Nathalia Tetzner

Receber de volta todo o amor que já foi perdido pode ser uma experiência avassaladora. Depois de ser rejeitada pela mídia com Witness (2017) e tentar recuperar seu sorriso com Smile (2020), Katy Perry retornou com a proposta mais promissora dos últimos anos de sua carreira. O antecipado 143 surgiu em meio a um rebrand, no mínimo, polêmico. Perry, no sexto álbum de estúdio, arrisca tudo novamente. Dessa vez, em nome de batimentos cardíacos aflorados, o que a induz para um portal que acaba a levando para o lugar comum.

O ‘KP6’, carinhosamente apelidado de ‘KPSex’, nasceu como um disco que Katheryn Elizabeth Hudson sempre quis fazer: completamente dance pop. Nos momentos que antecederam o lançamento, ela nunca prometeu composições completas, letras profundas ou baladas românticas como ela sabe fazer muito bem. A californiana deixou explícito que o parto de sua filha, Daisy Dove Bloom, a colocou nessa nova posição de amar a si mesma e de se sentir confortável em seu corpo como nunca antes. No entanto, o 143 não consegue expressar toda essa potência como deveria.

O amor que filhas podem despertar em suas mães têm uma capacidade transformadora, gerando bons frutos. Com a vinda de Lourdes Maria Ciccone Leon ao mundo, a rainha do pop Madonna emplacou Ray Of Light (1998), uma de suas obras mais aclamadas pela audiência e crítica. Embalada por um amor transcendental e batidas trip hop, ela se mostrou ainda mais radiante e imparável. O mesmo parecia poder acontecer com Katy Perry, que há tempos não refletia uma luz tão intensa. Porém, WOMAN’S WORLD chegou para mostrar o contrário.

O primeiro single da era tem um instrumental digno de um hino pop. Mas o preço pela qualidade foi caro e, analisando em retrospecto, nem compensou. Isso porque, Dr. Luke, produtor de longa data de Perry, retornou a trabalhar com ela após um intervalo de dois discos – justamente os mais rejeitados. Acusado de abuso sexual por outra voz da década de 2010, Kesha, ele não foi condenado, contudo, seu trabalho e índole passaram a ser questionados. Tentando passar despercebido nos créditos de artistas como Doja Cat e Kim Petras, Łukasz Sebastian Gottwald continuou lucrando nos bastidores da Música.

Assim, ao cantar sobre os prazeres de ser mulher, Katy Perry deixa escapar uma certa hipocrisia. Tal questão foi ainda agravada pelo videoclipe de WOMAN’S WORLD, que almeja uma crítica a sexualização feminina, entretanto, é mal executada, deixando margem para interpretações arbitrárias. Algo inusitado, uma vez que, tanto a vocalista quanto a diretora Charlotte Rutherford possuem um catálogo visual impecável. Parece que, durante a era 143, tudo realmente estava fadado à destruição. É incrível como uma equipe, teoricamente fortalecida, conseguiu desmanchar ainda mais a aceitação do público.

Surpreendentemente, o significado por trás do código numérico ‘143’ – alusão à ‘eu te amo’ – ajudou Katy Perry durante esse período conturbado. Em conversas com fãs na plataforma de streaming coletiva, Stationhead, a artista, sempre acessível, compartilhou que costuma encontrar os três números em momentos decisivos de sua vida. Embora, dessa vez, ela possa ter sido enganada pela matemática, a era rendeu bons momentos, como o Prêmio Michael Jackson de Vanguarda, concedido pelo Video Music Awards em homenagem às videografias mais relevantes da indústria musical.

Além da premiação, a performance no Rock In Rio, com um coro de 100 mil pessoas cantando “O mundo é das mulheres e nós apenas vivemos nele”, mostrou a relevância contínua de Katy Perry para a cultura pop como um todo. Se o público colocou em xeque o ‘cancelamento’, adentrando o disco, chega a ser atordoante encontrar tantas razões que acabam fundamentando o hate train. As parcerias com 21 Savage e Kim Petras, respectivamente, GIMME GIMME e GORGEOUS, são uma ofensa por serem terrivelmente irritantes e vazias.

O rapper, em especial, parece ter entrado no estúdio de gravação com sono; seus versos soam completamente descartáveis e ele não faz esforço nenhum nas analogias, gerando uma vergonha alheia imensurável ao comparar o seu corpo com o aplicativo de entregas da Amazon. Por outro lado, Petras consegue entregar metáforas ‘engraçadinhas’, mas não passa disso. Ambas as faixas parecem almejar por um flow a lá Dark Horse e E.T, o que é alcançado momentaneamente com ARTIFICIAL, ponto alto do disco.

Ao contrário dos outros feats, JID se encaixa perfeitamente no beat, elevando os vocais mais graves de Perry. As escolhas de palavras continuam básicas, até mesmo deixando escapar uma obsessão nada saudável com o conceito de inteligência artificial, diga-se de passagem. No entanto, são músicas como essa que ajudam os ouvintes a tragarem o 143. I’M HIS, HE’S MINE, parceria com a novata incrivelmente talentosa Doechii também eleva o disco. Terceiro single trabalhado, o ‘MV’ dirigido por Torso é criativo, um destaque maduro e sensual em meio a uma das videografias mais coloridas de todos os tempos.

Analisando o 143 apenas pela ideia original de concepção, ele também falha. O álbum é sim dance pop, contudo, não traz nada de diferente. Nos últimos anos, Beyoncé e Kylie Minogue conseguiram reinventar o gênero, desenvolvendo projetos que encheram as pistas de dança e revigoraram, com frescor, as batidas energéticas. Katy Perry não tinha necessidade de repetir esses feitos, mas, olhando para a capa do disco, é decepcionante pensar que ela entregou em um portal que acabou a levando para o mesmo lugar de sempre. 

Abusando de “La-da-da-dee” ao longo das 11 faixas, Perry distribui amor enquanto conta os hits nos dedos em 143. Navegando pelas bochechas vermelhas na ‘fofinha’ CRUSH e a incerteza do futuro na estridente demais WONDER, o disco precisa ser ouvido de forma despretensiosa, nada mais. O ‘KP6’ não funciona como deveria, entretanto, demonstra mais uma vez que os ‘katycats’ – como seus fãs são chamados – vão a amar “até o final e repetir”, afinal, passar por mais uma era conturbada com certeza foi uma prova de fogo. 

O post 143: o crime de Katy Perry é amar demais apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Matheus Santos

São poucas as produções visuais que ousam explorar o lado mais sombrio e intrigante de Hollywood. No entanto, quando se trata de transcender os limites do convencional, poucos cineastas podem rivalizar com a maestria de David Lynch. O estilo único e inovador do diretor e roteirista não apenas desafia as expectativas, mas também a psique humana, revelando camadas de complexidade que muitos hesitam em explorar.

Lana Del Rey é um exemplo marcante nesse contexto. A cantora ganhou destaque ao explorar a ilusória e, muitas vezes, avassaladora realidade da fama em seu videoclipe da faixa Candy Necklace, que rendeu a ela duas indicações no Video Music Awards e a vitória do prêmio de Melhor Clipe Alternativo.

Como no videoclipe da artista e a relação com o Cinema, o longa-metragem Inland Empire (2006), de Lynch, nos transporta para um mundo intrigante e surreal, ao mergulhar em um universo de multiplicidade, mistério e perturbação. A narrativa se assemelha a um quebra-cabeça em que as peças se movem de maneira inesperada, explorando temas essenciais da nossa existência, como identidade, ilusão e a artificialidade da fama.

O enredo acompanha a trajetória de uma atriz aspirante, interpretada por Laura Dern (Jurassic Park, Adoráveis Mulheres), cuja imaginação gradualmente se entrelaça de maneira inquietante com sua própria realidade. À medida que ela se transforma na personagem de seu novo papel, somos levados por uma montanha-russa de experiências que mostram os sorrisos forçados e o vazio evidente em seu olhar, revelando a solidão e a alienação que muitas vezes perseguem a fama.

Desde sua estreia na indústria fonográfica em 2012, Lana Del Rey evoca com fascínio e magnetismo os símbolos e personagens da juventude rebelde e idealista da era de ouro do Cinema norte-americano em suas composições. A menção ao passado não se limita apenas às letras das músicas; a artista também o faz ao conceber sua identidade vintage e excêntrica no clipe de Candy Necklace.

Com o lançamento de Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd, a cantora reuniu e consagrou elementos nostálgicos no videoclipe da faixa em parceria com Jon Batiste, Candy Necklace. O vídeo foi indicado em duas categorias no VMA e venceu a de Melhor Clipe Alternativo, sendo a única produção visual que captura a atmosfera saudosista de seu nono álbum de estúdio.

Com direção de Rich Lee, conhecido por criar videoclipes com uma estética cinematográfica e por trabalhos com outros cantores como Black Eyed Peas e Shakira (Girl Like Me), Billie Eilish (all the good girls go to hell), e Eminem (Rap God, Not Afraid), o vídeo em preto e branco constitui-se como uma história épica com mais de 10 minutos. A habilidade de contar essa história mesclando cenas dos bastidores do próprio clipe combina perfeitamente com a suavidade inesquecível do piano de Jon Batiste.

Desde o início do clipe, Lana Del Rey apresenta a nostalgia e a elegância da era dourada hollywoodiana, aqui celebrada com detalhes. Isso é especialmente evidente nas técnicas de efeitos visuais antigos que, apesar de sua simplicidade, conseguem realçar grandemente a obra, destacando cada particularidade cuidadosamente elaborada.

Assim como em Inland Empire, Lana Del Rey não é apenas uma intérprete, mas uma criadora de personas emblemáticas do Cinema, como Marilyn Monroe e Elizabeth Short, dentro de seu próprio universo cinematográfico. Essa transformação vai além de uma mera representação; é uma incorporação profunda, na qual ela se funde com esses ícones da tela, dando vida às suas nuances e tragédias.

A cantora também faz referência aos primeiros anos da própria carreira, quando foi alvo de críticas intensas relacionadas à sua aparência e a seu estilo musical. Naquela época, a imprensa a rotulou como uma farsa, uma jovem rica cuja identidade inteira parecia ter sido construída por uma grande gravadora.

O diálogo interno de Lana Del Rey, compartilhado com a equipe de produção nos bastidores do clipe, revela uma reflexão sobre as escolhas que artistas fazem para alcançar e manter a fama. Ela reconhece a necessidade de alterar nomes e aparências, questionando como essas mudanças afetam a identidade de alguém: “O motivo pelo qual tudo deveria estar nos bastidores era porque todas essas mulheres que, tipo, mudaram seus nomes, mudaram seus cabelos, como eu e tudo mais… É como se todas elas tivessem caído em diferentes buracos de cobra. Então o ponto é, como você aprende com isso e não cai no seu próprio buraco?”

O ápice do clipe insinua as consequências sombrias da busca implacável pela fama com colares de doce, diamantes e rubis caindo em um líquido vermelho. A referência ao assassinato de Elizabeth Short, conhecida como Dália Negra, e que foi tema de um filme dirigido por Brian De Palma em 2006, adiciona uma nota trágica à narrativa. Isso sugere que a obsessão desenfreada pela fama pode resultar em consequências devastadoras.

Candy Necklace é mais uma produção audiovisual que se une ao panteão de clipes nostálgicos e autênticos de Lana Del Rey, constituindo-se como obras-primas do gênero alternativo. É uma reflexão sobre a natureza efêmera e muitas vezes ilusória da fama, apresentada com complexidade e glamour. Depois do simbolismo religioso provocativo e da atmosfera sonhadora do curta-metragem Tropico (2013), Del Rey mais uma vez demonstra sua capacidade de criar não apenas Música, mas também uma narrativa visual envolvente que desafia o espectador a questionar as noções convencionais de sucesso e identidade na cultura das celebridades contemporâneas.

O post A simbologia de Candy Necklace: Lana Del Rey revela a efemeridade da fama em seu tributo ao passado apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.