Nathalia Tetzner

Celebrando 60 anos de vida em 2023, Maria da Graça Meneghel entrega a figura estelar da Rainha dos Baixinhos nas mãos da roteirista Camila Appel e dos diretores Pedro Bial, Cássia Dian e Mônica Almeida que, em Xuxa, o Documentário, resgatam os momentos cruciais do maior fenômeno da história do entretenimento brasileiro. Dividido em apenas cinco episódios liberados semanalmente pela plataforma de streaming Globoplay, o seriado tenta o impossível: compilar décadas de uma trajetória estratosférica. E, com as cortinas do espetáculo despencando na frente do espectador, o produto final cai, mas não sem atirar o brilho da fantasia de volta. 

Isso porque, ainda que a realidade cruel dos fatos voem na velocidade de um foguete em direção ao público, geracionalmente encantado pelo mundo colorido dos programas de Televisão comandados pela loira mais carismática do país, o ponto alto da narrativa é atingido justamente graças à retomada da magia utópica dos anos 1980 e 1990. Afinal, a equipe por trás de Xuxa, o Documentário confronta a difícil tarefa de invadir o pessoal de uma imagem consolidada que, frente às inúmeras exposições por parte de sua ex-empresária Marlene Mattos, sempre tentou reservar o campo privado, ao mesmo tempo em que o trabalho tomou conta de tudo.

No entanto, apesar de discreta, a apresentadora nunca foi uma persona ou alguma máscara para esconder um dilema. Com isso, a grande sorte da produção é a simples presença da Rainha dos Baixinhos como a protagonista central, uma vez que não existe uma face oculta a ser desvendada. Como ela própria descreve no documentário, Xuxa se tornou algo entre uma babá eletrônica e a professora que não puxa a orelha quando os televisores passaram a fazer parte do convívio diário das famílias, assim, com tamanho fanatismo e incontáveis situações icônicas, não sobra muito espaço para adentrar com a devida profundidade em seu íntimo. 

É quando o documentário consegue brechas de privacidade que o seriado parece finalmente engatar, porém, até isso acontecer, os capítulos Supernova e O Mundo a Seus Pés esbarram nas grandes conquistas da carreira artística de Xuxa, o que, primeiramente, não prova nada para além do que já é de conhecimento geral. Mesmo que possam ser considerados os mais fracos em termos de atratividade, principalmente por atravessarem de forma rasa por tópicos sensíveis – como o breve encontro com o ator mirim do filme Amor Estranho Amor (1982) –, ambos acabam sendo mais coerentes em comparação aos demais.

Genuína, Maria da Graça Meneghel ultrapassou o público-alvo infantil para se consagrar na cultura como um todo. Firmando parcerias duradouras com a emissora TV Globo e a gravadora Som Livre, a Rainha dos Baixinhos criou até mesmo uma das profissões mais desejadas pelas jovens do século passado: o cargo de paquita. Alta, loira e dos olhos azuis, ela passou a ser um biotipo a ser vendido e exportado mundo afora como uma boneca, em que nem mesmo o fracasso comercial nos Estados Unidos, território da primeira assistente de palco negra – outra questão abordada com rapidez pelo seriado –, a impediu de ser um símbolo universal. 

O roteiro de Camila Appel, por vezes inconsistente em meio a desnecessária ênfase nos relacionamentos amorosos de Xuxa, finalmente encontra a fórmula mágica com Amor, Morte. Vida, Fogo. Embora trate Ayrton Senna e Adriane Galisteu com uma falta de senso vergonhosa, o capítulo acerta como nenhum outro ao abordar os efeitos colaterais do fenômeno, ao mesmo tempo em que deixa nítido como a apresentadora é realmente tudo que ela representa. Aqui, os depoimentos do segurança Magno Chaves e a exibição inédita do nascimento da filha, Sasha Meneghel, elevam a qualidade sensível do conteúdo ao ápice.

Tal comoção se repete no episódio final Uma Velha Chocante, que exibe a tomada do controle da narrativa por parte de Maria da Graça Meneghel. O desfecho tem lá a sua dose de moralismo e propaganda, mas vem em ótimo momento por suceder o fatídico reencontro da artista com sua ex-empresária, Marlene Mattos. Sentadas em uma sala de teatro com Pedro Bial constantemente interrogando as duas, Encontros e Despedidas embrulha o estômago e somente uma rede social tão inóspita como o Twitter, agora X, poderia julgar que Mattos teria saído por cima quando ela admite não se arrepender de grande parte dos seus atos.    

Às vezes perdida no universo de infinitas possibilidades proporcionado pelo império do entretenimento construído por Xuxa, a série do Globoplay trata a apresentadora exatamente como nas palavras de Renato Aragão: “A Xuxa nasceu pra ser uma estrela. Se ela não fosse uma estrela de Televisão, de palco. Ela seria uma estrela do mar, uma estrela do céu, uma coisa assim”. Com uma protagonista que se assemelha a tantas figuras femininas que meninas e meninos crescem admirando, Xuxa, o Documentário apresenta falhas técnicas dolorosas, mas que, diante da grandiosidade singular da Rainha dos Baixinhos, têm a sorte de serem perdoadas.

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Nathalia Tetzner

A história contada por Pantanal é atemporal e se confunde com uma moda sertaneja que há décadas emociona peões: “ele tinha um cavalo preto por nome de Ventania e um laço de doze braças do couro de uma novilha”. Desde a primeira exibição da novela, em 1990, até o remake em 2022, a trama pouco mudou, ainda que o Brasil, acumulador de uma quantidade exorbitante de gado, tenha sofrido grandes transformações. Ao som da mesma canção, o ‘Véio’ Joventino cavalgou país afora até um dia sumir e deixar seu filho José Leôncio para trás. Ele, bicho do mato, se meteu com uma moça da cidade e da união nasceu Jove, o primeiro herdeiro sem padrão de boiadeiro que chegou para “cutucar a onça com vara curta”. Da luta entre humano e felino, a novela reviveu o seu destino. 

Originalmente, a música responsável pela abertura icônica foi entoada por Marcus Viana e sua voz pulsante. Dessa vez, no entanto, Maria Bethânia e Almir Sater adicionaram frescor e serenidade ao instrumental, atribuindo, assim, um sentimento de pertencimento em um futuro que constantemente clama pela nostalgia do enredo; se os nossos pais assistiram o folhetim há 32 anos e nós no ano passado, “os filhos dos filhos…dos nossos filhos” certamente também verão Pantanal. Mantendo o sentido da árvore genealógica, a nova roupagem foi adaptada por Bruno Luperi, neto de Benedito Ruy Barbosa, o escritor da versão que virou um clássico e se mantém atual graças a ambientação, feita em um bioma que traduz tão bem a resiliência e diversidade da nação através de sua fauna e flora.

Diferentemente do contexto de consolidação das telenovelas na época em que o texto estreou – quando a extinta Rede Manchete emplacava clássicos como Dona Beija e Kananga no Japão -, a refilmagem da TV Globo herdou o fracasso de Lícia Manzo com Um Lugar ao Sol, drama inédito em dois anos e o primeiro a ir ao ar totalmente gravado após uma sequência de repetições causada pela pandemia de coronavírus. E, por isso, assumiu a árdua tarefa de reerguer a audiência e chamar o público jovem para sentar no sofá e assistir à Televisão – um desafio para os dias atuais. A tentativa não foi falha: a direção composta pelos nomes Davi Lacerda, Noa Bressane, Roberta Richard, Walter Carvalho e Cristiano Marques soube desde a claquete inicial como atingir em cheio o seu público-alvo.

Em um ato que soou como o cantar de um passarinho recém-nascido, que fez sentir a brisa fresca que sopra à beira-mar, o núcleo central da faixa nobre foi finalmente deslocado do ciclo vicioso fundado no uso de cenários divididos apenas entre as grandes capitais da economia e do entretenimento brasileiro, São Paulo e Rio de Janeiro. Com audição e tato apurados, a direção artística de Rogério Gomes e Gustavo Fernandez capturou em cena as cores vívidas ainda não totalmente descobertas pelo espectador e, desse modo, os prédios cinzentos da Avenida Paulista e as enormes mansões do Leblon foram deixados para trás em meio ao resgate de um passado mais simples e condizente com a realidade sociocultural do país.

Como toda novela de respeito, Pantanal foi dividida em duas fases não somente com a intenção de demonstrar a passagem de tempo, mas também de desenvolver o conflito principal da trama e transformar as suas personagens. Acontece que a atuação excepcional do elenco jovem conseguiu surpreender e fidelizar o público em poucas semanas de exibição, sendo extremamente difícil se desapegar das faces que se tornaram tão familiares. Renato Góes e Bruna Linzmeyer nos corpos de José Leôncio e Madeleine construíram uma tensão cortante digna de protagonistas imponentes. Já Letícia Salles, estreando como atriz, roubou os holofotes e entregou uma Filó forte para Dira Paes. Por outro lado, Malu Rodrigues e Gabriel Stauffer carregaram a melhor versão dos antagonistas Irma e Gustavo.

Porém, se a região pantaneira ainda não havia sido habitada por camaleões, tudo mudou com a chegada de Irandhir Santos, a quem se deve a maior aclamação artística. Na pele do ‘Véio’ Joventino, o ator externou as marcas de uma trajetória vivida no lombo de cavalos com um berrante em mãos e, em uma escalação tão peculiar quanto a linhagem da série Dark, ele voltou para a segunda fase do enredo como o neto bastardo José Lucas de Nada, dono de uma personalidade completamente distinta e, não por isso, mal interpretada. Mesmo que apegados aos atores, a brilhante transição não deixou a animosidade dos noveleiros cair. Marcos Palmeira, Karine Teles, Camila Morgado e Caco Ciocler conduziram o texto até o seu clímax.

O remake do clássico trouxe de volta os clichês intrínsecos ao gênero e que, há tempos, estavam sumidos. Isso porque as produções sofreram uma mudança brusca de tom e passaram a adaptar a estrutura para o drama ‘pé no chão’ das séries, modelo repercutido pelo avanço dos streamings, incluindo a própria Globoplay. Exibida em 2019, A Dona do Pedaço, de Walcyr Carrasco, foi a última obra antes de Pantanal que teve direito a coincidências improváveis e uma dose de humor cavalar. Para a surpresa de quem subverteu o formato novela, o carisma um tanto quanto utópico da mulher que vira onça, do homem que é possuído por uma entidade muito boa de viola e do senhor de idade que se transforma em sucuri foram suficientes para eternizar os personagens em memes nas redes sociais.

Desde a irritação de José Leôncio com “larga a mão, Filó”, passando por Ari na comunicação com a fazenda em “Pantanal, na escuta? Câmbio”, e a vontade de fugir de Juma com “querimbóra”, os jargões ganharam espaço no cotidiano. Foi graças às expressões marcantes dos protagonistas e a adesão da juventude, agente controlador da popularização pelos meios, que a novela se tornou um fenômeno multimídia. O retorno das cenas dos próximos capítulos nos minutos finais também ajudou no resgate do gênero de folhetim. O aspecto foi extinto da TV Globo justamente pela exibição de Pantanal na Rede Manchete. A sua volta diminuiu a pressão para encaixar um gancho e aumentou o desejo de continuar assistindo com apenas alguns relances, mantendo uma ordem natural dos acontecimentos.

O diretor geral Walter Carvalho também assinou a Fotografia do remake. Vívida, esplendorosa e natural, a ilustração da região manteve uma característica autoral por todos os cenários, tenham sido eles a grande fazenda dos Leôncios ou a simples tapera dos Marruá. Ainda que rodeado de beleza, Carvalho não deixou de demonstrar o drama da violência no campo, tópico recorrente do enredo, com a mesma sensibilidade. Por meio de tons frios, o ciclo de destruição causado pela especulação latifundiária, que se alastrou pela trajetória de Gil (Enrique Diaz) e Maria Marruá (Juliana Paes), colocou em debate a luta pela terra. É tal composição visual que une as duas famílias principais da novela, quando os agricultores se apropriam de um canto abandonado pelos peões.

Juma (Alanis Guillen) chegou ao mundo tida como uma maldição pela mãe, desorientada depois da perda de três filhos para os senhores da agropecuária brasileira. Porém, o destino em forma de sucuri despertou a onça que defendeu a sua cria até a sua segunda morte, quando já encantada no corpo do felino pintado. Em busca de vingança pelo pai, dono de um pedaço de terra vendido ilegalmente, Muda entrou na trama para confundir os sentimentos da filha de Marruá, criada para se defender de tudo, menos do amor. Assustada pelo instinto animal que farejava as suas mentiras, incluindo a farsa acerca da falta de voz, a personagem falou através do olhar intenso da intérprete Bella Campos e, em sincronia com Guillen, consagraram-se em uma dupla imbatível: “não fala nada, Muda”.

Outra forma de violência que pautou o roteiro foi a agressão física e psicológica enfrentada por Maria Bruaca (Isabel Teixeira) nas mãos do seu esposo e grande vilão de Pantanal, Tenório (Murilo Benício). Ao contrário da ficção, em que o apelido pejorativo marcou as falas das personagens, no ‘dia a dia’, os noveleiros se simpatizaram com a representação brutal e adotaram um apelido carinhoso, ‘Mary Bru’. Ela, inicialmente tida como uma personagem secundária, ganhou espaço de protagonista graças à interpretação fascinante de Teixeira ao lado de Benício, ambos incoerentemente unidos no mesmo tom em cena. Galã de muitas gerações, ele se desfez da face icônica de ‘mocinho’ e se transformou em um ser humano cruel. 

Contudo, se os pais causaram uma mistura de sentimentos, os filhos do casal e da outra família do antagonista foram insuportáveis, não havendo a mínima chance do público nutrir algo por eles para além do desprezo, com destaque para a chatice apoteótica de Guta ‘regatinha’. Bruno Luperi, na tentativa de modernizar a narrativa, errou a mão na construção da personalidade da jovem e deu uma bomba para a atriz Julia Dalavia segurar. Ainda nessa questão, o autor conseguiu reescrever a trajetória de Zaquieu (Silvero Pereira), mordomo que se apaixona pelo peão Alcides (Juliano Cazarré). Mas a assombração da heteronormatividade permaneceu no discurso, no qual ele e Jove (Jesuíta Barbosa) foram frequentemente enquadrados como ‘frozô’ e o repúdio de José Leôncio ao ato dos boiadeiros não colou.

Assustadoramente encantador e possuído por um ‘cramulhão’ que fez magia com as cordas da viola, o peão Trindade (Gabriel Sater) parou o coração do público e de Irma (Camila Morgado). O casal, no entanto, foi injustiçado por um fim desanimador motivado pelo interesse da ruiva em José Lucas de Nada. O ator, filho de Almir Sater, repetiu o papel que na versão original era do pai e dividiu a cena uma última vez com ele em Pantanal; dessa vez, na pele do chalaneiro Eugênio, em uma batalha de Música fervorosa que arrancou lágrimas e arrepios. Em meio a simplicidade deslumbrante da natureza, momentos como este jogaram de um precipício as passagens tenebrosas no urbano do Rio de Janeiro, felizmente deixadas de lado ao longo dos meses.

Mergulhando nos altos e baixos dos romances de Pantanal, é perceptível o quanto o remake se esforçou para provar que “a maior força da natureza é o amor”. José Leôncio e Filó provaram que o tempo realmente cura tudo. Já Muda e Tibério se encontraram em um cenário nada esperançoso e trouxeram para as telas a doçura de um enlace verdadeiro. Por outro lado, Tadeu (José Loreto) e Zefa (Paula Barbosa) superaram as diferenças de valores que os separavam para ficarem juntos. Entretanto, nenhum casal expressou com tanta fidelidade o slogan apaixonado quanto Maria Bruaca e Alcides em busca da liberdade que somente o bioma fértil pode proporcionar, após a violência covarde de Tenório contra o peão que protagonizou o momento mais chocante da trama. 

Na pele de Tadeu, José Loreto surpreendeu com uma atuação que fez parecer que o personagem foi escrito especialmente para ele. Ao lado de Dira Paes, o ator concretizou o feito extremamente difícil de não ser engolido pela aura de uma das veteranas mais experientes da dramaturgia. Confrontados com diálogos duros e secos, Loreto e Paes afloraram o lado sentimental de quem assistiu diariamente a relação genuína entre mãe e filho. De filho bastardo a sucessor natural do legado de boiadeiro do avô Velho Juventino, Tadeu muitas vezes brigou sozinho pela atenção do pai até o seu encontro com o ‘Véio do Rio’ no último cápitulo: “Você não ganharia a minha sela de prata se não fosse um Leôncio. […] Diz pra ele que eu disse que ocê é o meu neto de amor”.

Responsáveis por manter o coração de Pantanal batendo forte, Juma e Jove foram, mais do que nunca, os grandes protagonistas da novela. Em 2022, assistir o encontro do casal foi como presenciar o embate entre felino e humano. Ela, nascida livre como um ser selvagem na imensidão da natureza, e ele, criado na redoma de vidro de uma mansão luxuosa, mas sem vida. Embalados pela música-tema Amor de índio na voz de Gabriel Sater, a união desses dois opostos fez o amor se consagrar como sagrado. Em harmonia com o verde do bioma e o vermelho da paixão, a dupla Alanis Guillen e Jesuíta Barbosa trouxe o frescor da descoberta de algo novo: uma química delirante, estrondosa e arrebatadora digna de reportagem do Fantástico. 

“O homem é o único animal que cospe na água que bebe. O homem é o único animal que mata para não comer. O homem é o único animal que corta a árvore que lhe dá sombra e frutos. Por isso, está se condenando à morte…” – Benedito Ruy Barbosa

A entidade ‘Véio do Rio’ foi a personificação do remake. O ator Osmar Prado trouxe para a composição a força da sabedoria de quem conhece o bioma, fala com os animais e espalha o amor. Único capaz de laçar um marruá, espécie de boi feroz, ele também foi o fator responsável por arrematar as histórias das famílias Leôncio e Marruá em uma só trajetória. Entre as paisagens belas e o desmatamento impiedoso, a novela de Bruno Luperi reergueu a audiência do gênero, fez jus a versão original de seu avô e reviveu o destino. Atemporal, é um dever que Pantanal seja adaptada novamente no futuro, assim, repetindo um ciclo fundamental: “Redescobrindo as Américas quinhentos anos depois/Lutar com unhas e dentes pra termos direito ao depois/Fim do milênio, resgate da vida, do sonho, do bem”.

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Isis da Silva Bianco

Trinta anos após o assassinato de Daniella Perez, Glória Perez, a mãe da atriz, participa de Pacto Brutal – O Assassinato de Daniella Perez, documentário que disseca a breve vida e morte da filha,  assassinada no dia 28 de dezembro de 1992. Em uma tentativa de reviver a memória da primogênita, a escritora reuniu uma dose de coragem e, junto com a HBO Max, produziu a emocionante série documental de cinco episódios. A produção revive a memória do público sobre quem realmente foi Daniella e como, na época, a defesa dos assassinos e a grande mídia criaram uma narrativa que distorceu a sua verdadeira imagem. 

Os responsáveis por trazer a obra aos olhos do público são Tatiana Issa, que atua como produtora e diretora, e Guto Barra, responsável pelo roteiro e direção, ambos ganhadores do The New York Emmy, na categoria Artes/Entretenimento de Longa Duração pela série Immersive.World, de 2021. A novelista também participou ativamente da produção do documentário, cedendo todo o acervo coletado sobre o caso ao longo dos anos. Em uma entrevista exclusiva para o site AdoroCinema, Tatiana afirma: “As pessoas esquecem com o tempo. O que ficou foram mentiras e fofocas. Versões errôneas que foram perpetuadas durante mais de 30 anos“.

A obra é narrada principalmente por Glória e, conforme a história progride, amigos e familiares adicionam suas declarações sobre o caso e compartilham suas lembranças sobre a vítima. Por outro lado, a série também conta com policiais, advogados, promotores e testemunhas que participaram do processo e colaboraram para a prisão de Guilherme de Pádua e Paula Thomaz. Como pano de fundo, os episódios apresentam vídeos e imagens da atriz cheia de vida, contrastando logo em seguida com as fotos de seu corpo, tiradas pela perícia no local do crime e expostas sem nenhum tipo de censura.

A repercussão da produção foi imensurável e abriu novamente o debate sobre a glamourização de assassinos condenados e como a mídia brasileira é extremamente sensacionalista quando trata-se de casos de grande repercussão. A morte de Daniella foi mais um caso de feminicídio e, ao permitir que Guilherme de Pádua se alimentasse dos holofotes que lhe foram cedidos, mantendo-o em destaque nas manchetes, a voz da atriz foi apagada aos poucos e apenas entes queridos tinham uma visão completa de quem ela realmente foi.

Daniella Ferrante Perez Gazolla, mais conhecida como Daniella Perez, foi uma atriz e bailarina em ascensão no início dos anos 1990. Filha da autora de novelas Glória Perez, a jovem habita o imaginário do público como Yasmin, personagem da novela De Corpo e Alma e apresentada, na época, como a ‘namoradinha do Brasil’. Na trama, a personagem era parte de um triângulo amoroso entre Caio, interpretado por Fábio Assunção, e Bira, vivido por Guilherme de Pádua, que futuramente se tornaria seu assassino. Na vida real, a atriz é descrita por amigos e familiares como uma moça alegre, talentosa, apaixonada pelas artes, em especial a dança, e com uma carreira promissora pela frente. 

Na noite de 28 de dezembro de 1992, Daniella foi abordada pelo colega de cena na saída dos estúdios Tycoon. Após tirarem fotos com um grupo de fãs presentes no local, Guilherme seguiu o carro da jovem até um posto de gasolina, onde ela foi desmaiada e levada para um local ermo na Barra da Tijuca. Lá, a garota foi morta com 18 golpes distribuídos por seu tronco, chegando a deixar seu coração exposto. Na época, a repercussão foi gigantesca e o crime chegou até a ofuscar a renúncia do então Presidente da República Fernando Collor.

A brutalidade do crime não choca tanto se comparado ao desenrolar da narrativa na mídia, retratada por Pacto Brutal – O Assassinato de Daniella Perez. Daniella e Guilherme estamparam milhares de capas de revistas que anunciavam um suposto envolvimento amoroso entre os dois, fato que nunca aconteceu. No segundo episódio do documentário, Os assassinos, vemos Glória Perez folheando estas matérias. “Isso é muito mais violento do que as fotos dela no local, isso é continuar matando a pessoa”, ela anuncia. 

A série não mostra apenas um crime brutal e seu desenrolar. A partir do terceiro episódio, Mãe Investigadora, Daniella é tirada de foco para dar espaço ao esforço imensurável de sua mãe em busca do resgate da memória da filha e para garantir que os assassinos sejam presos, o que torna-se o foco principal de Pacto Brutal. Glória Perez foi de escritora e roteirista a detetive, e sua perseverança não é provada somente ao coletar testemunhas para alimentar o processo de provas e garantir a prisão do casal criminoso, mas também para preservar o túmulo da filha, que havia sido violado diversas vezes ao decorrer do processo.

Dois anos após o ocorrido, a autora aproveitou-se da repercussão do caso e mobilizou milhares de pessoas a assinarem um abaixo-assinado que pedia a inclusão do crime de homicídio qualificado no rol de crimes hediondos. A partir daquele momento, as pessoas condenadas por tal delito poderiam ter sua pena aumentada, além de não estarem sujeitos a progressão penal. Ou seja, teriam que cumprir a pena integralmente em regime fechado. 

A seguir no quarto episódio, De Onde Vieram?, Daniella continua em segundo plano, mas dessa vez para dar enfoque ao passado conturbado de seus assassinos. Guilherme de Pádua, nascido em Minas Gerais, mudou-se para o Rio de Janeiro no intuito de deslanchar sua carreira artística. Porém, no começo, as coisas não saíram como planejado. Antes da fama que a novela De Corpo e Alma lhe trouxe, o rapaz era conhecido como Michê em A noite dos leopardos, uma apresentação de strip-tease masculino que acontecia na Galeria Alaska e atraia em peso tanto o público feminino quanto homens gays. 

Já Paula Thomaz era frequentadora do espetáculo e também não traz boas lembranças aos que trabalhavam no local na época. Com uma personalidade violenta e possessiva, a jovem foi expulsa da Galeria aos 18 anos por conta de uma briga. Pacto Brutal – O Assassinato de Daniella Perez conta até com a presença de Marcos Santos, um relacionamento que a mesma teve antes de Guilherme, e que o testemunho reforça o caráter ciumento e descontrolado da mulher.

O último episódio de Pacto Brutal – O Assassinato de Daniella Perez, intitulado Justiça?, reflete sobre os desdobramentos do caso e se, na visão dos entes queridos da vítima, a justiça foi feita. Com a sapatilha da filha em mãos, Gloria Perez afirma que, depois de anos de espera, finalmente conseguirá viver seu luto e deixar a filha descansar.

Guilherme de Pádua e Paula Thomaz só foram condenados em 1997, cinco anos após o crime, a 19 e 18 anos de prisão respectivamente. Porém, devido ao bom comportamento enquanto encarcerados, ambos cumpriram somente um terço da pena. Por conta de um benefício jurídico que visa a reabilitação criminal, os dois têm a ficha limpa, sem qualquer menção à morte da atriz 30 anos atrás, e atualmente levam vidas comuns. Hoje, Guilherme é pastor de uma igreja evangélica em Belo Horizonte. Paula casou-se novamente e adotou o sobrenome do marido, com quem teve mais duas filhas.

O grande trunfo de Pacto Brutal – O Assassinato de Daniella Perez e da HBO Max em contar essa história mais uma vez é devolver a Daniella o seu brilho e a sua personalidade. Mesmo com a investigação policial e o veredito, o que ainda continua na memória do público é uma versão distorcida dos fatos. Alguns acreditam que Daniella e Guilherme tinham um envolvimento amoroso, outros lembram do assassino como um homem íntegro e disposto a fazer sacrifícios pela mulher amada. O documentário é assertivo em acabar com as dúvidas e destruir os rumores da época, nos mostrando que, no fim, o crime aconteceu por uma monstruosa sede de poder dos criminosos e nada mais.

Pacto Brutal – O Assassinato de Daniella Perez é um prato cheio para os fãs de true crime, contando a história real com pontos de vista privilegiados de parentes e amigos, mas sem dar lugar ao sensacionalismo barato presente nas capas de revista dos anos 90. A grande lição de casa que o telespectador recebe ao terminar a obra é lembrar-se de Daniella, a menina sorridente que teve a vida roubada, e dar aos assassinos o que merecem: o esquecimento. 

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Gabriel Gomes Santana

Como você reagiria se soubesse que a água usada para abastecer sua casa foi contaminada? É a partir desse revoltante cenário, que a segunda temporada de Aruanas traz mais uma denúncia, de um jeito que só a série mais ativista do Globoplay sabe fazer. Nos novos episódios, a ONG unirá forças para impedir a implementação de uma Medida Provisória responsável por isentar os impostos das maiores empresas de petróleo instaladas no Brasil.

Sob a direção de Estela Renner e Marcos Nisti (também roteiristas da série), a continuação da trama nos apresenta uma perspectiva mais profunda e detalhada sobre crimes ambientais. Ainda que na primeira temporada a sensibilidade dessa narrativa se evidencie com maior nitidez através do desmatamento e mineração ilegal, nesse segundo ano, o espectador é posto, com sutileza, nos meandros de crimes mascarados pelo poder público e financiados por interesses privados.

A nova queixa trazida pela Aruana dialoga com o tema da poluição. Para explicar melhor como esse agravante é estruturado, mais uma vez, as ativistas Natalie, Luiza, Verônica e Clara se reúnem em prol de um embate travado entre diversos arrebatamentos. Na linha tênue entre legalidade e moralidade, desta vez, obstáculos como: milícias, lobbies empresariais, alienações, articulações políticas e esquemas de corrupção pautam a batalha da preservação ambiental.

Mas a pergunta que não quer calar: a segunda temporada é tão envolvente quanto a primeira? De imediato, é possível assegurar: sim. As investigações mudaram, assim como a ambientação da trama, porém, os climas de suspense, drama e aventura permanecem fiéis aos fãs que procuram tais sensações na série. Mesmo assim, não crie expectativas sobre os destinos reservados a cada personagem. É o único conselho aos desavisados de plantão. Essa é definitivamente uma regra que deve ser cumprida por quem acompanha o seriado.

Afinal, quem se quer enganar? Como seria possível deixar de depositar expectativas quando se tem, num mesmo elenco, joias da dramaturgia brasileira contracenando em cenas de tensão e porradaria? Sem dúvidas, a atuação das personagens é um elemento chave neste enredo. A participação especial de Lima Duarte e a inserção de Lázaro Ramos, Daniel de Oliveira, Elisa Volpatto e Joaquim de Almeida, dá um toque especial nas novas intrigas desse caótico cenário.

Esqueça o maniqueísmo clichê presente no discurso “nós” contra “eles”. Em Aruanas, o que se vê é um complexo panorama no qual todos são responsáveis pela devastação, ainda que alguns sejam peças fundamentais para que isso aconteça. Semelhante às obras de José Padilha, cineasta pioneiro das narrativas policiais brasileiras, os episódios retratam as profundezas de esquemas políticos milionários que lucram através da irresponsável gestão de recursos públicos. Mais do que apontar as cartas marcadas desse tabuleiro, os roteiristas apelam para a inevitável e necessária ferramenta de mobilização social: a indignação.

Como se não bastasse isso, qualquer semelhança com a realidade certamente não é mera coincidência. Talvez, seja essa a razão da produção ter feito tanto sucesso por seu teor crítico. O grau de aproximação verídico que permeia esta ficção chega ser alarmante e assustador, porém pouco surpreendente. Não é como se os acontecimentos fossem previsíveis, no entanto quando se trata sobre o Brasil, não é difícil encontrar lacunas mal resolvidas que se repetem. E o descarte de resíduos tóxicos na natureza esboça isso.

No fim das contas, esta segunda temporada lança uma pergunta essencial: quem se beneficia com a devastação? Quem faz parte dos bastidores desse processo lucrativo e criminoso talvez não tenha um só perfil, mas vê vantagens nos processos de desinformação e alienação da opinião pública. Por isso, a importância das ONGs como órgãos que, mesmo cumprindo papéis que deveriam ser designados ao Estado, são reparadores e fiscalizadores do ecossistema. Porém, para que tais instituições consigam ter efetividade, a série estampa também a necessidade de uma mídia alternativa, que se preocupe com as questões socioambientais.

Em determinado momento da narrativa, todos os envolvidos escancaram seu descontentamento com o que se passa em Arapós. Os mercenários temem ser desmascarados, os alienados percebem que algo está errado e os justiceiros, intrometidos onde não são chamados, são ameaçados. E é nesse tom de ameaças que os capítulos de Aruanas se desenvolvem para um desfecho nada agradável. Apesar disso, ele não chega a ser ruim, mas deixa a desejar em muitas explicações que, provavelmente, estarão presentes em uma terceira temporada.

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Lucas Lima

Quando perguntam “qual a melhor novela que você já acompanhou?“, não é difícil ver muita gente falar Avenida Brasil. A novela que literalmente parou o país, ficou no imaginário popular e se mantém viva, mesmo após uma década de seu início. Quem acompanhou a saga da vingança de Nina contra Carminha sabe quão fervorosos eram os momentos em frente à TV, com todos os olhos vidrados na tela e muitas respirações quase nulas com as cenas mais tensas, até o último capítulo, transmitido em outubro de 2012.

Novelas são muito criticadas pelas pessoas “cultas“ por serem produzidas para, segundo eles, alienar as pessoas. Dizem que são quase como uma “receita de bolo”, sendo comum o amor do mocinho e da mocinha atrapalhado pela vilã ou pelo vilão. Sim, Avenida Brasil não é completamente um ponto fora da curva, mas ela é especial. Ela tem a dádiva do tempero certo no momento certo. Não à toa foi indicada ao Emmy Internacional, prêmio em reconhecimento aos melhores programas de Televisão inicialmente produzidos e exibidos fora dos Estados Unidos.

A novela que liderou em absoluto o horário das nove, escrita por João Emanuel Carneiro (que deve estar cansado de ser pedido para fazer uma nova Avenida Brasil), contou com participações de atores como Débora Falabella, Adriana Esteves, Murilo Benício, Cauã Reymond, Alexandre Borges, Débora Bloch, Vera Holtz e José de Abreu, nomes de peso da emissora Globo. Foi televisionada em 2012, um ano de muitos extremos. Quem não lembra do fim do mundo que não chegou ao fim? 

Lá em 2012, houve uma grande ascensão da classe média brasileira, que, na época, equivalia a mais de 50% da população, a considerada Classe C. As políticas públicas aplicadas na época e em anos anteriores fizeram com que mais de 40 milhões de pessoas emergissem e saíssem da linha da pobreza, elevando o país a marca de sexta maior economia do mundo, gerando até mesmo pane no sistema aeroviário, com tantas novas pessoas tendo a oportunidade de viajar de avião.

Esses milhões de brasileiros estavam ali, representados no horário nobre da maior emissora do país. A Classe C foi a verdadeira protagonista da novela, Tufão (Murilo Benício) se tornou um dos novos ricos mas não deixou de lado suas raízes que advinham da Classe C: atrapalhado, espalhafatoso, sem os modos da elite, roupas, ao mesmo tempo que simples, mas também com acessórios luxuosos, honesto e trabalhador. Tufão leva consigo sua família para uma mansão digna de Beverly Hills, mas não na zona sul, e sim no Bairro do Divino, fictício bairro da periferia do Rio de Janeiro, não largando suas origens. 

E era nesse contexto que tudo se passava, uma mansão dos novos ricos, entre seus amigos que não eram ricos e ainda trabalhavam todos os dias para pagar suas contas. A população se identificou com o enredo, com as cenas da família de Tufão na mesa de jantar falando alto, um por cima do outro, o tradicionalismo de alguns personagens, seus encontros no Bar do Silas para comer uma coxinha com um suco… Tudo isso gerou a identificação com o público para com essas similaridades. Afinal, estavam podendo se ver, finalmente. Não mais assistindo uma Helena voltando de sua viagem da Europa.

Foi um grande passo social na teledramaturgia, que sempre renegou às classes menos favorecidas o direito de pertencimento. O pertencimento é o direito que as classes têm de se afirmar como grupo e de se diferenciar dos demais. Com tais personagens encantadores e representativos, Avenida Brasil se tornou um fenômeno popular. Seu enredo alternou maravilhosamente entre a tomada para si da realidade social (tendo temas do cotidiano e temas importantes como a estratificação social como suas aliadas) e a ficção. O público projetou na novela a oportunidade de se ver representado em meio aos personagens, que tinham figuras conhecidas e famosas em seus papéis, ganhando ainda mais o telespectador.

As situações da trama foram compostas de modo a mexer com os sentimentos de quem a assistia. Após a morte de seu pai, Rita (Débora Falabella) foi deixada quando pequena em um lixão por sua madrasta Carminha (Adriana Esteves), que contou com a ajuda de Max (Marcello Novaes), fazendo todos tomarem repúdio pela vilã e seu comparsa. Quando Rita cresce, se faz passar por Nina e começa a trabalhar na mansão que a madrasta atualmente mora, arquitetando uma vingança contra Carminha, fazendo todos torcerem pela empregada disfarçada.

Mas a história muda totalmente de tom de forma inesperada, pois tanto Nina quanto Carminha começam a ser desenhadas pelo autor como lados de uma mesma moeda, ambas com facetas humanas e contraditórias, conquistando o sentimento do público que começou a gostar de ambas. Gostavam de Nina e a apoiavam para finalmente chegar o dia da vingança. Porém, quando seus planos foram concretizados, o público não queria mais o mal de Carminha pelo passado conturbado com seu pai, que era o verdadeiro vilão, revelando suas fragilidades.

Carminha também era engraçada e carismática. Emanuel Carneiro conseguiu a façanha de expor o lado mais introspectivo do público que, ao se identificar com a personagem nestes dois pontos, passava a transmitir seu lado obscuro, mas que não se podia materializar na vida real. 

Afinal, todos temos um lado vilão, mas não o mostramos devido a nossa moral e ética. Por isso os vilões são tão instigantes. E Carminha, (menos em suas cenas mais tenebrosas, como quando enterrou a Nina viva), mesmo tendo suas atitudes repudiadas pelo público, era idolatrada por todos, pois era carismática, engraçada e divertida. Quem não cantou Eu Quero Tchu, Eu Quero Tcha junto da vilã?

Fomos apresentados a perspectivas singulares tanto de Carminha quanto de Nina. Chegamos a debater sobre a enteada ir mesmo até o fim com sua vingança. Estivemos alternando entre ora uma, ora outra. Toda essa delicadeza de construção dos vieses serviram para tornar Avenida Brasil o fenômeno que é até os dias de hoje. 

No decorrer da trama, muita coisa aconteceu. Memes com a vinheta final de congelamento dos personagens inundaram as redes sociais, bordões não faltaram (“A CULPA É DA RITAAA“) e cenas memoráveis. Além da já citada, tivemos outras como quando Nina humilha Carminha na mansão da família, ou também naquela em que a família de Tufão desmascara Carminha após saber de sua traição com Max.

Muitos coadjuvantes se destacaram e ganharam holofotes. Nilo (José de Abreu), morador do lixão, ganhou o público com sua insanidade e risada “hi-hi-hi”. A trabalhadora doméstica Zezé (Cacau Protásio) foi o alívio cômico da mansão, que cantava “Eu quero ver tu me chamar de amendoim…”. Suellen (Ísis Valverde), a “piriguete” do Divino que, supostamente, veio da Bolívia mas que não carrega nenhum sotaque ou algo da cultura de seu país (sim, um erro da produção da novela). 

E como não falar da Mãe Lucinda (Vera Holtz)? A mãezona da novela que criou dezenas de crianças no lixão, inclusive Nina. Foi enganada, renegada, presa injustamente, esbanjou conselhos e, ao final, pôde assistir a reconciliação de Carminha com Nina, que era o que tanto queria. Fato este que não agradou em nada a crítica nacional, que considerou a redenção de Carminha como previsível. Enfim, os críticos!

Se o início e o meio já estavam bons, foi nessa reta final que, podemos dizer: Avenida Brasil parou o Brasil. Ruas desertas, sobrecargas de energias, bares lotados com TVs ligadas no canal 5, bolões de apostas para saber quem matou o Max, adiamento de compromissos presidenciais, recesso de aulas… Ufa! Tudo para não perder um segundo sequer do desfecho das rivais e do jogo de futebol do Divino Futebol Clube que, claro, ganhou a competição. 

Todo esse movimento rendeu picos de quase 54 pontos de audiência em seu último capítulo, tendo atingido um marco de 70 em Fortaleza. A obra de João Emanuel Carneiro provou que novela boa não é apenas do século passado, e que podemos ter ótimas tramas capazes de encantar o país ambientadas nas camadas mais populares, para as camadas mais populares. Afinal, essa Avenida tem nome e é Brasil.

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Felipe Nunes

Afogados em um mar de reprises, o público do sofá esperava ansiosamente por uma trama inédita para chamar de sua. Pausadas desde o início da pandemia do novo coronavírus, as narrativas que integravam as noites da comunidade noveleira foram substituídas por teledramaturgias de sucesso que já haviam sido transmitidas pela Rede Globo em outros anos. Com a sensação de estar em um looping eterno de Vale a Pena Ver de Novo, os telespectadores aguardavam os desfechos de Salve-se Quem Puder e Amor de Mãe como uma criança aguarda o término de um pudim que é cozido lentamente em banho-maria.

Escrita por Daniel Ortiz, Salve-se Quem Puder é um folhetim da faixa das sete, engraçado, leve e com um enredo diferente das demais narrativas escritas pelo autor, conhecido pelas obras Passione, Alto Astral e Haja Coração. A história inicial da trama se passa em Cancún, no México. Lá, três mulheres, Kyra (Vitória Strada), Luna (Juliana Paiva) e Aléxia (Deborah Secco), presenciam, em meio a um furacão, o assassinato do Júiz Vitório (Ailton Graça) por uma quadrilha de políticos corruptos. 

Pela falta de provas, a quadrilha não pôde ser presa, e, para a segurança do trio, é necessário que as jovens ganhem novas identidades e entrem no Programa de Proteção à Testemunha. Substituindo seus antigos nomes, a atrapalhada Kyra torna-se Cleide, a doce Luna agora é Fiona, enquanto a artista Aléxia vira Josimara. Dadas como mortas, elas mudam de identidade e aderem a um novo visual, morando com Zezinho (João Baldasserini) e Hermelinda (Grace Gianoukas) – família escalada para proteger as mocinhas dos bandidos. Enfrentando a saudade de suas antigas vidas e o medo de serem encontradas pela quadrilha, elas embarcam em novas aventuras, se abrindo para novos destinos, novos lugares e novos amores.

Em uma nova fase, a segunda temporada da obra, dirigida por Fred Mayrink, retornou com capítulos inéditos após a reprise de Haja Coração. Seguindo os protocolos de biossegurança, a distância e a falta de beijos e abraços foi notável em seu regresso, porém, alguns dias após a tão esperada volta, essas medidas não foram tão percebidas e comentadas pelo público, que já havia se acostumado com o formato que contava com distanciamento entre os atores e beijos em acrílico. 

As incertezas perante o panorama sanitário brasileiro, o lento processo de vacinação e as novas variantes do vírus fizeram com que a emissora decidisse encurtar a novela em 48 capítulos, para que as gravações terminassem no menor período de tempo possível. A redução de capítulos e a falta de integrantes do elenco pertencentes aos grupos de risco foram grandes obstáculos no andamento da trama. Mas vale ressaltar que o encurtamento deixou o início da segunda parte muito mais dinâmico e atrativo. A pouca quantidade de cenas adiantou revelações que os noveleiros tanto esperavam e o reencontro de Luna/Fiona e Helena (Flávia Alessandra), sem dúvidas, foi a catarse mais esperada de toda a narrativa.

Separadas pela manipulação de Hugo (Leopoldo Pacheco), chefe da quadrilha de corruptos, mãe e filha ficaram distantes por 20 anos. Luna acreditava ter sido abandonada pela mãe, ao passo que Helena foi enganada por uma notícia falsa que alegava o falecimento da filha. Afastadas uma da outra, a personagem de Juliana voltou para São Paulo quando teve que fingir sua própria morte, cidade na qual sua mãe gerenciava um espaço gastronômico, e aproximou-se da personagem de Flávia Alessandra – contudo, não revelou sua verdadeira identidade. 

Esse segredo deixava os nervos do público à flor da pele. A angústia de Luna afligiu o coração de todos que acompanhavam a telenovela e a revelação foi a sequência mais solicitada pelos telespectadores, que ovacionaram o momento do reencontro na capela de Nossa Senhora de Guadalupe, santa de devoção de ambas. Com uma carga dramática hiperbólica, a cena foi muito bem interpretada pelas atrizes que, em um caloroso abraço, concluíram o desfecho de um dos arcos mais relevantes na obra.

Com um menor número de capítulos, as conclusões de alguns núcleos foram efêmeras e sem a devida atenção que mereciam. A história de Micaela (Sabrina Petraglia) com Bruno (Marcos Pitombo) é um dos maiores exemplos disso. A atriz não participou ativamente das gravações em virtude de sua gravidez, mas chegou a gravar um final feliz ao lado de Pitombo. Entretanto, a tão aguardada cena não foi exibida na telenovela. 

De fato, o dramaturgo precisou reajustar a obra não somente pelos atores que não poderiam atuar, como também pela redução que a trama sofreu. Todavia, mesmo com todas essas saídas, as personagens que continuaram na narrativa também não tiveram finais consistentes e bem construídos. Deixando claro que responsabilizar a saída de Sabrina com a superficialidade do desfecho de sua personagem não é uma justificativa plausível.

Concluindo as pontas soltas deixadas pela primeira temporada, o folhetim expôs, durante a reta final, a prisão dos bandidos e os encontros do trio de testemunhas com seus parentes e amigos, além, é claro, de seus antigos companheiros amorosos. Em um clima de reencontros e revelações, as únicas dúvidas mantidas até os últimos capítulos foram os casais que ficariam juntos no fim da novela, ainda que alguns fossem óbvios, como é o caso dos casais Luna/Fiona e Téo (Felipe Simas), e Aléxia/Josimara com Zézinho. 

Os triângulos amorosos pareciam confetes espalhados por toda a teledramaturgia, algo muito presente em comédias românticas da Netflix, diga-se de passagem o sucesso estrondoso das sequências de Para Todos os Garotos que Já Amei e A Barraca do Beijo. Trazer o telespectador para dentro da trama e criar torcidas entre dois casais não é um recurso novo na Arte, entretanto, o que podia ser um trunfo, em Salve-se Quem Puder tornou-se uma âncora que levou a novela ao mar profundo da monotonia.

Os triângulos amorosos estavam presentes em quase todas as tramas, começando pelas protagonistas e se espalhando por outros núcleos da novela. Por vários momentos, a sensação era de que os personagens se restringiam a três funções: ser o indeciso do triângulo, ser o pretendente do triângulo, ou ser a segunda opção daquele que fosse rejeitado. A situação que mais nos despertou quanto ao excesso de indecisões amorosas presentes na trama foi quando Daniel Ortiz convidou Rodrigo Simas para interpretar Alejandro na nova leva de capítulos. Foi evidente que Alejandro foi criado para suprir a ausência de Juan (José Condessa), par romântico de Paiva antes da pausa nas gravações. O intérprete de Juan abandonou a trama para dedicar-se a outros projetos em decorrência do atraso nas filmagens, deixando um espaço vago no triângulo de Luna/Fiona que foi preenchido por Alejandro, amor de infância da protagonista.

 O recurso não foi bem utilizado, já que, no meio de tantos triângulos amorosos, o único que caiu nas graças do público foi o vivenciado por Kyra/Cleide  (Vitória Strada), Alan (Thiago Fragoso), seu novo amor, e Rafael (Bruno Ferrari), seu noivo antes do furacão. Gerando movimentações em todas as redes sociais, com destaque ao Twitter, a fusão dos nomes dos casais liderou os trendings topics nas cenas, fazendo com que Alyra (Alan+Kyra) e Kyrael (Kyra+Rafael) fossem os termos mais procurados na internet pela torcida dos casais. Sem contar em grande parte daqueles que não sabiam por quem torcer, afinal, a química entre os dois pares românticos foi muito bem explorada e esplendorosamente interpretada pelos atores envolvidos.

Na dúvida em saber com quem Kyra/Cleide ficaria, o grande público, críticos e redatores de sites novelescos apostaram na mocinha terminando com Alan, tendo em vista a evolução de ambos no desenrolar da trama. Para surpresa de uns, alegria de outros e tristeza de muitos, a indecisa Kyra/Cleide terminou com Rafael. O susto foi tanto que diversos fãs criaram abaixos-assinados e mutirões pela liberação dos finais alternativos. Isso porque o próprio escritor revelou que cada protagonista teria 2 finais alternativos que só seriam decididos por ele na reta final da narrativa, ou seja, um desfecho no qual a personagem de Strada termina ao lado de Alan foi gravado. 

Entretanto, mesmo com tamanha adesão do público, os finais alternativos não serão divulgados. A Rede Globo informa que, em próximas reprises ou venda das novelas para outros países, esses finais podem ser um diferencial atrativo e pretende utilizar essa técnica em futuras produções. Enquanto a decisão de Kyra era tão aguardada, Aléxia casou com Zézinho (João Baldasserini) e Luna viajou para o exterior com Téo (Felipe Simas), o que não era mistério para ninguém. Principalmente no caso da personagem de Deborah, que viveu uma intensa história de amor com Zézinho durante todo o folhetim.

Com os finais traçados, a novela chegou ao fim no dia 16 de julho de 2021. Entre acertos e erros, Daniel cumpriu sua missão em trazer alegria e boas risadas ao público nesse momento tão difícil. Contudo, seu excesso de triângulos amorosos trouxe monotonia à sua obra, que contava com uma história inicial excelente. A ótima direção e a irretocável atuação do elenco auxiliou na atenuação desses aspectos negativos e acolheu os noveleiros de plantão, que, com o fim de Amor de Mãe, esperavam inquietos pelos capítulos inéditos da narrativa.

Salve-se Quem Puder trouxe leveza e companheirismo em nossas noites. Nos apresentou um trio de mulheres completamente diferentes, mas que se completavam quando estavam juntas. Nos fez torcer, rir e chorar por cada uma. Deixando saudades, a novela se despede com finais superficiais, mas que acalentam os corações em saber que todas estão felizes depois do furacão que transformou suas vidas, seus sonhos e seus sentimentos, para sempre.

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