Marcela Jardim

Ao completar dez anos de lançamento, Hotel Transilvânia 2 (2015) se consolida como um marco interessante dentro da cultura pop da última década. A sequência da animação de Genndy Tartakovsky, longe de ser apenas uma repetição de piadas sobre monstros deslocados, revela um subtexto importante sobre herança, identidade e aceitação da diferença. O enredo gira em torno da ansiedade de Drácula com o futuro de seu neto, Dennis, fruto do casamento entre Mavis, sua filha vampira, e Johnny, um humano. A dúvida – será ele um vampiro ou humano? – funciona como metáfora para o medo de perda de tradição, de apagamento de uma linhagem cultural e, em última instância, da falência de uma identidade.

O nervosismo de Drácula (Adam Sandler) em relação ao destino de Dennis (Asher Blinkoff) dialoga com pressões familiares comuns a diversas culturas, em que se espera que filhos e netos carreguem adiante o ‘legado’ dos mais velhos. A frustração diante da possibilidade de o menino não ser vampiro traduz, de maneira lúdica, o medo da descontinuidade: a ameaça de que o passado não encontre eco no presente. Ao projetar essa angústia no corpo de uma criança, o filme revela como a sociedade frequentemente deposita em crianças e jovens expectativas que não pertencem a eles, mas às gerações anteriores.

Essa situação evidencia também um choque geracional inevitável. De um lado, Mavis (Selena Gomez) e Johnny encaram a vida de forma mais aberta, convivendo com naturalidade entre humanos e monstros. Do outro, Drácula insiste em preservar fronteiras rígidas, acreditando que só a manutenção da “pureza” vampírica garantiria segurança e continuidade. Esse conflito traduz tensões contemporâneas sobre hibridismo, multiculturalismo e convivência com a diferença. O longa, ainda que travestido de comédia infantil, articula um discurso sobre a dificuldade que sociedades tradicionais têm em lidar com a pluralidade.

Mavis, por sua vez, surge como a personagem que mais claramente rompe o ciclo de ódio aos humanos, já que seu relacionamento com Johnny representa a superação das barreiras erguidas pelo próprio pai. No entanto, sua trajetória não é de plena adaptação: ao visitar a família de Johnny (Andy Samberg), ela é vista de forma estereotipada, como alguém exótica e fora de lugar, lembrando o preconceito se reinscreve de formas sutis. Essa tensão reforça como a convivência entre mundos diferentes exige mais do que tolerância inicial, também demanda transformação estrutural, algo que nem sempre o contato individual consegue garantir. Assim, Mavis encarna o dilema de quem tenta viver entre fronteiras, mas continua sendo enquadrada por olhares externos que a reduzem a uma identidade fixa e caricatural.

É interessante notar que, ao contrário do que poderia sugerir uma narrativa linear, Drácula não avança em direção ao progresso, ele regride. Depois de, no primeiro filme, ter aceitado os humanos e aprendido a respeitar o amor de sua filha, aqui ele volta a agir de forma intolerante e controladora. Essa regressão é significativa: lembra que aceitar a diferença não é uma conquista definitiva, mas um exercício contínuo. O personagem, ao tentar manipular o neto para que este se torne vampiro, simboliza a tentativa de impor tradições a qualquer custo, mesmo quando o presente aponta em outra direção.

Outro fator que explica a relevância da obra é a consolidação da franquia como fenômeno cultural e comercial. Hotel Transilvânia 2 não apenas manteve o interesse do público após o sucesso do primeiro, como garantiu fôlego para novas sequências, séries derivadas e um universo expandido de produtos. A mistura entre personagens monstruosos clássicos, como Drácula, lobisomens, múmias, Frankenstein, e dilemas cotidianos deu certo porque equilibrava a fantasia com conflitos universais. As crianças riam das trapalhadas, os adultos reconheciam, em chave caricatural, discussões sobre família, mudança e tradição.

Dez anos depois, rever Hotel Transilvânia 2 é perceber como uma comédia de monstros animados conseguiu traduzir debates profundos em chave lúdica, com humor, cor e ritmo. Seu legado está tanto no impacto comercial, que garantiu longevidade à franquia, quanto na sutileza com que ofereceu uma reflexão sobre família, tradição e diferença. Um lembrete de que até os vampiros mais poderosos tremem diante do futuro e de que as novas gerações, humanas ou não, sempre desafiam os padrões do passado.

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Florence Welch sabe enganar muito bem. Quem ouve sua voz angelical ou já a escutou seus trabalhos anteriores, como Lungs e Ceremonials, de relance nem imagina que a frontwoman do Florence + The Machine reivindica todas as desgraças sentimentais existentes para si. A princípio pode até soar prepotente e egoísta uma pessoa achar que só ela detém de todo o sentimentalismo do mundo, mas é justamente na ignorância de que nenhuma experiência é única que How Big, How Blue, How Beautiful se torna tão singular.

Ao longo de sua carreira, o grupo desenvolveu suas próprias fases do luto. Em Lungs ela assumiu uma película fantasiosa, enquanto em Ceremonials a dor é tão grande que a fez ir para a igreja, porém nesse terceiro álbum ele se torna extremamente mundano. Tais fases refletem também a sonoridade de era desta trilogia inicial. Lungs é renascentista, Ceremonials é barroco/gótico e How Big, How Blue, How Beautiful é vanguarda moderna. 

Porém, há duas coisas das quais Florence não abre mão: o grandiosismo e a água, que neste registro são quase sinônimos. Quanto ao elemento aquático, a própria cantora disse que, em primeiro momento, o produtor Markus Dravs – que trabalhou com nomes como Coldplay, Bjork e Arcade Fire e que aqui substitui Paul Epworth – colocou um copo de cerveja escrito Water to drink, not write about it (água é para beber, não para compor sobre) no estúdio. No entanto, a astúcia da escrita conseguiu driblar a imposição, visto pelo próprio nome do álbum e também pela faixa de abertura, Ship to Wreck, onde a cantora diz estar construindo um navio para naufragar.

Fica evidente então que há coisas que Florence jamais vai abdicar, e uma delas é a grandiosidade. A banda sempre prezou por uma instrumentação de respeito, seu primeiro trabalho traz uma musicalidade mais crua, quase medieval, já seu sophomore é extremamente pomposo, enquanto aqui ele traz um aspecto mais modernista, que lembra um concerto de Bernstein, resultando na melhor orquestração da carreira do grupo, igualmente massiva, mas que sabe ser comedida nos momentos certos e entra em harmonia com os vocais de Welch, tendo a sonoridade mais rock da discografia.

O resultado é, sem dúvidas, o álbum mais consistente do Florence + The Machine, o que é uma pena, pois, acostumados com todo o expansionismo que a banda propôs em seu início, ele raramente é um dos mais lembrados. Mas isso, de forma alguma, tira o brilho que ele tem. De longe, How Big, How Blue, How Beautiful, em termos de produção é o mais robusto, pensado para ser catártico tanto no estúdio quanto no ao vivo.

Aqui, mais uma vez, o grupo mostra que não está preocupado em ser mainstream, e, ainda sim, conseguem imprimir uma roupagem comercial. E isso, dado às temáticas que Welch – que aqui é centrada principalmente na forma que o processo de superação da cantora afeta a vida à sua volta – aborda é uma tarefa bastante difícil, que, quando bem feita, do modo com que Florence + the Machine faz, dá muito certo.  Ao mesmo tempo em que a lírica dá a entender que a frontwoman não tem problemas em abrir seu peito, desde seu debut eles sempre mascaram tais sentimentos abusando da liberdade poética.

Queen of Peace e Delilah deixam evidente como isso é feito. A primeira, usa de um casal de monarcas que perdeu o filho para falar de feridas internas, que, apesar de cicatrizadas, marcam o eu lírico pela dor. Já a segunda, se apropria da personagem bíblica para abordar a auto descoberta após um período de dependência emocional. Mesmo sendo libertador, a música mostra que quebrar as correntes é tão doloroso quanto estar preso por elas.

Se a produção alcançou níveis não vistos anteriormente, o vocal de Welch não fica atrás. Não há tanta teatralidade quanto antes, mas nesse disco, a já autointitulada bruxa entoa seus feitiços com uma visceralidade que emana ódio e desespero, e bebe da influência de vocalistas fortes de décadas passadas que, não à toa, a deu o título de Stevie Nicks da geração Crepúsculo. Which Witch – talvez um dos melhores encerramentos de um álbum em décadas, por exemplo – vai além e pinta a intérprete realmente como a Feiticeira Escarlate, capaz de destruir todos a sua volta apenas com sua voz sofrida, moldando a realidade de quem a ouve.

A força de Florence + The Machine sempre pairou na forma como o grupo nunca teve medo de apresentar suas fraquezas ao mundo e desafiá-las. E How Big, How Blue, How Beautiful potencializa isso a enésima potência ao trazer uma carga de humanidade para a discografia. Períodos de luto e superação podem parecer apocalípticos, ainda mais os representados por Florence Welch, mas, a partir de suas obras fica claro que a dor é implacável e, com a guarda alta ou não, tem que enfrentá-la com as armas disponíveis, nesse caso, é a Música. Se o abismo, por mais lindo e gigantesco que seja, te encara, não se pode somente encará-lo de volta, mas é preciso botar medo nele e, se for o caso, mergulhar.

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Livia Queiroz 

Você é do tipo de pessoa que vive juventude de forma leve e que preza pelo maior número de experiências possíveis, de certo modo, inconsequente, ou do tipo que se vê preocupada com o presente e o futuro, parecendo muito madura para sua própria idade? Não se preocupe, ambas situações são normais na vida de um adolescente. É sobre essa fase memorável que Sabrina Carpenter canta em seu debut. Eyes Wide Open te leva em uma jornada pela adolescência em sua essência: erros, acertos, paixões, amizades e inseguranças. 

Lançado em Abril de 2015, o álbum de estreia da diva pop do momento é avassalador para qualquer jovem que passou por pelo menos uma das situações musicalizadas. Iniciando com um single que intitula a obra, Eyes Wide Open é uma narrativa sobre o autoconhecimento, navegando sobre o crescimento dentro da juventude, o que isso significa dentro de sua realidade e o questionamento sobre como se manter firme para seguir em frente, enfrentando os desafios da vida, mesmo sabendo que tudo é passageiro. Apesar da maturidade, sua construção musical não transparece esse conceito, apresentando uma instrumentalidade semelhante às conhecidas por aparecerem em filmes e seriados da Disney (canal em que ela fazia suas participações como atriz), com palmas coletivas e sonoras de carrilhão. Nesse sentido, interpreta-se uma dualidade de sentidos; mesmo que amadurecida, a cantora segue tendo 16 anos com sua ingenuidade natural. 

Em conexão com essa face inocente e feminina, Sabrina Carpenter apresenta Can’t Blame A Girl For Trying – a canção perfeita para uma estrela da Disney Channel –, que contrapõe a independência do primeiro single, com a ânsia por amores adolescentes e uma narrativa sobre erros em relacionamentos pela impulsividade e paixões momentâneas. Diferentemente da primeira música do álbum, esta se limita a poucos instrumentos, com um ukulele e um violão em harmonia, para criar uma atmosfera jovial e divertida e mostrar uma versão mais ‘brincalhona’ da cantora. Tal música combinou muito mais com seu estilo vocal do que Two Young Hearts e Eyes Wide Open, que são desafios vocálicos para uma jovem – ainda em fase de crescimento – devido à oscilação rápidas no tom de voz e a compatibilidade das notas com o timbre contralto. 

Em contraste, o combo perfeito para a ‘Short n’ Sweet princess’ foram White Flag e Seamless. Respectivamente escritas por Jason Ingram e Chelsea Lena (junto de Sabrina), as canções abordam temas diferentes mas com ritmos semelhantes. Em uma musicalidade dançante e o retorno do carrilhão, White Flag trata – assim como a primeira música do álbum – sobre resiliência, solidão, a batalha perante os obstáculos no caminho dos objetivos e a aceitação dos erros. Apesar da presença de temáticas amorosas e reflexões interiores, algumas faixas trazem a leveza da amizade verdadeira, assim como Seamless, exaltando a conexão profunda entre duas pessoas, possibilitando uma compreensão íntima uma com a outra mesmo sem verbalizar. 

Outrossim, muitos compositores formaram a equipe de produção do disco, incluindo algumas figuras famosas como Matthew Tishler – compositor de várias canções da Disney – e a cantora e compositora Meghan Trainor. A estrela de Hollywood escreveu tanto o single Can’t Blame A Girl For Trying quanto Darling I’m Mess, da qual participou como backing vocal. Dentro desse fator, é possível observar a mudança participativa de Sabrina Carpenter dentro de suas obras, pois em uma comparação deste álbum com seus trabalhos mais recentes como emails i can’t send (2022) e Short n’ Sweet (2024), por exemplo, ela participa de todas as composições.  

Portanto, Eyes Wide Open é um álbum de estreia da cantora norte-americana feito para adolescentes que discute, em sua essência, assuntos profundos mas tratando-os com leveza. Entretanto, apesar de, na época, ser conhecida por suas atuações na emissora infantil, sua carreira como cantora só foi, de fato, revelada com o lançamento do single Thumbs (2017). Nesse sentido, mesmo sem ter sido reconhecida em seus primeiros anos de carreira musical, ela insistiu na área e, uma coisa é certa, you can’t blame a girl for trying, afinal, 10 anos depois, Sabrina Carpenter virou uma das maiores divas pop da atual geração.  

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Marcela Jardim

A Televisão infanto juvenil sempre desempenhou um papel fundamental na formação cultural de diferentes gerações, proporcionando entretenimento e, muitas vezes, moldando percepções sobre amizade, escola e desafios da adolescência. Dentro desse cenário, a Nickelodeon se destacou, ao longo dos anos, com produções que marcaram época, como iCarly, Drake & Josh e Zoey 101. Entre esses sucessos, Brilhante Victória (Victorious, no original) se consolidou como um dos grandes marcos do gênero, comemorando 15 anos desde sua estreia em 2010. Criada por Dan Schneider, a série inovou ao combinar Comédia, Música e tramas adolescentes, acompanhando a jornada de Tori Vega (Victoria Justice) ao ingressar na Hollywood Arts, uma escola de artes nada convencional, onde talentos são lapidados e conflitos juvenis ganham espaço.

Com um elenco carismático e performances musicais envolventes, Brilhante Victória rapidamente conquistou uma base de fãs fiel, tornando-se um verdadeiro fenômeno cultural da época. A série destacou talentos como Ariana Grande e Elizabeth Gillies que, posteriormente, construíram carreiras de sucesso fora da Nickelodeon. No entanto, ao longo dos anos, a produção passou a ser revisitada sob uma ótica mais crítica, especialmente no que diz respeito à consistência de seu roteiro e à forma como abordava certos temas sociais.

A primeira temporada, composta por 20 episódios, teve a missão de apresentar os personagens e estabelecer o universo excêntrico da Hollywood Arts. Episódios como Pilot mostraram o talento inesperado de Tori, impulsionando-a para o centro das atenções após substituir sua irmã Trina (Daniella Monet) em uma apresentação musical. Outros momentos marcantes incluíram The Birthweek Song, no qual Tori compõe uma música para o aniversário de Trina, e Freak the Freak Out, que trouxe uma das performances musicais mais icônicas da série. 

O humor caótico e exagerado também foi explorado em episódios como Tori the Zombie, em que a protagonista tem problemas com uma maquiagem artística assustadora, momentos antes de uma peça de teatro, e Wi-Fi in the Sky, que satiriza a dependência tecnológica ao retratar os personagens tentando redigir um roteiro através de videochamadas. Além disso, os métodos incomuns do Professor Sikowitz (Eric Lange) são mais do que esquisitos e engraçados, também mostram que aprender pode ser divertido, como retratado no episódio Sleepover at Sikowitz’s, onde os alunos não podiam sair do personagem designado, não importava o que acontecesse.

Além do entretenimento, a série abordava algumas questões sociais, ainda que de maneira superficial. Episódios como Jade Dumps Beck exploraram dinâmicas de relacionamentos tóxicos, mostrando o ciúme excessivo de Jade (Elizabeth Gillies) e seu impacto no namoro com Beck (Avan Jogia). Já The Diddly-Bops ironizou a exploração da indústria musical infanto-juvenil, ao mostrar os protagonistas forçados a cantar uma música ridícula para agradar um público infantil e prejudicando a imagem de André (Leon Thomas III) para uma produtora musical. 

Questões sobre adversidades e união feminina também apareceram em episódios de outras temporadas, como Tori and Jade’s Play Date, em que Tori e Jade precisam trabalhar juntas em uma peça e aprendem a lidar com suas diferenças. No entanto, muitas dessas temáticas foram tratadas de forma cômica, sem aprofundamento, deixando de lado debates mais sérios sobre o impacto das relações interpessoais e da indústria do entretenimento na vida dos jovens artistas. Até mesmo a dificuldade de artistas iniciantes encontrarem investidores foi retratada na série, através do episódio Wok Star, em que Tori precisa que alguém pague os custos da peça teatral de Jade, que busca a aprovação do pai em relação à carreira escolhida.

Apesar de seu sucesso, Brilhante Victória também apresentava fragilidades, principalmente no desenvolvimento de certos personagens. Cat (Ariana Grande), por exemplo, inicialmente era apenas excêntrica e divertida mas, ao longo da série, se tornou exageradamente infantilizada, o que hoje levanta debates sobre o modo como personagens femininas são retratadas na Televisão juvenil. Trina, por sua vez, era frequentemente reduzida ao papel de alívio cômico exagerado, com a produção constantemente ridicularizando seu talento artístico. Além disso, a falta de um enredo contínuo e o excesso de episódios centrados em situações absurdas contribuíram para uma narrativa inconsistente, mesmo que divertida.

Outro ponto que ganhou destaque nos últimos anos foi o ambiente nos bastidores da produção. Com o envolvimento de Dan Schneider, produtor da série, vieram à tona relatos sobre um ambiente de trabalho questionável na Nickelodeon, incluindo situações desconfortáveis envolvendo os jovens atores e conteúdos inapropriados inseridos de forma sutil no seriado. Essas revelações trouxeram um olhar mais crítico para Brilhante Victória, levantando debates sobre a conduta da indústria televisiva infantojuvenil e os desafios enfrentados por atores mirins e adolescentes.

Apesar de seu impacto cultural e do carinho que muitos fãs ainda nutrem por Brilhante Victória, a série não está isenta de críticas. Questões como a falta de aprofundamento em certas tramas e a construção de alguns personagens são frequentemente debatidas, assim como a forma como o humor, por vezes, reforçava estereótipos. Além disso, a influência de Dan Schneider, criador da produção, passou a ser questionada devido a relatos sobre o ambiente de bastidores em suas produções. Esses fatores fazem com que a obra seja vista, hoje, de maneira mais complexa, equilibrando nostalgia e reavaliação crítica.

Ainda assim, é inegável que Brilhante Victória marcou uma geração e contribuiu para o sucesso de diversos artistas que passaram por seu elenco. Seu legado persiste não apenas na memória afetiva dos espectadores, mas também em discussões sobre o impacto da Televisão infanto juvenil na formação do público. Mesmo com suas limitações, a série conseguiu cativar e entreter, deixando sua marca na cultura pop. Assim, ao revisitar produções como essa, é possível não apenas celebrar seu sucesso, mas também refletir sobre a evolução das narrativas destinadas ao público jovem e a necessidade de conteúdos mais bem estruturados e responsáveis.

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Marcela Jardim

Lançado em 2015, Kingsman: Serviço Secreto trouxe um novo fôlego para os filmes de espionagem ao combinar ação estilizada, humor ácido e uma estética sofisticada. Dirigido por Matthew Vaughn, o longa subverteu clichês do gênero ao transformar um jovem marginalizado em um agente de elite, sob a tutela do carismático Harry Hart (Colin Firth). Inspirado na HQ The Secret Service, de Mark Millar, a obra se destacou pela violência coreografada e pelo tom irreverente, equilibrando homenagens aos clássicos de James Bond com uma abordagem moderna e exagerada. O roteiro dinâmico e repleto de reviravoltas, aliado às atuações cativantes, fizeram do longa uma experiência única, misturando o charme britânico com sequências de ação eletrizantes.

A trama acompanha Eggsy (Taron Egerton), um jovem problemático recrutado para uma agência de espionagem secreta chamada Kingsman. Ele é treinado por Harry Hart (Colin Firth), um agente veterano que vê potencial nele. Enquanto Eggsy passa por um rigoroso processo de seleção, um vilão bilionário, Richmond Valentine (Samuel L. Jackson), planeja lançar um plano mortal para “salvar o planeta” eliminando grande parte da população mundial por meio de sinais transmitidos via cartão SIM.

Kingsman se equilibra entre a sátira e a homenagem ao Cinema de espionagem, misturando luta de classes, feminismo, relacionamento abusivo, estereótipos e violência estilizada. Se, por um lado, exalta a nobreza e a sofisticação dos agentes britânicos, por outro, ridiculariza a fama vazia e o poder do dinheiro. Eggsy é um herói vindo da periferia, mas sua origem é retratada com preconceito: enquanto ele se destaca, seus vizinhos são caricaturas da ignorância e da grosseria. O filme traz personagens femininas fortes, como Gazelle (Sofia Boutella) e Roxy (Sophie Cookson), sem subordina-las a interesses românticos. A direção de Matthew Vaughn dá um tom de quadrinhos à violência extrema, transformando o choque em espetáculo.

O segredo para evitar o colapso dessa mistura está no equilíbrio entre opostos, refletido na escolha de elenco. Colin Firth, conhecido por papéis de realeza e cavalheirismo, interpreta um assassino letal sem perder a compostura. O vilão Valentine inverte expectativas: Samuel L. Jackson abandona sua voz marcante por uma dicção afetada, quase ingênua, que contrasta com sua periculosidade. A presença de Mark Hamill, às vésperas de reassumir Luke Skywalker, é uma piscadela ao público nerd, reforçando o jogo metalinguístico da produção.

Ainda nesse contexto de metalinguagem, assim como Thanos em Vingadores: Guerra Infinita, da Marvel Studios, Richmond Valentine em Kingsman assume o papel de um ‘messias deturpado’, decidido a salvar o mundo a partir de um sacrifício calculado. Ambos compartilham a crença de que a humanidade está condenada pelo próprio excesso e que apenas uma intervenção radical pode garantir a sobrevivência do planeta. No entanto, enquanto Thanos se apresenta como um agente do equilíbrio, eliminando metade da vida de forma aleatória, Valentine adota um critério ainda mais perverso: só os mais ricos e poderosos merecem viver. Seu plano reflete uma lógica eugenista disfarçada de pragmatismo ambiental, onde os privilegiados escapam do caos enquanto as massas se aniquilam entre si. No fundo, tanto ele quanto Thanos personificam a visão distorcida de que a salvação exige genocídio, mas Valentine escancara a hipocrisia de um mundo onde o poder sempre define quem tem direito ao futuro.

Contrariando as premissas de Valentine, a trajetória de Eggsy mostra que é sim possível manter suas origens e ser digno de ascender socialmente. O protagonista passa por diversas barreiras sociais até alcançar seu lugar no grupo de elite. Mesmo mudando seu comportamento, modos e até mesmo figurino, sua essência é o diferencial que o torna um agente talentoso e empático. Enquanto seus colegas de elite confiam no berço e na tradição, Eggsy sobreviveu a desafios reais, desenvolvendo instintos que o tornam mais adaptável e estratégico. O filme poderia cair na narrativa comum do pobre que precisa se moldar para ser aceito, mas, ao invés disso, reafirma que ele não precisa provar nada – apenas mostrar que sempre teve valor, mesmo quando o sistema insistia em ignorá-lo.

O impacto de Kingsman: Serviço Secreto foi imediato, tornando-se um sucesso de bilheteria e consolidando Matthew Vaughn como um dos diretores mais inovadores do gênero. A recepção positiva do público e da crítica garantiu sequências e até um prelúdio, tentando expandir o universo da saga. O Círculo Dourado (2017) manteve a identidade estilizada do original, mas sua história recebeu críticas por exagerar na extravagância, tornando-se menos coeso. Já King’s Man: A Origem (2021) tentou dar profundidade ao universo dos agentes secretos ao explorar as origens da organização, mas acabou dividindo opiniões, não conseguindo replicar o impacto inovador do primeiro filme.

Além da franquia, Kingsman influenciou diversas outras produções que mesclam violência estilizada e humor irreverente, reforçando a tendência de filmes de ação com identidade visual marcante e narrativa ousada. A estética visual e o uso criativo da câmera, como na icônica cena da igreja, tornaram-se referência no Cinema de ação moderno. Mesmo após uma década, o longa continua sendo um marco para o gênero, provando que a espionagem pode ser reinventada para novas gerações sem perder o carisma e a sofisticação que marcaram os clássicos.

Apesar do sucesso inicial, o futuro da franquia permanece incerto. Com a recepção morna das sequências, há dúvidas sobre sua capacidade de continuar inovando sem perder sua essência. Entretanto, o impacto de Kingsman: Serviço Secreto já está consolidado, e sua mistura de ação explosiva, irreverência e estética refinada garantiu seu lugar como uma das obras mais memoráveis do Cinema de espionagem contemporâneo.

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Guilherme Moraes

A combinação entre a Marvel e a Netflix surgiu no início da onda de streamings e no meio da Saga do Infinito, como forma de expansão do UCM e da popularização do serviço. A ideia funcionou muito bem para ambos os lados, pois conseguiram produzir séries de qualidade, que funcionaram dentro do Universo Marvel e ajudaram a atrair pessoas para a plataforma. Posteriormente, as empresas foram para caminhos opostos, se tornando rivais no mercado e começando a produzir em escala, mas com uma qualidade bem inferior. Demolidor, foi pioneiro, recebendo um trato mais carinhoso com a imagem e dando para o público um protagonista com dilemas mais complexos e bem explorados do que as produções seguintes, servindo como um pilar das duas marcas.

Na contramão dos filmes de herói megalomaníacos, sobre espionagem e guerras intergalácticas, a Marvel e a Netflix decidiram apostar em uma história mais intimista, com dramas mais humanos e um cenário urbano. Nesse sentido, a escolha pelo demônio de Hell’s Kitchen não poderia ser mais certeira. A ideia era que o show se mantivesse dentro do Universo Cinematográfico Marvel, sem interferir nos longas, e foi assim até cancelarem em 2018, para focarem em obras que fizessem parte do UCM, como WandaVision (2021) e Falcão e o Soldado Invernal (2021). Todavia, dez anos após a estreia, o Demolidor irá retornar para uma quarta temporada sob o nome Daredevil: Born Again e comandado pela Disney+.

A primeira season da série é uma grande introdução ao personagem. Diferente dos grandes herois como o Batman, Superman e o Homem Aranha, que já estão com suas origens bem definidas no imaginário popular, o Demolidor ainda precisava ser mais lapidado frente ao público. Nesse sentido, o Showrunner Steven S. DeKnight optou por introduzir através de flashbacks, mostrando para os espectadores o seu passado quando necessário. Nos primeiros episódios, No Ringue e Homem Cortado, as recordações de Matt Murdock (Charlie Cox) estabelecem quem ele é. Precisamos saber sobre como ele ficou cego, a relação com o pai e como morreu, além do que o motiva. No entanto, é ao longo dos capítulos e conforme a necessidade, que outras coisas são estabelecidas, como o episódio Stick, que nos revela a forma que o protagonista aprendeu a lutar.

Algo que chamou muita a atenção são as cenas de luta. Os movimentos são violentos, crus e, ao mesmo tempo, plásticos. Já os golpes são cadenciados, o sangue que é expelido dá a sensação maior de brutalidade, porém, nada é exagerado, dando um aspecto mais realista. O trabalho sonoro é essencial, valorizando os sons de socos, objetos e partes do corpo se quebrando e a utilização dos cenários é sempre bem pensada, tanto para captar o personagem, quanto para o próprio ter diferentes ações dependendo do lugar em que está. Dessa forma, o realismo é pensado para além da sua temática, como também pela sua forma.

Sobre esse contexto de violência, dois personagens se destacam: O Demolidor e Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio). Ambos se assemelham pela sua raiva e o jeito que a externalizam por meio da brutalidade com o intuito de alçar os seus objetivos. Não à toa, estes são os mesmos: salvar a cidade que eles amam do caos. Essa dualidade tornou a obra mais rica, e colocou o herói em crise. Contudo, enquanto o vilão assume a postura maquiavélica, Matt Murdock se questiona sobre a possibilidade de fazer justiça por meio da lei, sendo advogado, ao mesmo tempo em que se sente tentado, como seu alter ego, a tomar o caminho mais fácil, para pôr fim à tirania do Rei do Crime.

O episódio O Caminho dos Justos se destacou entre os demais por conseguir observar essas duas figuras de maneira mais introspectiva e traçar os caminhos para o final. Retirando os protagonistas do jogo, o capítulo coloca um ponto final – ou quase isso – na relação Matt e Claire. Assim, o isolamento da figura do alter ego do Demolidor faz com que enfrente seus dilemas morais e religiosos. Ele observa dentro de si o próprio demônio, que arranha a sua pele querendo sair e, a partir disso, duvida de sua fé. Todavia, é nesse ponto que ele entende qual figura será. Do outro lado, Fisk se vê cada vez mais fragilizado, ainda mais com o encerramento em que seu maior aliado é assassinado, o tornando cada vez mais perigoso.

A figura de Melvin (Matt Gerald), que aparece pela primeira vez no episódio citado, é fundamental na compreensão das diferenças entre os dois rivais. É a partir dele que Matt compreende quem deve ser. Apesar de ser muito violento, ele olha para Melvin e percebe que a sua função está além de dar medo aos criminosos, mas, principalmente, dar esperança às pessoas. Por outro lado, O Rei do Crime expressa sua raiva por meio da barbárie e, dessa forma, constrói o seu império.

Em uma conversa com Claire (Rosario Dawson), a personagem diz que o Demolidor não é apenas alguém que salva a cidade, mas que foi criado por ela. Por meio da marginalidade surgiu um herói ‘podre’, com falhas e fraquezas muito evidentes. O vilão segue essa mesma linha, originado da violência doméstica. Aliás, é interessante observar como as mazelas urbanas fizeram Jack Murdock (John Patrick Hayden) e Bill Fisk (Domenick Lombardozzi) – pais de Matt e Wilson, respectivamente – transformarem seus filhos. Ambos eram frustrados pela vida que levavam, contudo, enquanto Jack era um lutador que colocava tudo pra fora no ringue, Bill descontava suas angústias na sua mulher, filho e bebidas. Tudo isso passou para os protagonistas: Matt virou um lutador que nunca desiste e Wilson repete os mesmos padrões de comportamento do pai, desde as frustrações transformadas em violência até a sua tentativa de buscar poder, vendo a si mesmo como o salvador da cidade.

A figura do Demolidor por si só foi elaborada de maneira muito rica desde as HQs. A ambiguidade entre Matt, advogado cego, e Daredevil, o justiceiro, constrói uma representação da justiça. O significado da justiça cega está ligado a um processo igualitário, sem julgamento prévio e imparcial. Contudo, o universo desse personagem vê a venda como impunidade; a lei não alcança os grandes criminosos. Nesse contexto o alter-ego de Murdock concebe sua própria justiça, indo atrás deles e aplicando a punição – no filme de 2003 ele chegou até a matar alguns.

O aniversário de dez anos da primeira temporada caiu, coincidentemente, próximo ao lançamento de Jurado N°2, de Clint Eastwood, que lida com questões similares sobre justiça. A série explora as contradições de um homem que trabalha a favor do sistema judiciário e, ao mesmo tempo, não confia nele. “Eu ouvi uma menininha chorando na cama… seu pai gostava de ir ao seu quarto tarde da noite enquanto sua esposa dormia. A lei não poderia ajudar aquela menina, mas eu podia”; Matt se questiona durante toda a temporada sobre matar ou não o vilão, o que envolve, até mesmo, a sua fé. Contudo, apesar de parecer que ele não acreditava em seu lado de advogado, na verdade, ele só buscava um equilíbrio entre trazer a justiça para os desafortunados e respeitar a lei e a punição dos homens.

A obra tangencia o Universo Marvel e, dessa forma, precisa estar em concordância, mantendo um aspecto realista. Todavia, a abordagem não poderia ser mais diferente. Enquanto o UCM lida com heróis distantes e um visual mais cinzento que é vazio de sentido, Daredevil teve uma imagem granulada, ‘suja’, trabalhada com a iluminação e enquadramentos de forma mais artesanal, dando textura e dramaticidade, além de ser um salvador mais próximo do povo. A série mostra muito a relação dos civis com a cidade e o crime, tornando o papel do Demolidor mais concreto.

Dez anos após a 1º temporada, tudo o que estava planejado mudou. Netflix e Marvel romperam sua parceria, assim, a série foi cancelada em 2018, junto com outras quatro: Jessica Jones, Luke Cage, Punho de Ferro  e Os Defensores. O futuro não foi bondoso com as produções do UCM, em especial após o Vingadores: Ultimato (2019). A empresa aumentou o número de projetos por ano, passando a dar mais valor a quantidade do que a qualidade (algo que aconteceu com a Netflix também), o que faz com que as obras pareçam cada vez mais feias e vazias, além de submeter seus funcionários a longas jornadas de trabalho exploratórias. As produções televisivas que antes rodeavam o Universo Cinematográfico Marvel, agora, são definitivamente parte dele, desde a construção estética, até a necessidade de influência. Desta forma, os seriados passaram a ter menos liberdade com seus personagens e histórias.

Com a quarta temporada chegando, é esperado que o Disney+ abrace os dilemas morais e que não deixe Daredevil: Born Again se construa a partir de um medo abstrato. A fim de se preparar para a estreia, vale a pena rever as outras três seasons, para relembrar e curtir uma grande série de um dos personagens mais interessantes da empresa de HQs.  Esperamos que, em seu retorno, ela mantenha a qualidade, afinal, ainda há muito mais a se contar sobre o demônio de Hell’s Kitchen.

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Maria Vitória Bertotti 

Compartilhando as mentes uns dos outros e vivendo experiências de maneira onipresente, a série estadunidense Sense8 inova na ficção e nos mostra que o espaço é apenas um detalhe para se viver inteiramente. Lançada em junho de 2015, a produção trouxe a temática LGBTQIA+ para o mundo do streaming, o que chocou parte do público da Netflix. Por essa razão, tantas pessoas se renderam à trama revolucionária dos sensates e suas habilidades de conexão mental.

Com direção e roteiro das irmãs Lilly e Lana Wachowski, já conhecidas pelo seu trabalho em Matrix (1999), as expectativas para a nova produção eram altas, e elas entregaram tudo. A série acompanha Sun, Lito, Nomi, Will, Kala, Wolfgang, Riley e Capheus; oito pessoas de diferentes lugares do mundo que nasceram com uma conexão mental e podem sentir as experiências uns dos outros (como se tivessem trocado de lugar) independente de distância ou qualquer outro fator. A descoberta acontece logo no início do primeiro episódio, quando todos têm a mesma visão de uma mulher que não conhecem morrendo. 

Permeando um enredo nunca antes visto, com a criação de todo um universo ao longo das duas temporadas, Sense8 é marcada por sua diversidade. Desde a direção das Wachowski – que são mulheres trans -, até as vivências dos protagonistas, a comunidade queer é muito bem representada em tela. O relacionamento entre Nomi (Jamie Clayton) e Amanita (Freema Agyeman) é muito maduro do início ao fim, com direito a casamento no episódio final. Com muitos elogios sobre sua atuação, Jamie agrega uma importância enorme para a obra ao retratar uma mulher lésbica. Na ficção e na vida real, a atriz é transgênero e militante pela causa de gêneros, e por isso foi escolhida à dedo pela produção para dar vida a uma personagem tão significativa; são fatos que só acrescentam na construção da identidade única que a série incorporou.

Entrando na mente dos protagonistas, o vilão Sussurros (Terrence Mann) manipula de maneira cirúrgica – quase que literalmente, ao tentar fazer lavagens cerebrais no grupo – e brilhante, distorcendo as informações do passado e confundindo todo o sistema sensorial deles. Em meio a bloqueadores de sentidos sintéticos e estratégias internacionais, a trama de caça e fuga envolvendo Whispers e os sensates prendem a atenção do espectador. 

Por ser uma obra que aborda a pluralidade de culturas, já que cada protagonista mora em um país diferente (com exceção dos estadunidenses Nomi e Will), as gravações ocorreram de maneira simultânea na Índia, Coreia do Sul, México, Londres, Quênia, Estados Unidos e Alemanha. A forma como as relações amorosas e afetivas são retratadas seguindo os diferentes costumes desses lugares têm o poder de impactar o público. Como exemplo, o casamento arranjado da indiana Kala (Tina Desai) e seu desejo de desistir da relação para investir no amor com  Wolfgang (Max Riemelt), o sensate alemão do grupo.  

E nessa constante disputa interna sobre seguir o coração ou agir racionalmente, os oito amigos se veem obrigados a cultivar uma relação intrínseca entre corpo e mente. Cada um com seus hábitos e ideais completamente diferentes aprendendo a compartilhar a vida e os sentidos em sintonia com o ambiente que cada momento exige. Como esse equilíbrio é extremamente difícil de ser atingido, alguns deles acabam sofrendo mais, como Riley (Tuppence Middleton), que já apresentava um quadro de depressão e acabou se agravando com as invasões mentais e manipulações do Sussurros, o vilão da trama que também é um sensate.

Levando em consideração as muitas cenas de ação e luta que a série oferece, os refrescos aparecem e dão brilho nas narrativas pessoais de cada personagem. As Wachowski acertaram em cheio ao trazer Nomi e Amanita como casal sáfico, uma comunidade que era pouco representada nas telas, e nunca de maneira tão sincera quanto em Sense8. Nomi é perseguida em vários momentos por seu gênero e sexualidade, mas sua companheira Amanita sempre está a apoiando e defendendo independente da ocasião. A conexão delas é o que faz a diferença, mostra a necessidade de equalizar as relações e o apoio que a outra pessoa pode nunca ter tido por conta da discriminação.  

A união de Lito (Miguel Ángel Silvestre) e Hernando (Alfonso Herrera) não fica de fora da conta, e traz o questionamento sobre o que é ser LGBTQIA+ no mundo atual. O casal relata o drama da sexualidade íntima exposta de maneira não-consensual e como isso afeta suas carreiras profissionais, principalmente a de Lito, que é ator e perde grandes papéis, mostrando que o preconceito está enraizado em todos os ambientes. É uma luta pessoal conciliar a profissão e o “fardo” atribuído para si depois do escândalo midiático construído sobre seu namoro, tanto que ele desenvolve depressão e negligencia seu trabalho.  

Além de tratar de maneira mais profunda sobre a existência queer, um dos pontos mais memoráveis para a maioria do público são as cenas sexuais abertamente retratadas. Mas, como Sense8 serve o tabu bem quebrado, o “amorzinho convencional” não foi capaz de agradar as diretoras e logo foram gravadas cenas bem reveladoras de uma orgia em que os 8 sensates compartilham as sensações uns dos outros simultaneamente.

Ao longo do tempo de produção, a série foi alvo de muitas injustiças, como o cancelamento após a segunda parte, lançada em 2017. Como forma de reconciliação com o público, um episódio final de duas horas foi ao ar em 2018, conseguindo encerrar o ciclo construído pelos personagens ao longo de três anos. Ainda assim, faltou mais consideração para com os fãs que alegam, até hoje, a necessidade de mais temporadas para esclarecer as dúvidas que restaram sobre o destino dos personagens.  

O Brasil, apesar de não ter nenhum protagonista na obra, foi palco de um dos mais belos episódios de todas as temporadas. Parte do elenco foi à Parada do Orgulho LGBT e esbanjaram simpatia e acolhimento com a multidão, os verdadeiros responsáveis pela realização do episódio final após diversos abaixo-assinados em protesto à suspensão. 

Cruzando uma linha temporal que transita entre o passado e o presente de maneira levemente confusa, com níveis de consciência que oscilam (tanto dos personagens quanto dos espectadores), Sense8 reúne o melhor da ficção e realidade numa mistura que prende o público desde o primeiro minuto de série. Amada por muitos e odiada pelos conservadores, doses exatas de suspense e romance são oferecidas ao longo dos 24 episódios totais. Mesmo sem mais novidades sobre a trama, milhões de pessoas continuam apaixonando-se pela conexão que os sensates compartilham e a mensagem de apoio e representatividade para todes que transmite.

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Vitória Lopes Gomez

Em uma época em que os slashers já estavam mais do que consolidados, Pânico se tornou um clássico por um motivo: o filme de Wes Craven revitalizou o subgênero ao se aproveitar das próprias convenções e regras e subvertê-las a seu favor. As fórmulas e os clichês viraram brincadeira nas mãos do diretor e do roteirista Kevin Williamson. Com muita referência, metalinguagem e, acima de tudo, autoconsciência, Pânico deu um jeito de satirizar o Terror ao mesmo tempo que se tornava um dos maiores clássicos do gênero.

Como a franquia de filmes apontou, “eles sempre voltam”. E assim foi: alguns anos e algumas sequências depois, a MTV resolveu dar continuidade às obras no formato televisivo. Afinal, “adolescentes” era basicamente o carro-chefe da emissora e, contanto que as vítimas agissem como a idealização das pessoas da idade, até um assassino à solta renderia conteúdo. O primeiro desafio veio, justamente, em adaptar os 120 minutos dos longas para os 10 episódios da primeira temporada de Scream. O próprio Noah avisou no piloto: slashers não duram muito tempo.

Assim como no primeiro Pânico, em Scream, uma cidadezinha é abalada quando adolescentes locais são brutalmente assassinados. De Woodsboro para Lakewood, até a jogada inicial permaneceu: no filme de 1996, a jovem estrela Drew Barrymore é morta em poucos minutos de filme; na série, Bella Thorne, a única cara conhecida da produção, também encerra sua participação logo na abertura. 

As referências diretas são animadoras, claro, mas tentar replicar o clássico seria ou pretensioso, ou iludido demais. Felizmente, Scream se coloca em seu lugar, se atém a uma ou outra menção e acerta em ser sua própria produção. O nome de peso coloca a série no radar dos fãs e a responsabilidade de se associar aos filmes, surpreendentemente, dá certo.

Na temporada de estreia, após um crime chocar a quieta Lakewood, a jovem Emma Duval (Willa Fitzgerald) começa a ser perseguida pelo assassino mascarado. Enquanto segredos, intrigas e mais corpos vêm à tona, a protagonista e os amigos viram o alvo e ela descobre ter mais em comum com o passado sombrio da cidade do que imaginava.

Na pele do elenco desconhecido, como na franquia cinematográfica, os estereótipos característicos do slasher se misturam ao das séries teen. Ainda que mais apática e sonsa que a lendária Sidney Prescott, Emma é a mocinha. Inocente, simpática, virgem (óbvio), a cara da final girl. Entre as amizades dela, a melhor amiga mimada e popular, Brooke (Carlson Young), o namorado atleta e o amigo mulherengo são o clássico grupinho descolado. Do outro lado, os melhores amigos Audrey (Bex-Taylor Klaus) e Noah (John Karna), o nerd fã de serial killers, são os ‘excluídos’ – portanto, obrigatoriamente os mais interessantes. 

Desafio superado, Scream se adaptou às telas da TV. Se nos filmes do subgênero não há tempo para os personagens e eles acabam se limitando aos rótulos, a série aproveitou a duração do formato televisivo para desenvolvê-los, assim como as relações entre eles. Envolvimentos amorosos ou parentes secretos, as conexões desconhecidas entre personagens são o que mais prendem a atenção e surpreendem, isso desde Pânico. No caso da série, o passado não resolvido gira em torno da figura misteriosa de Brandon James. 

Em mais um jeito de tornar a premissa envolvente, fisgar o espectador e manter o segredo ao longo dos dez episódios, Scream volta no tempo. Anos antes dos acontecimentos da temporada, Brandon, um menino desfigurado, resolveu se vingar e matar todos que já caçoaram dele. O caso teve seu desfecho, até que, de volta ao agora, um assassino usando a mesma máscara cirúrgica que ele usava cavucou e trouxe à tona os eventos obscuros da cidade. Emma, procurando entender por quê virou alvo das ameaças, irá descobrir mais sobre sua própria ligação com os crimes enquanto tenta sobreviver.

Além de novos elementos e formas de execução (e uma máscara diferente), a série atualizou alguns temas. Misturando o slasher e o Terror ao teen da MTV, Scream introduziu uma discussão mais aberta de assuntos como sexualidade, saúde mental e bullying, além de levar o assassino às redes sociais e à internet para mostrar o poder e as consequências destas. E claro, teve o drama e os romances adolescentes também.

Diferente de Pânico, Scream se leva um pouco mais à sério. A metalinguagem tem só participação especial, por conta do divertido e carismático Noah, as referências são mais tímidas e as sátiras ficam de fora. Isso em comparação com a franquia do Cinema, já que a série realmente sabe melhor do que tentar um remake televisivo e só sucede por se contentar em ser sua própria produção. 

Entre corredores de escola, pistas de boliche e festas adolescentes, a ambientação escura e sombria cria uma atmosfera de tensão que não precisa recorrer aos sustos ou à violência explícita para ser assustadora – apesar de, por vezes, fazer isso também. As histórias de fundo do universo de Lakewood, as rivalidades e os romances entre personagens são combustível para tramas paralelas e para mais enigmas, intrigas e conexões.

A série se manteve fiel aos slashers (e ao teen da MTV) mesmo sem conseguir escapar de alguns dos clichês que Pânico tirou sarro – por mais que o nerd avise, sempre tem alguém que solta um “eu já volto”. A primeira temporada concilia a matança ao desenvolvimentos dos personagens e suas histórias ao ponto de nos apegarmos a eles, e, em uma condução envolvente e cheia de suspense, não entrega o segredo do assassino até o momento certo. Ao final, a estreia de Scream prova que, ao contrário do que Noah achava, talvez o subgênero dê certo na TV.

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Mariana Chagas

É no meio de uma floresta nas terras mortais de Prythian que Feyre Archeron começa a sua jornada na série literária Corte de Espinhos e Rosas. Escrito por Sarah J. Maas, também autora da saga Trono de Vidro, o primeiro livro da trilogia é uma releitura da fábula  A Bela e a Fera, que conquistou amantes de fantasia do mundo todo. A história, que já foi traduzida para mais de trinta e cinco idiomas, envolveu o público jovem com personagens engraçados e complexos que vivem em um universo que cativa o leitor desde o primeiro parágrafo. 

O mapa logo no começo de Corte de Espinhos e Rosas mostra o mundo dividido entre terras mortais e terras feéricas. Se, a  princípio, pode ser confuso para o leitor entender a dinâmica dos povos, o embate inicial de nossa protagonista com o seu primeiro par romântico já tira algumas dúvidas. Ao ser raptada por Tamlin, Feyre deixa sua família para trás e conhece um novo e mágico reino atrás da muralha, nos levando junto a uma aventura nas chamadas cortes, onde cada povo possui seus poderes e características próprias.

Feyre Archeron é apresentada como uma mulher forte, determinada e altruísta. Com sua família afundada na pobreza, ela é responsável por colocar comida na mesa e garantir que suas irmãs e seu pai tenham pelo menos o mínimo para sobreviver. Sarah J. Maas mostra desde o começo como a personagem está disposta a arriscar sua vida em favor dos outros, provando sua escolha certeira em ter Feyre como a protagonista da história. 

Já Tamlin, Grão-Senhor da Corte Primaveril, começa com uma imagem bruta que vai se dissolvendo conforme eles se apaixonam. Pela primeira vez na vida, a humana encontra alguém que a ama, com espinhos e tudo, como o feérico mesmo diz, fazendo alusão ao nome do livro. Tal amor leva Feyre a subir a montanha e morrer para salvar o seu amado. E, apesar de esse ser o final do primeiro livro, pode-se dizer que é aqui que a história realmente começa.

Se no final de Corte de Espinhos e Rosas o amor entre Feyre e Tamlin parece mágico e lindo a ponto dela morrer por ele, Corte de Névoa e Fúria vem para mostrar que talvez não seja bem assim. De forma sutil, Sarah J. Maas vai fazendo Feyre e seus leitores perceberem que o excesso de preocupação e cuidado por meio do Grão-Senhor acaba aprisionando nossa protagonista, que agora se tornou também uma feérica.

Em um mundo fantástico, a autora constrói um relacionamento abusivo, implantando um assunto tão sério e atual de forma realista. Assim como tantas mulheres, Feyre demora para perceber os sinais e chegar a conclusão de que não pode continuar com seu amado. A decepção da protagonista é sentida também pelos leitores, que acreditavam fielmente nesse amor.

Quando Feyre não consegue continuar na situação em que está, é Rhysand que a salva do ambiente tóxico em que ela vive, a levando para sua corte – a Noturna. Apresentado de início como um vilão, a autora lentamente vai contando partes da história do tão poderoso Grão-Senhor, de forma a conquistar o coração de todos os leitores. Cômico e elegante, Rhysand é sem dúvidas um dos personagens masculinos mais amados pelos fãs de Sarah.

Diferente da primeira história de Sarah J. Maas, a saga de Corte de Espinhos e Rosas não conta com reviravoltas, acontecimentos e guerras tão grandes e elaboradas. O que se destaca, e faz com que estes livros sejam os mais famosos da escritora, são os personagens encantadores e os relacionamentos tão envolventes. 

Em Corte de Névoa e Fúria, o leitor conhece os melhores amigos de Rhysand, que se torna o principal par romântico da protagonista. Cassian, o engraçado e charmoso general dos exércitos, e Azriel, o quieto e sensual espião, são os personagens masculinos que fascinam quem estiver lendo e garantem boas risadas em seus diálogos provocativos e sarcásticos. Mor e Amren, as feéricas, são mulheres fortes e poderosas que se tornam não só amigas, mas uma família para Feyre.

Sarah J. Maas constrói um grupo tão apaixonante que é impossível não querer fazer parte do chamado ciclo íntimo. Diferente do seu passado com Tamlin, Feyre sente que com esses feéricos ela pode ser exatamente quem é, sem medo de ser julgada ou diminuída. Poucos são os livros que trabalham na construção de relacionamentos não-românticos, e Sarah se destaca por por tanto carinho e cuidado na criação do laço de amizade forte, verdadeiro e puro que esses personagens têm entre si.

Apesar de tantos personagens interessantes, quem rouba completamente os nossos corações ainda é o Rhysand. Seu romance com Feyre é construído a base de pequenos insultos, flertes e, acima de tudo, um fundamental apoio emocional que o Grão-Senhor oferece à protagonista, a ajudando a superar um momento difícil de sua vida. E, à medida que eles se conhecem, mais Feyre se apaixona, e leva os leitores a se apaixonarem também. É impossível não amar o amor deles. 

Em Corte de Asas e Ruínas, último livro da trilogia, a guerra, que desde o começo da história estava atormentando todos os personagens, finalmente acontece. Apesar da tensão construída para esse momento, Sarah J. Maas não entrega tudo que havia prometido. A maior parte da narrativa é baseada na construção técnica do embate, deixando pouco tempo para a verdadeira ação. Apesar disso, a obra ainda conta com momentos emocionantes que fazem valer a pena a leitura. 

No terceiro livro temos também o aprofundamento de duas personagens que já haviam aparecido antes: Nestha e Elain Archeron. Sendo ambas irmãs mais velhas de Feyre, suas personalidades podem ser definidas como opostas. Enquanto Elain carrega uma energia mais calma e doce, Nestha se destaca por sua gênio forte, determinação e complexidade. A profundidade desta segunda personagem fica clara no decorrer dos livros, e reflete ao ver como ela é recebida pelo fandom. Sem dúvida uma das personagens mais comentadas da autora, Nesta Archeron divide opiniões, sendo altamente odiada e amada.

E é com ela que Sarah J. Maas escolheu continuar a história da saga. Depois da trilogia, a autora lançou um conto que não apenas fechou o arco principal, dando o tão esperado final feliz para Feyre, mas também criou um gancho para o desenvolvimento de Nestha e o avanço de sua jornada. Com lançamento no início de 2021, o livro Corte de Chamas Prateadas terá a irmã mais velha como protagonista e promete mergulhar mais ainda nesse universo que ainda tem muito a oferecer.

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 “O caráter do homem é o seu demônio”

-Heráclito

Caroline Campos

Algumas histórias são malditas. Elas carregam a perversidade e a podridão humana em suas palavras e nos deixam diante de um impasse: será que vale a pena eternizar tanta maldade? Logo no prefácio de O Vilarejo, Raphael Montes, autor da obra publicada em 2015 pela Editora Suma, toma a sua decisão. E ela não poderia ter sido mais certeira.

Dessa forma, somos apresentados a um relato de Montes sobre como chegou em suas mãos um caderno de ilustrações contendo sete histórias, todas passadas no mesmo vilarejo. E é assim que o livro é dividido – sete contos independentes com nada além desse pequeno amontoado de casas esquecidas pelo mundo os ligando. Contos estes que podem ser lidos sem uma ordem específica, cada um relacionado com um demônio responsável por invocar um pecado capital nos seres humanos. 

As narrativas presentes em O Vilarejo são cruas, porém se entrelaçam em um resultado final perturbador, caótico. A cada personagem apresentado, Montes nos faz delirar com a velha disputa entre o bem e o mal, com a natureza humana em sua forma mais primitiva. Nos vemos nos perguntando como um vilarejo confinado parece se esconder de tudo e de todos, de Deus e do diabo, ficando sujeito a nada além da capacidade humana de ser cruel em situações limítrofes.  

Mesmo sucumbindo pela fome e pela neve, os moradores ainda são pessoas normais, sem influência alguma do sobrenatural – talvez a parte mais assustadora do livro. Beirando a insanidade, suas histórias nos são apresentadas de forma rápida, porém não menos envolventes, dando o tempo necessário para definharmos em sincronia com o vilarejo.

O livro também conta com ilustrações de Marcelo Damm, coloridas e bem explícitas, contribuindo diretamente com a construção climática de cada capítulo e nos dando claros vislumbres da violência de suas personagens. Além disso, as páginas são manchadas de sangue, como se as nossas mãos estivessem tão sujas quanto a de seus protagonistas. 

Talvez a história de Raphael Montes seja excepcionalmente marcante por nos proporcionar um questionamento tão genuíno quanto o de se faríamos a mesma coisa durante o pavor extremo. Durante a leitura, sentimos nojo, repulsa, ódio, compaixão. Mas, acima de tudo, percebemos a verossimilhança da história. O peso dos instintos. Vivemos em uma luta constante com nossos demônios, e O Vilarejo nos mostra que, infelizmente, não é sempre que nós vencemos.

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