Flora Vieira da Silva Amorim

Brenda Lee e o Palácio das Princesas, musical teatral escrito e produzido pela companhia Núcleo Experimental, conta a história de Brenda Lee (Verónica Valenttino), travesti que criou, na São Paulo da década de 1980, a primeira casa de apoio para pessoas trans e travestis portadoras do vírus HIV. Misturando a história real de Lee com cinco outras travestis inspiradas nas clássicas princesas da Disney, a peça de teatro vencedora dos prêmios Bibi Ferreira (Atriz Revelação em Musicais e Melhor Roteiro), APCA (Melhor Espetáculo do Ano) e Shell (Melhor Atriz) explora, de forma sensível e impactante, a realidade dessas mulheres no Brasil, que, desde aquele tempo, pouco mudou.

A história começa com Cínthia Minelli (Olivia Lopes), a narradora-personagem, apresentando as protagonistas Blanche de Niège (Leona Jhovs), Ariela Del Mare (Tyller Antunes), Raíssa (Andrea Rosa Sá) e Isabelle Labette (Elix). Abandonadas, expulsas ou desprezadas pela família, todas elas foram obrigadas a recorrer à prostituição – e, em algum momento da vida, encontraram Brenda Lee, que as acolheu, oferecendo casa, comida e, principalmente, amor. Minelli, a mais diferente das cinco, nasceu rica, mas também foi abandonada pelos pais e procurou Lee já infectada pelo HIV, arrependida de uma briga que ambas tiveram no passado.

Acompanhando o dia-a-dia dessas meninas, a história primeiro explora a realidade das ruas, principalmente por meio das músicas A Rua é Mundo Cão e A Rua é Cruel, é Sina. Enquanto a primeira, cantada por Brenda Lee, explicita a corda bamba em que as personagens se encontram – entre a violência policial, dos clientes e do tráfico – a segunda acontece entre dois momentos cruciais: a demissão de Raíssa, que se vê nesse momento obrigada a trabalhar nas ruas, e uma ‘operação policial’ (claramente uma operação de extermínio), que mata uma travesti e fere outras onze, incluindo algumas das personagens.

Um tema recorrente durante as duas horas e quarenta de duração é a convivência com o HIV, vírus causador da AIDS. Nos anos 1980, quando o tratamento para a doença era inexistente ou ainda muito tímido, ser soropositivo era quase uma sentença de morte, e não era diferente na São Paulo daquela década. A peça trabalha o tema com ternura, mas com a seriedade necessária, principalmente na figura de Cínthia Minelli que, ao longo da história, vai ficando cada vez mais fraca e pálida, condição que transparece durante as narrações que faz ao longo da apresentação. A música Somos só o Medo e Eu também trata da angústia que é receber o diagnóstico e de como, em uma rotina de trabalho degradante, a exposição à doença é quase inevitável.

A trajetória de Brenda Lee e sua relação com o palácio das princesas percorre toda a história. A peça nos apresenta uma mulher forte e esperançosa, que vivia com a casa em reforma e que sonhava em transformá-la num porto seguro às mulheres trans e travestis que iam até ela à procura de abrigo, mas que, diante das circunstâncias, teve que se adaptar e transformar o sonhado palácio numa casa de apoio. A música Palácio das Princesas, cantada por ela no começo da narrativa, explicita bem esse sonho. Outra versão da canção também aparece do meio para o final do espetáculo, mais melancólica que a primeira, marcando a transformação daquele espaço, após o acordo com a figura do Médico (Fábio Redkowicz).

Cada uma das outras personagens também tem uma trajetória impactante à sua maneira; Blanche de Niège luta contra o vício em cocaína, Ariela Del Mare faz planos para realizar uma cirurgia de redesignação sexual, Raíssa sonha em se tornar cabeleireira e Isabelle Labette em estudar numa faculdade. Essas realidades são apresentadas também em músicas cantadas individualmente pelas personagens, explorando seus conflitos familiares, ambições e, principalmente, a solidão para qual são empurradas graças ao preconceito muitas vezes explícito de uma sociedade doente e ignorante. O que todas as histórias têm em comum é que Lee está presente em cada uma delas, sacrificando-se para que todas consigam realizar seus sonhos.

É impossível expressar em palavras a potência das canções e da dramaturgia da peça, montada por Fernanda Maia. É também impressionante como ela consegue tratar de temas tão pesados e intensos de forma sensível, capaz de fazer chorar qualquer pessoa que tenha vivenciado, mesmo que só um pouco, do que cada uma daquelas personagens viveu. Os números musicais são extremamente criativos e bem distribuídos, as atrizes, todas travestis, são extremamente talentosas, e a história é forte e, por mais difícil que para alguns seja admitir, muito atual. A única crítica se direciona à estrutura de som do teatro Paulo Moura, que muitas vezes dificulta o entendimento de diálogos tão bem escritos e canções tão bem produzidas, o que é uma pena.

Brenda Lee foi assassinada por um ex-companheiro em 1996, e, no fim, nem direito a ser tratada no feminino teve pela imprensa, que insistia, junto da polícia, em enxergar a transgeneridade como um monstro, uma doença, uma anormalidade que merecesse combate. Uma vida que existiu para ajudar os outros, para dar uma família àquelas que foram abandonadas, que cuidou de quem pôde até o fim, merecia muito mais. A missão que o Núcleo Experimental assumiu para si respeita e engrandece sua memória, com muito brilho, diversão e, no fim, muitas lágrimas também. Brenda Lee e o Palácio das Princesas é, facilmente, uma das representações mais fiéis da realidade, dentro dos limites de uma peça teatral, do íntimo do que significa ser travesti no Brasil.

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Mateus Conte

A atriz curitibana Adriana Birolli, conhecida por seus trabalhos nas novelas globais Viver a Vida, Fina Estampa, Império e Totalmente Demais, estreou no interior de São Paulo seu novo espetáculo, NÃO!. A primeira exibição ocorreu na cidade de Barra Bonita, seguida por Botucatu e Lençóis Paulista, sempre com casa cheia. Sem dúvidas, é uma grande honra para os interioranos receber as primeiras apresentações da peça de uma profissional conhecida em todo o país. O monólogo também representa uma realização pessoal para a atriz, que conta com a parceria dos irmãos Carlito Birolli, na trilha sonora original, e Letícia Birolli, no figurino, além do namorado, o fotógrafo Ivan Zettel.

Ao adentrar o teatro, é possível ver projetado ao fundo do palco o monossilábico título do espetáculo, “NÃO”, em letras garrafais. A luz vermelha que emana dos refletores dá a tônica que a obra adota: um texto sobre proibições – neste caso, autoinfligidas –, performando um ótimo uso da psicologia das cores na dramaturgia. Também figura no cenário uma tela de fios pretos emaranhados, tal qual a da brincadeira infantil ‘Cama de Gato’, representando a desordem na vida da protagonista. Completam a cena uma pequena banqueta, uma mesinha e uma tigela repleta de gelo com uma garrafa de champanhe.

A protagonista, interpretada por Birolli, é pressionada por sua família a comemorar seu aniversário, cerimônia que não lhe agrada. Este é o ponto de partida para uma história sobre as dificuldades que muitas pessoas enfrentam ao dizer “não” às mais diversas propostas ao longo da vida, ainda que esta recusa as prejudique de alguma forma. A atriz inicia a peça entrando pelos fundos do teatro e interagindo com a plateia, imediatamente causando uma maior sensação de proximidade com o público – além, é claro, da temática abordada que é comum a todos nós.

Afinal, a carga dramática em torno do primeiro “não” não dito nos leva a uma sequência de “sins” que nos afastam, cada vez mais, dos planos que buscamos realizar ao longo da vida; sonhos estes representados por quadros pendurados na ‘Cama de Gato’ citada anteriormente. “Não” para o amor, para o trabalho, para a família, para os amigos… são muitas as ocasiões em que o medo de desagradar sobrepõe o nosso bem-estar. Estas reflexões são trazidas pela protagonista ao longo da obra, que se torna uma espécie de terapia em grupo com toda a plateia.

Uma importante frase proferida pela protagonista, que vale a menção e de certa forma resume a ideia do roteiro, é “Não é nossa responsabilidade a forma que as pessoas recebem o nosso não”. Apesar das aflições causadas pela indecisão entre escolher o “sim” ou o “não” fazerem parecer se tratar de um espetáculo angustiante e amargurado, a obra é uma deliciosa comédia que permite a própria libertação ao representar os fatos corriqueiros de nosso cotidiano de forma facilmente identificável pelo público.

O ato final retoma o diálogo com a plateia ao sugerir uma enquete, aos moldes do global “Você Decide”, sobre qual atitude a protagonista deveria tomar: o “sim” contrariado ou o primeiro “não” determinado? A peça se encerra sem um final estabelecido, delegando ao espectador a função de se imaginar na cena e tomar sua própria decisão – como bem cantava Chorão, líder da banda de rock Charlie Brown Jr., “Cada escolha, uma renúncia”.

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Mateus Conte

O Teatro Municipal de Botucatu recebeu, em uma noite de sábado, o drama musical Parabéns, Senhor Presidente – In Concert. A casa lotou para recepcionar as atrizes globais Claudia Ohana, que interpreta a soprano Maria Callas, e Juliana Knust, que dá vida à sex symbol Marilyn Monroe. Com texto de Fernando Duarte (que estava presente naquela noite) e Rita Elmôr, a peça é uma adaptação musical para a obra de mesmo nome, encenada em 2019. A apresentação contou com entrada franca e ainda passa por seis municípios do estado, dentro da programação do Edital ProAC Expresso, através da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Governo do Estado de São Paulo.

A peça retrata o encontro fictício entre as duas artistas nos bastidores do Madison Square Garden, casa de espetáculos na cidade estadunidense de Nova Iorque, por ocasião do 45º aniversário do então presidente John F. Kennedy, comemorado em 19 de Maio de 1962. O momento ficou marcado na memória coletiva dos anos 1960 com a imagem de Marilyn Monroe usando um sensual vestido coberto de cristais brilhantes, cantando aos sussurros a memorável Happy Birthday. Nessa mesma noite, a maior estrela da ópera de todos os tempos, Maria Callas, foi protagonista da apresentação mais aplaudida da noite, ao interpretar Habanera, ária integrante da ópera Carmen, apresentações cujos vídeos foram exibidos ao fundo do cenário da peça.

Independentes e bem-sucedidas, o que era raro nos anos 1960, as icônicas personagens partem de suas próprias histórias para, durante 65 minutos, mergulhar no drama feminino dos tempos modernos, abordando o papel a ser desempenhado pelas mulheres em um mundo ainda governado pelos homens. No entanto, a narrativa da obra não deixa de também envolver o público masculino, pois apresenta as consequências de relações abusivas no trato psicológico das protagonistas.

Exemplo disso são os relatos das crises conjugais de Monroe com a lenda do baseball Joe DiMaggio, que lhe abusava fisicamente. O momento impactante é muito bem utilizado pelo espetáculo para divulgar a campanha contra a violência doméstica Ligue 180, projetado no seu sóbrio cenário, que se passa no camarim da apresentação ao presidente Kennedy. Também choca a ocasião em que a atriz fala sobre os abortos espontâneos que sofreu, em uma carga dramática impressionante.

As personagens viviam momentos distintos em sua vida. Em pleno auge profissional, Marilyn estava cansada de ser vista apenas como um símbolo sexual. Amante do presidente JFK, ela sentia-se preterida pela primeira-dama Jacqueline Kennedy –  um dos fatores que supostamente desencadeou seu vício em bebida e calmantes, o que lhe resultou na morte por overdose de barbitúricos, em 1962 (embora a peça aposte na hipótese de homicídio por parte de um agente da CIA, a Agência Central de Inteligência dos Estados Unidos).

Callas, por sua vez, se incomoda com os críticos – inclusive ironizando aqueles que redigem críticas culturais nos jornais – e reconhece que sua voz está se exaurindo aos poucos. Ela ainda sofre por ter priorizado a arte em detrimento de sua vida pessoal, enfrentando problemas no relacionamento com o magnata grego Aristóteles Onassis. As crises conjugais passadas pelas personagens são os momentos em que o texto mais investe em comédia, incluindo piadas sexuais que levaram o público às gargalhadas, à revelia da classificação indicativa de 14 anos.

A conversa entre Callas, introspectiva e melancólica, e Monroe, extrovertida e sanguínea, resulta em uma rara sintonia entre contrários, também espelhados na destoância entre seus figurinos e suas caracterizações, que refletem suas personalidades distintas. Enquanto os espontâneos desabafos de Marilyn são respondidos pela grega com sua objetividade racional, assemelhando-se a uma terapeuta, as confissões da soprano são devolvidas com espirituosidade e uma certa dose de despudor pela atriz, em oposição ao momento difícil pelo qual sua vida passava.

A nova adaptação, In Concert, conta com canções compostas por Maíra Freitas e interpretadas pelas atrizes, tanto em duetos como em solos, tanto em óperas como em ritmos convencionais. Surpreende a excelência na execução das músicas, tanto por Ohana quanto por Knust, bem como a qualidade do arranjo e das letras, totalmente em português. A cena em que Callas ensina técnicas vocais para Monroe é um dos (muitos!) pontos altos do espetáculo, momentos em que nos perguntamos quais fatos apontados naquele roteiro realmente ocorreram na vida real.

Dentre os aspectos técnicos, ressaltam-se a captação de som, realizada por meio de microfones de cabeça que valorizam as vozes das atrizes, assim como a iluminação, que variava conforme a intensidade das emoções de cada momento da peça, cujas cenas são divididas por sessões musicais. A última delas é a principal apoteose de Parabéns, Senhor Presidente, fechando-se as cortinas e encerrando-se o espetáculo em grande estilo, combinando aquelas duas figuras tão distintas através de uma de suas poucas paixões em comum: a Arte.

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Mateus Conte

Na noite de 13 de maio, um Teatro Municipal lotado recebeu, em Botucatu, a atriz Maitê Proença em seu monólogo O Pior de Mim. Redigida pela própria atriz e dirigida por Rodrigo Portella, a obra aborda de forma áspera a vida e a carreira da ex-global, que por diversas vezes percorreu os palcos do interior paulista com suas apresentações.

Logo de início, a peça surpreende por sua sobriedade. O figurino aparenta vir diretamente do guarda-roupas da atriz, sendo os mesmos looks que vemos nas atentas fotos da Revista CARAS ou nas páginas do finado Ego. Seu objetivo é claro: trazer autenticidade aos relatos contados pela protagonista-autora, tornando sua imagem no palco o mais próximo possível da realidade cotidiana de Maitê.

A luz, por sua vez, também é simples: sem muita pompa, a direção sabe o que fazer com o mínimo, apostando em um enfoque básico durante as falas e trocas repentinas de cores em momentos mais impactantes da trama, servindo como marcador temporal para passagem de um bloco narrativo para outro. Mérito de Portella, que também coordena a iluminação do espetáculo.

Mas não só de trivialidade vive O Pior de Mim. Em uma experiência rara no teatro mainstream, o próprio diretor entra em cena para filmar a protagonista. As imagens – em preto e branco, vale ressaltar – captadas pela câmera são exibidas automaticamente nas cortinas localizadas atrás do palco, em uma inovação narrativa recheada de significado: demonstra como a presença das lentes é constante na carreira da atriz, que estreou nas novelas em 1979.

Tratando de artifícios pouco utilizados nas grandes peças que vêm ao interior, uma logo chama a atenção dos espectadores: a não-linearidade da narrativa. Cada história se intercala com as outras, sem haver um ponto medular que as organize, trazendo a sensação de uma aparente confusão. Mas isso tem um porquê.

Durante a peça, Maitê assume que, durante quatro horas por semana, fez terapia pelo período de quatro anos. Não há dúvidas que essa experiência de autoconhecimento foi transportada para o roteiro, transformando o palco em um divã psicanalítico. A intertextualidade com uma sessão de terapia se reflete até mesmo na duração do espetáculo: a peça dura escassos cinquenta minutos, o que não foge do tempo médio de um encontro marcado com um psicólogo.

Esta psicanálise com a presença do público passa pelas mais trágicas histórias da vida da autora, o que tende a justificar os traumas e bloqueios mais profundos de sua mente ao longo da apresentação. Como nem tudo são espinhos, também há espaço para os relatos de superação que Maitê passou para conseguir deixar todos esses obstáculos para trás.

O teatro não é apenas o que se apresenta no palco, mas também aquilo que  impacta na plateia; ao vivo, ela acompanha ininterruptamente o espetáculo. Por isso, é impossível não perceber que, ainda que possam ser diferentes, sempre existem momentos nos quais o público se identifica com a atriz que está em cena.

Um sentimento específico do público é, ao mesmo tempo, alimentado e escrachado pelo texto: o prazer em bisbilhotar os detalhes mais sórdidos da vida alheia, ainda mais quando se tratam de celebridades. Como diz a própria sinopse da peça, “neste voyeurismo desenfreado, nos comparamos, para melhor compreendermos a nós mesmos. Não é assim? Venha espiar, eu deixo”. Esta descrição acompanha o espetáculo desde sua primeira exibição, realizada de forma totalmente on-line, no pandêmico ano de 2020.

Esta exposição das aflições vividas pela atriz, por trás das populares câmeras das inúmeras novelas que estrelou, evidencia o fato de que, antes de ser uma profissional, Maitê Proença é uma pessoa de carne, osso e sentimentos. Sentimentos, esses, que foram atingidos pela exploração massiva e impiedosa de sua vida privada por parte da imprensa e que, nesta peça O Pior de Mim, resolve escancarar para o mundo – mas, desta vez, a sua versão dos fatos. Maitê Proença, volte sempre!

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Marcela Zogheib

Quando falamos de musicais, alguns nomes vêm imediatamente à cabeça. Clássicos contos de bruxas cantados por Bernadette Peters, felinos noturnos cantando sobre amor e memórias, romances proibidos com fantasmas mascarados… Tudo isso morou por anos na cabeça de Jonathan Larson. O grande nome da Broadway inovou e mudou a cena do teatro musical por anos ao escrever o fenômeno Rent, que ficou em cartaz por muito tempo, sendo remontado milhares de vezes em diferentes palcos ao redor do mundo.

Mas antes de Rent, existiu tick, tick… BOOM!. Nesse musical originalmente estrelado por seu próprio criador, acompanhamos a história de Jon, um nova-iorquino aspirante a compositor no início dos anos 90. Ele está preocupado com a chegada dos 30 anos, se comparando com grandes nomes que haviam conquistado muitas vitórias antes de atingir a fatídica idade. No longa-metragem, dirigido por Lin-Manuel Miranda e roteirizado por Steven Levenson, vemos mais detalhes da vida de Jonathan que tornam a obra original um trabalho semi-autobiográfico, traçando paralelos das vivências reais de Larson com as dos personagens que ele criou. 

Jonathan Larson era uma estrela cadente. O gênio aclamado da Broadway, responsável por criar um dos musicais mais ovacionados do meio, foi embora cedo demais, no auge de seus 35 anos, na noite da estreia Off-Broadway de Rent. Mas seu legado vive, muitos anos, pelos teatros lotados em suas produções, sem contar o longa-metragem, as produções internacionais e, principalmente, as pessoas impactadas pela vida e obra do compositor que jamais assistiu sua composição. Relatos daqueles que conheceram Jonathan destacam a sua genialidade, carisma, criatividade e muito sobre sua pressa. A família e os amigos do escritor dizem que ele nunca parava, que ele nunca queria perder tempo, quase dizendo que ele escrevia como se seu tempo estivesse acabando.

O longa se inicia com uma pequena introdução sobre Jonathan (Andrew Garfield), mostrando cenas de sua família e do que Rent se tornou e o tornou. Nos apresentando a uma das tradições mais bonitas do Teatro, o filme é dedicado ao idealizador de sua história, com o mesmo ritual que inicia cada apresentação de suas peças, sempre através de uma dedicatória à importância e legado de Larson. Logo somos introduzidos ao queridinho das massas e dos estúdios, e Andrew Garfield está na pele do nosso protagonista, recriando umas das performances mais conhecidas da produção, 30/90. A partir daí, o trabalho de edição, que faz as cenas transitarem de forma muito natural e coerente, dá o tom que o longa segue durante toda sua duração, proporcionando a indicação ao Oscar de Melhor Montagem de 2022, creditada a Myron Kerstein e Andrew Weisblum.

A atuação de Andrew Garfield externaliza o amor que o ator tem pelo personagem, construído com a preocupação em fazer jus a uma figura tão importante. As palavras de Jonathan, registradas na memória coletiva daqueles que amaram e amam o compositor, transparece em olhares, trejeitos e maneirismo representados com naturalidade e leveza pelo intérprete. A indicação ao Oscar e ao SAG, e as vitórias no Globo de Ouro e Hollywood Critics Association Awards não vieram sem fundamento, desde seu primeiro momento em tela, o ator some e se revive como seu personagem.

Os personagens são espelhados dentro e fora dos palcos, e Jon tem um grupo de pessoas que o apoia e está com ele na sua jornada para alcançar sucesso com sua peça de teatro Superbia. Karessa Johnson (Vanessa Hudgens) e Roger Bart (Joshua Henry) performam ao seu lado, representando nos palcos aqueles que cercam Jonathan. Na lanchonete Moonshine, Freddy (Ben Levi Ross) e Carolyn (Michaela Jaé Rodriguez) trabalham servindo mesas ao lado do protagonista, compondo a família que ele busca nos ambientes. Seu melhor amigo, Michael (Robin de Jesús), sonhava em viver a vida como ator, mas desistiu para trabalhar em um escritório, onde ganha o suficiente para abandonar a vida boêmia e se mudar do apartamento em que morava com Jon. 

Um ponto bastante explorado nas produções de Larson é o surto da epidemia de AIDS, que abalou o mundo entre os anos 1980 e 1990. O compositor traz isso de forma muito vívida e presente na vida de seus personagens, sendo Michael um exemplo, principalmente por ter sido inspirado no melhor amigo de infância de Jon, que foi diagnosticado com HIV. Outro ponto essencial da trama é Susan (Alexandra Shipp), a namorada de Jonathan. Ela é uma dançarina que está cansada da vida brutal de alguém que vive das artes em Nova Iorque e está no dilema entre continuar com Jon, ou se mudar para dar aulas no subúrbio da cidade. Os conflitos do casal são apresentados na música Therapy, em que discutem o que querem falar um para o outro, o que acham que o outro quer ouvir e o que vai ser da relação deles.

Como um clichê sempre discutido em conversas sobre musicais, há quem não veja sentido em sequências em lanchonetes onde os clientes e garçons param o que estão fazendo para cantar justamente sobre o que estão fazendo. Mas Sunday já nasce como um tributo à composição de mesmo nome, com autoria de Stephen Sondheim para Sunday in the Park with George, que ficou ainda mais delicada e simbólica após a morte do compositor em 2021. E é uma das cenas na lanchonete em que o trabalho da montagem mais transparece, encaixando perfeitamente cada movimento e apresentação dos intérpretes da música com naturalidade às cenas anteriores e posteriores.

De volta à relação de Larson com o veterano da Broadway (interpretado por Bradley Whitford), o longa se preocupa em retratar como ela impactou a jornada do protagonista. Uma cena, em específico, mostra a participação de Jon em um workshop, onde Sondheim sugere a inserção de mais uma música na obra do compositor, desencadeando uma série de ideias em sua mente para criar em seu musical e direcionar o rumo de suas produções. Além disso, o verdadeiro Stephen Sondheim realmente faz uma participação no filme, mostrando a inversão do impacto, em que Jonathan Larson também se tornou respeitado por seu ídolo.

A junção de Lin-Manuel Miranda com Jonathan Larson traz medidas perfeitas com milhares de referências como resultado. Os dois amantes do teatro musical cresceram com o sonho de criar algo novo para trazer um público diferente para o palco e a plateia da Broadway. Jonathan esteve sempre entre dois mundos, por ter crescido na era de auge da MTV via um desinteresse na sua geração em frequentar um ambiente de musicais que não representavam as questões que viviam. E apesar de amar musicais como Cats e Les Misérables, ele entendia que estavam distantes das vivências de seus amigos, então sonhava em criar uma mistura que trouxesse toda essa excitação jovem regada de ritmos atuais para um local que usualmente era frequentado por um público mais tradicional. 

Em seus musicais, Larson sempre buscou trazer ritmos e letras que falassem com as pessoas da sua geração, e indo atrás disso, transcendeu barreiras que ele sempre acreditou que o teatro não deveria ter. Já Lin-Manuel Miranda iniciou sua carreira de compositor contando histórias do seu bairro latino nos palcos da Broadway com In The Heights. Em sua obra principal, Hamilton, reescreveu a história dos Estados Unidos com um elenco constituído por pessoas que foram tradicionalmente apagadas dessa narrativa, utilizando músicas que falassem com um novo público.

A direção de Lin traz um olhar que só ele poderia ter. A enciclopédia humana dos musicais sabe onde colocar os mínimos detalhes, desde os pingos nos is, passando pelas Elizas e Angelicas nas cafeterias com tiaras referenciando vestidos, até os boêmios cantando sobre gastar dinheiro com brunch de domingo. A escolha de direção foi tudo menos à toa, e a genialidade de Lin preenche todas as lacunas deixadas pela partida prematura de Larson. Além de tudo, o diretor também já tinha uma conexão com tick, tick… BOOM! dos seus dias de ator, onde interpretou Jon em uma produção do musical em 2014.

Dos grandes números extravagantes até as minúcias de caracterização, o longa segue à risca o padrão obsessivo de perfeição do diretor que transparece em cada cena. Nos números Therapy e Swimming é possível ver e sentir aquilo que Jonathan sentia e com certeza Lin-Manuel também. Assim como seus diretores, seus personagens sofrem paralelos tentando conciliar a vida real com seus sonhos de sucesso, em que Jon e Hamilton vão sempre além por aquilo que acreditam.

Jonathan Larson criou porque era isso que ele sabia fazer. O sucesso que o acompanhou foi o resultado de uma vida doada à sua arte e o amor por tudo e todos que o cercavam. tick, tick… BOOM! é fruto da tentativa de expor os medos, as vontades e todas as questões que cercavam alguém tão singular que soube falar com uma pluralidade que atravessou todas as fronteiras de gerações. Apesar dos números, do sucesso, da lucratividade, dos prêmios, sua obra, vida e legado devem ser, acima de tudo, medidos em amor.

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Ana Júlia Trevisan

Antígona. Filha de Édipo Rei e Jocasta; irmã de Etéocles, Polinice e Ismênia; sobrinha de Creonte. Antígona. Obra do dramaturgo grego Sófocles que conversa com a atualidade e com os valores humanos pautados pela razão e pela emoção, e é a terceira peça da trilogia tebana. Antígona 442 A.C. Monólogo de Andrea Beltrão, dirigido por Maurício Farias, destaque que integra a Mostra Brasil na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

Foi em 2015 que a vontade de Andrea Beltrão de ter uma peça de teatro de resistência e que pudesse ser feita a qualquer momento, floresceu. Instigada por Fernanda Torres, Beltrão condecorou Antígona como um de seus textos favoritos e assim surgiu o desafio, transformar uma peça de teatro com no mínimo quinze personagens em um monólogo. A estreia de Antígona aconteceu, oficialmente, nos palcos em 2019, mas o contexto epidêmico de covid-19 fez com que a peça tivesse um pouso forçado. Após esse hiato, Antígona 442 A.C. estreia na 45ª Mostra em forma de espetáculo filmado, onde a montagem é reestruturada para o Cinema, variando em cenas dos bastidores com estudo e mapas mentais da obra e partes da encenação no teatro.

A peça se inicia com o prólogo de Millôr Fernandes que ilustra todo contraponto com a realidade que vamos encarar de Antígona 442 A.C.: “e assim a história avança, em luta fratricida, ódio mortal, violência coletiva, tudo pago por fim, naturalmente, com a escravidão do povo, na derrota final.” O texto sobre a destruição de uma cidade parecia um tanto distópico em 2015. Mas, quando Andrea Beltrão estreou sua peça em 2019, qualquer semelhança com a realidade se tornou mera coincidência e com sua chegada ao digital em 2021, sua subversão política ecoa em notas agudas.

Antígona enfrenta a ordem do rei Creonte de deixar seu irmão Polinice, que lutou na guerra, sem sepultura para que seus restos mortais sejam devorados por animais selvagens. A jovem desobedece, realiza um ritual funerário digno ao irmão e rebate seu ato afirmando: “morrer mais cedo não é amargura, deixar o corpo do meu irmão é amargura”. Soberana em tela, Andrea Beltrão comove ao mesmo ponto que se emociona com as próprias falas, usando o texto para não apenas gerar reflexão, mas também para provocar.

O diferencial que torna magnífico é ver a própria Andrea Beltrão contando a história e se preparando para a peça. Há cortes para o teatro entre as cenas, que é quando a atriz aparece maquiada já em cima do palco, encenando com força cada uma de suas falas. Em seu estúdio de ensaio a entrega é com a mesma intensidade e precisão. De cara limpa, Andrea revela todo empenho aos estudos e a história que estava interpretando. Em sua parede, uma mapa mental dos personagens de Zeus aos tebanos; em seu computador, roteiro e fotos que guiam a atriz por essa viagem entre séculos.

Tamanha é a devoção mostrada nos bastidores que Andrea Beltrão se firma como dona de um conhecimento inigualável sobre o texto de Antígona 442 A.C.. As mudanças no tom de voz conforme ela encarna uma nova persona elucida a confiança da atriz e o conhecimento de cada vírgula da peça teatral; por meio da sua voz fica claro o poder e a importância da personagem na odisseia. Sua narrativa com olhar fixo para a plateia consagra a atriz dona do tablado, que domina o palco com tamanha destreza que não sentimos falta da plateia lotada. Sua linguagem corporal fala tão alto quanto a verbal, concentrando total atenção a figura da atriz, independente do lugar de onde a câmera esteja.

Imersa no próprio oásis, Andrea se emociona com a crescente narrativa. A razão e a emoção são postas lado a lado e Antígona não cede, ela abre mão de sua posição social e de poder para arriscar dar um último ato humano à memória do irmão. A peça teatral ganha nova ótica e substância no contexto pandêmico e tirano do Brasil de Bolsonaro, enquanto os governantes responsáveis por esse genocídio não querem seus nomes correlacionados a essa tirania, temos milhares de Antígonas que lutam pelo respeito da memória de seus entes. E as palavras finais de Andrea reverberam com ainda mais precisão: “os tebanos não tiveram outra chance, mas pra nós ainda há esperança”.

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João Batista Signorelli

Quem precisa de cabos? Eles enrolam, estragam, dão nó, e não te deixam sair do lugar. Se isso já é um pesadelo pra mim, que tenho que lidar com um computador que não funciona com internet sem fio e precisa ficar ligado na tomada pra não morrer, imagina para um grupo musical que precisa enfrentar todo dia uma teia de aranha no palco? David Byrne também se questionou, e chegou à conclusão de que dividir o palco com um emaranhado de cabos definitivamente não estaria mais em seus planos.

O resultado dessa simples decisão foi o gigantesco David Byrne’s American Utopia, um show que lotou teatros em 2018 e 2019, em uma aclamada turnê ovacionada pela crítica e pelo público, e que marcou passagem inclusive pelo Brasil, com apresentações em Porto Alegre, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, e no Lollapalooza de 2018 em São Paulo. Paralisada pela pandemia, a performance já tem data marcada para voltar aos palcos da Broadway.

Impelido a registrar a performance, Byrne contatou outro nome de peso para transformar em filme o espetáculo: Spike Lee. A então parceria produzida pela HBO entre o ex-vocalista do Talking Heads e o diretor de Destacamento Blood rendeu seis indicações ao Emmy 2021. American Utopia marca presença ao lado de Bo Burnham, Hamilton e Friends na concorrida categoria de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado),  além de Melhor Direção em Especial de Variedades para Spike Lee, Direção Musical e mais quatro categorias técnicas em Especial de Variedades: Iluminação, Mixagem de Som, e Direção Técnica/Trabalho de Câmera.

Não é a primeira vez que David Byrne é destaque em um filme de um diretor consagrado documentando um concerto seu. Stop Making Sense, de 1986, considerado um dos mais importantes filmes-concerto da história, trazia Byrne à frente dos Talking Heads vestindo o icônico terno gigante, com direção de Jonathan Demme, que alguns anos mais tarde subiria a um outro palco para receber o Oscar de Melhor Direção por O Silêncio dos Inocentes. Spike Lee, por sua vez, já é um veterano dos videoclipes, tendo trabalhado com artistas como Stevie Wonder, Public Enemy, e até Michael Jackson no icônico clipe de They Don’t Care About Us, gravado no Brasil. O encontro destas duas mentes brilhantes resulta em uma das mais expressivas realizações artísticas do passado recente. 

O espetáculo se inicia com Byrne sozinho no palco, sentado à uma carteira escolar, trocando uma caveira por um cérebro e cantando o seu próprio “To be or not to be” em Here. Mas ao invés de refletir sobre o propósito do existir aos moldes de Shakespeare, ele faz uma descrição da geografia do órgão principal do sistema nervoso. O que parece a princípio uma aula de biologia logo aponta para seus desdobramentos mais humanos: através do telencéfalo, nós entendemos o mundo, sentimos, amamos, vivemos. A partir daí, o artista nos leva a uma jornada através da experiência humana, buscando entender aquilo que nos conecta uns aos outros como semelhantes.

Pouco se passa até que ele não se encontre mais sozinho no palco, agora acompanhado por uma legião de músicos e uma dupla de dançarinos-cantores, todos descalços, vestindo ternos cinzas, e sempre ocupando o palco à frente de um único cenário. Em contraponto aos concertos de rock tradicionais, com a tentativa de compensar o tédio de ver os músicos em uma mesma disposição por duas horas com telões cheios de projeções com imagens pra lá de óbvias, Byrne se esvazia de todos os elementos distrativos, e chama a atenção para aquilo que importa até mais do que a própria música: as pessoas. Pois afinal, se existe a música para ser tocada e ouvida, é porque também há, inevitavelmente, seres humanos com o impulso criativo de comunicá-la para seus semelhantes.

As músicas escolhidas são uma mistura de uma seleção de clássicos do Talking Heads como Burning Down the House e This Must Be the Place (Naive Melody), com canções de seu mais recente álbum solo, que também leva o título de American Utopia. Ainda que carreguem conteúdos tão variados em suas letras, elas ainda parecem se encaixar com certa coerência, representando a longa busca que é fruto da tentativa de entender quem somos, como nos relacionamos, ou o que é de fato um lar. Muitas das canções parecem funcionar ainda melhor ao vivo, como é o caso das perguntas retóricas de Once in a Lifetime, que ganham um novo sentido ao ter a plateia como interlocutora.

Não por acaso, o possível desconhecimento do repertório de canções do cantor pouco interfere no aproveitamento da experiência. Voltando ao formato de show convencional, este tende a funcionar com suas limitações em grande parte devido ao engajamento do público com a setlist. A relação entre os artistas e a plateia é intermediada pela música, luzes e pirotecnia, mas Byrne nos mostra que não precisa ser assim. Ele nos pega pela mão, e convida a participar daquela sua Utopia junto com sua trupe, cuja humanidade nunca sai do foco. Mesmo o elaborado jogo de luzes, merecedor de sua indicação ao Emmy, mantém-se fiel à sua missão de dar destaque às pessoas, nunca roubando seu protagonismo. 

Outro aspecto que colabora para enriquecer o aspecto humano de David Byrne’s American Utopia é a abolição dos cabos, substituídos por tecnologias sem fio, o que se torna o maior catalisador de possibilidades criativas para o espetáculo. Livrando-se das amarras limitadoras impostas pelo sistema de som, os músicos têm agora a possibilidade de movimentar-se por todas as direções. As coreografias desenhadas por Annie-B Parson exploram todo o espaço do palco, dando uma unidade àquele grupo de indivíduos tão diversos, e que mesmo vestindo um mesmo uniforme e marchando em conjunto ordenadamente, não deixam de transparecer suas cores e modo de ser, em um raro contexto onde a homogeneidade de um coletivo não ofusca as identidades individuais.

Entre o elenco oriundo de diversos países, em David Byrne’s American Utopia figuram dois brasileiros: o baiano Gustavo Di Dalva e Mauro Refosco de Santa Catarina. Com eles, berimbaus, atabaques, e outros instrumentos nacionais marcam presença no palco. O carinho de Byrne com o Brasil é antigo, já tendo gravado um disco ao vivo com Caetano Veloso, além de ser um dos principais responsáveis pela popularização de Os Mutantes fora do Brasil através do seu selo Luaka Bop, e de ter levado para o exterior diversos nomes da música brasileira como Tim Maia e Tom Zé. Reunindo diferentes culturas através de seu elenco diverso, David Byrne nos dá um gostinho do como seria essa sua utopia.

Tornar o mundo um lugar para todos viverem é um dos principais ideais que movem a performance. E do mesmo modo que a simples rejeição aos fios possibilita uma infinitude de novas perspectivas para a expressão artística no palco, é nas pequenas coisas que fazem grande diferença que Byrne alicerça sua utopia. Exemplo disso é o segmento onde ele, educadamente, demonstra o quão importante é a participação de todos nas eleições, determinantes para o futuro daquele e de todos os países. O engajamento social também se faz presente na canção Hell You Talmbout, uma homenagem respeitosa e solene à Eric Garner, Freddie Gray, Marielle Franco, e às tantas outras vidas negras perdidas para o sistema que deveria protegê-las.

Tal posicionamento justifica ainda mais a escolha de Spike Lee para a direção do projeto. Lee, que vem chacoalhando o status quo desde que Faça a Coisa Certa estreou em Cannes em 1989, oferece sempre um olhar certeiro para os conflitos sociais. O diretor enriquece através de sua lente um show que por si já era espetacular, transportando toda a sua vivacidade para as telas daqueles que não tiveram a oportunidade de testemunhar este evento ao vivo, e eternizando a utopia que, caso não fosse registrada, seria apenas um acontecimento passageiro. O encontro entre David Byrne e Spike Lee, duas vozes tão marcantes de uma mesma geração, não poderia ter sido tão bem-sucedido. 

David Byrne’s American Utopia nos mostra que é possível fazer muito com pouco, e que certos excessos podem se tornar elementos limitadores para a liberdade criativa. Sem cabos e sem amarras, testemunhamos a enormidade de coisas que podem ser feitas em um palco, ou mais do que isso, a enormidade de coisas que podem ser feitas em um palco por pessoas. Pois no final, o que buscamos em uma obra de arte, nos relacionamentos, ou na própria vida, vai muito além de meras emoções ou sensações satisfatórias. Buscamos aquilo que é humano em si mesmo, e que nos revela que também o somos.

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Raquel Dutra

O legado na música brasileira não é o suficiente para eu me conformar. Vez ou outra, ainda me pergunto como é que alguém conseguiu convencer o sofrido povo brasileiro de que “viver é melhor que sonhar”. O sentido ensaia desenhar-se segundos depois, quando eu me lembro que quem cantou isso foi a sonhadora que é a concretização da ideia mais pura e completa do que pode vir a ser a vida. Mas mesmo assim, ainda é instigante, já que ela, em toda sua grandiosidade e relevância, ainda acrescenta que “qualquer canto é menor do que a vida de qualquer pessoa”.  

Quer profundidade mais condizente com a maior artista do Brasil do que a que ela mesma cria na obra que conta a sua história de vida, realiza seus maiores sonhos e desmistifica sua própria arte? Muito significado, muita intensidade e muita pulsão de vida: assim foi Elis Regina, e assim foi Falso Brilhante, cuja riqueza era autoexplicativa em 1976 e assim permanece até os dias de hoje – e muito provavelmente, assim será por todo o resto da nossa história.

Há 45 anos, o disco é responsável por confirmar a preciosidade da artista e abrigar algumas das canções mais atemporais da música brasileira. Considerado um dos álbuns mais importantes dentre todas as coletâneas mais maravilhosas que um dia já surgiram dos nossos artistas, Falso Brilhante é também a obra mais relevante da vasta discografia e carreira de Elis.

O projeto Falso Brilhante nasceu no coração e mente de Elis misturando influências circenses com a sua história de vida e uma carga política sagaz em plena ditadura militar. Ainda bem, a pisciana nunca teve medo de apostar em seus sonhos e nas ideias mirabolantes que surgiam dos seus botões de artista. Ela investiu tudo o que tinha, armou o circo e colocou no mundo um espetáculo grandioso, que permaneceu em cartaz no Teatro Bandeirante na cidade de São Paulo entre dezembro de 1975 e fevereiro de 1977, em mais de 300 apresentações apreciadas por cerca de 280 mil pessoas, que ocupavam as mil cadeiras do teatro de quarta à domingo.

O ponto chave não era o conteúdo em si, já que a estrela havia crescido junto com o Brasil e sua história, origem humilde e percalços até engatar a carreira eram de conhecimento do público tanto quanto suas mais bem-sucedidas canções. Para contar sua trajetória em Falso Brilhante, Elis foi além. Não buscando uma narrativa de ascensão e realização plena de sonhos, mas subvertendo as expectativas e obviedades para ser, como sempre, verdadeira com o que sentia. E naquele momento, a dimensão sensível da artista era tomada pela decepção. 

Como todo fenômeno conduzido por uma alma vivaz, a relevância de Falso Brilhante, que ainda tinha a direção cênica de Myriam Muniz e musical de seu esposo, o pianista Cesar Camargo Mariano, superou todas as expectativas e transcendeu qualquer rotulação possível. O que de início tratava sobre os sentimentos pessoais de Elis quanto ao país e sua profissão se tornou um registro histórico e denunciante da situação do artista brasileiro e da sociedade como um todo da década de 70, que ainda sentia o reverberar dos anos de chumbo do regime militar. 

O show era impossível de se parar, e quando a ideia de registrar parte do repertório de Falso Brilhante em estúdio surgiu, o tempo que Elis e sua equipe encontraram para gravar e mixar o disco foi um dos intervalos de folga das exibições, com a produção de Marcos Mazzola. E a aura do disco é especial desde sua mais inicial concepção. Gravado sob a produção entre as apresentações do espetáculo, o álbum tem o gosto raro da energia de Elis nos palcos. 

Um dos maiores triunfos acaba por ser também um dos seu único defeitos. A rotina pesada do show obviamente desgastou a artista e a disposição da banda, e é por isso que, numa análise unicamente técnica, o álbum é considerado inferior às obras anteriores – o maravilhoso Elis & Tom, de 1974 – e posteriores – o memorável Elis, de 1977, que carrega a canção que inspirou seu próximo espetáculo, Transversal do Tempo.

O repertório também estava longe de ser leviano e exigia tudo e mais um pouco da artista. As 42 canções do show dividiam-se em dois atos, passeando entre diferentes gêneros, tons, arranjos, performances e línguas. Para o disco, a lista se condensou em 10 canções escolhidas a dedo para resumir perfeitamente o que era a ideia e execução de Falso Brilhante, contando ainda com algumas inéditas. Delas, surgem cantos de amor e versos apaixonados, protestos políticos, hinos de resistência evocando irmandade e expressões de sonhos e idealismo, ritmados no samba, bolero e rock e interpretados em português e espanhol.

O primeiro contato que Falso Brilhante estabelece com o ouvinte já é irresistível de tamanha honra. Com o grande prazer que é ser chamado de “meu grande amor” por Elis Regina, somos convidados ao disco com uma das últimas músicas da setlist do show que se encaixa perfeitamente em sua abertura. “Não quero lhe falar (…) /Das coisas que aprendi nos discos/Quero lhe falar como eu vivi/E tudo que aconteceu comigo”, ela explica suas intenções com o projeto sob um acordes de um violão calmo e certeiro. Estamos na inconfundível Como Nossos Pais.

Não existe nada mais especial do que ser apresentado à obra da vida de Elis Regina – em todos os sentidos possíveis da expressão – do que através da canção que é uma das mais marcantes de sua carreira e de toda a história da música brasileira. Escrita por Belchior, o gênio que ela descobriu e impulsionou, a canção fez história na interpretação da artista, que externalizava suas maiores desilusões numa universalidade e identificação que só pode ser atingida pelo artista que é tomado de sinceridade e coragem.

Aqui, já é possível concluir a adoração que a artista mantinha pela vida – a sua, a do próximo, da arte, da música e do Brasil. A Elis refletida em Falso Brilhante é assim, fincada no presente, sempre visionária e nunca nostálgica. Seu inferno era o passado e o retrocesso, como ela continua a confessar “Minha dor é perceber/Que apesar de termos feito tudo o que fizemos/Ainda somos os mesmos/E vivemos (…)Como os nossos pais” em um dos versos mais conhecidos e atemporais da música brasileira.

Da sua maior paixão nasce seu maior protesto, residente nos versos mais marcantes de Falso Brilhante. A artista que não chegou a viver seu futuro ousava vislumbrá-lo e pregar as possibilidades como forma de incentivar as pessoas a enfrentarem a situação do país e jamais se curvarem diante dela. “Mas é você que ama o passado e que não vê (…)/Que o novo sempre vem”, “Vejo vir vindo no vento o cheiro da nova estação” e demais profecias esperançosas era o que mais se ouvia da obra da vida de Elis. 

Tudo continua em Velha Roupa Colorida, mais uma composição de Belchior que decolou na voz da artista. Desafiada por um arranjo numa escala um pouco mais alta que o comum e com os vocais já arranhados da rotina intensa dos espetáculos, a Pimentinha canta com rouquidão “Você não sente, não vê/Mas eu não posso deixar de dizer, meu amigo/ Que uma mudança em breve/Vai acontecer” em um dos rocks de Falso Brilhante. 

Mudanças essas que se não acontecessem por si só, ela fazia acontecer, como foi com a sua existência vasta embora curta no planeta Terra e com Falso Brilhante. Elis ia atrás do novo. Inaugurar gêneros, descobrir artistas, impulsionar carreiras… Sua potência criativa já era conhecida e fascinante, então, quando ela propôs inverter a lógica do mercado musical – que primeiro pensava no disco e depois nos shows e não o contrário, como ela fez ao arquitetar primeiro o espetáculo sem ter um material sonoro em processo de divulgação – o público, ou melhor dizendo, o grande amor de Elis, comprou a ideia de imediato. Juntos, eles transformaram o projeto sobre a sua vida no sucesso que foi, um recorde de bilheteria e até hoje o maior espetáculo do Brasil. 

Ecoar sua verdade, denúncias, coragem, história e pulsão de vida pelo Brasil inteiro ainda não saciava a sede de justiça e de verdade de Elis. Enxergando a amplitude e complexidade da situação política da América Latina naquele momento, ela sentiu a dor dos outros países que também vivam um dos momentos mais sombrios de suas histórias protagonizadas por regimes militares através de Los Hermanos, a primeira das canções em espanhol de Falso Brilhante. Nela, a artista veste um flamenco cheio de identidade da resistência popular latino-americana e canta com sua força característica pelos muitos irmãos que se perdiam entre a repressão, exílio e a morte.

No português, Elis disse o que tinha que dizer em Um Por Todos. Além de incentivar a união que a sociedade brasileira e a classe artística tanto precisavam exercitar naquele momento, ela também reconhecia o fatídico dia em que sucumbiu ao medo e abaixou a cabeça para a ditadura militar. Ligando isso com a decepção da vida de artista que é o tema central de Falso Brilhante, ela canta quase em tom de confissão e arrependimento: “Eu te conheço, sei o preço da fama/E não esqueço/Que deitei em tua cama, em teu berço/Eu sei teu preço, eu te conheço” e revela a forma como lidou com seus próprios erros, reconhecendo sua responsabilidade e o apoio que encontrou: “Lavo as mãos e prossigo adiante/Eu por mim mesma/Todos por mim”.

A arte de Elis sentia tanto a vida e enxergava a realidade com tanta lucidez que, às vezes, sua criadora precisava escapar. E ciente de seu inferno, ela também sabia muito bem como era o seu paraíso, dividindo as paisagens dos seus sonhos em Quero. Guiada por flautas doces e coros suaves, a artista flutua na imaginação dos seus desejos, construídos em “um mundo sem portas ou vidraças” e com “floresta no lugar da cidade”, incluindo “beijar a face da lua” e acabar com tudo de ruim ao “cobrir com flores campos de aço”. 

Nem toda a vida e fisicalidade do mundo era o suficiente para Elis. Ela precisava atingir o que estava além, e dentro das canções oníricas, ela também criava algo a mais e desenhava algo muito belo sobre as almas sonhadoras. As imaginações de Falso Brilhante abraçam uma imensidão de pessoas que não são menos determinadas, corajosas ou firmes por ousar ir além da realidade, e O Cavaleiro E Os Moinhos comprova a tese. 

A composição dos consagradíssimos Aldir Blanc e João Bosco, dupla frequente na música de Elis Regina, é um retrato de quem está pronto para ir à luta pela revolução porque já imaginou como tudo vai ser. Exaltando a capacidade de olhar além e imaginar o futuro, a artista defende a relevância do ser sonhador, que consiste, como ela mesma bem representou, em contar as possibilidades para as outras pessoas, torná-lo um pouco mais palpável e assim, motivar a luta por ele.

Voltando à vida, Falso Brilhante também a adora. As músicas profundas em significado e vivacidade eram a forma que os artistas encontravam de se opor aos governos e políticas de morte, e em Gracias a La Vida, que abria o segundo ato do show, Elis explode a paixão que sentia por viver com uma riqueza enorme nas estrelinhas. A canção foi escrita e originalmente interpretada pela chilena Violeta Parra, fundadora da música popular chilena e compositora de muitas das canções de resistência que ecoaram pelo país na época.

Sem separar suas celebrações de seus protestos, Falso Brilhante geniosamente aniquila qualquer noção de oposição que pudesse surgir entre os dois elementos e grita da melhor maneira que nossa mera existência é política. Até brincando, Elis conseguia espalhar sua mensagem, inovando nas maneiras de driblar a censura. A canção mais divertida do repertório, Jardins De Infância, critica o governo de forma teatral e narrativizada, camuflada em um toque de jazz.

A militante só descansava no amor. Ali, não tinha jeito, Elis se derretia na presença daquele que acordava sua veia romântica, sempre marcada na paixão das interpretações e nos arranjos musicais. A primeira declaração de Falso Brilhante é Fascinação, popular valsa francesa traduzida para o português por Armando Louzada para que Elis e Cesar pudessem dançar entre as notas doces que cada um expressava à sua maneira, sob o cenário rico preparado pelos instrumentos clássicos. 

Em Tatuagem, o deleite é ainda mais especial. Nela, Elis só conversa com o piano do amado, numa profunda intimidade e marcante sensualidade. “Quero brincar no teu corpo feito bailarina/Que logo te alucina, salta e te ilumina quando a noite vem/E nos músculos exaustos do teu braço/Repousar frouxa, farta, murcha, morta de cansaço”, ela canta a letra de Chico Buarque olhando nos olhos de Cesar ao piano, de modo a deixar qualquer um que assistisse a cena constrangido por tamanha intensidade. Elis, no entanto, por nada conservava timidez. Muito menos da arte, muito menos do amor.

A intensidade que a viagem pela vida e sentimentos de Elis trazia era numa narrativa por si só disruptiva. A mensagem de Falso Brilhante era clara, e o glamour e a idealização – que não fosse de um sonho revolucionário – não cabiam na verdade de Elis. Os que esperavam assistir algo melodramático sobre as lamentações de uma artista arrependida eram surpreendidos, já que a decepção, matéria-prima principal do projeto, não era algo romantizado, exaltado ou pintado como paralisante. O que Elis queria era superá-la, com a urgência de quem sentiu na pele e viu de perto as ameaças contundentes ao que ela mais valorizava: a vida e a arte.  

O que ela criou como forma de se opor a isso tudo é o que se vê em Falso Brilhante. Com sua história de plano de fundo, ela desabafa, profetiza, imagina, desmente, celebra, denuncia, cuida, representa e sente. Vasta, ativa e complexa, ela mudou pra sempre a arte ao criar dentro de sua música algo que ilustra a própria vida, motivada pela coragem, que nos faz continuar mesmo com o arrepio na espinha de medo do que virá pela frente, e na ousadia de tomar o coração como razão, de assumir sua personalidade, sua identidade, acertar e errar, se desculpar e continuar.

“Eu queria morrer sendo eu” ela disse em sua última entrevista em janeiro de 1982, seis anos depois de Falso Brilhante e duas semanas antes de um dos eventos mais tristes que o calendário brasileiro já viu, o dia de sua morte. Nunca se contentando com nada menos do que ela tinha exatamente em mente, esse foi o maior feito que Elis Regina atingiu: ficar marcada na nossa história sendo ela. Sendo presente, sendo atemporal, sendo relevante, sendo transformadora, sendo corajosa, sendo expressiva, sendo sonhadora e sendo viva. E se ela disse que viver é melhor que sonhar, é melhor a gente acreditar.

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Letícia Machado e Rafaela Thimoteo  

Como um bastardo, órfão, filho de uma prostituta e pai fundador dos Estados Unidos presente na nota de dez dólares se tornou um dos maiores fenômenos na indústria dos musicais e plataformas de streaming de todos os tempos?

Hamilton: An American Musical é um musical composto, escrito e protagonizado por Lin-Manuel Miranda. Norte-americano de família porto-riquenha que nasceu em Nova York, em 1980, Miranda se inspirou na biografia de Alexander Hamilton do historiador Ron Chernow para criar essa peça.

Miranda estava férias de outro espetáculo que escreveu para a Broadway, In the Heights, em 2008, quando leu a biografia sobre Hamilton. Decidiu, então, não desperdiçar sua chance de fazer um musical totalmente inspirado na vida de um dos pais-fundadores dos Estados Unidos. 

O gênio por trás da obra já havia mencionado durante entrevistas que as pessoas subestimavam o potencial, a história e relacionamento de Alexander Hamilton com a cidade de Nova York. Foi a partir deste sentimento que o show começou a ser desenvolvido. 

Em maio de 2009, Miranda foi à Casa Branca, durante o evento Evening of Poetry, Music and the Spoken Word apresentar uma versão inicial da abertura do futuro espetáculo. Ele acabou surpreendendo e arrancando risadas dos convidados ao anunciar que faria um musical de hip hop sobre o primeiro Secretário do Tesouro dos EUA.

O musical estreou em fevereiro de 2015 off-Broadway (termo utilizado quando um musical é exibido em outros teatros profissionais menores que a Broadway), no Teatro Público de Nova York e tornou-se um sucesso de bilheteria e críticas positivas. Em agosto do mesmo ano, foi transferido para o Teatro Richard Rodgers na Broadway e os ingressos foram esgotados ainda na pré-venda. 

De acordo com a Forbes, após esta estreia a disputa por lugares foi tão acirrada que alguns ingressos chegaram a custar cerca de US$ 11 mil. Ainda em 2015, o musical rendeu a Lin-Manuel Miranda o prêmio History Makers Award pela New York Historical Society, assim como o de Melhor Música, Melhor Letra e Melhor Libreto de Musical no Drama Desk Awards. 

Em 2016, Hamilton obteve o recorde de 16 indicações ao Tony Awards, e conquistando 11 prêmios, entre eles o de Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Ator, Melhor Figurino, Melhor Direção, Melhor Coreografia e o principal da noite: Melhor Musical. Hamilton também venceu como Melhor Álbum de Teatro Musical no Grammy e Lin Manuel Miranda recebeu o aclamado Prêmio Pulitzer de Drama.

Da Broadway diretamente para o streaming 

Após o sucesso estrondoso, Lin decidiu realizar uma versão do show para o cinema com o elenco original. As filmagens foram realizadas em 3 apresentações diferentes, o que gerou alguns erros pontuais de continuidade, como a mudança de detalhes na roupa de alguns personagens, mas que não atrapalharam o êxito da obra. 

Devido à pandemia de COVID-19, o lançamento do filme que estava previsto para 15 de outubro de 2021, foi antecipado para 3 de julho de 2020, diretamente na plataforma de streaming Disney +, que chegará no Brasil somente em novembro deste ano. O trailer de Hamilton alcançou mais de 4 milhões de visualizações na data em que foi lançado. 

Influências

Se na música introdutória Alexander Hamilton afirma que “há milhões de coisas que ele ainda não fez” o show segue na direção oposta e faz o que outros musicais premiados da Broadway como O Fantasma da Ópera (1986) e Wicked (2003) não fizeram. De uma forma super contemporânea, o musical explora uma mistura gêneros usando o hip-hop, R&B, o pop e o soul. 

Com raps que chegam a alcançar a marca de 19 palavras em 3 segundos, como acontece em Guns and Ships, o ator coadjuvante Daveed Diggs (que interpreta tanto Lafayette quanto Thomas Jefferson) possui o recorde de rapper mais rápido da Broadway. Sua performance foi tão excepcional que ele recebeu o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante de Musical no Tony. O espetáculo entrega também um número difícil de ser batido: segundo o Five Thirty Eight, Hamilton apresenta uma média de 144 palavras por minuto, quando na média, musicais da Broadway apresentam de 58 a 77 palavras por minuto. 

O estilo musical de cada personagem também é individual, o que atrai ainda mais  à atenção para os mínimos detalhes. Enquanto o personagem Lafayette canta com um tom mais rouco em um rap rápido, certeiro, rimando várias palavras por estrofe em referência à rappers dos anos 90 como DMX, Ja Rule e Big Pun, Aaron Burr possui músicas com raízes no estilo musical popular jamaicano Dancehall.

Ao longo de quase 3 horas, os espectadores são capazes de se emocionarem com o R&B de Helpless e a balada romântica de Dear Theodosia, ou rirem do personagem Rei George III em You’ll Be Back e What Comes Next? no ritmo de um pop leve e divertido. 

Assim, o show apresenta músicas que atraem diversos tipos de público, que se emocionam, acredite se quiser, com a história de como o sistema econômico americano foi estabelecido. O sucesso das músicas também foi comprovado em 2016, quando o álbum The Hamilton Mixtape foi lançado e estreou em primeiro lugar na Billboard 200 com mais de 187 mil cópias vendidas.

A experiência visual

Um dos diferenciais que também garantiu pontos positivos para o filme foi a grande direção de Thomas Kail, cineasta norte-americano, também premiado com o Tony. A forma como as coreografias e o cenário foram meticulosamente montados colabora para que quem assista sinta a emoção dos atores. 

O terceiro dia de gravação do musical, que aconteceu sem a presença da platéia, garantiu cenas em planos fechados que detalham os sentimentos dos atores e até mesmo a saliva do Rei George III, interpretado por Jonathan Groff (Mindhunter), o que provoca uma experiência diferente até mesmo para quem já assistiu o musical no teatro.

O palco com o mecanismo circular móvel colabora para cenas em que as irmãs Schuyler andam pela “rua”, assim como em cenas no estilo Matrix no qual após um tiro a bala “caminha” lentamente pelo ambiente durante um monólogo.

Um dos destaques deste mecanismo está presente na música Satisfied, quando o movimento e a troca repetitiva de câmeras, combinados com as luzes e coreografia, provocam o efeito de retrospectiva e confusão de Angelica Schuyler. A personagem conta os fatos narrados na música anterior, mas desta vez do seu ponto de vista.

O palco da diversidade  

Além da inovar ao contar a história da independência dos Estados Unidos, um dos pontos mais marcantes de Hamilton é a inclusão de diversidade tanto nas letras das músicas quanto no elenco. Em alguns momentos da peça, as músicas falam sobre a questão dos imigrantes, sobre a busca por uma vida melhor e também fazem críticas à escravidão. 

Em Cabinet Battle #1, Hamilton enfrenta Thomas Jefferson em uma batalha de rap e critica o oponente dizendo que o Estado de Jefferson só possuía dinheiro suficiente para pagar as dívidas porque não distribuía salários, ou seja, seu lucro vinha da exploração de escravos.

O musical destaca atores negros, asiáticos e latinos para protagonizar os personagens da peça, quebrando paradigmas e mostrando que apesar da adaptação falar sobre figuras históricas que eram em sua maioria brancas, nada impede que sejam interpretados por pessoas de etnias diferentes.

A questão migratória também está muito atrelada a narrativa, tanto que em 2016, no lançamento de The Hamilton Mixtape, uma das músicas, intitulada Immigrants (We Get The Job Done), aborda a situação dos imigrantes, a injustiça que sofrem e critica o discurso xenofóbico.

A História está de olho em você

Mesmo recebendo prêmios e reconhecimento por contar de uma forma atual e dinâmica a história da independência dos EUA e a vida de Hamilton, é importante lembrar que o musical é uma adaptação de fatos reais, não um livro de História. Lin- Manuel Miranda alterou alguns elementos para desenvolver a narrativa. 

Em My Shot, Alexander fala sobre “um grupo de amigos abolicionistas” em referência a seus companheiros Laurens, Lafayette e Mulligan. Porém, mesmo participando de uma organização em prol da abolição e criticando Jefferson, alguns historiadores afirmam que Hamilton não tinha essa luta como prioridade. A família de sua esposa tinha escravos, assim como George Washington, de quem ele era muito próximo.

Em entrevista à Vanity Fair, Christopher Jackson, que interpreta George Washington, diz que como um homem negro, teve de conciliar estar na pele desse personagem e mostrar de alguma forma a vergonha de Washington em relação a escravidão, assunto que o personagem não cita diretamente durante a peça, mas que retorna em Who Lives, Who Dies, Who Tells Your Story.

Outro ponto de destaque é a presença das Schuyler Sisters: Angelica, Peggy e Eliza. Lin Manuel Miranda mudou pontos da história das irmãs, como ao escrever que Angelica era a mais velha e não tinha irmãos, portanto tinha que casar com um homem rico e subir socialmente ao invés de ceder à sua paixão pelo pobre Alexander.  

Registros históricos apontam que isso não é verdade. Angelica Schuyler tinha diversos irmãos, já era casada há anos e inclusive tinha filhos antes de conhecer Hamilton. Além disso, não estava presente quando ele e Eliza se encontraram. 

Miranda diz que ignorou esses fatores pois o musical seria dramaticamente mais interessante se Angelica não pudesse se casar com Hamilton por pressões sociais. Ele também buscava mostrar a personagem como uma intelectual, com visões feministas. Em The Schuyler Sisters, a atriz Renée Elise Goldsberry que interpreta Angelica, canta: “Eu tenho lido O Senso Comum de Thomas Paine e, por isso, os homens dizem que sou intensa ou louca”. 

Em Ten Duel Commandments os personagens falam sobre as dez regras que devem seguir durante os duelos armados. Apesar de pesquisas apontarem que existiam na verdade vinte, Miranda decidiu colocar apenas metade influenciado pela música Ten Crack Commandments do rapper Biggie Smalls.

Uma batalha de momentos marcantes 

É impossível falar desse musical e não destacar o trabalho do ator e cantor Leslie Odom Jr., que inclusive ganhou o Tony de Melhor Ator pelo personagem Aaron Burr. Seu papel como do rival de Hamilton evidencia a diferença na personalidade de ambos. Em Wait For It e Room Where It Happens conhecemos mais sobre o personagem, suas ambições e o porquê dele agir da forma que age.

A relação entre Alexander Hamilton e Aaron Burr ao longo da narrativa é um aspecto essencial na história. Somos apresentados aos personagens e descobrimos mais sobre a guerra, seguindo sempre um contraponto entre as opiniões de ambos. Burr é mais sucinto e contido, enquanto Hamilton sempre expõe suas opiniões.

Há sempre um paralelo entre os dois, como quando dizem que duelos são imaturos e não resolvem nada, mas no final acabam duelando entre si. Em Dear Theodosia, Burr expressa seu amor pela filha, enquanto Hamilton fala sobre seu filho. Por um momento a rivalidade entre eles dá lugar a um tom de delicadeza e emoção. 

E por falar em trechos emocionantes, a atriz de ascendência chinesa Philippa Soo, que interpreta Eliza, protagoniza um dos momentos mais marcantes do show na música Burn. Ressentida, ela canta enquanto põe fogo nas cartas que recebeu de Alexander.

Os paralelos entre as cenas continuam, a exemplo da primeira frase do musical: “como um bastardo, órfão, filho de uma prostituta…”, que surge quando Burr se refere a Hamilton. O protagonista também repete “eu imagino tanto a morte que parece mais uma memória”, pois um dos seus objetivos era deixar um legado antes de morrer. O mesmo paralelismo ocorre nas músicas mais voltadas ao desenvolvimento das batalhas, como em Right Hand Man e Yorktown. Em Non Stop trechos de várias outras músicas são cantadas ao mesmo tempo, em uma espécie de catarse. 

O fenômeno cultural Hamilton não apenas abriu portas para uma nova maneira de se contar um fato histórico, como também inovou o cenário teatral em aspectos como a construção das letras, ritmo musical, diversidade no elenco e interação com o público. Seguindo um modelo diferente das adaptações convencionais como Les Misérables (2012) e Cats (2019), Hamilton foi um dos primeiros musicais a ser disponibilizado por streaming em sua versão original, entregando para muitos fãs que ansiavam pelo lançamento e acompanhavam pelo Spotify, Twitter e Youtube, a sensação de assistirem diretamente da Broadway, da sala onde tudo aconteceu.

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Pilar e Bento, em um dos momentos descontraídos da peça (Foto: Divulgação)

Mateus Conte

A peça É Preciso Falar de Amor Sem Dizer Eu te Amo, estrelada pelo casal Priscilla Fantin e Bruno Lopes, foi apresentada no dia 29 do último mês no Teatro Municipal de Bauru. Em sua turnê no interior paulista, a peça levou ao teatro mais de três mil pessoas, divididas em seis sessões em cinco cidades; na cidade-lanche, foram duas sessões.

O entrosamento entre os atores e o seu bem-estar no palco favorece a inserção de piadas e outros elementos fora do roteiro, dificultando uma avaliação fria da peça. Por isso, analisarei a apresentação como um todo, tanto a parte roteirizada quanto as partes improvisadas.

Logo no começo do espetáculo, é apresentado que os personagens são jovens viúvos que se conheceram em um aplicativo de relacionamento. O alívio que tive ao perceber que este não seria o tema central da peça foi imenso – afinal, esse assunto já está muito (mas não bem) desenvolvido na dramaturgia mainstream nacional.

O primeiro encontro da agente de trânsito Pilar (Priscilla Fantin) e o “ex-faria limer” Bento (Bruno Lopes) é permeado por um certo estranhamento entre eles e dúvidas sobre o que viria a seguir. A conversa vai e vem, com alguns olhares, algumas pequenas discussões e principalmente descobertas sobre o outro, que já conversavam há três meses pelo aplicativo. Os personagens contam histórias sobre si mesmos, que são simples mas bem estruturadas.

A peripécia no roteiro se dá no final do segundo ato, quando um dos personagens descobre um segredo fúnebre sobre o outro, tornando mais tenso o ambiente da peça. Porém, este problema para os personagens se converte em um problema para nós, espectadores: o fato apresentado não tinha nenhum precedente ou indício que poderia acontecer, causando um deus ex machina às avessas: em vez de uma solução, o que aparece “do nada” é um problema.

Um dos momentos de diversão entre Bento e Pilar (Foto: Divulgação)

Assim como as demais peças que assisto, somente no final do espetáculo que compreendo o significado do título e a sua relação com o roteiro. Neste caso, entendi o sentido do nome, mas não entendi o vínculo com o texto; de fato, a frase “eu te amo” não é falada em toda a peça, mas tem um motivo: porque não há amor ali. 

Não, não me refiro aos atores, que são casados; mas aos personagens, que ainda estavam em seu primeiro encontro. Deixando de lado a fúnebre coincidência do roteiro – que prefiro não “spoilar” – os dois não têm nenhuma relação prévia entre si, e o título pretende forçar que já existe um amor ali mesmo com apenas um encontro.

Embora seja interessante esta proposta de considerar o “amor líquido” como amor real, em contraste com as demais peças que escarnecem desta característica da modernidade, ela não foi tão bem desenvolvida a ponto de considerá-la convincente. No final, é apresentada uma aceitável lição de moral sobre doação de órgãos, mas sem aprofundar nesta problemática.

Depois do fechar das cortinas, os atores explicam como surgiu a peça, a importância da doação de órgãos e suas apresentações no Instituto Hakumana, em Moçambique, que visa atender pacientes com HIV em situação de extrema pobreza, e associa com o valor social do teatro. Este foi o melhor momento da peça: mais que um produto da indústria cultural, foi mostrado que o teatro tem um papel de protagonismo na transformação de seus espectadores, que nunca saem do anfiteatro da mesma forma que entraram.

Em suma, um bom adjetivo para descrever a peça é “bacaninha”. Agrada ao público médio que só quer uma diversão para relaxar, com uma dupla de atores entrosada e com uma boa pauta social. Por outro lado, o roteiro bagunçado e a reviravolta sem sustentação no roteiro podem incomodar os espectadores mais exigentes, mas sem atrapalhar a diversão. Nesta peça, aprendemos com Bento que “uma história sempre dá espaço para outra”, e saímos do espetáculo com esperança que os próximos sejam ainda melhores.

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