Ludmila Henrique

O chocolate, dos sabores mais doces até os mais amargos que conhecemos, transitou por grandes mudanças até se tornar um símbolo gastronômico. Originário da Mesoamérica antiga, as civilizações latinoamericanas foram as primeiras a utilizarem o cacau de maneira medicinal e em rituais. Os Astecas acreditavam que o chocolate era um presente dos deuses, usufruindo de seus grãos como moeda de troca e também como uma bebida afrodisíaca. No entanto, os componentes ganham uma característica familiar após sua vinda à Europa, onde foi adocicado com açúcar e mel, garantindo um sabor mais aprazível. Em Wonka, longa dirigido por Paul King, somos apresentados à fantasia de um ‘chocolateiro’, que deseja mudar o mundo com um pedaço de cada vez.

Com uma cartola cheia de sonhos, Willy Wonka (Timothée Chalamet) tinha um objetivo em mente. Após divagar os sete mares em busca dos melhores especiarias para suas guloseimas, o jovem finalmente desembarca no centro da Galeria Gourmet, uma esfera gastronômica de suma importância na composição de novos doces. Seguindo os anseios de sua amada mãe, o plano era simples: Chamar a atenção dos fregueses, conquistar seu apreço pelo paladar e obter dinheiro para abrir a sua própria confeitaria.
Entretanto, como o mundo é assinado pelo poder dos mais fortes, Wonka percebe da pior maneira que nem sempre as coisas acontecem do jeito em que planejamos. O famigerado cartel do chocolate dispõe de uma única regra: a proibição da venda de doces sem ter um estabelecimento. Consequentemente, também é impossível conseguir uma loja sem dinheiro. Impedido pelo sistema e endividado em menos de um dia, o confeiteiro procura estratégias inventivas para se esquivar da situação na qual se encontrou.

Roteirizado por Paul King e Simon Farnaby, que desempenha uma pequena e ilustre aparição em meio às cenas de comédias, a trama antecede os eventos das películas anteriores, sendo idealizado como um prequel de A Fantástica Fábrica de Chocolate (1971), de Mel Stuart e Roald Dahl. O longa-metragem antecipa, em trinta anos, a busca pelo bilhete dourado escondido na barra de chocolate, um clássico marcante e querido no cenário pop que, de vez ou outra, ainda é referenciado em séries e filmes.
Inspirado no passado da obra setentista, o enredo regressa para a década de 1940, Era de Ouro dos musicais no Cinema. Homenageando esse panorama, King capta em tela a essência dos filmes de Frank Capra, como It’s a Wonderful Life (1946), pelo senso natalino, e Mr. Smith Goes To Washington (1939), pelo sentido de comunidade; o que uma boa alma pode fazer em um sistema marcado pela corrupção. Além disso, o cineasta também desempenha um tributo ao ator Fred Astaire em Royal Wedding (1951), durante um espetáculo de atuação realizado por Calah Lane no terraço de um edifício.

O novo musical inclui canções originais de Neil Hannon e Joby Talbot, que narram a jornada do protagonista em ritmos alegres e dançantes, transportando felicidade à audiência, mesmo que as letras não sejam tão felizes assim, como em Scrub Scrub e Sorry, Noodle. Contudo, apesar das composições serem de fácil memorização, nenhuma delas carrega o impacto e a emoção de Pure Imagination, trilha original do longa de 1971, vocalizado por Gene Wilder em sua interpretação do ‘chocolateiro’ e que ganhou uma nova roupagem performada por Chalamet.
Conversando com a musicalidade divertida do filme, a Fotografia de Chung-hoon Chung permeia o fantástico. Os cenários extravagantes remetem a uma Europa mágica, onde existe uma explosão de idiomas e uma arquitetura clássica, mas também inventiva, um lugar que saiu dos livros infantis e ganhou vida. O jogo de câmera do diretor acompanha cada detalhe em cena, não deixando nada escapar. Uma união entre cores intensas com tonalidades mais escuras, que representam o sonho e a descrença do próprio Wonka.

Transitando entre o drama, o romance e a ficção científica em menos de cinco anos, Wonka transfere um espírito de alegria distante de outras obras interpretadas por Timothée Chalamet. Se solidificando no cenário cinematográfico, o ator inova em cada papel designado a ele, apresentando uma entrega excelente e se tornando, nos últimos anos, um dos grandes nomes da nova geração de atores. Arriscando no canto e na dança, Chalamet abraça uma nova versão de um personagem peculiar e instigante.
Willy Wonka é um sonhador, uma personalidade movida pelo seu sonho, sem medo de entregar tudo e mais um pouco de si mesmo para conquistar o que deseja. Guarda consigo uma inocência inabalável, capaz de acreditar na palavra do próximo sem se questionar. Consequentemente, por causa da última característica, Wonka é facilmente enganado por outras pessoas, que o colocam em várias enrascadas difíceis de sair. Mas, por outro lado, sua pessoalidade também é imensamente acolhedora e criativa, conquistando companheiros de luta e também novos amigos.
Somando o enredo, Olivia Colman está impecável como a Mrs. Scrubbit, uma hoteleira charlatona que faz tudo pelo dinheiro. Colman presenteia o público com aquela vilania cômica e nostálgica da década de 1990, como a impiedosa diretora Agatha Trunchbull do filme Matilda (1996). Em contrapartida, Hugh Grant incorpora um Oompa Loompa ‘engomadinho’ e honesto com seus deveres, dialogando diretamente com a figura do próprio ator que, embora tenha odiado a caracterização final de seu personagem, apresentou uma entrega formidável.

Wonka é doçura transformada em Cinema. Uma história que envolve magia para lidar com emoções humanas. Sentimento capaz de atravessar gerações e comover todas as idades. Uma promessa de um filho para a sua mãe. Um lembrete de que todas as coisas boas se iniciam com um sonho e que a melhor maneira de conquistá-lo é partilhando deste sonho com outras pessoas, como um pacote de baladas, um bilhete dourado ou uma barra de chocolate.

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Eloah Kaway

Em Nascida Para Você, (Nata Per Te, no original), acompanhamos Luca, interpretado por Pierluigi Gigante, em uma trajetória que destaca não apenas o desejo de formar uma família, mas também a determinação de vencer obstáculos impostos por um sistema tradicionalista. O protagonista, homossexual e solteiro, trabalha em uma ONG que ajuda pessoas com necessidades especiais, demonstrando empatia e sensibilidade desde o início. Esse pano de fundo enriquece sua motivação ao tentar adotar Alba, uma bebê com síndrome de Down que foi rejeitada por várias famílias antes.

O filme mostra a resiliência de Luca ao enfrentar um sistema que dificulta adoções por parte de pessoas fora do padrão heteronormativo. Em sua busca pela guarda da criança, ele se depara com as dificuldades de quem vive à margem das convenções estabelecidas, e a trama revela suas lutas internas e externas. Além da batalha legal, o protagonista enfrenta o peso das críticas sociais, também lidando com tensões em seu relacionamento amoroso, o que torna sua trajetória ainda mais desafiadora.

Inspirado em uma história real, o filme une romance e política ao tratar dos desafios da adoção em um sistema tradicionalista. Fabio Mollo, diretor, baseia-se na experiência de Trapanese para criar uma narrativa sensível. O enredo destaca o amor incondicional entre pai e filha. Com equilíbrio, aborda questões sociais e emocionais. Assim, a trama emociona ao retratar a luta por direitos e aceitação.

A história também enfatiza a relevância da figura de Teresa, uma advogada que se junta a Luca para ajudá-lo a navegar pelo emaranhado judicial. Uma mãe solteira, oferece a Luca mais do que apoio jurídico, ela personifica o olhar solidário e a força feminina que reconhece a legitimidade de seu desejo de criar uma família. Juntos eles enfrentam um processo que escancara as dificuldades e a frieza de um sistema legal, que pouco se adapta às mudanças sociais e às novas composições familiares.

Com uma abordagem direta e acessível, o filme evita o linguajar técnico, o que torna a luta do protagonista mais fácil de ser compreendida pelo público. A simplicidade na narrativa jurídica valoriza o aspecto emocional e o longa se apoia na realidade do caso que inspirou a história, mostrando como as limitações das leis podem afetar pessoas que apenas desejam amar e serem amadas.

A dualidade entre amor e burocracia permeia o enredo, construindo uma tensão que cativa o espectador. Ao mesmo tempo em que nos emocionamos com o vínculo entre Luca e Alba, vemos os desafios desgastantes do processo judicial que eles enfrentam. É uma narrativa que abre espaço para debates profundos sobre o que define uma família e sobre as regras que governam o direito à parentalidade em sociedades que ainda valorizam mais as aparências do que o amor.

O longa não apenas emociona, mas também questiona os limites da legislação frente a mudanças sociais. A história destaca como uma vida é afetada pela rigidez do sistema, ao mesmo tempo que nos encoraja a considerar como o amor é capaz de subverter essas normas em prol de uma vida mais justa. É um filme que, ao mostrar a perseverança de Luca, sugere que transformações podem ocorrer quando histórias como essa ganham visibilidade.

Nascida Para Você é uma obra que convida à reflexão sobre inclusão e aceitação. A relação entre Luca e Alba é um forte lembrete de que o amor deve ser livre de preconceitos e normas impostas pela sociedade. O filme esteve disponível no Festival de Cinema Italiano no Brasil, que aconteceu entre Novembro e Dezembro de 2024.

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Nathalia Tetzner

Não existe criatura mais honesta e transparente do que uma criança. Usufruindo dessa característica intrínseca dos ‘pequeninos’, o documentário Bangarang apresenta o cenário quase apocalíptico vivido pela comuna italiana Taranto e seus habitantes. Nessa película de tons alaranjados e muita poeira, todos os seres vivos são afetados pela poluição oriunda da Ilva, uma usina siderúrgica em atividade desde a década de 1960. Contudo, no universo do cineasta Giulio Mastromauro, apenas infantos e animais compõem as cenas.

A obra, que integrou a seção Novos Diretores da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, retrata o abandono e descaso das autoridades com um dos maiores desastres ambientais e sanitários da história da Europa. Segundo o Instituto Nacional de Estatística (Istat), em pesquisa realizada em 2018, cerca de 1500 pessoas morrem por ano na cidade em decorrência de tipos de cânceres que, pela ciência, podem ser originados ou potencializados pela contaminação do meio ambiente. 

Dessa forma, a escolha de deixar a posse da mensagem nas mãos de crianças é, ao mesmo tempo, uma bênção e maldição. Entre muitas risadas e ‘dancinhas’ do TikTok, Mastromauro coloca nas telonas o microcosmo dos moradores mais novos de Taranto; um universo em que a ‘pancadaria’ é organizada pelas meninas e em que os dias sem vento são aproveitados ao máximo, uma vez que são impedidos de sair de casa quando a ventania dissemina ainda mais os dejetos da maior fábrica de aço do continente europeu.

Traduzindo em cores esse inferno na terra, Sandro Chessa faz um ótimo trabalho na Fotografia de Bangarang. É difícil não se sentir impactado pelas escolhas de perspectivas e tons que cercam os infantos na terra e os animais na água, ambos extremamente poluídos. Por outro lado, a montagem feita pelo diretor e por Cristina Barillari peca um pouco no ritmo e na inserção de depoimentos. Aos poucos, a paisagem, naturalmente exaustiva, fica ainda mais insuportável com a alternância entre muito barulho e contemplação.

Em resposta a uma pergunta feita pelo Persona, ao final de uma exibição na Mostra SP, Giulio Mastromauro e a produtora Virginia Gherardini comentaram sobre como as crianças que participaram do documentário reagiram ao assisti-lo. A dupla afirmou que foi exatamente como a ingenuidade retratada no longa. Todos são muito inocentes para compreenderem a gravidade em que se encontra o local, apesar dos ‘pequeninos’ terem, inconscientemente, representado muito bem a realidade cruel da província.

No entanto, embora não tenham, por hora, plena consciência crítica sobre a fábrica de aço – que além de destruir tudo e todos lentamente com a poluição, é também o ‘ganha pão’ de suas famílias –, as crianças sabem muito bem que “o TikTok acabou com nossas cabeças”. Ao som de falas audaciosas recheadas de gargalhadas, Bangarang age como Gonzaguinha na faixa O Que É O Que É?, do disco Caminhos do Coração (1982): “Eu fico com a pureza/Da resposta das crianças/A vida é bonita”. 

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Guilherme Moraes

A adaptação da peça Ubu Rei, distribuída pela Medeia Filmes Cinemas, chegou sem muito alarde na 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo  como parte da seção Perspectiva Internacional, captando poucas pessoas para suas sessões. No entanto, aqueles que deram a chance para a obra de Paulo Abreu viram um dos filmes mais divertidos do evento. Ubu fez a sessão gargalhar com a teatralidade cômica satírica e escrachada, que flerta com o teatro Shakespeariano.

Inicialmente, a obra se parece muito com Hamlet, de Shakespeare, pela traição ao Rei, a aparição de fantasmas e a promessa de vingança do filho com a morte do pai. Todavia, ele subverte a lógica e foca seu olhar no vilão, para mostrá-lo como uma caricatura. Ubu é uma representação debochada dos aristocratas; transforma essas figuras poderosas em toscas, burras e ridículas. Pode até parecer que isso é uma mera galhofa ou uma crítica vazia, mas a verdade é que essas representações eram uma das poucas formas de retaliação do povo. A série Game of Thrones também conseguiu transmitir muito bem essa ideia, ao retratar um teatro que parodiava a própria realeza e suas intrigas.

A teatralidade que Paulo Abreu emprega no filme dá a tônica à toda a obra. As atuações afetadas de Miguel Loureiro e Isabel Abreu carregam a comicidade através da tosquice que tenta disfarçar uma elegância real. Lembra bastante as atuações em Monty Python com personagens que falam de uma maneira muito fina, contudo, em seu conteúdo, são carregados de bobagens. Os atores são muito expressivos tanto em suas fisionomias, quanto com seus corpos, o que só reforça essa raiz teatral.

Abreu é muito sarcástico até na escolha dos elementos do filme. A opção por uma fotografia em preto e branco não é aleatória; ela carrega por si só o estereótipo de filme cult. Contudo, o fotógrafo do filme, Jorge Quintela, dá um passo a mais ao aumentar o contraste das imagens, tornando mais expressiva, mas também dando contornos mais épicos ao protagonista, algo que irá se contrapor com o jeito galhofa do filme e o comportamento bobo do Ubu.

Pode parecer fácil fazer um filme assumidamente tosco, no entanto é preciso ter muito cuidado para não cair numa ‘bobajada’ sem sentido que busca apenas o riso fácil. O longa ainda consegue lidar com os aspectos do teatro, sem esquecer que está se encarregando de uma linguagem diferente. Se diferenciando da maioria dos filmes da Mostra, que são densos, sérios e lentos, Ubu é o Cinema galhofa, dinâmico, sem deixar de ser requintado em sua forma cinematográfica.

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Guilherme Barbosa

Em 2013, James Wan apresentou ao mundo Invocação do Mal, filme que deu início a um universo repleto de histórias que se conectam entre si, criando uma instigação nos espectadores a fim de acompanhar todas as narrativas que compõem esse espaço sombrio. Uma década depois, em 2023, o diretor Michael Chaves, que dirigiu o ‘esquecível’ Invocação do mal 3: A Ordem do Demônio, adiciona um novo capítulo para essa coleção com A Freira 2, continuação da história que se iniciou em 2018, quando não funcionou tão bem. Dessa vez, o longa não apenas manteve o mesmo caminho, mas até mesmo intensificou, o que resultou em uma experiência que, em comparação, pode ser considerada ainda mais decepcionante.

Embora a premissa seja amedrontadora, o novo projeto não apresenta muitas inovações no enredo em relação ao seu antecessor. Em 1956, após os acontecimentos do primeiro filme, um padre é assassinado e a suspeita da propagação do mal se mostra cada vez mais verdadeira. Ao pensar que havia escapado de Valak, a entidade demoníaca, a Irmã Irene (Taissa Farmiga), novamente é convocada para investigar as ocorrências e encarar, mais uma vez, esse inimigo.

As semelhanças com o longa anterior não se limitam exclusivamente ao roteiro. A atmosfera sombria e os sustos previsíveis são elementos que parecem ter sido reciclados, deixando o público com uma sensação de déjà vu. A falta de originalidade no desenvolvimento da trama contribui para uma narrativa que não consegue sustentar o mesmo nível de tensão e interesse que Invocação do Mal e Invocação do Mal 2 proporcionaram. Esperava-se que fosse apresentado uma certa evolução, porém, a repetição de alguns pontos gerou uma decepção nos fãs.

Apesar de contar com um bom elenco, a presença de nomes reconhecidos não consegue compensar as lacunas do roteiro. Taissa Farmiga, de novo no protagonismo, oferece uma atuação competente, no entanto, a falta de desenvolvimento significativo da personagem compromete o envolvimento do espectador. Stormi Reid (Euphoria), que interpreta a Irmã Debra, tem seu brilho apagado, de certa forma, devido à ausência de crescimento e profundidade da beata. O protagonismo da Freira, que dá nome ao filme, se mostra ter sido ignorado, resultando em cenas de destaque escassas e uma falta frustrante de intensidade, terror e violência. A ausência de progresso nos arcos principais também deixa a desejar, o que prejudicou a capacidade do projeto de alcançar as expectativas criadas por conta do elenco famoso.

A Fotografia de A Freira 2, realizada por Tristan Nyby, mantém a estética gótica e a paleta de cores sombrias, características marcantes do universo cinematográfico criado por James Wan. A direção de Michael Chaves tenta capturar a essência do Terror, mas o resultado final é uma repetição de clichês que já foram explorados em filmes anteriores do mesmo gênero. A falta de inovação, tanto no aspecto visual quanto no narrativo, contribui para a sensação de que a obra é mais uma tentativa de capitalizar o sucesso do original do que algo autêntico e memorável por si só.

As cenas assustadoras presentes durante os 110 minutos de duração do longa falham, na maioria das vezes, em gerar, de fato, susto ou medo nos espectadores. Com a previsibilidade presente em todas as cenas, a audiência já espera que pode se assustar, decepcionando na criação do suspense. Mesmo com a adição de um elemento feito para assustar, como o bode que foi criado para fazer uma alusão ao diabo em uma brincadeira entre as crianças da história, o filme ainda mantém a previsibilidade e não gera maiores emoções no público.

É evidente que, por se tratar de um longa-metragem que faz parte do universo de Invocação do Mal, A Freira 2 é um longa que reverbera na mídia, mas por pouco tempo. Ele mostra que se trata de um filme criado para o público não muito exigente do Terror, que o coloca como plano de fundo em encontros com amigos. Mesmo com um roteiro fraco e com muitas lacunas, Michael Chaves poderia ter feito um trabalho diferente e tentar contornar os problemas que aconteceram em seu irmão mais velho. Contudo, pela falta de inovação e a repetição de erros, The Nun 2 (no original) não se destaca e se torna uma obra muito fácil de ser esquecida pelo público.

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Nathalia Tetzner

Há muito tempo, dizem que por trás de todo homem há uma mulher. Beckham, série documental sobre um dos maiores jogadores de futebol da história da Inglaterra – e uma das figuras mais propagadas em campanhas globais para marcas gigantescas –, coloca a prova esse ditado. Demonstrando, também, que a razão pelo insucesso de muitos seja, talvez, por não ter uma Spice Girl como Victoria Beckham em suas trajetórias.

O documentário coloca em evidência o papel da ‘Posh Spice’ na vida de David Beckham. Mais do que a sua âncora, ela também o guiou ao estrelato na indústria do entretenimento. Isso, sem nunca deixar os sonhos para trás pelo amor, ainda que tenha sacrificado a sua paz pelo bem-estar da família. Ao seu lado, o apoio dos pais dele e os conselhos do técnico mais vitorioso do esporte, Alex Ferguson, perdem protagonismo. Em Beckham, qualquer empecilho é resolvido por ela.

Inserido no hall de talentos explorados pelo pai visionário desde os primeiros anos da infância, David Beckham esteve dividido entre a pressão constante e o acalento da mãe. Atrapalhando-se em campo quando a família não estava presente no estádio para assisti-lo, o seriado se distancia de Neymar: O Caos Perfeito, outra produção da Netflix. Embora Beckham tenha seu próprio momento ‘errei, fui moleque’, quando aborda as supostas traições à ‘Posh Spice’ em Bolas de ouro.

Ao contrário do brasileiro, o atleta que defendeu o Manchester United e o Real Madrid teve pessoas que tentaram manter seus pés no chão. Alex Ferguson fez de tudo para que ele não desviasse a atenção para uma popstar em ascensão mundial ou mudasse completamente a aparência por causa de patrocinadores. Contudo, o esforço foi em vão, já que David Beckham é a razão por revolucionar, a partir da década de 2000, a forma que o mundo consome jogadores de futebol.

Com a fusão das linhas que marcam o gramado do campo e as linhas-finas dos tablóides impressos, David e Victoria Beckham expõem o abuso da mídia britânica sem se fazerem apenas de vítimas. Assim, mostram para Harry & Meghan como se arquiteta um documentário merecedor de cinco indicações ao Emmy 2024. Sendo vencedor de Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, categoria não televisionada na noite principal.

Através da câmera posicionada bem próxima dos entrevistados, capturando suas expressões faciais enquanto assistem aos momentos mais cruciais da vida do protagonista da narrativa, Fisher Stevens realiza um trabalho comovente. Os episódios O chute e Vermelho de raiva são seu ápice no comando da direção. Por outro lado, Stevens deixa a emoção escapar de suas mãos justamente no grand finale. A motivação de David deixa um gosto amargo por não elaborar o clímax.

Abordando o assédio dos torcedores ingleses com uma sensibilidade essencial, Beckham se esquiva apenas de polêmicas muito recentes, como a posição de embaixador da Copa do Mundo FIFA de 2022, organizada no Catar, um país que desafia os direitos humanos. Mais do que uma jornada de superação de um ícone global, o seriado traz à tona a importância de uma mulher como Victoria Beckham, além de exibir como ambos orquestraram uma trajetória digna de série da Netflix.

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Guilherme Machado Leal

No Emmy, as séries de comédia são um universo à parte: todo ano, as categorias que prestigiam as melhores obras de 30 minutos são cheias de surpresas. Das sitcoms aos mockumentaries, o texto é parte fundamental dos seriados televisivos, porque é a partir deles que os roteiristas possuem o traquejo de escrever piadas e imprimir o tom que ditará o rumo do produto. É nesse contexto em que as duas indicações de The Other Two, ambas em Melhor Roteiro em Comédia pela terceira temporada, se encontram.

Criada por Chris Kelly e Sarah Schneider, a trama é uma paródia da ascensão de Justin Bieber. No universo que se passa em Nova York, o espectador conhece Chase Dubek (Case Walker), um adolescente que viralizou na internet e, rapidamente, se tornou o astro jovem mais conhecido dos Estados Unidos. Semelhante ao início do cantor canadense, o garoto vê a própria vida mudando em questão de segundos. Com isso, as trajetórias de sua mãe Pat Dubek (Molly Shannon) e seus irmãos mais velhos, Brooke (Heléne Yorke) e Cary Dubek (Drew Tarver), também adquirem um novo rumo.

Em The Other Two, o protagonismo não fica para o caçula. Na verdade, a obra televisiva escolhe focar nos ‘outros dois’, aqueles que não conseguiram transformar um limão mofado em uma limonada. Na série disponível no Max, streaming do selo HBO, o espectador vê, a cada episódio, as jornadas dos irmãos de 20 e poucos anos em meio à popularidade do inocente ChaseDreams, nome artístico do mais novo entre os personagens principais. Enquanto Brooke se torna uma espécie de relações públicas da carreira de Chase, Cary sonha em ser um ator aclamado pela crítica e público, aos moldes do icônico Joey Tribbiani (Matt LeBlanc), de Friends.

O terceiro ano foi aclamado pelos votantes da maior premiação da Televisão. De fato, há algo na despedida da série que a faz ser tão especial aos olhos de quem acompanha desde o começo. Seja pelo texto afiado, assinado pelos co-roteiristas Chris Kelly e Sarah Schneider, ou pelo carisma dos personagens, o fato é que a obra não tem medo de criticar assuntos que são colocados debaixo dos panos, a exemplo da Disney e a sua política anti-LGBTQIAPN+. No sétimo episódio, intitulado Brooke, and We Are Not Joking, Goes to Space, Cary é contratado para dar voz ao “primeiro personagem abertamente queer” da companhia de Walt Disney.

As opiniões a respeito da forma como a empresa atua não deixam a desejar. Ao longo dos minutos que marcam a história do episódio, The Other Two consegue atacar, sem descer do salto, as hipocrisias que definem a marca quando se trata da abordagem de personagens LGBTIQAPN+. Entre o subtexto gay em Luca e as teorias de uma princesa possivelmente lésbica (Elza, de Frozen), a comédia não poupa as ações do estúdio e avalia como o queerbaiting se molda sutilmente à estratégia de grandes ‘firmas’ em se ancorar no imaginário daqueles que sonham em se ver representados nas telonas.

Além disso, Cary & Brooke Go To an AIDS Play e Brooke Hosts A Night Of Undeniable Good, respectivamente, o quinto e oitavo episódios da temporada, são os grandes destaques do terceiro e último ano da obra televisiva. No primeiro, por exemplo, a trama se concentra em uma peça que fala sobre a aids de uma maneira humorística. No entanto, em momento algum da história, há uma piada de mau gosto. Aliás, um dos grandes acertos da comédia é saber examinar a ferida sem ferir o paciente que está sendo observado, mostrando que dá para fazer humor sem apelar para o preconceito. 

Já o oitavo episódio se concentra no maior foco da temporada quando se trata de Brooke: fazer o bem. O percurso traçado pela personagem serve como um meio de criticar a indústria hollywoodiana e, principalmente, a forma como ela afeta as celebridades. Fingir um namoro falso, assumir uma persona que não condiz com quem é de verdade e passar por cima de todos são apenas três das atitudes que alguém que vive nesse mundo precisa lidar. É como se fosse uma escada para o sucesso. A cada fase avançada (leia-se atitude ética e moralmente questionável), você ganha um onùs e um bônus. Todavia, por ser um ambiente tóxico, fazer o bem e o mal são praticamente a mesma coisa. No ofício do entretenimento, é notado quem está jogando. E os irmãos parecem tirar isso de letra.

Assistir às três temporadas sem se apegar aos protagonistas seria impossível, pois todas as narrativas episódicas se concentram em como os irmãos mais velhos reagem às adversidades da vida. ‘Mesquinhos’ e trapaceiros, Brooke e Cary não são pessoas carismáticas. No mundo real, os dois seriam odiados por serem desonestos. Mas a atuação de Heléne Yorke e Drew Tarver são o tesouro de The Other Two e é, a partir delas, que o público chega à conclusão: todos, de alguma forma, são picaretas. Mentir, chantagear e invejar são alguns dos verbos presentes nas sentenças proferidas pela dupla principal.

Ao mesmo tempo em que fazem de tudo para chegar ao topo, os irmãos Dubek são pessoas que só querem o seu lugar ao sol. Estabilidade financeira e o reconhecimento da família e amigos são quistos por qualquer um que chega à vida adulta. Assim, com os ‘os outros dois’ não seria diferente. A trama encerra a jornada fazendo jus aos seus personagens desajustados que, embora sejam pessoas controversas, não têm medo de mostrarem ao mundo suas camadas mais questionáveis. É errando que os protagonistas acertam e, por isso, são relacionáveis com quem consome a obra. 

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Davi Marcelgo  

Depois de uma odisseia que durou 23 anos, o criativo A Fuga das Galinhas (2000) ganhou uma sequência. O longo percurso para a continuação sair do papel foi resultado de muitos fatores: o fim da parceria entre Aardman Animations e Dreamworks em 2006, a pandemia da covid-19, a troca de elenco devido às polêmicas envolvendo racismo por parte de Mel Gibson – dublador do personagem Rocky em 2000 –, além do custo e da necessidade de uma equipe maior para a produção. Sem um grande estúdio por trás, a história das aves ficou sem um novo voo por mais de duas décadas. Em 2020, a Netflix anunciou a continuação, A Fuga das Galinhas: A Ameaça dos Nuggets. Mas será que ela mantém a qualidade do primeiro filme? 

A resposta é: nem tanto. A animação em stop motion continua linda, cheia de detalhes e com todos os atributos que sintetizam o cuidado dos profissionais e animadores. No comando do diretor Sam Fell, a diferença mais gritante são as cores, mais vivas e festivas, que conseguem captar muito bem o espírito de liberdade e da utopia celebrada pelas galinhas remanescentes que escaparam da fazenda da Sra. Tweedy (Miranda Richardson). Tal estética se opõe à Fotografia do filme antecessor, rodado por Nick Park e Peter Lord, que é escura, com aspecto sujo e ‘melequento’, sem nenhum tipo de entusiasmo. Afinal, as descendentes dos dinossauros sobreviveram de um espaço sanguinário.

Na trama de Ameaça dos Nuggets, Ginger (Thandiwe Newton) e Rocky (Zachary Levi) desfrutam da independência e da família, porém, a filha do casal, Molly (Bella Ramsey), começa a idealizar um mundo melhor para além da ilha em que vivem. No entanto, eles mal sabem que uma antiga inimiga ainda comanda a região. Os problemas do longa começam quando Molly é levada para a fábrica de nuggets da Sra. Tweedy. A textura bucólica se torna metálica, de acordo com o espaço em cena. Contudo, para além do campo, as cores ainda continuam muito salteadas e todo pânico por ter a morte ao lado se esvai junto com a fumaça de ‘franguinho’ na panela. As cores, do diretor de Fotografia Charles Copping, não comunicam de forma coerente. 

A fábrica, embora seja maior e tenha um modelo de produção em larga escala, não consegue transmitir a mesma ameaça da pequena granja da animação de 2000. Além das cores, há outros dois motivos, sendo eles o humor e a decupagem. As ‘piadinhas’ continuam visuais, muitas vezes, partindo do corpo dos bonecos de ‘massinha’, porém, grande parte dos personagens são bem ‘bobinhos’ e infantilizados, lembrando Shaun, o carneiro, também da Aardman.

A animação ser infantil não é um pecado, mas a técnica não é exclusiva para crianças e, olhando em retrocesso, a direção da dupla de criadores e o texto possuíam um humor mais inteligente e ácido. Exemplo desse tom é a cena cuja comicidade é um detalhe; Babs (Jane Horrocks) costura uma corda de forca com tricô. Para mais, há a descrença da Sra. Tweeny na capacidade das galinhas planejarem um complô, registrada na fala: “São as criaturas mais burras do planeta. Elas não pensam, não tramam e não estão organizadas”. O quadro seguinte imediatamente mostra Ginger pedindo por ordem. Tal contradição e uma galinha pensando em morte são risíveis. 

O segundo motivo é a decupagem de cena; a forma como Park e Lord evocam uma sensação de perigo e desilusão usando sombras e a percepção dos sentidos humanos não presentes na sequência. Como exemplo, a cena em que, após a Sra. Tweedy escolher qual galinha vai matar, ela coloca luvas na cor vermelha. O som é um estalo forte do elástico no punho somado ao corvejo de corvos. Então, a porta se abre e, a partir do campo de visão na altura de uma galinha, vemos um machado enfincado num tronco. Ginger está acompanhando tudo de longe, incapaz de fazer algo e com a expressão de medo. A vilã empunha a arma e só enxergamos as sombras. A morte é confirmada pelo som do machado. A cena finaliza com pássaros brandos sobrevoando a granja. Depois, a câmera passeia pela mesa de jantar: ali, há restos de um frango assado. 

Machado, luva vermelha, pássaros voando, todos os objetos em cena são abstraídos dos seus sentidos literais e ressignificados através das simbologias de liberdade, prisão e morte de A Fuga das Galinhas. Nick Park e Peter Lord querem que você tenha asas e um bico. A icônica cena em que Ginger e Rocky invadem a máquina de tortas lembra o inferno. Ela é toda ‘melequenta’, cheia de fogo e com um ar de impossibilidade de escapar, além de ter sido filmada com muita frenesia, movimento e caos. Já a direção de Fell não consegue por um minuto sequer nos colocar em uma grelha de churrasco. Tudo é muito ‘limpinho’: sem estímulos e grandes inspirações.

O filme de 2023 pelo menos entende a alegoria marxista e a de campos de concentração pretendida pela história das penosas, continuando essas ideias. Molly foge da vila porque acha que a grama do outro lado é mais verde. Ginger a proíbe de sair, mas esconde todo o passado cruel que viveu. A necessidade de avisar as novas gerações sobre opressores e formas de extermínio é uma temática e tanto. Porém, o enredo, roteirizado por Karey Kirkpatrick, John O’Farrell e Rachel Tunnard, verbaliza outra resposta: a protagonista perdoa a filha por achar que ela tem o mesmo espírito de liberdade. Dessa forma, resumiram uma narrativa política em uma condição determinista fajuta. 

Até a escolha do retorno da antagonista teria mais força sem essa linha de diálogo. Em A Fuga das Galinhas, a origem do nome das tortas é exposta no seguinte diálogo: “a torta de galinhas feita em casa pela senhora Tweedy” e justificado pelo argumento  “toque feminino, o público se sente mais confortável”. Criando uma alegoria com a manipulação que empresas e sistemas fazem com as massas. Disfarçam todo sangue derramado com propagandas felizes e acolhedoras.

Na sequência, que apresenta a mesma inimiga, mas, dessa vez, em outra roupagem, com maquiagem, roupas chiques e um novo corte de cabelo, é infeliz a falta de tato ou até limitações coagidas pela produção (dificilmente saberemos) em não criar paralelos sobre ressurgimento de ideais nazi-fascistas, grupos extremistas que não utilizam nomes e discursos racistas ou homofóbicos explícitos para não soarem malignos – ainda que continuem sendo –, ou organizações disfarçadas de salvadoras da família, com políticos trajados em túnicas cristãs. As ideias estão todas ali e, infelizmente, o filme não faz um exercício maior sobre elas, criando cenas de arrepiar e sentir nojo. Não é exagero pedir isso do filme ou de uma animação, porque seu antecessor sabia muito bem o que estava fazendo. 

Outro ponto interessante das escolhas narrativas do longa original é o galo idoso Fowler (a voz de Benjamin Whitrow foi substituída pela de David Bradley), que é responsável por pilotar o avião de fuga, ajudando a ‘galinhada’ a escapar do sítio. O roteiro defende que a revolução só pode acontecer com todo mundo. Independente da faixa etária, todos são importantes. Entretanto, em A Ameaça dos Nuggets, o personagem é reduzido à inutilidade, ou seja, tem zero impacto na trama e é visto pelos outros personagens como um peso morto. A coincidência é que Julia Sawalha, dubladora original de Ginger, declarou em suas redes sociais que não voltaria para a sequência, pois sua voz estaria “velha demais”. Ela afirmou também que não foi chamada para testes de elenco. 

O primeiro filme é uma obra-prima das animações, tem uma unidade de ideias e linguagem bem alinhadas. Tudo está em tela por um motivo. A Fuga das Galinhas: A Ameaça dos Nuggets não consegue alcançar a magnitude do seu antecessor, embora continue charmoso e divertido. Personagens são descartados, algumas escolhas são questionáveis e a animação fica mais quadrada, nos moldes da Netflix. Sam Fell acaba fazendo apenas omelete sem tempero, mesmo com tantos ovos bons, que poderiam fazer bolos, tortas e, quem sabe, uma revolução. 

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Henrique Marinhos

Enquanto Barbie levava multidões trajadas de rosa aos cinemas em 2023, Ainda Temos o Amanhã (C’è Ancora Domani, no original) alcançou o topo das bilheterias na Itália só com o preto e branco. O debut como diretora de Paola Cortellesi encantou ao construir uma narrativa neorrealista ambientada em 1946, em uma Itália devastada após o fim da Segunda Guerra, na qual todo e qualquer homem é coadjuvante. 

O filme é hipnotizante. Toda sua construção converge e desencadeia sentimentos semelhantes aos de maratonar uma série em um final de semana, depois de deixar episódios semanais acumularem. A protagonista tem uma proximidade excepcional com o público e passa longe de tudo que possamos considerar desinteressante. Queremos continuar acompanhando sua vida, suas relações e todas as suas decisões: até onde Délia iria por si e por quem ama?

O tom do filme se dá em seus primeiros takes. A rotina de Délia começa com um tapa de seu marido sem qualquer aviso ao acordar, como quem passa a manteiga no pão. Ivano (Valerio Mastandrea) é a figura de um cônjuge autoritário em uma sociedade em reconstrução; a representação do poder patriarcal é guiada por seu pai, que até o adverte para não agredi-la todos os dias… para que não se acostume. Caso tenha companhia ao assistir e ela não esboce qualquer reação de indignação, considere isso, no mínimo, uma red flag.

Em linhas gerais, Cortellesi entrelaça sua obra com o cenário contemporâneo e suas raízes, declarando que, sejam jovens ou idosos, italianos reconhecem no filme um pouco de sua própria família. Não necessariamente remetendo à violência, mas a certas atitudes em relação às mulheres. Representação que, sem dúvidas, atravessa fronteiras e oceanos, explicitando o trajeto para a igualdade que ainda nos resta percorrer.

Polêmica e controversa, a forma com que a diretora conduz os gêneros do longa explicita a dúbia, difícil e complementar tarefa de equilibrar o Drama e a Comédia. As escolhas na representação da violência física e dos momentos de descontração foram os maiores tópicos de discussão em comentários e críticas pelas redes sociais. Enquanto a tensão ao longo do dia cresce a cada minuto no que culmina na exaustiva, frustrante e repulsiva agressão por qualquer justificativa ignóbil de seu marido, o clímax e pesar do ato são substituídos por performances musicais, coreografadas e até amorosas.

Entre a suavização, banalização e normalização da violência ao utilizar tal abordagem, a linha entre fazer uma crítica e reproduzir padrões se perdeu no conceito, mas não na estética. A linearidade e percepção de tempo não deixa claro ao público a seriedade e consequências acumuladas pela protagonista. No entanto (e felizmente), esse aspecto é complementado pela frustração e indignação de sua filha Marcella, maravilhosamente interpretada por Romana Maggiora Vergano.

Além de ser dona de casa, mãe de três filhos e cuidadora de seu sogro senil e repugnante, Délia ainda remenda roupas, conserta guarda-chuvas, lava lençóis e aplica injeções para conseguir alguns trocados que deve ao seu marido. Roubando um ‘bocado’ – de seu próprio dinheiro – ao fim do dia, seu principal objetivo é dar para Marcella um futuro melhor que o seu. E é entre todos esses ‘bicos’ que nos perdemos completamente. Reconhecer os pequenos prazeres da vida nunca foi tão real quanto aqui.

Na venda, durante as compras, conhecemos Marisa, a maior confidente e cúmplice da protagonista, premiada e interpretada brilhantemente por Emanuella Fanelli, que se refere a Ivano como carcereiro. Conhecemos suas colegas que lavam roupa e, provavelmente, inventaram o que conhecemos como fofoca; conhecemos também seu flerte do passado e torcemos para que seja seu futuro; além de um soldado americano à paisana que, por um simples gesto, está em dívida com ela. Podemos até contemplar os olhares complacentes de outras mulheres ao longo do dia, mas tudo isso se desmonta ao chegar em casa.

Toda essa atmosfera entre esperança e desespero é acompanhada de planos sequência, close-ups e a maestria na utilização da escala de cinzas por Davide Leone. Para além da técnica, ele também mostrou como a fotografia e a montagem, feitas por Valentina Mariani, são artes que quase se personificam. Por outro lado, a trilha sonora, assinada por Filippo Porcari e Federica Ripani, acompanha bem o dia-a-dia, porém peca ao exceder-se com trechos longos e fora do tom de 1946. Outro ponto que foi fundamental e, junto à fotografia, nos teleportou para a Itália, foi a decoração de set por Fiorella Cicolini: sem ‘firulas’, simplista e detalhada, não deixa brechas para o questionamento da beleza das comunidades italianas em todas as suas nuances.

Não surpreendente, Ainda Temos o Amanhã não conquistou somente o público com a maior bilheteria italiana de 2023, mas também a Academia do Cinema Italiano na premiação cinematográfica mais importante do país, o Prêmio David di Donatello. Com 19 nomeações, o filme arrecadou seis estatuetas, entre elas: a de Melhor Primeira Obra e Melhor Atriz Principal, para Paola Cortellesi; Melhor Atriz Secundária, para Emanuela Fanelli; Melhor Roteiro Original; Prêmio do Público; Prêmio da Juventude.

Sem muitos spoilers, a trama mais significativa do filme e, talvez, para Délia, seja assegurar que Marcella, sua primogênita que foi proibida de estudar pelo pai, possa ter um futuro diferente do seu, reconhecendo padrões que a filha ainda não tem malícia para entender. Os planos de fuga, esconderijos e cartas secretas são endereçados não a si mesma, e sim ao amanhã, e é por esse motivo que nos contorcemos. Por mais que ela seja cativante, a história de uma mulher de classe baixa e resiliente ainda é limitada pelo contexto histórico e condições materiais e ideológicas que permeiam a trama.

O longa ressalta a importância da retratação de cenários cotidianos de pessoas comuns na formação da consciência histórica, além de ser uma crítica às estruturas de poder. Entre temas como o feminismo, a autonomia financeira, educação e outros direitos, o filme se torna um espelho das lutas passadas e presentes das mulheres, refletindo as dificuldades enfrentadas em um mundo que ainda carrega o peso do patriarcado e a persistência de padrões de comportamento, que perpetuam a opressão. A busca por um futuro melhor para sua filha é a esperança que intitula o longa. Afinal, ainda temos o amanhã.

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Íris Ítalo Marquezini

Não é surpreendente falar sobre Doctor Who para alguém alheio à série e a pessoa se impressionar com o número de episódios. No ar desde 1963, e com décadas de influência na cultura pop, o seriado televisivo de ficção científica continua a encontrar novos fãs curiosos para saber como uma cabine telefônica policial – a TARDIS – pode ser maior por dentro. Os últimos três especiais da série não são exatamente receptivos para quem desconhece aquele universo transmídia gigantesco, mas com certeza confortam os dois corações dos ‘whovians’ que estavam com saudade das frenéticas e criativas aventuras que só os Senhores e Senhoras do Tempo sabem trazer. 

Uma das características mais únicas de Doctor Who, desde a década de  1960, é a capacidade do protagonista se regenerar: isto é, trocar a própria fisionomia em situações de risco de vida e mantendo as memórias intactas –  uma solução inventada para justificar a troca de atores ao longo da produção. Após três temporadas polêmicas com Jodie Whittaker interpretando a Doutora, o seriado trocou de showrunner, e Chris Chibnall deu lugar a Russel T. Davies – o responsável pelos primeiros quatro anos da Era Moderna da série. Ou seja, trata-se do mesmo produtor que cuidou do reboot de 2005 do seriado , que continua a história da Era Clássica, mas com o objetivo de receber novos fãs, na época, com Christopher Eccleston interpretando o viajante do tempo.

Foi em 2022 que soubemos quem iria substituir a tão criativa, amorosa e elétrica Jodie Whittaker no papel de 13º Doutora. A BBC revelou que Ncuti Gatwa, astro de Sex Education e Barbie, seria a próxima encarnação do personagem. Com uma das cenas de regeneração mais épicas de todos os tempos, essa notícia tornou o emocionante e ambicioso capítulo de despedida de Jodie Whittaker, O Poder da Doutora, ainda mais surpreendente: o rosto que apareceu na tela não era de Gatwa, mas sim de David Tennant.

Com todas as 13 temporadas da Era Moderna explorando e adicionando novas camadas ao personagem do Doutor, os especiais de 60 anos aparecem quase como um fim para a Era Moderna como um todo. O próprio Russel T. Davies afirmou que a próxima temporada, agora sim estrelada por Ncuti Gatwa, será considerada a primeira de uma nova era. Os três episódios especiais, distribuídos pela Disney+, aparecem como um fechamento inesperado para os fãs do que foi uma das séries mais marcantes da última década.

O primeiro episódio dos especiais de 60 anos, A Fera Estelar, além de trazer David Tennant de volta ao papel do protagonista, também marca o retorno de uma das companions mais carismáticas. Donna Noble, interpretada por Catherine Tate, aparece com um marido, uma filha e um cotidiano corrido. Nada tão aventuresco quanto a vida acompanhada do amigo viajante do tempo. A personagem não era vista no seriado desde a quarta temporada, quando ela teve a memória apagada pelo Doutor em um dos finais mais tristes e chocantes na história de Doctor Who.

Com o risco de Donna morrer caso se lembre quem é o Senhor do Tempo, a força desse primeiro episódio está no ritmo certeiro de Comédia entre Tennant e Tate, ambos atores shakespearianos especialistas no assunto, mesmo anos depois de terem atuado juntos. O destaque vai também para Yasmin Finney (Heartstopper), que interpreta a curiosa e carinhosa Rose,  filha de Donna. Além disso, o episódio ainda conta com os fofos e impressionantes Meeps, ‘criaturinhas’ que são o foco dessa narrativa. A Fera Estelar começa como uma releitura de E.T. O Extraterrestre (1982) combinado com o memorável capítulo Parceiros no Crime, justamente para subverter ao fim a trama que esperávamos de forma divertida.

É impossível ignorar a importância que a narrativa dá ao tema da diversidade e da mudança. Afinal, é a aceitação que salva o mundo. O acolhimento do novo abre a possibilidade de haver soluções diferentes que driblem a morte e sirvam à vida. Toda essa mensagem fica clara para Rose, que se sente deslocada no começo até perceber que existe uma força bem mais bonita e poderosa dentro de si. Doctor Who é brilhante pelo equilíbrio entre o senso de aventura e a emoção: os personagens podem passar por todos os lugares mais fantasiosos do universo, mas a saudade, culpa e insegurança são sentimentos muito reais.

Nesta perspectiva, a sensação de ver Donna e o Doutor no episódio seguinte, A Imensidão Azul, é a mesma de ler HQs ou ouvir os incontáveis audiodramas do universo expandido. Temos aqui um aprofundamento do que já eram dinâmicas engraçadíssimas e únicas de se acompanhar. Trazer os dois aventureiros amados novamente parece uma jogada fácil para reconquistar os fãs mais antigos, mas se mostra uma decisão acertada, pois prova o quanto a dupla ainda tinha muito a resolver entre si. 

Temos aqui uma companion que sabe como é a dor da perda e um Doutor que está exausto de sentir o medo de sempre colocar amizades em risco. Essa soma apresentada e como ela é aplicada na narrativa é de partir o coração, por forçar esses dois personagens a desconfiar um do outro e suspender a vulnerabilidade que tinham entre si até então. Em uma trama que homenageia os filmes O Enigma de Outro Mundo (1982), de John Carpenter, e Alien, O Oitavo Passageiro (1979), de Ridley Scott, os amigos precisam lidar com cópias de si mesmos interpretadas por aliens metamorfos e cruéis. 

Um dos destaques deste capítulo é a produção da Wolf Studios Wales. Com locações construídas e complementadas com a tela verde, o cenário claustrofóbico de uma estação no fim do universo se torna imersivo e aterrorizante. Os famigerados efeitos especiais duvidosos de Doctor Who aparecem aqui de forma proposital, beneficiando-se muito da sensação incômoda de que existe algo de errado. O fato do episódio A Imensidão Azul ser montado de forma que o espectador fique tão desnorteado quanto os personagens gerou um dos finais mais desesperadores de todo o seriado.

Quando a terceira aventura de Donna e Doutor chega em A Risadinha, já é possível reparar em algumas diferenças entre as duas versões do Senhor do Tempo interpretadas por David Tennant. O personagem passa por genuínos surtos de raiva ao longo dos especiais e parece muito mais reflexivo do que a atuação mais enérgica e contida vista nas primeiras temporadas da série. Isso se explica pelo fato de ser uma regeneração do protagonista que mantém as mesmas dores e memórias dos acontecimentos que vieram até esse momento. Nesse sentido, esse aspecto poderia ter sido mais desenvolvido, já que nos momentos em que Tennant decide citar os traumas sofridos depois da própria regeneração, vemos uma carga dramática acumulada que fica reservada somente para os últimos segundos do último capítulo. 

A Risadinha alcança uma escala que tenta ser tão épica e fantasiosa que, infelizmente, acaba se distanciando bastante da ficção científica na qual os whovians estão acostumados a assistir. O Artesão, originalmente um vilão da série clássica – agora interpretado pelo ator Neil Patrick Harris –, possui poderes praticamente ilimitados e funciona bem como um contraponto ao Doutor, que também poderia ser considerado uma figura quase divina. O embate entre os dois se dá pela inteligência, e não pelo esforço físico, em um duelo de cartas semelhante ao aclamado episódio O Pesadelo de Metal.

É justamente essa quebra de regras da ficção científica que faz A Risadinha extrapolar, por bem ou por mal, os limites do que entendemos por Doctor Who. A fantasia é abraçada para colocar o Doutor em uma posição impotente em que precisa se esforçar até o limite para derrotar o vilão que alterna entre o caricato e o brutal. Essa aleatoriedade do que está por vir resulta em um episódio com cenas icônicas dividindo espaço com um ritmo muitas vezes incoerente. Após momentos extremamente tensos, a audiência é surpreendida com Neil Patrick Harris utilizando seu histórico musical em uma performance ao som de Spice Girls, de forma gratuita até demais. 

A introdução de Ncuti Gatwa acontece nesse tom, e a aparição do novo Doutor cura qualquer constrangimento sentido ao longo da narrativa. A presença de ambas versões do personagem ao mesmo tempo na tela se complementam, já que Gatwa aparece pela primeira vez tão frenético, carismático e até mesmo sarcástico quanto David Tennant foi nas próprias temporadas da Era Moderna. Mesmo com uma participação curta, o novo ator já se mostrou alguém com todas as características inteligentes que o Senhor do Tempo exige, mas com uma elegância e estilo só vistos anteriormente no 8º Doutor, interpretado por Paul McGann.

Por mais que as histórias sejam às vezes confusas, os especiais juntos formam uma ótima narrativa sobre abraçar as dualidades presentes no seriado e na vida. Se William Faulkner uma vez disse que o coração em conflito consigo mesmo é o único assunto na qual vale a pena escrever, Doctor Who se prova como uma das melhores séries a fazer isso desde sempre: o antigo e o novo; o diferente e o familiar; e o cansaço e o senso de aventura. É a coexistência como uma aplicação do que é diversidade por definição no gênero da ficção científica, nunca falhando em se reinventar. 

Quando o Doutor abraça o lado melancólico de nunca vencer completamente, mas também aceita que fez o que podia, vemos um fechamento emocionante para toda a Era Moderna da série. O protagonista sente um amor tão grande pela vida que acaba preso em um luto constante, incapaz de esquecer o que já se foi. Esse aspecto vale para todas as encarnações do personagem das 13 temporadas, mas aparece agora de forma mais leve e livre no 15º Doutor, Ncuti Gatwa. Chega a ser um ato corajoso dar um final feliz ao personagem sabendo que o ideal seria mantê-lo – com o objetivo de entreter a audiência – em um ciclo de sofrimento que poderia chegar, no fim, a contradizer a mensagem de esperança que Doctor Who sempre foi ótima em ressaltar.

Com essas possibilidades abertas, surge então um espaço para uma boa e velha história de Natal, tradição já conhecida no seriado. A primeira aventura do Doutor de Ncuti Gatwa em A Igreja da Rua Ruby faz o milagre de criar uma aventura ao estilo Charles Dickens sem ser na icônica Era Vitoriana. Parte da razão que faz isso funcionar é a nova companion, Ruby Sunday, uma órfã gentil interpretada por Millie Gibson. A dinâmica entre Ruby e Doutor funciona, pois aqui se tem uma jovem de coração muito puro, mas ignorante para muitos aspectos da vida, e um Doutor muito sábio – e completamente embasbacado  com o fato de ela conhecer tão pouco do mundo. 

Além de sarcástico, o 15º Doutor consegue ser muito expressivo tanto nas cenas de Comédia quanto nas de Drama. O personagem serve de ‘anjo da guarda’ para Ruby, tal qual vimos o Doutor de Christopher Eccleston ser para Rose Tyler (Billie Piper) no primeiro capítulo da Era Moderna. O especial de Natal protagonizado por Gatwa e Gibson é quase um episódio piloto para o que está por vir na série. Os vilões da aventura – ‘duendes comedores de criancinhas’ – são cômicos e protagonizaram uma cena musical com a colaboração do já conhecido Murray Gold, compositor das trilhas mais icônicas da série.

Doctor Who, em todos os aspectos, encerra um arco iniciado em 2005 com capítulos que tentam ao máximo fazer jus ao legado de décadas do seriado. Em meio a tantos gêneros que foram explorados, muitas abordagens para o protagonista foram inseridas e muitas companions entraram e saíram da TARDIS, deixando saudades nos espectadores e muitas piadas que aparecem para os mais atentos captarem. Mesmo com o tema principal sendo as constantes mudanças da vida que nem mesmo a viagem no tempo é capaz de evitar, muito se mantém. 

Ver Ruby entrar na TARDIS pela primeira vez causa uma sensação de conforto enorme. Nem foi preciso ouvir um “‘é maior por dentro” – a reação clássica de qualquer companion. Tudo já está lá. Assistir Doctor Who ontem, hoje e daqui muitos anos, é ter a certeza de que essa série bizarra sobre uma nave na forma de cabine telefônica policial sempre ofereceu bem mais do que prometia. O seriado mostra que ver a vida com um senso de aventura e maravilhosidade é o suficiente para que se sinta dois corações batendo no peito.

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