Bruno Mael

Desde sua estreia como cineasta em 1995, o cineasta Michael Bay tem a ação junto a uma certa dose de niilismo como grandes marcas do seu trabalho. Premiado diretor de comerciais e videoclipes, Bay funde o apelo visual e a iconografia americana de seu predecessor Tony Scott, com o niilismo e antipatia de seu sucessor Zack Snyder, em filmes de ação saturados e apelativos que pouco se importam de fato com seus personagens. Talvez seja por isso que o americano se encontrou nos robôs da franquia Transformers, literais dispositivos de ação e frases de efeito, que a cada filme tinham mais tempo de tela e davam menos valor à vida humana.

Nessa perspectiva, Ambulância – Um Dia de Crime é quase uma antítese a essas características típicas do diretor, se opondo ao auge de sua antipatia em Sem Dor, Sem Ganho (2013), mesmo que também tenha a falência do sonho americano como tema. Na trama, o veterano Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen II), fica desesperado para pagar as contas médicas de sua esposa e pede ajuda de seu irmão adotivo, o criminoso e carismático Danny (Jake Gyllenhaal), que propõe um grande assalto a banco. Porém, quando a fuga dos irmãos dá espetacularmente errado, Will e Danny sequestram uma ambulância com um policial ferido e a paramédica Cam Thompson (Eiza González) a bordo.

A partir dessa proposta, o filme segue a fuga interminável da ambulância pelas ruas de Los Angeles, repleto de cenas filmadas com drones como a grande novidade técnica. Se antes Bay não pedia para o público empatizar com mais de 2 ou 3 personagens, enquanto matava os outros ou os fazia de piada, agora o diretor tenta fazer o espectador tomar as dores de variadas pessoas envolvidas na perseguição do longa. Parte da responsabilidade nesse âmbito é do roteirista Chris Fedak, que tem em seu histórico produções simpáticas como as séries Chuck e Lendas do Amanhã.

No trio principal, Will tem o drama de sua esposa como força motriz e ponto de empatia com o público, enquanto Danny tem sua relação com o irmão e Cam tem dificuldade em se conectar — agindo quase como um metacomentário sobre os universos do diretor. Mesmo fora da Ambulância, os policiais e autoridades de Los Angeles, apesar de alvos de algumas piadas, também tem suas vidas pessoais expostas o suficiente para o público se importar minimamente. Em uma narrativa que se inicia tentando borrar a linha entre certo e errado, Bay nos convida a se importar e sentir junto a uma grande gama de personagens, desde os protagonistas, passando pelas autoridades e chegando até mesmo ao cartel que encomenda o roubo.

A tentativa, exposta no roteiro e na dramaticidade do diretor ao introduzir os personagens, se mostra necessária agora que o filme trata menos de ação, e mais de tensão. Em entrevistas, Bay destaca a troca do foco em ação e explosões, por uma tentativa de construir e manter a tensão dos assaltos e perseguições, o que também transparece nas referências feitas ao filme Heat: Fogo Contra Fogo. Apesar de igualmente acompanhar assaltantes de banco sob pressão em Los Angeles, Ambulance acaba sendo mais inchado e exagerado do que sua contraparte de 1995, ou do que a produção dinamarquesa homônima que inspirou o roteiro do longa.

Esse inchaço aparece com clareza no terço final do filme, onde o diretor parece se cansar do thriller que construiu até então. Bay troca o possível catarse do fim da perseguição, por paradas com setpieces de tiroteios e explosões. Ironicamente, visto que Will e Danny chegam a repetir a frase “Nós não paramos” como um mantra. Ainda assim, os montadores Doug Brandt, Pietro Scalia e Calvin Wimmer trabalham arduamente para tentar manter o estresse e a inquietação do longa, contribuindo muito para o thriller de perseguição proposto.

Nesses momentos, se torna claro como os atores contribuem muito para a imersão do longa. Yahya Abdul-Mateen II traz todo o drama e seriedade necessários para levar a sério a trama, enquanto Jake Gyllenhaal carrega carisma e exageros para seu personagem instável, que, a exemplo de atores como John Turturro e Nicholas Cage, brilha ao casar perfeitamente com o mundo saturado do diretor. Toda o estresse em que esses personagens são inseridos acaba servindo para revelar arquétipos em meio a crise, tanto na vilania do instável Danny, quanto no heroísmo de Will e especialmente de Cam, que Eiza González interpreta com uma dose necessária de estoicismo, enquanto Bay a trata com a reverência e exaltação que costuma dar aos “trabalhadores braçais”.

Apesar do peso negativo das paradas no ritmo, que devem cansar o espectador, os minutos finais encerram o longa-metragem de forma tensa, dramática e catártica. Mesmo que falho em parte de sua execução, Ambulância – Um Dia de Crime ainda é o melhor filme do diretor em alguns anos, surpreendentemente também é um de seus projetos menos caros, e uma boa opção de entretenimento. Resta agora saber se o futuro de Michael Bay continuará em projetos menores fora dos blockbusters, ou de volta aos projetos explosivos, custosos e saturados. 

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Nathan Sampaio

Lendas urbanas sempre existiram na sociedade. Elas servem para nos dar explicações, para assustar, entreter e, em alguns casos, tentar abrandar uma realidade dura demais. Tendo isso como base, chegou aos cinemas em setembro de 2021 A Lenda de Candyman, sequência de O Mistério de Candyman, lançado em 1992. O novo longa busca reviver a franquia, já esquecida pelo grande público, e atualizar as discussões propostas na primeira parte.

A produção de 2021 conta a história de Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II), um jovem artista com bloqueio criativo que descobre uma lenda urbana chamada Candyman, na qual se uma pessoa falar o nome dessa entidade cinco vezes na frente do espelho, ela irá aparecer para matar quem ousou lhe chamar. O protagonista, então, invoca esse ser, o que o levará em uma jornada rumo à loucura.

A temática deste filme são os mitos urbanos. O enredo aborda, com excelência, desde o surgimento dessas histórias até o impacto que elas têm em uma comunidade, e quais os significados que elas carregam para quem as conta. Tendo essa mitologia popular como ponto de partida, o roteiro de Jordan Peele, Nia DaCosta e Win Rosenfeld utiliza-a para discutir temas sociais e raciais de extrema relevância, e a sensibilidade dos roteiristas surpreende e enriquece muito a experiência. 

Intenso, o roteiro trabalha temas sociais juntamente com o terror, de forma que ambos os assuntos avancem juntos de maneira muito orgânica e coerente. O grande trunfo disso é que podemos assistir uma boa história de horror e que ao final irá propor várias reflexões sobre diversas questões. Jordan Peele é diretor e roteirista dos longas Corra! e Nós, muito elogiados e premiados, e que chamam a atenção por causa da mistura de discussão social com terror, algo muito bem replicado em A Lenda de Candyman.

Além de roteirizar, Nia DaCosta também assume a função de diretora. Sendo apenas o seu segundo trabalho no cargo, ela se destaca demais, pois sua abordagem é muito sensível, sutil e extremamente elegante em muitos momentos. Sem sua direção magnífica, o filme poderia ter se tornado esquecível. Um exemplo da genial direção de DaCosta são os créditos iniciais. Na obra original, essa cena mostrava a cidade de cima para baixo, já no novo projeto, ela é invertida, isto é, de baixo para cima. 

Ao fazer isso, a diretora nos conta a diferença de abordagem das duas histórias: no primeiro longa havia uma protagonista branca, então ela via os conflitos sociais do alto de seus privilégios, enquanto nessa nova narrativa, os protagonistas negros, infelizmente, enxerguam e vivenciam os problemas sociais de uma forma completamente diferente. Ou seja, são visões opostas do mesmo assunto, e tudo isso é contado através de um plano simples. 

É muito interessante notar como a trama consegue mesclar perfeitamente problemas sociais, como a gentrificação e a violência gerada pelo racismo, com a lenda do Candyman de forma que em nenhum momento parece forçado ou desconexo. Tudo é muito bem encaixado para engrandecer o mito do antagonista e a cultura daqueles que contam sua história. 

Candyman só existe porque existe racismo, violência, intolerância e outros diversos problemas sociais. Isso nos leva a refletir quais outras lendas ou histórias temos na vida real que só são contadas por causa desses conflitos da sociedade.

Quando a lenda da entidade é ligada às discussões sociais que o enredo traz, cria-se uma história muito mais assustadora do que um assassino sobrenatural, pois ela conta a realidade e toda a violência presente nela. Isso nos faz pensar que a violência impelida pelo vilão é apenas um reflexo do que acontece todos os dias na vida real. 

O Mistério de Candyman também tratava de temas como a exclusão social e o preconceito contra a população negra, porém por ter sido escrito e dirigido por uma pessoa branca, talvez esses assuntos não tenham sido explorados ao máximo. Já neste novo projeto, tem-se a participação de duas pessoas negras no roteiro, além do longa ter sido dirigido por uma mulher negra, e isso muda completamente a visão que se tem acerca dessas problemáticas. Sendo assim, tem-se um enriquecimento da discussão e um aprofundamento maior nessas questões.

Vale ressaltar que embora os dois projetos sejam baseados em um conto escrito pelo autor Clive Barker, dono de outras histórias de Terror como Hellraiser, o roteiro tem uma boa dose de criatividade, pois as discussões sociais têm um maior destaque nos filmes. Além disso, todo o cenário mudou na adaptação, uma vez que o conto se passa em Liverpool, na Inglaterra, e as transposições para o Cinema se passam em Chicago, nos Estados Unidos. 

O terror presente em A Lenda de Candyman pode ser dividido em dois núcleos distintos: o primeiro tem o foco no protagonista, já o segundo se foca em personagens invocando a entidade. Há uma grande diferença de qualidade entre essas duas abordagens. 

As partes em que o Horror mais se destaca é quando observamos a jornada de Anthony, que aos poucos vai enlouquecendo e passando por um processo de transformação física muito nojento e angustiante. Tudo isso é apresentado gradualmente, o que nos intriga e causa muito desconforto, algo excelente para um filme de terror.

Porém, as cenas de ataque, em sua maioria, não são tão assustadoras, pois não há uma boa construção do suspense ou um temor pela vida dos personagens. Isso acontece porque a maioria desses trechos dá destaque a personagens desinteressantes e os acontecimentos em nada se diferem do esperado pelo espectador. Por isso, é difícil que fiquemos tensos nesses momentos – talvez só pessoas pouco acostumadas com o gênero fiquem realmente com medo.

Tais trechos de terror só não são piores por causa de DaCosta, que consegue criar sequências e planos lindíssimos nos ataques. Por ser invocada através dos espelhos, a entidade só aparece neles, fazendo necessária uma ótima coordenação de atores para que a figura aparecesse somente nos reflexos e ainda assim conseguisse atacar as vítimas no mundo real. O resultado final é impressionante. 

Além do elemento do espelho, os momentos de assassinato funcionam porque eles são muito diferentes entre si. Uma das cenas ocorre em uma galeria cheia de espelhos, já em outra nós vemos tudo acontecendo através da janela de apartamento – o que torna essas sequências muito mais interessantes e instigantes.

Se as cenas de morte fossem montadas a partir de personagens mais relevantes e se houvesse um suspense melhor construído, A Lenda de Candyman teria sido muito mais memorável do que já é. Isso não é pedir demais quando se tem ótimas sequências de terror dentro desse mesmo longa.

Outro problema presente na projeção é o seu final, o qual é muito apressado e possui reviravoltas que não fazem sentido, como por exemplo a mudança abrupta de personalidade de William Burke, personagem mentor do protagonista. Além disso, parece que todo o ritmo da trama muda, o sutil e o gradual dão lugar ao frenético e a um embate que não tem lógica. Logo, a sequência final não se encaixa com o resto da história.

A figura do Candyman é bastante reconhecida entre os fãs do Terror. Interpretado originalmente por Tony Todd, que faz uma breve aparição neste filme, o vilão possui um visual marcante, usando seu sobretudo e gancho, além de ter uma origem única e que se difere muito de outros nomes do Horror. É uma pena que ele não ficou tão famoso entre o público geral.

Já no longa-metragem de 2021, o vilão é interpretado muito bem por Michael Hargrove. Apesar dele não falar, a sua expressão sempre carrega um sorriso e um tom de mistério, que causam estranheza no espectador. A sua presença em tela é ameaçadora, isso porque ele sempre aparece flutuando ou invisível no mundo real, e isso causa um tensão e ajuda a engrandecer o antagonista. 

Para fazer frente a essa poderosa lenda, era necessário um protagonista marcante e bastante intrigante – felizmente, Anthony McCoy é esse personagem. Yahya Abdul-Mateen II constrói um homem curioso e que está em uma busca ferrenha por inspiração. Com a perda gradual de sua sanidade, o ator mostra sua versatilidade ao se demonstrar atormentado e paranoico com a perseguição do vilão, e até os últimos minutos podemos ver a ótima evolução de seu personagem.

Teyonah Parris interpreta Brianna, esposa de McCoy, e durante a maior parte da projeção sua presença não possui grande impacto, porém próximo ao final sua personagem ganha uma maior relevância na trama, e, mesmo sua interpretação não sendo tão marcante, ela tem seu devido destaque. No meio da história, ela até possui um flashback, mas novamente esse é outro trecho deslocado do resto dos acontecimentos. 

O último aspecto que vale a pena ser exaltado são os efeitos visuais. Utilizando-se majoritariamente de efeitos práticos, o longa consegue passar sensações e emoções muito genuínas, é comum se sentir incomodado, angustiado e chocado com as maquiagens mostradas. Todo ferimento, sangramento e corte tem um trabalho muito bem realizado e que mostra a brutalidade do vilão.

Os efeitos digitais, embora pouco usados, auxiliam a criar uma aura mística no Candyman. Isso ocorre, pois esses efeitos ajudam o antagonista a aparecer somente nos espelhos, além de deixar ele flutuando em alguns momentos, corroborando com a lenda contada dentro do enredo.

A Lenda de Candyman é um longa recheado de discussões sociais muito importantes. Partindo das lendas urbanas, a história consegue abordar várias temáticas e propor uma reflexão sobre elas. Além disso, é um longa-metragem que mostra uma viagem angustiante através da loucura de um homem e de todos os horrores que ele encontra. É lamentável que o Terror seja fraco em alguns pontos e seu final, assim como, outras partes sejam um pouco desconexas do resto, porque senão esse filme e a figura do Candyman teriam tudo para se tornarem um clássico absoluto do terror.

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Vitória Silva

Nenhuma mudança é feita sem luta social. Em 1789, a população de Paris se organizou para a tomada revolucionária da Bastilha, que marcaria o fim do Antigo Regime na França. Tempos depois, em 2010, o Oriente Médio e a região norte da África foram recepcionados por uma série de revoltas populares contra regimes ditatoriais no que ficou conhecido como Primavera Árabe. 

Algo não muito destoante ocorreu na cidade de Chicago, em 1968. Ao passo que a Guerra do Vietnã se desenrolava do outro lado do Oceano Pacífico, diversos grupos contrários ao conflito se reuniram em um protesto na cidade, onde acontecia a Convenção Nacional Democrata. Após uma série de tumultos e conflitos com a polícia, os líderes da manifestação tiveram que responder judicialmente. E é aí que a trama de Os 7 de Chicago se inicia.

Com uma abertura veloz que mescla cenas da ficção com a realidade, a fim de ambientar o público no contexto político da época, a produção não se preocupa em dar muitos detalhes sobre o desdobrar dos protestos, e se inicia no primeiro dia do julgamento do caso. No tribunal, e diferente do que o título indica, existem 8 acusados: Tom Hayden (Eddie Redmayne), Rennie Davis (Alex Sharp), Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), Jerry Rubin (Jeremy Strong), David Dellinger (John Carroll Lynch), John Froines (Danny Flaherty), Lee Weiner (Noah Robbins) e Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II). 

Bobby Seale, cofundador do Partido dos Panteras Negras, é o “intruso” em cena e o único réu a entrar algemado no tribunal. Mesmo sem um advogado apto a defendê-lo, o ativista se recusa firmemente, desde o início, a ser representado pelo mesmo dos outros 7, William Kunstler (Mark Rylance), por ele ser um homem branco. Essa decisão rende uma série de ataques violentos do repugnante juiz Julius Hoffman, interpretado com destreza por Frank Langella, que culmina até mesmo em uma cena de tortura agonizante. 

A presença do grandioso Yahya Abdul, vencedor recente do Emmy por Watchmen, acaba por ser breve, já que seu personagem é anulado do caso. Poderia se dizer que é um desperdício não aproveitar mais de sua atuação, se o diretor não tivesse buscado seguir quase que à risca os acontecimentos da realidade. Ainda sim, não mostrar o envolvimento de Seale nos protestos, como é feito com os demais ativistas, é uma lacuna que acaba sendo sentida por quem acompanha o filme. 

Narrativas ambientadas no meio judicial não são nenhuma novidade em Hollywood, muito menos na corrida do Oscar, mas há muito o que se inovar em relação à forma que elas são tratadas. O sucesso da série How To Get Away With Murder é um exemplo disso, ao criar uma história que sai das paredes do tribunal para a vida pessoal dos personagens, em paralelo com diversos assassinatos que os assombram. Mas Os 7 de Chicago opta por navegar em caminhos que se baseiam apenas no drama do próprio caso que está sendo julgado, algo muito similar ao percorrido pela produção Olhos Que Condenam, também da Netflix. Entre flashbacks e diálogos violentos, o diretor e roteirista Aaron Sorkin conduz com maestria esse drama histórico.

O que poderia ser um filme tomado pela morbidez e diálogos recheados de termos jurídicos, acaba por ser instigante até o último de seus 130 minutos. No tribunal, a dinâmica dos personagens ora provoca riso, pelas tiradas feitas pelos yippies, ora provoca desgosto, pela arrogância de Hoffman. A alternância para cenas arrepiantes dos protestos em paralelo com o julgamento é um tiro certeiro. Visualizar os momentos descritos pelo olhar dos protestantes ajuda a mostrar de que lado a lei está, e sempre esteve.

Por mais que a vida dos acusados não seja o grande foco, suas personalidades são essenciais para trazer as diferentes facetas da revolução. A dupla de yippies, Abbie e Jerry (o Borat e o Kendall de Succession), mostram o radicalismo; David, o pacifismo; enquanto Tom e Rennie, a isenção. A narrativa se diverte ao escancarar as contradições de cada posicionamento, quase que dizendo que não há uma maneira 100% correta de se lutar pelo que acredita. E, independente de suas posturas, o motivo pelo qual batalham acaba sendo o mesmo, logo, o destino de todos também é. 

Um filme que discute tanto sobre o teor revolucionário e suas consequências não poderia ter sido lançado em outro momento que não o período de eleições da maior potência mundial. Não o bastante, em um ano marcado por diversas questões políticas em meio à pandemia do novo coronavírus e protestos raciais. E The Trial of the Chicago 7 deixa como lembrança uma série de reflexões sobre a violência do Estado, abuso de poder, e a força do ativismo social. Afinal de contas, a revolução se faz batendo panela na varanda de casa? Ou ateando fogo em supermercados? 

Os 7 de Chicago tem a resposta para estes questionamento e muitos outros. Unido a um elenco de grandes nomes, Aaron Sorkin conseguiu dar o tom ideal para uma narrativa tão necessária para os tempos atuais, seja no roteiro ou na direção. Não será menos que o esperado vê-lo recebendo mais uma indicação no Oscar, que já o consagrou na categoria de Melhor Roteiro Adaptado, em 2011, por A Rede Social.

Em uma realidade que políticos governam pelas redes sociais, é preciso lembrar como se faz a revolução, e quem a faz. Nenhuma mudança se inicia no sofá da sala. Mas enquanto houver desgovernança, haverá barulho. Enquanto minorias forem assassinadas, haverá conflito. Enquanto não houver justiça, haverá guerra. E o mundo inteiro está vendo.

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Vitor Evangelista

Nadando contra a corrente do fracasso comercial dos últimos trabalhos da DC, Aquaman chega repaginado, reimaginado e nas mãos de um cineasta experiente, dono de uma visão revigorante para os Mundos da DC nas telonas. O filme do Rei de Atlantis discute problemas já vistos no gênero, mas triunfa nas cores e na escolha certa de James Wan em expandir toda a cenografia, beirando a breguice mas acertando em criar o filme de super-herói mais bonito do mercado.

Quando Zack Snyder planejou o Universo Expandido da DC Comics, uma aura cinzenta e carregada de angústia predominou em seus Homem de Aço (2013) e Batman vs Superman(2016). A bola de neve começou a rolar nas refilmagens de Esquadrão Suicida (2016) e arrebatou os estúdios na desastrosa colcha de retalhes que eles insistem em chamar de Liga da Justiça (2017). É importante ressaltar que esse retorno ruim veio do apogeu da rival Marvel, que insiste em encaixar figuras fantasiadas em fórmulas pré-cozidas e surrupiam uma ou outra piada em cada meia dúzia de cenas. O resultado são filmes divertidos e escapistas, mas que muitas vezes não tem muito o que dizer.

O mercado comercial não estava preparado para o mundo épico e melancólico que Snyder desenhou sob seu Superman (que não vê problemas em matar seus inimigos) ou no Homem-Morcego (que marca bandidos com ferros de gado). A audiência respirou (quase) aliviada na estreia solo de Mulher-Maravilha(2017), filme competente, que responde a todas as demandas propostas, coloca uma mulher como protagonista e se conclui como um bom feijão com arroz, mas ainda cicatrizando a ótica soturna do antigo diretor.

Aquaman é o único filme do estúdio de 2018 (esqueçam a baboseira infantil dos Jovens Titãs em Ação). A história de origem de Arthur Curry (Jason Momoa) toma início após a última batalha da Liga e segue a cartilha do herói renegado que necessita voltar a sua terra natal para impedir que um tirano coloque em perigo o mundo dos oceanos e o da superfície. Ao lado da princesa Mera (Amber Heard), eles partem em busca de um artefato que o tornará apto de reivindicar o Trono de Atlantis. Zack Snyder (creditado como produtor) é responsável pela pior coisa do filme: seu casal principal. Momoa e Heard, que foram escalados em Liga da Justiça. O Aquaman de Momoa é corpulento, de poucas palavras e nunca recusa um copo de cerveja; a interpretação em momento algum sai de sua zona de conforto.

Até as tatuagens do herói foram inspiradas nas do ator. Momoa parece ter chegado no set com a roupa do corpo e colocado para rodar as cenas. Já Amber Heard, ornada de figurinos magníficos saídos diretamente das páginas das histórias em quadrinhos, não consegue expressar a sabedoria e a força que Mera carrega. Herdeira de um dos Reinos do Oceano, a princesa é essencial para a jornada de Aquaman, luta contra todos os capangas, além de sempre ser ela quem resolve os pepinos que os dois se metem.

Claro que a culpa da interpretação fraca não cai somente nas costas dos atores. Uma das maiores deficiências do cinema de James Wan (Invocação do Mal) é sua direção de atores em cenas que não envolvam fantasmas, espíritos ou alguma possessão demoníaca. Mas talvez uma re-escalação da dupla principal fosse a melhor saída, visto que os demais personagens se saem muito bem brincando com a megalomania extravagante do roteiro de David Leslie Johnson-McGoldrick e Will Beall.

O elenco ainda conta com Nicole Kidman, como a Rainha Atlanna. A mãe do herói domina completamente as cenas, convence como uma guerreira e é dona da melhor sequência de ação do filme. Kidman faz par com o faroleiro Thomas Curry, interpretado por Temuera Morrison, que é funcional mas tem pouco espaço para brilhar, sempre dividindo tela com a atriz australiana.

Mergulhando nos reinos do Oceano, Vulko (Willem Dafoe) é o mentor Arthur Curry. O personagem transmite uma sabedoria sagaz, quase sacana. Os flashbacks inseridos para mostrar o treinamento do jovem Aquaman se encaixam bem na trama e Vulko sempre tem uma tirada inteligente ou um momento de encher os olhos. Até onde sei, Aquaman é o único filme da história que propicia ao público uma cena de Willem Dafoe montado num tubarão-martelo.

Aquaman tem dois vilões. O principal é o Rei Orm (Patrick Wilson, em mais uma parceira com Wan). Embriagado de poder, o herdeiro legítimo de Atlantis consegue elucidar um senso de grandiloquência interessante no gênero, adendo também ao seu discurso de ‘dominação mundial’ (talvez aquática) que conversa com problemas reais, como aquecimento global e poluição dos mares. O vilão secundário, e que promete voltar para uma eventual sequência, é o Arraia Negra (Yahya Adbul-Mateen II). O Arraia é o maior inimigo do Aquaman e sua introdução no filme é bem estruturada, com sequências de ação impressionantes, sem contar o visual do vilão. Impecável.

Quanto à trama do filme, o roteiro não se esforça em sair do senso comum ou dos jargões de gênero que poderiam ser peneirados em mais algumas revisões do material. Por conta do sucesso da Marvel nesse ano, pode ser que a equipe criativa de Aquaman tenha sido pressionada a entregar o texto o mais rápido possível, deixando passar defeitos bobos, que acabam diminuindo o produto final. Se o roteiro poderia ser mais trabalhado, o mesmo não pode ser dito da parte visual da produção. James Wan conceitua reinos subaquáticos, recria conceitos das histórias do quadrinista brasileiro Ivan Reis e eleva todo o patamar criativo em comparação com os filmes do gênero.

Evocando Star Wars, Avatar (2009) e até Os Jetsons, o fundo do mar de Wan brilha, usando do néon e dos tons quentes para preencher a tela do cinema, atento aos detalhes. Cada um dos sete mares e seus residentes foi estudado, trabalhado de modo que elucide a imaginação da audiência, que anseia por mais. Sobra até espaço para uma sequência escura e tenebrosa com um reino que permite que Wan se delicie no terror. Aquaman pinta uma série de quadros e obras de arte a cada cena de batalha. E são muitas.

Se o filme dosasse melhor esses momentos, seu clímax teria sido melhor aproveitado. É fato que a sequência de batalha final entre os guerreiros de diversos mares é o melhor terceiro ato que o Cinema de heróis já viu. Entretanto, depois de quase duas horas e meia de filme, seu desfecho perde fôlego, e cansa. O humor é desconfortável, a trilha sonora não encaixa muito bem, mas esses fatores só agregam ao longa.

Durante muito tempo o Aquaman foi motivo de piada, tanto entre público quanto dentro da Sala da Justiça. Sabendo disso, James Wan mune sua visão do Rei dos Mares com uma qualidade técnica impecável — com a câmera que viaja sem cortes pelos ambientes e lutas muito bem coreografadas —, um visual primoroso e uma história de origem que honra seu herói e, o melhor de tudo, lufa ar para os pulmões calejados da DC.

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