo opiniões, não conseguindo replicar o impacto inovador do primeiro filme.

Além da franquia, Kingsman influenciou diversas outras produções que mesclam violência estilizada e humor irreverente, reforçando a tendência de filmes de ação com identidade visual marcante e narrativa ousada. A estética visual e o uso criativo da câmera, como na icônica cena da igreja, tornaram-se referência no Cinema de ação moderno. Mesmo após uma década, o longa continua sendo um marco para o gênero, provando que a espionagem pode ser reinventada para novas gerações sem perder o carisma e a sofisticação que marcaram os clássicos.

Apesar do sucesso inicial, o futuro da franquia permanece incerto. Com a recepção morna das sequências, há dúvidas sobre sua capacidade de continuar inovando sem perder sua essência. Entretanto, o impacto de Kingsman: Serviço Secreto já está consolidado, e sua mistura de ação explosiva, irreverência e estética refinada garantiu seu lugar como uma das obras mais memoráveis do Cinema de espionagem contemporâneo.

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Davi Marcelgo

Em Planeta dos Macacos: A Guerra (2017), Caesar (Andy Serkis) foi inserido numa narrativa inspirada na trajetória de Moisés e a terra prometida; levar seu povo a um lar sem violência. O novo Planeta dos Macacos: O Reinado (2024), persiste na dinâmica religiosa, mas não ficando somente no terreno da referência e, sim, tornando-a temática. Décadas após a morte de Caesar, o jovem Noa (Owen Teague) é a única esperança de salvar sua aldeia da tirania do rei Proximus (Kevin Durand). 

O crítico Arthur Tuoto, em seu comentário sobre A Guerra (2017), dirigido por Matt Reeves, ressalta a dificuldade do filme equilibrar entretenimento com autoria. Tal problema não está, de forma alguma, em O Reinado, dirigido por Wes Ball, que consegue ser um blockbuster com ações pitorescas ao mesmo tempo que te convida a desbravar esse mundo (velho) novo, com uma pegada mais autoral. Por isso, assistir a distopia da Gripe Símia é ter a mesma sensação de testemunhar o mergulho intenso nos oceanos em Avatar: O Caminho da Água (2022). 

Entre as duas horas e 25 minutos do longa, Ball passeia por muitos cenários e dedica várias sequências para o público conhecer não somente o relacionamento das personagens, como também a cultura. A primeira cena de Noa e seus amigos é uma empreitada por uma tradição da aldeia, chamada de “vínculo”, ritual em que os jovens ganham suas águias. Vínculo é o que vamos criar com o filme: são muitos os detalhes referente aos hábitos dos macacos, desde canções, fé, vestimentas e até a organização hierárquica da sociedade.  

Wes Ball rejeita os atuais filmes de ação hollywoodianos que precisam a todo momento ganhar a atenção do público com explosões e ritmo frenético. Para o autor, emular um road movie com pinceladas de western é mais encantador. A saída do jovem Noa da tribo, muda a sua perspectiva do cotidiano, fé, história da sua espécie e a forma como ele enxerga os humanos. O desenvolvimento do personagem é carregado de sutileza, ele vai cozinhando todos os conhecimentos adquiridos em sua cruzada para usá-los no final – não no clássico molde da jornada do herói, mas em sua postura nas relações com humanos e macacos. 

Os desdobramentos sucedem a partir de diálogos entre Raka (Peter Macon) e Noa, arquétipos de mestre e aprendiz, respectivamente, seja em volta de fogueiras ou andando à cavalo. O cineasta cria uma atmosfera serena ao unir seus enquadramentos com a trilha sonora de John Paesano, que evoca com violinos o sentimento de isolamento que uma distopia provoca, fazendo do ‘arrasa-quarteirões’ um filme preocupado com uma estilização correspondente ao cenário em que se desenrola. Apesar dos momentos silenciosos e introspectivos, ainda é um ‘filmaço’ de verão norte-americano. 

Quando é para ser um grande filme de ação, o diretor de Maze Runner usa os corpos dos macacos a sua disposição. Os golpes de gorilas são fortes quando comparados aos primatas menores; a coreografia traz a sensação de perigo – um macaco te atacando pelas costas é, no mínimo, assustador –, os pulos e escaladas são filmadas com tensão e movimento. Assim como as cenas de perseguição te grudam na poltrona do cinema. 

O filme sobre macacos celebra a humanidade e o que ela tem de bom, abordando o amor, a fé e cultura com registros de livros, canções, alfabetização, brinquedos de crianças, encontros românticos para ver as estrelas, amizade e irmandade. São muitos os elementos de Planeta dos Macacos que nos faz refletir sobre nossa humanidade. Abrindo o longa com um enterro, ver animais tendo a compreensão da morte e fazendo um evento para chorar a perda é, de fato, humano. 

Como também na ganância, a impotência de conviver com a diferença são representados por Proximus e Nova (Freya Allan). O enredo fisga o espectador por usar as características e invenções humanas que já são conhecidas – afinal, vivemos nesses corpos e nesse mundo –, e por dar novos significados a partir de uma abordagem fictícia de uma ótica ingênua; personagens antropomórficos que não viveram aquela época e precisam dar sentidos a partir de seus referenciais.

O trio de roteiristas, Josh Friedman, Amanda Silver e Rick Jaffa (Silver e Jaffa participaram de Avatar: O Caminho da Água), escreve o enredo em uma estrutura bem ‘redondinha’. É fácil identificar quando começa um ato e termina outro, sempre antecedidos por morte e revelação. Essa fórmula dá dinamismo para trama e ‘dá gás’ para o público ir para a próxima metade com a energia lá em cima. O grupo também sabe guardar os pequenos momentos de clímax, incitando um acontecimento, mas só de fato acontecendo no momento ideal. Os twists da história aparecem no instante máximo de cada ato e fazem com que o espectador fique ansioso para saber para onde ela vai. E se ele pensa que acertou, está enganado: Friedman, Silver e Jaffa vão te pegar de surpresa. 

A história brinca com o conceito de falso messias, lendas e pós-verdade. Antes, se o símio, interpretado pelo mestre da captura de movimento, podia ser comparado com Moisés, agora remete a Jesus Cristo. Afinal, Caesar se tornou um mito e ganhou seguidores de seus ensinamentos; os lemas “Macaco não mata macaco” e “Macacos unidos, macacos fortes” tornaram-se mantras. Porém, na garganta de Proximus, o discurso é subvertido e o que era um lema de irmandade e revolução é transformado em promoção de trabalho neo-liberal. São contadas histórias sobre o primeiro macaco inteligente e seus feitos, algumas, partem de fatos verídicos, mas outras, são puro exagero de uma lenda passada por gerações. O efeito é falar diretamente com o espectador; os fãs da saga conhecem o que realmente aconteceu. 

Qual espécie é herdeira da Terra? Essa é a dúvida que percorre os debates do longa, enquanto os macacos estão seguindo com suas vidas e formando suas próprias sociedades e costumes, alguns grupos de humanos não desistiram de tomar o controle do planeta e de subjugar outras espécies. Proximus aprende sobre isso com Trevathan (William H. Macy), seu professor de história da humanidade. Foi através desse estudo que ele se inspirou em uma das maiores civilizações do ocidente, e se isso já é conceitualmente excitante, a forma como a coroa cai é soberana; a aldeia de Noa canta a música do vínculo com as águias que, atraídas pela canção, trucidam Proximus. 

Assim, um escravocrata que se apropria de culturas humanas e de primatas para fins nefastos é tombado pela gnose da aldeia oprimida. O vilão não é derrotado porque há uma posição de hierarquia e um líder que pode bater de frente com ele, mas pela união de um povo que se reconhece. A cena vai de encontro com os ensinamentos de Caesar, mencionados várias vezes, inclusive por Proximus. A sequência, épica por si só, é combinada com o texto, desaguando em uma catarse deliciosa. 

Planeta dos Macacos: O Reinado é um dos melhores filmes de 2024. Bonito e empolgante, o longa não perde energia em momento algum e usa os elementos da saga para criar sua própria assinatura. Partindo da religião como o coração temático e de reflexões sobre o que é ser humano, o filme expande a lore com inteligência do roteiro ao enredo, pendura o espectador em cipós e o faz torcer (mais uma vez) pela prosperidade dos macacos. 

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Guilherme Machado Leal

Em Com Amor, Simon, filme lançado em 2018, baseado no livro Simon vs. A Agenda Homo Sapiens, escrito por Becky Albertalli, a história retratada é a de um adolescente que guarda um segredo a sete chaves. Simon Spier (Nick Robinson) teme, ao revelar que é gay, ser discriminado pelos seus colegas de aula e, por isso, esconde sua orientação sexual. No entanto, em certo momento da história, o protagonista decide conversar com um outro garoto em um blog – com os codinomes Jacques e Blue, respectivamente –, dando espaço para conhecermos o íntimo do jovem.

“Eu sou igual a você” é uma das primeiras frases ditas por Simon, e é ela que serve como fio condutor do longa. Durante os 110 minutos do filme, o roteiro de Isaac Klausner e Elizabeth Berger – com o auxílio da autora – lembra aos seus espectadores de que a homossexualidade, assim como a heterossexualidade, é algo natural. O lema pregado pelo protagonista reconhece que o caráter do indivíduo está acima da sua sexualidade e que, se os entes queridos realmente se importam, eles estarão ao seu lado. Não é difícil se surpreender com o pensamento de Simon, já que o personagem possui uma família livre de preconceitos.

Infelizmente, o medo de Simon acerca de sua sexualidade é exclusivo da dinâmica repressiva do ambiente escolar. O conflito principal de Love, Simon se dá pela descoberta do antagonista Martin Addison (Logan Miller) em relação à sexualidade do protagonista e de seus e-mails trocados com Blue. A partir desse momento, o personagem ameaçado faz de tudo para que seu segredo não seja revelado aos demais estudantes do colégio Creekwood, provocando o rompimento de uma relação de fidelidade com seus amigos próximos. Nessa perspectiva, o longa se destaca ao abordar precisamente a angústia vivida por jovens da comunidade queer no momento em que precisam se assumir aos seus pais e colegas, algo que não acontece com pessoas heterossexuais – e que é até ironizado em uma cena do filme. 

Além disso, o humor é uma ferramenta fundamental na história, pois é usado para dizer o que deve ser dito de uma forma que seja compreensível, para o maior número de pessoas. É visível qual era a intenção de todos os envolvidos na produção de Com Amor, Simon: fazer com que o filme ressoe entre as diferentes gerações, para que a conversa não seja restrita à juventude moderna. É nesse ponto em que a obra se fundamenta como necessária às gerações atuais, por ser o primeiro filme sobre um adolescente gay produzido por um grande estúdio. Com a sua linguagem simples e direta, o longa dirigido por Greg Berlanti é capaz de servir como um guia confiável, em que os adolescentes podem se basear ao terem dilemas em relação a sua orientação sexual.

O impacto causado por Com Amor, Simon é surpreendente, uma vez que, ao lado de Para Todos os Garotos que Já Amei, o filme é um respiro para o gênero das comédias ambientadas no Ensino Médio, que teve o seu ápice nos anos 90 e 2000, com filmes como 10 Coisas que Eu Odeio em Você e Meninas Malvadas. Embora não tenha sido deixado totalmente de lado, o estilo sofreu um perceptível declínio em suas histórias recheadas de clichês. É notável que obras transgressoras, como Com Amor, Simon, foram fundamentais para o ressurgimento de histórias focadas em adolescentes, uma vez que, após cinco anos do seu lançamento, o longa é recorrentemente lembrado nas listas de melhores comédias teen.

Contando com sucessos como I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me), de Whitney Houston, seria um erro falar sobre Com Amor, Simon e não mencionar a sua excelente trilha sonora, feita pelo produtor de sucesso Jack Antonoff. A música de Houston é utilizada de uma forma genial na história, ao mostrar os estereótipos de homens gays, como se, por causa da sexualidade, o indivíduo precisasse gostar de musicais e de divas pop para ser aceito no mundo queer. Com o objetivo de conversar com as gerações atuais, a trilha de Antonoff ainda conta com diversas canções de sua banda Bleachers, além do hit de sucesso Love Lies, dos cantores Khalid e Normani.

No filme, é impressionante – e, de certa forma, incomum – a forma como os pais de Simon, interpretados pelos carismáticos Josh Duhamel e Jennifer Garner, aceitam a sua sexualidade. A mãe, por exemplo, deseja que o jovem seja a melhor versão de si mesmo. Por esse mesmo ângulo,  em uma das cenas mais impactantes do longa, há a conversa entre o protagonista e o seu pai, Jack (Duhamel), que revela ao filho que não mudaria nada nele. São nessas cenas, carregadas de emoção, que levam o público a amar Com Amor, Simon com toda a intensidade, dado que é rara a ocorrência de produções delicadas e bem pensadas para um público que não se vê nas telas por uma óptica tão cuidadosa.

Nos momentos finais da história, Simon é tirado do armário e se vê sozinho. Entretanto, ele tem uma ideia e decide convocar os seus colegas em uma missão: encontrar o anônimo Blue na roda-gigante do parque de diversões de sua cidade, para se declarar ao amado. É nesse momento que há a revelação da identidade do interesse amoroso do protagonista. Nesse ponto do longa, todos estão esperando ansiosamente por algo a mais entre os dois garotos, que cedem à pressão popular e aos seus desejos pessoais, proporcionando ao público um dos beijos mais carinhosos vistos até então em um filme adolescente. 

Com Amor, Simon faz-se imprescindível na hora de se escolher uma obra cinematográfica que represente tão bem os anseios da comunidade LGBTQIAP+. É por causa de longas-metragens como esse que histórias plurais e diversas podem e devem ser contadas na ficção. A essa altura, torna-se indiscutível a importância de se ter um personagem tão imponente como Simon, no que se relaciona ao desafio vivido por jovens do mundo inteiro – seja esse desafio a descoberta da própria sexualidade ou o medo de ser abandonado após se assumir. No seu aniversário de cinco anos de lançamento, a bela história de Simon Spier se mantém mais atemporal e necessária como nunca.

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