Gabriel Diaz

Antes mesmo do primeiro teaser ser lançado, os fóruns da internet fervilhavam com muitas teorias. Entusiastas de longa data do encanador bigodudo, que cresceram com os diversos jogos da franquia, esperavam com ansiedade o que a Nintendo e a Illumination teriam para oferecer como continuação de Super Mario Bros (2023). E quando as imagens chegaram, a euforia tomou conta. 

A apresentação de Super Mario Galaxy trouxe as galáxias coloridas, o adorável Yoshi e a tão aclamada Princesa Rosalina – elementos clássicos de todo o universo do game. Assim como no primeiro filme, a história aposta na expansão e não se enquadra fielmente ao enredo tradicional dos jogos, especialmente a inspiração que levou o nome do título, lançado em 2007 na plataforma do Nintendo Wii. 

Se está funcionando, não há razão para arriscar e decepcionar um público fiel, seja de sua maioria infantil ou apenas quem goste dos jogos. Então, a técnica de seguir uma narrativa própria, misturando referências de diferentes títulos da franquia Mario para reinterpretá-las para o Cinema, se mantém. A proposta não é adaptar diretamente o jogo, mas executar uma releitura de uma experiência mais ampla. Além disso, o longa marca os 40 anos de um dos personagens mais icônicos da história dos videogames. A expectativa era de uma celebração à altura. O que poucos perceberam, porém, é que essa celebração tem um destinatário muito específico; e talvez não seja quem você imagina.

O longa propõe a missão de continuar o legado da primeira aventura de Mario (Chris Pratt) e Luigi (Charlie Day), porém a trama parte por outra premissa: Bowser Jr. (Ben Safdie), filho do grande vilão Bowser (Jack Black), sequestra Rosalina (Brie Larson) em busca de poder suficiente para impressionar o pai. Além dos irmãos principais, Peach (Anya Taylor-Joy), Toad (Keegan-Michael Key) e o recém-chegado Yoshi (Donald Glover) partem numa missão de resgate que os conduz por planetas aquáticos, desertos estelares e cidades espaciais.

Rosalina, que no game exerce um papel mais independente e enigmático, passa a ocupar a posição de ‘princesa a ser resgatada’, alterando significativamente a condução da história. Em paralelo, Peach assume uma postura mais ativa ao lado de Toad, reforçando uma abordagem mais dinâmica e atualizada dos personagens clássicos. 

Matthew Fogel escreveu o roteiro com a clareza objetiva de quem entende que seu público-alvo tem entre seis e dez anos de idade, pois entrega começo, meio e fim com uma eficiência quase mecânica. Entretanto, entrega alusões de jogos para os mais antigos fãs, como de Super Mario Odyssey (2017), Super Mario Bros. 2 (1988) e até do Super Mario Sunshine (2002), na forma como Bowser Jr. empunha seu icônico pincel mágico. E diferente do primeiro filme, a sequência demonstra contenção narrativa, o que, paradoxalmente, tanto é um avanço quanto a raiz de suas frustrações mais profundas.

A direção de Aaron Horvath e Michael Jelenic, os mesmos responsáveis pelo primeiro longa, encontra neste segundo capítulo uma versão de si mesma amplificada em confiança técnica. As sequências de ação são fluidas e vertiginosas, com uma câmera que mergulha na gravidade invertida dos planetas como se o espectador estivesse ele mesmo com um controle de Wii na mão. 

Talvez seja importante ressaltar que a Illumination sempre opera com orçamentos notavelmente enxutos: cerca de 100 milhões de dólares, metade do que Pixar e Disney costumam investir em suas produções; e entrega resultados que desafiam e superam essa lógica financeira. A direção de arte, que inclui o brasileiro Renan Porto na equipe, é, sem exagero, o ápice cinematográfico do longa: os planetas têm identidades visuais distintas, as paletas de cores mudam de galáxia para galáxia com uma coerência que sugere um trabalho meticuloso de design que vai muito além do decorativo.

É possível ver numa única pincelada do pincel mágico de Bowser Jr. que ali possui uma textura quase tátil, e os fantoches, que emergem em uma das cenas de ação mais inventivas do filme, revelam uma produção disposta a experimentar materiais e estilos sem medo do estranhamento. É um comportamento comum de produções de animação, mas que conseguiu superar a si próprio e atingiu cenários genuinamente impressionantes.

Brian Tyler, o mesmo do primeiro longa, é o nome da trilha sonora e ela foi reaproveitada em arranjos que transitam entre o sinfônico e o eletrônico, sempre encaixada com precisão cirúrgica nos momentos de ação. Se há uma crítica a fazer ao uso, é essa conexão entre música e emoção narrativa. Se no primeiro era tão marcante, com seus momentos de clímax sonoro que arrepiavam, aqui parece ligeiramente enfraquecida, como se a trilha estivesse a serviço da experiência sensorial mais do que da jornada emocional dos personagens. 

O que a obra faz de melhor, e de forma absolutamente consciente, é funcionar como uma espécie de Super Mario Maker (2015) cinematográfico. Para quem não conhece, este jogo era a materialização de um sonho coletivo: dar ao jogador as ferramentas de criação do próprio Shigeru Miyamoto e deixá-lo construir seus mundos livremente. No cinema, opera-se numa lógica semelhante: pega o arsenal de 40 anos de franquia e o distribui generosamente pela tela, convidando o espectador apaixonado a caçar referências como se cada quadro fosse um nível a ser explorado.

Dentre as menções, Pikmins aparecem em cantos discretos, Fox McCloud (Glen Powell) chega com sua Arwing numa entrada épica, Birdo e Wart ressurgem como antagonistas clássicos e o guarda-chuva de Peach remete diretamente a Super Princess Peach (2005). Nenhum desses elementos pertencia originalmente ao universo Galaxy, e por isso a decisão divide opiniões.

Para quem vê o filme como extensão da franquia, acaba soando generoso. Para quem esperava uma transposição mais fiel ao jogo de 2007, é uma diluição. Felizmente, parece que a Nintendo entendeu isso e realizou um projeto de longo prazo que consegue funcionar de maneira orgânica na maior parte do tempo, sem um caos indigesto de citações sem contexto.

A verdade é que quem não construiu memórias afetivas com esses personagens ao longo de décadas encontrará uma narrativa apressada, personagens subdesenvolvidos e uma quantidade de informações visuais que atordoa sem necessariamente emocionar. Pode-se usar a Rosalina, ausente no filme até o clímax, como um símbolo de desperdício desconcertante de uma personagem cuja história de origem é uma das mais tocantes de toda a franquia. A relação entre ela e Peach, reveladas como irmãs numa das maiores surpresas narrativas do longa, é esboçada com um flashback e depois praticamente abandonada.

Os cortes abruptos entre registros emocionais muito distintos também comprometem a imersão, pois, em um arco mais melancólico e potencialmente rico do roteiro como o de Bowser e seu filho Bowser Jr., não há espaço para respirar entre um power-up e outro, mesmo que a cena em que Bowser conta ao filho uma lição de moral paterna. Apesar disso tudo, a dinâmica entre Yoshi e Luigi é comédia e afeto puro, funcionando no nível humano mais simples. Que bom que existe, porém que pena que o filme passa rápido demais por ela.

No fim, Super Mario Galaxy se define justamente por esse equilíbrio instável entre nostalgia e inovação, nada diferente do que se esperava. Ao escolher expandir em vez de adaptar fielmente, cria-se uma identidade própria que encanta parte do público e desafia outra. Ele não é feito para quem vai ao cinema buscando a densidade de um Studio Ghibli; é feito para quem, ao ouvir o tema principal da série, sente imediatamente o peso afetivo de uma infância inteira guardada naquelas notas e para as crianças que ainda estão construindo as suas

A obra conclui mais uma etapa dentro do universo, que aparentemente está nem perto de ser finalizado. A Nintendo conseguiu se fantasiar de Marvel e criou extensões do universo, dando a entender que outros jogos poderiam estar presentes numa versão cinematográfica. Será que um possível filme da série de Super Smash Bros estará nas telonas nos próximos anos? Se faz sentido? Talvez não, porém o que predomina é o sentimento de fã, então seria sensacional.

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Lara Fagundes

Em um mundo em que  adaptações costumam significar apenas copiar e colar o enredo na  tela, Scott Pilgrim Contra o Mundo fez muito mais do que isso. O longa-metragem não apenas levou o enredo de Bryan Lee O’Malley para o cinema, como também trouxe consigo a linguagem visual da história em quadrinhos. Por isso, 15 anos após sua estreia, o filme ainda é um marco cinematográfico na indústria de mixed media. Embora subestimada, sua proposta estética traduz com precisão o universo das HQs em uma obra cheia de originalidade.

Dirigida por Edgar Wright, a trama apresenta Scott Pilgrim (Michael Cera), que, para conquistar o amor de Ramona Flowers, precisa lutar contra todo o passado de sua nova paixão. Ramona é o tipo de garota que se destaca das pessoas ao redor, algo que as cores deixam muito claro. O cabelo colorido, as roupas criativas e a atuação de Mary Elizabeth Winstead tornam a personagem marcante e atraente, mas ainda humana. Sendo uma comédia irônica, com personagens de personalidades fortes, os defeitos e as qualidades de cada um ficam mais evidentes, e um dos pontos altos é justamente esse: o exagero.

A incorporação da história em quadrinho aparece de maneira exagerada na estrutura narrativa, desde os diálogos e as atuações caricatas até os efeitos especiais (Frazer Churchill). Tudo chama atenção, tanto no aspecto estético quanto nos personagens que, mesmo secundários – como os sete ex malvados – possuem traços destacados e motivações individuais. O próprio Scott é retratado como uma pessoa cheia de contradições, e Michael Cera encarna isso muito bem: um típico anti-herói, que não foi feito para ser amado, apesar de seus lados bons e ruins.

Essa ambiguidade do protagonista espelha uma geração marcada por crises de identidade, relações sociais complicadas e dificuldades para lidar com as emoções. Temas comuns, como a sensação de ter o coração partido e a paixão pela nova garota, são amplificados e complementados por uma história engraçada e uma atmosfera envolvente. Além disso, o elenco é recheado de nomes famosos como Brie Larson, Chris Evans e Kieran Culkin, que conseguem embarcar no propósito cômico de cada personagem.

Para acompanhar as atuações, o formato da obra equilibra o estilo dos quadrinhos com uma narrativa de vídeogame, contando tudo de maneira acelerada, mas divertida. Os gêneros surgem como um misto de comédia, ação e romance, além de uma montagem (Jonathan Amos e Paul Machliss) que parece virar as páginas da HQ diante de seus olhos. Cortes rápidos e transições criativas, com sobreposições, tornam o filme mais interessante e deixam tudo mais engraçado e dinâmico.  

Os efeitos visuais (Marcus Rowland) valorizam o universo geek, utilizando balões de texto típicos de HQ para ressaltar detalhes, poses clássicas de jogos de luta e moedas caindo ao ganhar uma batalha. Indo além do visual, o enredo é acompanhado por uma trilha sonora (Nigel Godrich) memorável, desenvolvida exclusivamente para a produção, com os atores tocando instrumentos reais. A música Black Sheep, da banda Metric, cantada por Brie Larson, ganhou grande destaque como marca registrada da obra que Wright criou com muita personalidade. 

Tudo em Scott Pilgrim Contra o Mundo funciona de forma coesa e integrada à narrativa. Cada aspecto, desde as cores vibrantes até as referências culturais, contribuem para o desenrolar da história. A trilha sonora mistura rock alternativo e pop indie, com letras únicas que combinam perfeitamente com a banda de Scott, Sex Bob-omb, além dos outros grupos que se apresentam durante as cenas. Esses elementos constroem o universo de forma mais intensa e estilizada, recriando a sensação de ler uma HQ e a traduzindo para o modelo audiovisual.

Além disso, a força de Scott Pilgrim ultrapassa os limites do cinema e se consolida como um verdadeiro projeto de cross media, conseguindo se adaptar de forma eficiente e criativa a diferentes formatos. Desde sua origem nos quadrinhos até os videogames, passando pela recente adaptação animada da Netflix, lançada em 2023, cada versão manteve a identidade visual marcante da obra. Essa consistência estética é o fator que torna o universo tão cativante em diferentes meios, sem perder sua essência.

Assim, a experiência proposta pelo filme vai além de apenas contar a história: convida o telespectador a entendê-la de forma visual, sonora e emocional. Em meio a um espetáculo de cores, humor e riffs de guitarras, Scott Pilgrim Contra o Mundo é uma carta para uma geração que cresceu entre comics, música e telas luminosas. A mistura de gêneros, as referências pop e os momentos exagerados refletem a confusão e a intensidade de uma juventude embalada em personagens ambíguos e tons vibrantes.

Uma década e meia depois, o longa-metragem se mantém moderno graças a uma identidade muito bem definida. Embora não tenha sido um sucesso em seu lançamento, acumulando um prejuízo de cerca de 10 milhões de dólares, conseguiu conquistar um público fiel e a aclamação da crítica especializada. Após 15 anos, Scott Pilgrim Contra o Mundo se tornou um clássico cult e, no fim, provou que a estética narrativa faz toda a diferença.

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Gabriel Diaz

Após quatro anos do primeiro longa, o horror já não está apenas à espreita no porão claustrofóbico, mas se instala na mente, no sonho, no limiar entre o que se vê e o que se teme. Scott Derrickson retorna ao universo da obra original de Joe Hill, tentando expandir uma história que, no primeiro filme, parecia já ter alcançado seu fim natural. Conhecido por unir fé e medo em clássicos como O Exorcismo de Emily Rose (2005) e A Entidade (2012),o diretor retoma aqui temas que o fascinam: o trauma, o sagrado e o invisível. O Telefone Preto 2 é, ao mesmo tempo, uma continuação e uma reflexão sobre o que resta do terror quando o monstro morre, porém o medo permanece. O resultado é uma produção ambiciosa e visualmente intrigante, embora irregular no equilíbrio entre simbologia e narrativa.

Ambientada em 1982, a trama retorna com o personagem Finney (Mason Thames), agora adolescente, que vive isolado, marcado pelo passado violento que tenta reprimir. Sua irmã, Gwen (Madeleine McGraw), canaliza as feridas da infância em visões cada vez mais intensas, que a conduzem até Alpine Lake, um acampamento cristão ligado ao passado da mãe. É lá que o horror se reconfigura: o Sequestrador (Ethan Hawke), morto, retorna em forma espectral para atormentá-los nos sonhos.

Essa inversão psicológica é o que aproxima o longa de uma leitura platônica, sobretudo pela evocação da Alegoria da Caverna. Assim como os prisioneiros de Platão, que confundem sombras com realidade, Gwen e Finney estão presos às imagens do passado, incapazes de distinguir o que é lembrança, delírio ou revelação. A cada sonho, os limites entre luz e escuridão se embaralham, e o terror surge justamente dessa confusão perceptiva. Derrickson parece sugerir que sair da caverna – encarar a verdade – pode ser tão doloroso quanto permanecer nas sombras. O horror aqui é o despertar.

Visualmente, O Telefone Preto 2 é uma carta de amor à estética dos anos 1980. A fotografia granulada, os ruídos visuais e as projeções típicas do gênero found-footage criam um clima analógico que reforça a sensação de memória fragmentada, simulando uma experiência sensorial próxima à do sonho – ou, mais especificamente, do delírio. Derrickson não busca o susto pelo susto, prefere a construção lenta da tensão, fazendo do ruído, da pausa e da ambiguidade seus principais instrumentos de medo. 

Entretanto, a partir desse ponto, o longa se entrega excessivamente ao simbólico, perdendo a sua linguagem mais brilhante. O roteiro oscila entre a profundidade emocional e o clichê sobrenatural. Ao transformar o Sequestrador em uma figura onírica que invade os sonhos – tal qual uma espécie reformulada de Freddy Krueger –, o filme perde parte do realismo perturbador que tornava o original tão eficaz. Assim como seu personagem, Ethan Hawke se personifica como um fantasma carregado de pura vingança, contrastando muito de sua personalidade fria e significante do primeiro. A atuação mantém o magnetismo visual, mas carece de novidade: ele assombra, mas não surpreende. O medo, antes físico e palpável, agora se dilui na abstração espiritual e numa performance ignorável.

Em contrapartida, a inversão de protagonismo dá novo fôlego à franquia. Gwen assume o papel central da narrativa, tornando-se uma figura trágica e heróica ao mesmo tempo. Madeleine McGraw entrega uma performance madura, equilibrando fé e desespero, inocência e força – isso não tira as parcelas culposas de que sua personagem é extremamente chata. Mason Thames, por sua vez, explora com sutileza o ressentimento e a raiva do sobrevivente, porém de um modo tão sutil que aparenta ser invisível. De forma clara, seu personagem é uma peça fundamental para o funcionamento do enredo, todavia nem toda a desconstrução do caráter de bad boy fez com que tivesse algum destaque, juntando o inútil ao desagradável. Essa dualidade fraterna entre o trauma reprimido de Finney e a sensibilidade visionária de Gwen espelha o próprio conflito entre o real e o ilusório, sobre o que está nas sombras e o que se revela à luz, retomando de forma imperceptível a tensão platônica que o audiovisual encena.

O aspecto religioso, constante na filmografia de Derrickson, ressurge no primeiro ato por meio do acampamento cristão e de uma retórica sobre culpa e redenção. No entanto, essa dimensão espiritual se dilui conforme o sobrenatural assume o controle da narrativa. A fé aparece menos como certeza e mais como tentativa de organizar o caos, um gesto de desespero diante do inexplicável. Se existe um Deus, ele se oculta entre máscaras e ecos distorcidos. Derrickson transforma essa ambiguidade em reflexão: o mal, assim como a verdade, nunca se revela por completo – apenas por fragmentos, por sombras que confundem o olhar.

No fim, O Telefone Preto 2 se sustenta como uma experiência audiovisual de forte apelo estético e simbólico, mas com desequilíbrios narrativos. É um filme que compreende o poder do trauma e da memória, mas se perde em suas próprias metáforas. Derrickson demonstra domínio técnico e sensibilidade emocional, embora o roteiro não acompanhe o mesmo rigor. E talvez seja esse o ponto mais perturbador que a sequência trouxe: o inferno é diferente do que imaginávamos, ele não é quente, é frio. Um frio que não vem das neves do acampamento, e sim do vazio que resta quando o medo congela tudo o que é humano. Ao menos, a produção não chega a ser mais um fracasso da Blumhouse Productions.

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Guilherme Moraes

Um dos longas mais aguardados da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, O Brutalista, que fez parte da seção Perspectiva Internacional, é o clássico filme que recebe indicações na temporada de premiações. O teor biográfico, as atuações sisudas, os movimentos de câmeras sutis e uma trilha sonora pensada previamente para tomar a sala de cinema e criar algo mais sensorial são exemplos disso. No entanto, eles não foram usados de maneira vazia. Brady Corbet consegue aderir a todos os elementos que a Academia gosta para contar um épico sobre a desconstrução dos Estados Unidos como um país grandioso e  terra da liberdade.

A abertura com um handshake muito forte e um trabalho de som vigoroso, feito por Steve Single e Andy Neil ao estilo Hans Zimmer, com notas graves e poderosas, tornam o ambiente dentro do container confuso, claustrofóbico e desesperador. Essa cena se contrapõe a um certo Cinema de ‘prestígio’ que virá posteriormente, com a utilização dos elementos cinematográficos de maneira mais sutil, como se escondesse a ‘podridão’ dos Estados Unidos; como se isso fosse algo sentido e não falado.

Desde sua chegada à América, László Tóth (Adrien Brody) precisa lidar com diversos problemas, como o desemprego, a falta de moradia, a fome e o preconceito. Assim como seu amigo Gordon (Isaach de Bankolé), o protagonista é visto como parte da escória da sociedade. Enquanto László é rejeitado por ser judeu, o outro sofre por ser negro. Durante as quase quatro horas de duração do filme, poucas vezes esses pontos são expressados diretamente – tudo é sentido por meio da construção atmosférica.

Apesar de parecer, a obra não é sobre um gênio de personalidade forte e que possui problemas com drogas. Essas características estão presentes em László, porém, elas não são o foco da trama. A questão de O Brutalista está muito mais em como essa figura será engolida pelo sistema e pelo racismo. O valor dele está em sua genialidade e nada mais; sua pessoa não é de interesse dos norte-americanos. Harrison Van Buren (Guy Pearce), um empresário que contrata o protagonista para construir um monumento, não liga se seu funcionário está drogado ou não, ou se eles ficarão sem trabalho, o que importa para ele é satisfazer seus desejos ególatras. É o gênio subjugado nessa falsa terra da liberdade.

Um dos momentos mais fortes do longa é a sequência em que Harrison abusa sexualmente de László como forma de estabelecer a hierarquia e demonstrar todo seu ódio e inveja. Quando Erzsébet Tóth (Felicity Jones) revela esse segredo para a família Van Buren nos instantes finais do filme, Brady Corbet traz de volta os mesmos elementos e sentimentos da cena de abertura. O handshake, a barulheira e a sensação de angústia e confusão estão de volta, pois a verdadeira face dos Estados Unidos está exposta. Talvez, o único problema do final seja o epílogo, que busca explicar didaticamente alguns pontos da obra, parecendo até um vídeo sobre easter eggs.

O Brutalista possui características estéticas fáceis de serem encontradas nas listas dos indicados ao prêmio de Melhor Filme do Oscar, como o fato de parecer uma biografia. Nesse sentido, ele lembra um pouco Maestro (2023) e Tár (2022). No entanto, o que há de diferente é a maneira como a obra utiliza essas técnicas em favor de uma ideia de narrativa, indo além de usá-las apenas para simular uma autoralidade. Apesar de passar em branco, sem vitórias, na Mostra em SP, o longa de Brady Corbet conseguiu lotar as suas sessões e tem tudo para fazer sucesso na temporada de premiações.

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Davi Marcelgo

No pódio dos filmes mais aguardados pelo público da programação da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Anora só fica atrás de Ainda Estou Aqui. O novo longa de Sean Baker (Projeto Flórida) faz parte da seção Perspectiva Internacional e narra a história de Anora (Mikey Madison), uma prostituta que é pedida em casamento por Ivan (Mark Eidelstein), um jovem russo podre de rico que está em temporada de férias nos EUA. Não demora muito para o sonho cor-de-rosa da personagem começar a desbotar. 

Sabe aquela sensação de que tudo está muito bom para ser verdade? A primeira parte de Anora tem exatamente este sentimento, embora seu príncipe Ivan já dê sinais de desvio de caráter, quando trata ou fala mal dos funcionários de sua casa – a protagonista é da mesma classe social que eles. A dinâmica estabelecida é de tensão, procurando qualquer fagulha que vá expor a falsa felicidade do par. Ora, em uma Comédia romântica sempre há um segredo, uma diferença à la Romeu e Julieta para separar um casal. Porém, um anzol com uma picanha suculenta é arremessada para as poltronas do cinema, fazendo todo o público se deliciar com o jeito ‘bobão’ do par romântico e as cenas de ostentação do casal. 

Neste início, o cineasta se afasta de suas origens de Cinema caseiro, que quase se confundia com documentário; a montagem é sofisticada, com muita rapidez e músicas pop, afinal, tudo aquilo é um encantamento que termina à meia-noite. Quando a relação vai por água abaixo, não é uma tradicional rivalidade de família, um intercâmbio ou a maldição de se transformar em ogro que barra o matrimônio, mas o fato concreto de diferenças de classe. 

Neste segundo momento, o filme incorpora o espírito de Tangerine (2015), longa que Baker gravou com um Iphone. Nas ruas e estabelecimentos comerciais do cotidiano, o mundo urbano é set de filmagem para a explosiva perseguição por Nova York; Anora junto aos capangas da família de Ivan para encontrar o garoto. São muitos elementos em cena, pessoas falando por cima, gritos e violência, bem semelhante a história de Sin-Dee – e distante de um conto de fadas. Eliminando a decupagem estilizada, Sean Baker dá vida à realidade por meio de seu Cinema real, filmadora  na mão e proximidade dos personagens. Às vezes, a câmera invade a mesa de pausa para o lanche. 

O próprio gênero do filme muda, antes um melodrama, depois uma Comédia escrachada com tudo que SuperBad – É Hoje (2007) tem de mais absurdo e escandaloso. Assim, o filme desce do salto alto das produções de grande orçamento de Hollywood e abraça uma estilização e direção de Cinema independente. Nesta história de contradições, personagens diferentes e estilos opostos – um ‘filhinho de papai’ que casa-se com uma mulher que nunca viveu a ficção –, é interessantíssimo o texto, assinado por Baker, contar uma história clássica para um tempo moderno. 

Ivan é como Peter Pan, um garoto que se recusa a crescer, só quer saber de ‘farra’, videogame e não quer trabalhar. Enquanto Anora é Cinderela, mas ao invés de limpar uma casa, ela precisa vender seu corpo. O envolvimento com a história da gata borralheira é tamanha que até um item precioso – como o ‘sapatinho’ de cristal – é perdido, porém, quando devolvido, a mágica não é restaurada e o ‘felizes para sempre’ fica para a Disney. 

Os melhores filmes da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo possuem personagens humanizados, com histórias reais e, por vezes, trágicas. No Cinema contemporâneo, Sean Baker é um nome influente no cenário, seja em forma ou conteúdo. Assim, Anora é contagiagente, engraçado e até triste, sendo mais uma realidade excelente na prateleira dos novos contos de fadas. 

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Leticia Stradiotto

A primeira cena de Boyhood: Da Infância à Juventude é um céu nublado, mas muito azul. Yellow, do Coldplay, toca ao fundo. Logo, somos apresentados a um menino que observa o céu, deitado na grama com o braço dobrado sob a cabeça. Essa criança nos introduz a um rosto que não conhecemos e se torna familiar em pouco tempo, pois enquanto ela observa o céu, nós a observamos crescer e abraçar o mundo – entre os céus claros e escuros. 

Você já se perguntou como as pessoas envelhecem nos filmes? Normalmente, essas impressões são realizadas através de maquiagens bem elaboradas, técnicas avançadas de edição e efeitos especiais para simular a passagem do tempo. No entanto, em Boyhood (no original), Richard Linklater optou por uma abordagem radicalmente diferente e autêntica: a obra foi gravada ao longo de 12 anos consecutivos, permitindo que o envelhecimento dos personagens acontecesse de forma completamente natural.

Linklater é conhecido pela sua habilidade única em capturar o curso da vida, também evidente na trilogia de romance Antes do Amanhecer (1995). O diretor e roteirista se mostra capaz de esculpir o tempo em uma obra cinematográfica que completa dez anos de lançamento em 2024: em Boyhood, a narrativa é centrada em Mason (Ellar Coltrane), um menino que tem seis anos quando a história começa e 18 quando termina.

Durante o longa, acompanhamos o desenvolvimento da família do garoto, em que as crianças crescem e os adultos ficam mais grisalhos. Mason é filho de pais divorciados ao lado de sua irmã Samantha (Lorelei Linklater, filha do diretor do filme), que também passa por suas próprias transformações e desafios. O pai, Mason Sr. (Ethan Hawke), é um homem carismático e amoroso, cuja relação com os filhos é marcada por sua constante ausência. Já a mãe, Olivia (Patricia Arquette), é a figura central da família, enfrentando as dificuldades de criar duas crianças sozinha, enquanto se envolve com homens problemáticos e busca seu próprio desenvolvimento profissional.

Juntos, esses personagens formam um retrato íntimo e realista das complexidades e mudanças inerentes ao tempo. Mason enfrenta uma série de desafios que moldam a sua jornada, como a separação dos pais, a mudança frequente de residências, a presença de padrastos abusivos, os próprios gostos e temores da adolescência, e claro, a incerteza do futuro.

A passagem pela adolescência é uma dificuldade universal da vida e a representação autêntica dessa fase nos lembra que todos já passamos por algo semelhante ou conhecemos alguém que passou, tornando cada cena profundamente ressonante. O mais encantador é que o protagonista aceita o presente com uma boa natureza, semelhante ao que, muito provavelmente, aconteceria na vida real. Nada está distante da nossa realidade; pelo contrário, tudo é um espelho de nossas experiências.

É isso que torna Boyhood singular. O filme funciona quase como um borrão, onde as transições da vida de Mason ocorrem de maneira sutil e contínua. Embora tenhamos visto personagens envelhecendo em outras obras e programas de TV, como as crianças na saga Harry Potter, nunca testemunhamos essa transformação ocorrer em um período de tela tão compacto e com tamanha naturalidade.

A técnica de lapso de tempo de Linklater revela, de forma impressionante, que essa percepção acelerada do momento poderia se aplicar facilmente a todos os personagens do filme. Crianças e adultos não são entidades distintas, mas compartilham a mesma trajetória – exatamente como nós. Não existe um meio termo; todos passam por cada etapa à sua maneira e a única certeza que a gente tem é que tudo isso passa. 

Da infância à juventude, o longa carrega consigo uma verdade simples e urgente: a vida é incrivelmente breve. O agora pode parecer uma eternidade, porém à medida que crescemos, as fases da vida deixam de ser uma narrativa contínua e se transformam em uma coleção de momentos lembrados e meio esquecidos, que flutuam na nossa memória.

Como diz Mason nas cenas finais: “não aproveitamos o momento, o momento que nos aproveita”. As mudanças, os desafios e as celebrações acontecem enquanto eles estão ocupados vivendo, e só mais tarde se dão conta do impacto dessas vivências. O longa reflete essa universalidade, mostrando que estamos todos juntos nessa jornada de mudança constante, tornando a experiência algo simultaneamente individual e coletivo.

Essa é uma celebração dos milhares de recomeços que compõem nossas vidas, mostrando que cada fim é também o começo de algo novo. Através da história de Mason, somos guiados por uma série de transformações que, apesar de cotidianas, são significativas. Cada fim marca o início de algo novo, ilustrando a natureza cíclica da vida. A entrada de Mason na faculdade, por exemplo, não é apenas o encerramento de sua adolescência, mas também o começo de sua jornada como jovem adulto.

Toda essa naturalidade faz com que a obra continue ressoando com o público mesmo após uma década. O filme captura a beleza do ordinário que reside nas constantes renovações. E se a vida é sobre algo, talvez seja sobre Boyhood. Ele nos lembra que a grandeza da vida está nos momentos simples e nos recomeços que, apesar de ordinários, definem nossa jornada e a tornam extraordinária.

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Laura Hirata-Vale

Dezembro de 1970. Nos dormitórios da Barton Academy, os estudantes fazem suas malas para o tão aguardado recesso de Natal. É hora de voltar para a casa, rever a família e usufruir das festas de fim de ano. Porém, um grupo seleto de estudantes fica na escola: esses poucos alunos – conhecidos como Os Rejeitados – ficam sob os cuidados do difícil professor Paul Hunham (Paul Giamatti) e da enlutada cozinheira-chefe Mary Lamb (Da’Vine Joy Randolph). Em The Holdovers, lançado em 2023, vemos como o feriado natalino mexe com os sentimentos, e como a saudade, a dor e a felicidade se revelam – seja por meio de milagres ou por meio da força.

Hunham é um professor de Estudos Clássicos. Sua rigidez é abominada pelos alunos, enquanto sua vesguice é fonte de zoação. Detestado até por seus colegas, o acadêmico é chato, introvertido e carrancudo, e ao ser escolhido para ser o supervisor d’Os Rejeitados, decide fazer das férias dos estudantes uma continuação do ano escolar. Inicialmente formado por quatro jovens, o grupo recebe mais um participante: Angus Tully. Revoltado pelo abandono da mãe, que preferiu deixá-lo na escola para viajar com o novo marido, o personagem do estreante Dominic Sessa irrita o professor até seu último fio de cabelo.

Em uma mistura de drama e comédia, Os Rejeitados mostra os conflitos que os internatos americanos possuem. A corrupção entre a administração e os pais, o senso de grandeza dos adolescentes, o distanciamento e cobrança familiar são alguns pontos que aparecem durante o filme – que relembram, com certa clareza, os acontecimentos de A Sociedade dos Poetas Mortos (1990). Os momentos tensos do longa trazem um ‘quê’ tragicômico, quando copos de bebidas alcoólicas trazem confissões puras de forma natural, como instantes bêbados vindos do fundo do coração. 

Durante a obra, o contraponto da sinceridade, ingenuidade e da inconveniência são explorados ao extremo. Enquanto Tully é um jovem em formação, Hunham é um senhor sem nenhum tato, e ambos trazem às telonas o sentimento de vergonha alheia nas situações que são colocados. Desde comentários sem noção a falas ingênuas que não são nada agradáveis, a dupla tenta se entender: por que será que Angus é tão jovem e já é tão revoltado? Por que será que Paul é tão rabugento e tão solitário? Os conflitos entre os dois são assistidos e por vezes intermediados por Mary, que – na maior parte do tempo – fica sozinha, processando a perda do filho na Guerra do Vietnã.

Lançado no 50th Telluride Film Festival, The Holdovers traz o espírito natalino para qualquer época do ano. Por meio da trilha sonora feita por Mark Orton, o filme é acompanhado por hits festivos e dos anos 1970 – a época em que a história se passa. Bem-humoradas, as canções ambientam o espectador no clima invernal, repleto de neve e chocolate quente. Indo dos momentos de descontração até os mais tensos – como o colapso emocional de Mary em uma festa de Natal – o uso das músicas dá mais força ao teor cômico e dramático do filme.

Outro ponto de destaque de Os Rejeitados são as atuações. Enquanto Dominic Sessa fez sua estreia no Cinema, os experientes Paul Giamatti e Da’Vine Joy Randolph voltam para as telas de forma triunfal: os dois receberam indicações ao Oscar 2024. Giamatti está na corrida na categoria de Melhor Ator, junto aos veteranos Cillian Murphy e Bradley Cooper, e a grandiosa Joy Randolph – já condecorada com um Globo de Ouro e com um SAG Awards por seu papel – compete em Melhor Atriz Coadjuvante, ao lado de Emily Blunt e Danielle Brooks. 

The Holdovers recebeu ainda mais três indicações ao Oscar, incluindo Melhor Filme, a principal categoria da noite. Numa competição difícil, ao lado de Oppenheimer e Pobres Criaturas, o filme dirigido por Alexander Payne não é o favorito dos críticos à estatueta. O roteiro, feito por David Hemingson, foi indicado a Melhor Roteiro Original, enquanto a montagem de pegada setentista do longa, que ficou nas mãos de Kevin Tent, recebeu uma indicação a Melhor Montagem.

Ao fim, os porquês de cada personagem do trio ser do jeito que é são explicados de forma natural e progressiva. O crescimento de Angus, Mary e Paul durante o filme é impressionante – eles conseguem superar medos, mágoas e ansiedades. E, de jeito meigo e ao mesmo tempo conturbado, os três acham em si algo muito importante: o sentimento de pertencer a uma família, e como é significativo e gostoso passar as festas de final de ano juntos. Por isso, é sempre importante lembrar: um feliz Natal para todos! (E para os Rejeitados, também!).

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Pâmela Palma 

O novo filme de Christopher Nolan (Tenet) estreou de um jeito diferente de tudo produzido pelo cineasta até hoje. Oppenheimer chegou às telas com um teor crítico e extremamente didático, algo raramente produzido por outros grandes nomes da atualidade. De forma densa, realista e rica em detalhes, a obra nasce com a intenção de retratar biograficamente a vida do físico e cientista J. Robert Oppenheimer, responsável pelo Projeto Manhattan e pelas duas grandes bombas atômicas utilizadas pelos Estados Unidos nas cidades de Hiroshima e Nagasaki como ultimato para cessar a Segunda Guerra Mundial em 1945.

Para facilitar a compreensão das três horas densas, Nolan constrói uma versão dupla, dividindo as cenas em duas partes: as coloridas, que representam a visão de Oppenheimer (Cillian Murphy), e as que possuem tratamento preto e branco, que, ao invés de relatarem fatos passados, teletransportam o público para o presente, em uma visão externa dos acontecimentos, fazendo com que o filme ganhe um caráter inédito e uma construção visual impecável. Apesar disso, em alguns momentos, o diretor parece ter dificuldade para encaixar os contextos em suas respectivas linhas do tempo, já que o longa aborda diversos personagens para seguir com a história.

O secreto Projeto Manhattan deu origem a Los Alamos, cidade financiada pelo governo americano que foi usada como berço para a bomba atômica. A arma, responsável por aniquilar cerca de 265 mil pessoas, foi construída em segredo no local, liderada por Oppenheimer com a participação de outros renomados físicos, que também ganharam pequenos momentos na trama. Entretanto, o grande elemento de análise é J. Robert Oppenheimer, vivido de forma impecável por Murphy, concorrendo à estatueta de Melhor Ator no Oscar.

Polêmico, ambicioso, confuso e covarde (quando não se tratava de física) são palavras que resumem bem a personalidade do cientista. Embora dono de uma mente genial, ele já possuía comportamentos problemáticos desde a academia. No que diz respeito à construção pessoal do personagem, a trama entrega ótimos resultados, principalmente nos primeiros momentos, ao abordar o fascínio de Oppenheimer pelos elementos químicos, em uma jornada para provar a si mesmo que ele pode fazer mais. É nítido que Cillian Murphy dá a vida e todo o charme necessário para trazer todas as nuances esperadas para o papel. 

Muito da obra gira em torno do caos político que pairava sobre a época. Neste contexto, Oppenheimer se afeiçoa pelo comunismo, logo quando se torna um professor renomado. Sua família não faz diferente: o irmão, Frank (Dylan Arnold), era membro ativo do Partido Comunista, e para a cereja do bolo, o protagonista se casa com Katherine (Emily Blunt), também alinhada ao movimento. Mesmo deixando a organização após se casar, por saber das complicações que causaria na trajetória do marido, os rastros desse passado os perseguem para sempre, se tornando o grande estopim para a carreira brilhante do físico ir ladeira abaixo.

Um ponto alto que merece o devido reconhecimento é o papel que Emily Blunt interpreta durante o desenrolar da história, crucial tanto para a trama, quanto para o descanso dos telespectadores e também reconhecida com uma nomeação da Academia, como Melhor Atriz Coadjuvante. É ela quem traz os principais momentos de emoção, já que a história conta com atuações totalmente racionais e frias. Por outro lado, Florence Pugh, que vive Jean, a amante do protagonista, não teve a mesma sorte e fez o melhor que pôde com seus poucos minutos de tela, que, na maioria, são apenas cenas de cunho sexual. Entre os saltos dessas relações, é nítido quão confusa é a mente de Oppenheimer, vivendo em uma relação morna com ambas as mulheres de sua vida, sem transparecer a sensação de um amor profundo. A morte de Jean surge apenas para tentar trazer uma entonação emocional para o personagem, mas acaba sendo irrelevante. Cillian Murphy e papéis sentimentais na mesma frase são coisas quase impossíveis.

À medida que o projeto se desenvolve e a tão esperada data do grande teste chega, nota-se a evolução do quadro perturbador do pai da bomba atômica. Além disso, algo muito importante vem à tona: o início das movimentações de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) para fazer com que Oppenheimer perca seus acessos confidenciais logo após a entrega da arma. Essa virada de chave é o primeiro passo de Nolan para a tentativa de segurar a curiosidade do espectador para o restante da trama.

Trinity, o momento que todos aguardavam ansiosamente, chega com um apoio gigantesco da trilha sonora de Ludwig Goransson. Composta por pianos, violinos e harpas, ela sustenta o suspense nos minutos antes da explosão, quando surge a grande reviravolta: o silêncio interminável, ao invés do barulho estrondoso de uma bomba, tudo que se pode ouvir é a respiração profunda de Oppenheimer. Nolan faz questão de projetar a cena desta maneira para lembrar que o filme é sobre a visão do personagem e não mais uma história sobre o ataque como outras mil que já existem. É o silêncio que permite captar as emoções de medo e ansiedade do físico, que seguem pelo momento em que os caminhões levam as verdadeiras bombas ao campo de batalha, no qual o vemos desmanchar em arrependimento.

Com um sucesso monstruoso, Oppenheimer acumulou estimados US$ 700 milhões nas bilheterias pelo mundo. O favorito da crítica lidera a lista de filmes indicados ao Oscar com 13 indicações, superando Pobres Criaturas, que possui 11 indicações na premiação mais aguardada do ano. Além deste grande êxito, o filme ainda levou várias estatuetas de premiações renomadas do cinema, como Globo de Ouro, SAG Awards, BAFTA (o Oscar britânico) e Critic’s Choice Awards. No Oscar, consolida sua corrida com Melhor Diretor, para Christopher Nolan, Melhor Filme e Melhor Som, entre outras nomeações.

Seguindo com as explosões. Quando o projeto final é entregue nas mãos das autoridades americanas, as suspeitas de Oppenheimer ser um espião soviético já estão no auge, já que uma operação comandada por um comitê forjado tem investigado a fundo seu passado. Vem a tona que tudo isso é armado por seu até então colega Lewis Strauss (Robert Downey Jr.). A atuação de Downey Jr. entrega uma performance avassaladora, talvez a melhor de sua carreira, digna de um Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.

Como nem tudo na vida é perfeito, ainda faltando cerca de uma hora de Oppenheimer, após o ponto alto que foi o teste Trinity, Christopher Nolan assume o desafio de terminar de contar o restante da história de maneira que prenda a atenção do público. O que sobrou foi um emaranhado de questões políticas que decidiram o destino da carreira de J. Robert Oppenheimer. Os momentos de julgamento parecem intermináveis, contudo, necessários para a finalização do longa, que termina relatando nada mais e nada menos do que a realidade de uma mente brilhante que foi usada pelas autoridades da época e praticamente esquecida depois, reduzido a um homem comum colecionando medalhas.

Trazendo todos os elementos importantes para que possamos chamá-lo de um ‘‘super filme”, Oppenheimer não é para amadores. Longo, denso e detalhista, é uma obra-prima quando se trata de estrutura, uma vez que todos os elementos visuais e sonoros são excepcionalmente bem empregados. Ainda que o elenco possua grandes nomes para tentar suavizar a densidade, a história exige atenção máxima nas três horas de duração e ainda não superou outras grandes produções de Christopher Nolan, como A Origem e Interestelar. Ainda assim, é evidente que é um dos maiores lançamentos de 2023.

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Davi Marcelgo

O Exorcismo de Emily Rose (2005), Exorcistas do Vaticano (2015), O Exorcismo da Minha Melhor Amiga (2022), O Exorcista do Papa (2023): existem mais filmes de esconjuração do que demônios na vida real. Muitos tentaram replicar o sucesso do clássico de 1973, O Exorcista, outros preferiram distanciar-se e fizeram terror do seu próprio jeito; mas ano vai, ano vem e o ato profano de William Friedkin continua irretocável. Em 2023, com a mais nova sequência, o dogma não muda. 

O Exorcista: O Devoto (2023), no original com o subtítulo Believer, é uma história de dois nomes: O Exorcista e David Gordon Green. Ele é diretor da nova sequência e também da controversa última trilogia de Halloween (2018-2022), enquanto o primeiro é o clássico unânime de terror, considerado obra-prima. Diante disso, surge a polêmica: um diretor com histórico de destruir uma franquia amada, que também é oriunda de um cineasta com clássicos prestigiados, – Halloween de John Carpenter – assume a missão de costurar uma túnica moderna para a obra. Então, qualquer alarde ressoa até o inferno. 

O novo Exorcista é uma continuação direta do filme de 1973, desconsiderando prelúdios e sequências que vieram depois dele, assim como aconteceu com a trilogia de Michael Myers. Na trama, as amigas Angela Fielding (Lydia Jewett) e Katherine (Olivia Marcum) são possuídas pelo demônio após tentar contato com a mãe de Fielding, que já faleceu. Quando as coisas chegam ao extremo, o cético Victor Fielding (Leslie Odom Jr.) precisa ter fé para salvar sua filha.

O ponto crucial é que O Devoto está longe de ser uma heresia, tampouco destrói o material original. Pelo contrário, ele faz homenagem. Ao abrir o longa com dois cães brigando, referencia o trabalho de Friedkin e, de certa forma, mantém as temáticas também. Ao mesmo tempo, Gordon Green tenta ser um pouco diferente, o que é deleitoso porque deixa marcas autorais. Porém, nesse segundo traço, a mente por trás do filme perde a mão e repete os frequentes problemas das requels e dos recentes filmes de terror hollywoodianos.

Ellen Burstyn retorna à franquia depois de 50 anos, reprisando seu papel como Chris MacNeil, mãe de Regan (Linda Blair) – a garota possuída em 1973. MacNeil tem o mesmo tratamento que outras protagonistas clássicas em sequências-legado. Por homenagem, coesão de universo ou para apelar à nostalgia ao público, essas continuações trazem de volta personagens do primeiro filme ou da primeira trilogia – mesmo que as atrizes já estejam mortas – e quase sempre ceifam suas vidas ou dão pouquíssimo tempo de tela. 

Chris MacNeil fica de escanteio, com duas ou três participações e depois some da câmera. Em entrevista ao The Hollywood Reporter, Burstyn revelou que gravou outras cenas para a sequência The Exorcist: Deceiver, que tinha a data de lançamento prevista para 2025, mas que foi substituída pela estreia do filme biográfico sobre o rei do pop Michael Jackson. Junto a isso, David Gordon Green não está mais no comando dos próximos filmes de O Exorcista, de acordo com uma matéria de Janeiro de 2024. Então, a participação da atriz pode ou não acontecer. 

O motivo desse pouco tempo de tela ainda é nebuloso. Argumentar que ela já alcançou certa idade – tem 91 anos – e tem problemas para atuar até seria válido se a atriz não tivesse concedido uma entrevista ao Interview dizendo que este é o momento mais ocupado da carreira dela. A veterana está em outros projetos, como Law & Order: Organized Crime. Na mesma entrevista, ela também arranca elogios ao diretor David Gordon Green. 

Outra armadilha que a nova geração de horror cai é a de se assemelhar aos filmes da Marvel. Em certos momentos, a edição de Timothy Alverson e direção parecem estar criando uma iniciativa Vingadores versão representantes religiosos, se afastando do terror e se possuindo pela nova onda de Hollywood. O conteúdo se transforma numa dicotomia ao invés de se aprofundar no medo e seus temas que diferem gêneros. 

Por outro lado, a aposta nesse tipo de construção eleva personagens e soou positivamente. A requel subverte expectativas antes de se tornar uma cartilha de moralismos, pregando sustos que te fazem pular da poltrona. Ele também provoca desconfortos físicos: a cena do interrogatório no hospital após as meninas serem encontradas é sufocante. Uma das sequências no hospital executa uma montagem excelente com cortes rápidos, muito movimento e com enfermeiros e policiais fazendo perguntas para as crianças, colocando o espectador para dentro daquela experiência desconfortável que as meninas estão sentindo. A cena lembra a angústia de Regan passando por exames médicos invasivos. 

Quando se trata de medos, David Gordon Green reage aos estímulos estadunidenses. Em Halloween (2018), ele tece críticas à cultura do espetáculo, trauma e superação. Em O Exorcista – O Devoto não é diferente, e o diretor e roteirista pincela temas de falsa moral religiosa e prática do bem. Praticando a continuidade da ideia de que o mal está para além do demônio, está em todas as partes, conecta o primeiro take do filme à cena dos cães no original. O escritor faz menção a cena de 1973 e traz sua visão já estabelecida para a nova sequência.

Esperamos sempre que filmes sejam obras-primas absolutas, divisores de águas, filmaços (ou pelo menos deveríamos), mas o resultado nem sempre é esse. O Devoto está no meio dessas tantas produções que vamos esquecer em pouco tempo ou que será fortemente lembrado porque paira a sombra de uma apoteose audiovisual. O destino real, só o tempo dirá. O futuro da nova trilogia segue incerto e procura por um diretor para redigir esta missa. 

Ao final do dia, O Exorcista – O Devoto é só mais um filme de possessão. A obra não vai estabelecer paradigmas igual o antecessor, tampouco apavorar gerações. Daqui a 20 anos, veremos mais uma versão de O Exorcista, Halloween, Pânico e Hora do Pesadelo (que incrivelmente está na geladeira desde 2010) e de outros clássicos. Mesmo assim, os originais continuam ali, como uma Bíblia para os fãs de horror, e aos novos entusiastas, prontos para pregar sustos geracionais. 

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Agata Bueno

O terceiro filme da saga Trolls não é só para crianças e nem para quem chegou de paraquedas na relação entre os Bergens e as pequenas criaturas de cabelo colorido. A terceira animação da franquia acerta, mais uma vez, em abordar situações complexas do mundo real a partir do ponto de vista dos seres fãs de abraços. Com trocadilhos bem colocados entre as aventuras dos personagens e um amadurecimento das relações vistas inicialmente, Trolls 3 – Juntos Novamente mescla um humor um tanto mais crescido com cores vibrantes. 

Antissocial e mal-humorado costumavam ser os dois adjetivos principais para caracterizar Tronco. Até a chegada de Poppy. Mesmo após enfrentar gigantes, sobreviver a infinitas horas do abraço e se aventurar entre todos os ritmos da Música, alguns sentimentos não vão embora. Em meio a um casamento que traz consigo doses extras de glitter e nostalgia, descobrimos que a antipatia do troll pessimista vem de sua relação com seus irmãos. Ou melhor, da falta dela: após o fim da BroZone, todos os integrantes seguiram seu próprio caminho e deixaram para trás uma versão menor e mais fofa de Tronco.

Abordar temas tão marcantes quanto o amadurecimento e as diferentes dinâmicas familiares parece fácil quando se adiciona músicas coreografadas e grandes quantidades de purpurina. Diferente de outras franquias, as novas criaturas e mundos que surgem a cada sequência são muito bem recepcionados e encaixados ao longo das narrativas. E não seria diferente com os integrantes da Brozone, os trolls que foram separados na grande fuga e as novas faces vindas de Monte Irado. Embora os Bergens tenham mais destaque do que os fiéis escudeiros de Poppy em Trolls 3, os irmãos perdidos tomam conta dos holofotes.

O encontro de John Dory, Spruce, Floyd e Clay com o irmão mais novo direciona a viagem dos trolls para longe de seu reino. Salvar Floyd das garras de artistas sem talento é apenas o primeiro passo de uma excursão cheia de surpresas. Uma delas é o encontro entre Poppy e Viva, a filha mais velha do rei Peppy perdida após a grande fuga dos Bergens. A descoberta showtástica que, além de realizar o pedido da troll cor de rosa, não rouba a cena de forma alguma e que faz sentido – devido ao histórico do rei. Uma reunião de boyband e as diferentes relações entre irmãos tornam-se o combo perfeito com o toque da alegria troll.

Numa era de filmes nostálgicos, com remakes e live actions, a Dreamworks parece caminhar para um futuro próspero (e esperamos que longe das garras da Disney). O estúdio de animação aposta nas reuniões de bandas que se separaram há muito tempo e agrega tanto conteúdo quanto um público mais velho para dentro das salas de cinema. A reunião do ‘N Sync no palco do VMA 2023 foi apenas um show de abertura para o espetáculo em Trolls 3. O quinteto, que possui Justin Timberlake como integrante e dublador oficial de Tronco, divulgou a primeira canção após 22 anos no trailer oficial da animação. 

No primeiro capítulo da franquia, a música Can’t Stop the Feeling! de Timberlake, criada especialmente para a animação, alcançou o 1º lugar na Billboard Hot 100 e uma nomeação a Melhor Canção Original no Oscar de 2016. Better Place, a nova faixa do ‘N Sync, não fica para trás. A composição traz o grupo de volta aos charts da Billboard pela primeira vez desde 2002, além de mostrar a clara intenção de concorrer novamente ao maior prêmio do Cinema. Infelizmente, o peso da canção não foi o suficiente para encantar os jurados da Academia. 

O que sabemos é que a mistura de cores tem dado certo. Os seres de cabelo para o ar conseguem unir trilhas dançantes com temas profundos e mesmo assim encantar diferentes públicos, prontos para cantar junto. O último filme da saga (até agora), ao embarcar na nostalgia, foi capaz de inserir uma animação no cenário musical atual. Após o desfecho, a saga se encaminha para uma quarta e quinta animações em sequência. 

Ainda há muito o que ver – e muitas canções originais a caminho. As interações entre os antigos conhecidos da Vila Troll e os recém-chegados prometem muitas aventuras, sem contar com um casamento à espreita. Só nos resta esperar a próxima turnê do BroZone e torcer para que, depois de Trolls 3: Juntos Novamente, o ritmo continue. 

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