Maria Vitória Bertotti 

Eles estão em sua forma mais animalesca possível e com fome por Música. Foi com essa premissa que, há 10 anos, a banda norte-americana Linkin Park lançava seu sexto álbum de estúdio, The Hunting Party. A obra pode ser lida como um retorno às origens do rock mais pesado, que beira o visceral mas não esquece dos testes melódicos e eletrônicos de seus outros registros. Com mensagens certeiras e um ritmo perfeitamente equilibrado, o projeto é facilmente um dos melhores álbuns da discografia da banda.

Voltado para o rock e metal alternativo, o disco passa longe das influências eletrônicas, com efeitos e sintetizadores, muito exploradas nos dois anteriores – A Thousand Suns (2010) e LIVING THINGS (2012). Sendo o primeiro álbum sem a produção de Rick Rubin desde o Meteora (2003), quem tomou as rédeas da produção foram Mike Shinoda e Brad Delson, e, talvez por isso, a nostalgia dos velhos tempos tenha batido forte em seus corações para retornar ao nu-metal.

A riqueza do trabalho se deve, em parte, pelas participações especiais de músicos tão talentosos quanto o próprio Linkin Park. Alguns dos convidados para compor o disco são: Page Hamilton, guitarrista veterano da banda Helmet; Rakim, rapper estadunidense considerado um dos melhores de todos os tempos pela Billboard e Tom Morello, guitarrista do Rage Against the Machine e ex-Audioslave. Percebeu alguma coisa em comum entre eles? A escolha de chamar vários guitarristas para a composição do The Hunting Party é justamente para acrescentar mais agressividade através deste instrumento. Nada é por acaso.

A ideia do nome The Hunting Party não foi a primeira que surgiu à mente. Inicialmente, o álbum se chamaria Carnivores, de carnívoros mesmo, mas isso seria muito óbvio para a intenção que eles queriam. A analogia veio de uma conversa onde o herbívoro estaria ligado à passividade e, de acordo com as vontades da banda no momento, eles queriam ir contra a maré que os músicos do rock estavam se dirigindo. O carnívoro estaria ligado à ideia de ir atrás das suas necessidades, dos seus objetivos, já que um selvagem vive assim porque precisa, não porque quer. Já o hunting party é um grupo de caça e, ao contrário do carnívoro, ele faz a escolha desse estilo de vida. Eles escolheram, pela paixão de fazer diferente, voltar para seus instintos selvagens.

Keys to the Kingdom funciona como uma prévia do que o Linkin Park quis trazer. A maior parte dos elementos do disco já estão nessa faixa, que chega assustando os desavisados com os gritos de Chester Bennington, cheios de efeito vocal. Existe um equilíbrio entre o rock e o rap, onde a melodia cai bem entre a explosão de Bennington e as rimas de Shinoda. Já a letra soa um pouco agressiva, sem sentido e, em alguns momentos, como uma ameaça para quem subestimá-los. A guitarra se faz muito presente e, junto com a bateria comandada por Rob Bourdon, elevam a faixa para um outro patamar, mostrando para o que vieram.

Seguindo a vibe de começos estranhos, All for Nothing entra nessa categoria, uma vez que não é possível decifrar o que faz barulho em seu início. Apesar da dúvida, a guitarra fortíssima de Delson entra em seguida para destruir qualquer devaneio que invade a cabeça antes da música começar. Além do guitarrista original, não podemos esquecer da participação brilhante de Page Hamilton, que contribuiu para o espetáculo acontecer na faixa. Além dos riffs, o rap falando sobre honra também está sob holofotes e, logo no final, surge uma trilha sonora de filme dramático fazendo ponte para a próxima faixa. 

Com 45 minutos de duração, divididos entre 12 faixas, cinco delas foram escolhidas a dedo – e provavelmente, com dificuldade – para serem singles. Guilty All the Same é o primeiro deles; arrebatador, traz toda a força da união entre guitarra e bateria nos primeiros segundos. É importante destacar o que essa guitarra faz durante a canção, já que há solos por toda a duração da faixa; os melhores solos de todo o álbum, inclusive. Além do básico para fazer um bom rock and roll, a banda utiliza efeitos eletrônicos para compor a melodia. Chester Bennington conduz os vocais de maneira calma até a chegada da parte rimada, que expõe uma letra bem política. Eles dão o recado e o veredito final, o sistema é culpado.

O recurso de faixa introdutória, aquela que seria uma mais curta, utilizado pela banda em álbuns anteriores (como em Wake, do Minutes to Midnight) também deu as caras no disco. The Summoning funciona como um respiro para o público se recuperar do estrondo que as três primeiras canções fazem. No pós recuperação, War destrói a calma recentemente instaurada para dar lugar ao bate cabeça pesado. Na música, existem vários elementos interessantes, como a mudança de ritmo entre o refrão e o restante da faixa, os vários gritos, o drive na voz e, para variar, mais um solo de guitarra. 

Fazendo jus ao retorno pro rock raiz dos primeiros discos, Wastelands é música para os ouvidos de quem curte o gênero. Ela carrega um equilíbrio entre o rap e os detalhes eletrônicos de Joe Hahn, além da identidade fortíssima da bateria de Rob Bourdon. Sua letra é bem representativa para os jovens de hoje em dia vivendo em meio ao caos climático e humanitário: “o futuro escapa/e sua esperança se transforma em medo”.

Until It’s Gone é uma das canções mais ‘comuns’ do álbum, sem grandes experimentações evidentes, apesar de ser um single. Ela pode parecer meio batida para o estilo deles, um pouco ‘mais do mesmo’, e ainda assim tem seu valor. Todos esses adjetivos são porque a faixa é mais calma e não tem nenhum rap, mas, novamente, quem brilha é Bourdon, juntamente com o baixista Dave Phoenix.

Longe do conceito comum, Rebellion é mais uma das músicas que remetem ao nu-metal da década de 2000. A introdução, já com um solo de Brad Delson logo de cara, só aumenta o frenesi que a faixa carrega consigo. E parte dessa energia visceral se dá pela participação do ícone Daron Malakian, da banda System Of A Down. O guitarrista incorpora muito do estilo que toca originalmente, com mais peso nas guitarras e bateria, e o resultado disso é achar que está ouvindo uma música do próprio ‘SOAD’. E isso é um elogio! O single é brutal, tanto em ritmo quanto em letra; é uma constante entre gratidão e insatisfação pelos que não são sortudos como nós somos.

A criação visual do álbum e ilustrações foram feitas com base na ideia dos carnívoros, de ferocidade e instinto, tanto é que a própria capa do disco e demais conteúdos disponíveis são quase que indecifráveis. Os responsáveis pelo desenvolvimento artístico são Joe Hahn, Rickey Kim, diretor criativo da banda, e Frank Maddocks, vice-presidente criativo da Warner Records. A Arte é minimalista e combina com a estética escolhida pelo Linkin Park para essa produção, mas não deixa de ser uma incógnita sobre o que está em destaque. É uma criatura fictícia? Um humano ou um monstro? As respostas são subjetivas para o imaginário de cada um de nós. 

Muito instrumental, Mark the Graves tem foco em mostrar a força e delicadeza dos elementos utilizados na gravação. Um exemplo disso é a diferença – literalmente – gritante entre o início e o fim da faixa, alternando entre uma voz doce para uma bem rouca. Ela pode parecer um pouco entediante no meio, porém ainda é agradável de se ouvir. Já Drawbar é outra música com aspecto de ‘ponte’, nos levando para as canções finais, que têm uma pegada mais diferente do restante do disco. Mesmo sem vocais, ela nos mostra o resultado do experimentalismo dos últimos álbuns. 

Enquanto isso, Final Masquerade, último single do The Hunting Party, soa um pop rock à la Linkin Park. Além da letra mais romântica, que mostra uma desilusão, as cordas aparecem de maneira muito mais suave em comparação com o restante do álbum, mas fazem diferença ao trazer esse tom mais melódico. A bateria também tem grande destaque, e, nos momentos mais silenciosos da faixa, quem dá as caras são os efeitos sonoros em cima de instrumentos como o teclado. 

Para uma música de seis minutos e meio, A Line In The Sand é verdadeiramente apoteótica. Mike Shinoda se destaca, tanto rimando quanto nos vocais, dando um recado através da letra, lembrando que o karma não falha. Com efeitos eletrônicos bem encaixados entre o rap, há uma variação grande entre os ritmos durante a faixa e a gente pode ouvir: calmaria, gritos, rimas, solos de guitarra e a presença estrondosa da bateria. Inclusive, esses dois últimos instrumentos, rápidos da maneira que foram tocados, são os responsáveis por retomar esse ritmo totalmente contagiante. O rock pesado volta para encerrar a canção e o álbum com o melhor do que o Linkin Park pode dar ao público. 

Pela internet, a repercussão do disco foi positiva tanto entre fãs quanto com a crítica. Pelo lado dos admiradores, a satisfação se deve pelo retorno ao rock pesado que a banda fazia na década de  2000 – reclamação que era feita desde o álbum Meteora, quando o Linkin Park deu um tempo para experimentar novos ritmos e migrar momentaneamente para o EDM.

Nos charts, The Hunting Party estreou na terceira posição do US Billboard 200, ranking estadunidense, e conquistou o pódio na categoria Álbuns de Rock da Billboard. Os críticos culturais do jornal britânico The Guardian também elogiaram o trabalho da banda e a volta para suas origens mais agressivas, concedendo três estrelas de cinco para a produção. 

Após o experimentalismo das produções anteriores, a banda evolui e resgata suas origens, mas sem abrir mão da inovação que descobriram no meio do processo criativo. Quem realmente se destaca durante os 45 minutos de som agressivo é o guitarrista Brad Delson, que merece palmas por manter tão bem o ritmo contagiante durante seus incontáveis solos. Ainda que Kid Abelha diga em sua canção, Como Eu Quero (1984), ”solos de guitarra não vão me conquistar”, os desse álbum já conquistaram muitos. 

The Hunting Party é saudosista bem como inteligente; resgata o público antigo e mantém os fãs alinhados com a ideia mais voltada para o eletrônico/pop. É uma das produções mais pesadas da banda, tanto em sonoridade quanto em letras e, para quem é do rock, o disco é um chamado para gritar com o instinto mais brutal que existe dentro de cada um.

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Davi Marcelgo e Guilherme Machado Leal

Na música pop, artistas femininas são colocadas a prova a cada trabalho que realizam. Criam-se rivalidades entre cantoras, de Madonna à Gaga até Taylor Swift e Katy Perry. Seja pela sonoridade, pelos vocais ou pela composição, as mulheres do gênero musical precisam se esforçar duas vezes mais se comparadas aos cantores masculinos. Com Dua Lipa, a situação não foi diferente: desde a sua estreia, com o álbum homônimo, mesmo com números exorbitantes – a exemplo o clipe de New Rules, que possui mais de três bilhões de visualizações no Youtube –, a cantora não ficou ilesa das críticas devido aos seguintes questionamentos: ‘ela vai aprender a dançar?” e ‘ela irá superar o primeiro trabalho?’. Após o lançamento do Future Nostalgia, em 2020, a britânica provou que, daqui 40 anos, vamos sentir saudades do seu dance-pop.

Agora, iniciando a sua terceira era, Radical Optimism, a artista se afasta da sonoridade que abordou durante os três anos do seu segundo disco. No lançamento de Dance The Night para Barbie (2023) e os três singles, o público quis testar a albanesa ao apontar que o novo projeto seria uma coleção de descartes do FN. Porém, desde Houdini, a influência de Kevin Parker (Tame Impala) com os arranjos de sintetizadores e pianos elétricos, deixaram claro a pegada psicodélica do mais recente trabalho, distanciando-se dos laços com as pistas de danças da década de 1990. Mas será que com as diferenças, o mergulho de Dua Lipa entre tubarões é tão profundo e memorável quanto seu antecessor?

A resposta é um misto de sentimentos. É difícil não compará-lo com Future Nostalgia, que foi a sensação da pandemia e não parou de tocar nas rádios. Sucesso foi tanto, que a cantora lançou duas novas versões, The Moonlight Edition e Club Future Nostalgia. Com tanta energia, a expectativa era de que Radical Optimism fosse melhor. No entanto, ele não precisa. Não no sentido de que Lipa pode lançar faixas medíocres só por ter um álbum essencial na carreira, mas porque este novo tem outras ambições, histórias e ritmos. Ele não quer ser um projeto energético e dançante – mesmo que os três singles apontem para essa direção.

Houdini, Training Season e Illusion soam como uma transição de uma era para outra. Como se fosse um aviso da artista para os fãs não se assustarem com uma mudança brusca. O álbum aposta em coros de fundo, uma balada que altera seu ritmo pela metade e French Exit, faixa que remete a um pop francês, como Fever (2020), com a francesa Angèle. Escolher lançar primeiro as músicas mais animadas é, sem dúvidas, uma decisão de mercado, que vai atrair os ouvintes do FN para uma fase tão enérgica quanto a última. 

Após o primeiro contato com o terceiro disco, a sensação agridoce é a que fica ao término dos 37 minutos de Radical Optimism. Isso porque, diferente do Future Nostalgia, o conceito formulado pela cantora não se faz tão claro nas letras do projeto. No entanto, sonoramente, os instrumentos utilizados por Kevin Parker em faixas como Training Season e Whatcha Doing, podem ser apreciados pelos fãs da artista. Além disso, embora Houdini seja, no mínimo, uma das cinco melhores canções de Dua Lipa, a era otimista e radical da albanesa não possui um hit instantâneo. 

Em uma era marcada por TikTok e músicas rápidas, a cantora segue na contramão. Quando disponibilizou os três singles que antecederam o lançamento do álbum, Lipa deu aos fãs versões estendidas e instrumentais das canções. Assim, ela valorizou não só o trabalho de composição da nova era, mas também o ponto mais alto do novo disco: as produções dele. Além disso, também é notável o amadurecimento da cantora enquanto pessoa para esse novo momento de sua carreira. Em entrevista concedida a Zane Lowe, a artista mostrou um pouco mais do livro de letras que inspiraram o Radical Optimism. A canção Illusion, por exemplo, foi a primeira escrita para o projeto e ditou, visualmente, o que a compositora pretendia passar para o público.

Proporcional a uma aula de natação, em que não é no primeiro mergulho que se aprende a nadar, não é em apenas um play que as intenções de Dua Lipa ficam cristalinas. Se, em seus outros discos, a cantora cantava sobre corpo, prazer e sexo em faixas como Begging, Physical e Lost In Your Light, o terceiro projeto propõe a historia de um eu lírico que está a vontade com um término, mas que, aos poucos, descobre que a situação não é tão otimista assim e que é preciso se esforçar para aceitar as mudanças. 

A primeira faixa End Of An Era anuncia que a artista deixará para trás o estilo de vida boêmio e cairá nos braços de alguém que acredita ser o seu ‘felizes para sempre’, contudo, no fim, acaba sendo um ciclo de desilusões. Já em These Walls, a albanesa personifica as paredes de um quarto que, se pudessem falar, deixariam claro que o relacionamento entre duas pessoas já está na hora de terminar. Com cordas de guitarra e um coro de fundo animado, a cantora transforma a música em um delírio trivial contagiante. Nesta canção, a compositora concorda com os apontamentos das paredes, mas não quer ser “aquela que termina tudo”. 

Por esse lado, na faixa Whatcha Doing, a artista canta sobre um futuro possível relacionamento que desconcerta os seus sentimentos. Com um pré-refrão viciante, a canção, produzida por Kevin Parker, soma-se às outras do Radical Optimism que dão um toque mais dançante ao álbum. Além disso, Falling Forever, por exemplo, contém um dos melhores vocais gravados por Dua Lipa. A letra é simples: a britânica pede ao amado que se apaixone por ela todos os dias de sua vida, sendo um ótimo exemplo de como o eu lírico amoroso vivido pela albanesa se conecta com a sua alma pop e radiofônica. 

A última canção, Happy For You, escancara essa força de querer ser otimista. Após querer se livrar de situações de forma discreta e passar por desilusões, a cantora diz estar feliz que seu amado esteja com outra pessoa. Seu conforto com a situação é tão gritante que ela não sente ira ou sofrimento; “Eu devo ter te amado mais do que um dia imaginei”, canta no refrão. A faixa é acompanhada de acordes agridoces e sons ambientes (vento e pássaros), reforçando essa felicidade acompanhada de uma tristeza. 

Ao final, as músicas apresentam uma coerência, há uma história sendo contada: alguém que faz de tudo para manter o amor durante dez faixas do álbum mas, na sua décima primeira faixa, aceita o fim. A intercalação de canções mais tristes e felizes dão essa sensação de que a cantora leva suas emoções ao extremo para se sentir feliz. Diferente do FN, em que há sequências de músicas animadas e coesas, o terceiro projeto não é tão certeiro nessa unidade sonora. Porém, a clareza do conceito fica transparente depois de mergulhar junto com Lipa e ouvir o disco mais vezes, o que faz as ideias dele fazerem sentido junto com a sua sonoridade.

Em relação aos visuais, a era Radical Optimism reafirma a versatilidade e evolução da musicista. O clipe de Houdini, por exemplo, se assemelha ao de Hung Up da cantora Madonna. Dua Lipa está em um estúdio de dança, ao lado de seus dançarinos e com o cabelo vermelho, que conferiu ao terceiro disco a identidade visual da artista. Mais uma vez, é possível ver o talento da albanesa a partir da forma com que o seu estilo se altera a cada trabalho novo. Já no clipe de Illusion, referências claras aos clipes das faixas Body Language e Aphrodite da australiana Kylie Minogue. As duas veteranas, inclusive, colaboraram com a novata na era Future Nostalgia; Madonna apareceu no remix de Levitating, também com a presença de Missy Elliot, enquanto Kylie Minogue cantou a música Real Groove com Lipa no especial Studio 54, projeto em que a artista entregou versões ao vivo dos hits do segundo disco.

Não foi apenas a identidade visual da musicista que evoluiu ao longo dos anos. No começo de sua carreira, Dua Lipa foi extremamente criticada por uma performance que fez da música One Kiss. Na época, a cantora não se sentia confortável em dançar e o público prontamente percebeu após a apresentação. No entanto, as críticas se tornaram uma meta para a cantora: quando iniciou a era Future Nostalgia, ao se apresentar no MTV Europe Music Awards (EMA), a albanesa arrancou elogios da platéia. Em 2024, na performance de Training Season realizada no BRIT Awards, a voz de Don’t Start Now mostrou mais uma vez o seu empenho em se tornar uma artista pop. Com movimentos ágeis e breakdance no meio do show, a ruiva divulgou o Radical Optimism com sangue nos olhos.

Superar um álbum estrondoso nem sempre é possível, ainda mais se o projeto anterior for o Future Nostalgia. Entretanto, Dua Lipa parece saber bem o caminho que irá seguir na Música pop. Hoje, ela canta sobre a sua vida amorosa e evolução pessoal, não se importando com a ‘caixinha’ que irão colocá-la. O terceiro disco da artista não é fraco, muito pelo contrário, ele a consolida como uma cantora essencialmente popular, que sabe utilizar referências e, a partir delas, cria a sua própria história. Além disso, o Radical Optimism não soa como o trabalho que veio antes, tampouco é inferior. Os dois são diferentes e conversam a respeito de momentos específicos da carreira da britânica, comprovando, mais uma vez, o seu talento em passear por diferentes sentimentos e sonoridades em uma canção.

Uma das críticas que cercam o trabalho de Lipa é a associação de suas músicas a meros sons de fundo de lojas de departamento. No entanto, resumir o trabalho da artista a canções descompromissadas com a realidade é um erro, uma vez que sua voz e as referências que ela utiliza são singulares e incomparáveis com outras divas do pop. O futuro da cantora é incerto, os gêneros que irá trabalhar daqui quatro anos é um mistério, mas uma coisa é certa: o público precisará segurar o fôlego para mergulhar junto com a britânica e, até mesmo, estudar mais estilos musicais que ela esteja disposta a homenagear. Com seu britpop, Dua Lipa nada em direção à sua própria evolução em Radical Optimism. 

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Bruno Andrade

Mais de uma década separam a saída de John Frusciante do Red Hot Chili Peppers e o lançamento de Unlimited Love, álbum que marca seu retorno triunfal. Nesse período, muitas coisas aconteceram. O guitarrista Josh Klinghoffer, visto desde sempre como um pupilo de Frusciante, ingressou no grupo, gravou dois álbuns e depois foi retirado do RHCP, como ele próprio revelou em entrevista. Tudo indicava que o retorno de Frusciante – visto há anos como o clássico guitarrista do quarteto, mesmo que outro guitarrista tivesse dominado o instrumento antes dele – seria o esforço genuíno em recuperar a faísca dos anos dourados. Embora essa seja uma característica visível no projeto lançado em 1º de abril, Unlimited Love não soa como ninguém além dos próprios Chili Peppers.

Não parece ser segredo que o Red Hot Chili Peppers é o que é pela identidade instrumental do grupo, composta pelo baixo funkeado de Flea, a bateria com tempos partidos de Chad Smith, e, principalmente, pela guitarra cintilante que há anos mudou de dono. Quanto ao mais importante dos guitarristas, os números não mentem: com John Frusciante integrando o elenco, a banda ganhou três Grammys – incluindo o de Melhor Álbum de Rock por Stadium Arcadium (2006) –, três BRIT Awards e cinco MTV Music Awards, além de diversos outros prêmios concedidos por revistas. É extremamente difícil não ligar o quarteto ao clássico Californication (1999), ou aos backings impregnantes que Frusciante fez ao longo dos anos, os quais sempre acompanharam sua guitarra “chorada”, saturada de distorções e de chorus na medida certa.

Mas também é interessante notar o amadurecimento mais do que gritante que Josh Klinghoffer conquistou no grupo. Depois de sua modesta estreia como o principal guitarrista em I’m with You (2011), houveram críticas duras, as quais ele, sabiamente, escutou. Em The Getaway (2016), um álbum que por si só apontou os novos caminhos que os californianos poderiam tomar – sem deixar sua base funk rock de lado –, Klinghoffer aparentava ter se estabelecido como a nova cara que a banda precisava, a mesma que veio se reinventando por anos – a própria entrada de Frusciante, em 1988, corrobora a ideia de reinvenção, pois só ocorreu devido a morte de Hillel Slovak, membro fundador do RHCP. Nesse cenário, seu retorno soa um pouco esquisito, e por si só anula a ideia de renovação que a banda argumenta buscar; todavia, a verdade indigesta é que, desde o início, Klinghoffer foi um guitarrista substituto. 

Unlimited Love é composto por 17 faixas espalhadas ao longo de 73 minutos, abrindo com Black Summer, canção que evoca a calmaria de Otherside, e que com menos de 2 minutos joga em nossos ouvidos o primeiro solo de guitarra, como se tentasse nos lembrar a quem pertence esse álbum. Isso se segue ao longo do CD, e chega a parecer que há uma mistura de várias fases da banda – todas as quais Frusciante pertenceu –, soando quase como uma colagem musical composta a partir de uma pesquisa nos arquivos do grupo, e talvez a parte mais difícil desse retorno tenha sido justamente encontrar o tom. Quando uma pessoa retorna a um projeto antigo, após ter participado dos momentos altos deste mesmo projeto no início, como escolher somente uma pequena fração dessa história para se desdobrar e conceber algo novo? 

Contudo, a simples junção de coisas distintas acaba, por si só, originando um novo projeto. O paradoxo consiste no fato de que, justamente, não há nada novo. É um disco do Red Hot Chili Peppers que bebe da carreira do próprio Chili Peppers, e talvez essa seja sua graça, pois não há demérito algum na autorreferência – nesse caso particular, são 39 anos de carreira. Após um tempo ouvindo Frusciante experimentar na Música Eletrônica, vê-lo novamente com guitarras em punho é quase realmente como cortar o passado, pois nem mesmo sua interessante parceria com Omar Rodriguez Lopez, do At the Drive-In e The Mars Volta, seguiu adiante. “O que achei emocionante quando comecei a tocar com eles [novamente] foi ver o que eu poderia fazer com uma guitarra”, disse John em entrevista de 2020.

O disco segue um mesmo padrão, mas mesmo sob essa condição existem músicas muito boas e outras apenas regulares. She’s a Lover, Whatchu Thinkin’ e It’s Only Natural – canção que contém ecos de Hey – exalam Stadium Arcadium desde o começo, figurando facilmente como as melhores do CD, principalmente pelos solos de guitarra (o protagonista desse álbum é John). Na mesma linha, One Way Traffic parece uma adaptação mais serena da ótima Hump de Bump, enquanto Let ‘Em Cry tem uma levada reggae interessante e até então inédita – algo muito curioso, dado as referências do grupo. 

Frusciante trouxe de sua carreira solo elementos da Música Eletrônica, evidentes nas faixas Bastards of Light e Not the One, mas que, honestamente, já vinham sido apontados no último disco da banda, ainda com Josh Klinghoffer no elenco. Apesar de conter 17 músicas, Unlimited Love se encerra para Flea e Chad Smith em The Heavy Wing; isso porque a faixa final, Tangelo, consiste na voz de Kiedis e Frusciante ao violão, envolta de um sintetizador espaçado, numa aparente alusão a esse “amor ilimitado” anunciado desde o começo – um certo tipo de reconciliação, não apenas entre os integrantes, mas com seu próprio passado.

Um dia antes do lançamento do disco, a banda recebeu uma estrela na calçada da fama de Hollywood, algo que talvez ambiente um pouco o cenário que cerca esses quatro integrantes. A aura nostálgica envolta de Unlimited Love resplandece no fato de que essa não é a primeira vez que Frusciante retorna ao grupo. Em 1992, após a turnê de Blood Sugar Sex Magik (1991), John Frusciante deixou o Red Hot pela primeira vez – de 1993 a 1997, Dave Navarro assumiu a guitarra, dando origem ao disco One Hot Minute (1995). Ele retornou em 1998, marcando, até sua saída em 2009, a melhor fase da banda em anos. Suas entregas ao vivo foram dignas de prêmio, sempre readaptando solos, criando novas camadas musicais e realocando espaços inventivos em canções nem tão inventivas assim.

O olhar clínico e harmonioso do guitarrista – mistura de referências entre o Gang Of Four e Jimi Hendrix – apontaram para um caminho em que se vislumbrou uma repaginada mais artística e esteticamente mais atraente ao grupo – basta comparar à banda pré-1990: é quase outro Chili Peppers, com um foco demasiado no baixo de Flea. Ainda assim, Unlimited Love não apresenta nenhum momento de alta adrenalina que chame atenção – como os discos de seus anos dourados sempre trouxeram –, no entanto, também é competente o suficiente para não trazer qualquer tipo de sensação de vergonha alheia (o risco é sempre iminente nesse cenário de “retorno”). É uma continuação do processo elaborado pela banda em projetos anteriores, no qual consiste uma sensação de tranquilidade, um “estranho familiar” que reside em um sofisticado e bem-vindo amadurecimento musical dentro do campo que eles mesmos exploraram tão bem ao longo dos anos; mas também, obviamente, habita uma nostalgia inerente – é como dar a partida em um carro após o stand-by de 13 anos (sem Frusciante).

Esse sentimento nostálgico é muito bem desenvolvido no livro Retromania: Pop Culture’s Addiction to Its Own Past (2010), do crítico britânico Simon Reynolds. Nele, o autor argumenta a existência de uma nova onda musical que vem se apropriando do passado, principalmente dos sons entre 1960 e 1970. De certa forma, deixamos de sonhar e passamos a vivenciar um espaço de “futuros perdidos”, no qual os artistas deixam de trazer novidades musicais e transformam-se em “curadores”, esquecendo qualquer viés transgressor que se convencionou a atribuir à Arte. Esse sentimento parece descrever a sensação de nostalgia que vem dominando o cenário musical, e, inevitavelmente, a mesma que domina Unlimited Love. O retorno de Frusciante não é apenas a volta de um guitarrista virtuoso, mas tende a encaixar novamente a banda naquele velho cenário dos anos 2000.

Mesmo com essa visão “assombrológica” – no sentido de espectros musicais que cercam sons que não pertencem a eles –, os Chili Peppers sempre foram bons em colocar o público dentro de seu próprio espaço, de modo a fazer com que pairasse uma espécie de consciência coletiva acerca do grupo, ligada a um estilo de vida despretensioso, através de uma conexão íntima que visava até mesmo o transcendental (como em The Zephyr Song). O lado ruim foi o fato dessa abertura transformar os ouvintes mais fanáticos em membros de uma “grande família Chili Peppers”, colocando os integrantes da banda no escrutínio da vida pública – aquela velha característica de identificação idealizada através de alguma manifestação artística. Mas, talvez, a brincadeira mais perspicaz sobre isso seja do próprio quarteto, que no videoclipe de By the Way retrata um fã maluco e completamente obcecado por Anthony Kiedis. No fim das contas, o Red Hot Chili Peppers é isso: quatro indivíduos que riem de si mesmos; e, embora Unlimited Love não seja um disco para deixar fãs obcecados, é importante que exista e ganhe seu próprio espaço.

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