Nathalia Tetzner

Depois de uma noite muito louca em Las Vegas, onde arrebentou o rosto e apareceu enfaixado após cirurgias plásticas que o desfiguraram, The Weeknd está de volta com uma nova face. De narrativas fictícias elaboradas para os seus projetos, ele já mostrou que entende. Mais uma vez, não foi só a sua caracterização que sofreu uma grande mudança, mas a sua sonoridade também. O seu quinto álbum de estúdio, Dawn FM (2022), transmite uma estação de rádio EDM no purgatório.

Envelhecido, o artista canadense convida o ouvinte para uma jornada pelo desconhecido. Com menção ao niilismo e locução de Jim Carrey, a nova era de The Weeknd é estruturada aos moldes do jornalismo de rádio. Entre as faixas, há diversas interrupções do radialista e, até mesmo, o comercial de um produto chamado After Life. Conhecido por não dar ponto sem nó, a propaganda seria uma pista sobre a possível trilogia envolvendo os álbuns After Hours (2020), Dawn FM (2022) e, futuramente, After Life.

O obscurantismo de Abel Tesfaye começou a ganhar a pista de dança com o lançamento do single Take My Breath, em agosto de 2021. O primeiro material da sua nova proposta artística tirou o fôlego do público, literalmente. Já um pouco cansados da estética oitentista do gênero synthpop, a música não foi tão bem recebida como os seus carros-chefes anteriores. Em meio a colaborações para projetos de outros artistas, como Post Malone e FKA twigs, a parceria Moth To A Flame com o grupo sueco de música eletrônica, Swedish House Mafia, se destacou por incorporar o espírito do que viria a ser o seu mais novo álbum.

Disponível nas plataformas de streaming na mesma semana da divulgação da data de lançamento, Dawn FM estreou com uma transmissão exclusiva no canal da Amazon Music na Twitch. Provando que adora incorporar personagens, os fãs assistiram um The Weeknd idoso colocar uma plateia cheia de jovens para dançar atrás de uma bancada de DJ. Só que a aventura audiovisual não parou por aí: no videoclipe de Gasoline, os alter egos de The Weeknd voltam a brigar à la Starboy, dessa vez, o embate é entre a juventude e a velhice.

Sintonizado na estação 103.5 Dawn FM, o ouvinte aproveita a passagem pelo purgatório ao lado do vovô Abel. Ao todo, as dezesseis faixas contribuem para a luz no fim do túnel chegar cada vez mais perto, finalmente cegando a alma perdida no glorioso poema declamado por Jim Carrey, Phantom Regret by Jim: “O céu é para aqueles que abandonaram o arrependimento/E você precisa esperar aqui enquanto ainda não chega lá por completo/Mas você pode estar lá no final dessa canção”. 

O quinto álbum de estúdio do cantor reúne alguns nomes já conhecidos na produção: Max Martin, Oscar Holter e Oneohtrix Point Never são responsáveis pela sonoridade de quase todas as músicas. O time de hitmakers não repetiu uma fórmula, How Do I Make You Love Me? e Don’t Break My Heart são extraordinárias, mas a quantidade exuberante de minutos do projeto que produziram juntos faz as poucas exceções se destacarem. A calma e carregada Here We Go… Again, em parceria com o rapper Tyler, The Creator, é um refresco aos ouvidos, sendo ainda mais interessante pela suposta menção ao relacionamento vivido entre The Weeknd e Angelina Jolie: “Minha nova garota, ela é uma estrela de Cinema”.

A batida eletrônica de Calvin Harris com os versos de Lil Wayne em I Heard You’re Married e a interlude reflexiva de Quincy Jones em A Tale By Quincy também são dois pontos fora da curva. Sacrifice, outro feito perspicaz do Swedish House Mafia, foi a escolhida como o segundo single e, embora tenha ganhado um videoclipe com visuais deslumbrantes, a divulgação ficou por isso mesmo. A sensação que deixa é a de que The Weeknd talvez não esteja tão preocupado em envelhecer essa nova era.

Sucesso de crítica, mas nem tanto comercial – ao se considerar os padrões dos seus lançamentos anteriores -, Dawn FM garantiu elogios dos mais importantes veículos especializados, enquanto largou em segundo lugar na parada musical estadunidense Billboard 200. Em evidência global durante os últimos dois anos, um descanso de imagem poderia ter sido de grande ajuda nos charts. Porém, Abel Tesfaye obviamente não se preocupa em repetir desempenhos estrondosos e deve sair em turnê mundial ainda esse ano com a After Hours Til Dawn Stadium Tour. 

O poder de atração do álbum está na sua atmosfera única criada pela junção de dois meios de disseminação diferentes: o disco e a rádio. É preciso muita atenção para perceber todos os detalhes contidos no conceito final. Seja na interrupção de uma chamada para o comercial com a frase “se liberte”, ou em uma mensagem subliminar gravada em reverso “não fique assustado”, The Weeknd consegue instigar o ouvinte e preparar o terreno para o provável lançamento de After Life: a última obra da especulada trilogia.

Das cores quentes do seu terno vermelho em After Hours até as mais frias tonalidades do seu cabelo grisalho em Dawn FM, é visível como a estética do intérprete se molda a partir da presença ou ausência de luz. Se, anteriormente, as luzes da noite de Las Vegas o deixaram cego, no amanhecer (Dawn) a escuridão é total. E como a faixa-título questiona: “Depois da luz, vem a escuridão?/Vem apenas a escuridão?”. Agora que os ouvintes passaram pelo purgatório, o que esse gênio da Música irá oferecer no pós-vida? 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Quase 14 anos após seu último disco, o duo pop Aly & AJ volta com um som completamente repaginado em a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun, o novo álbum de estúdio produzido independentemente pelas irmãs Michalka. Vindo depois de dois EPs que reintroduziram a dupla no cenário musical, fica claro desde as primeiras notas que o novo CD é algo especial.

Buscando resgatar na sua sonoridade um clima e uma estética que capturasse as paisagens californianas que elas habitam, Aly & AJ produziram um álbum de verão que abriga uma série de ritmos diferentes que conversam entre si através de seus temas. Desde a angústia atordoante de Stomach até o entusiasmo adolescente de Listen!!!, acompanhar a trajetória das irmãs do início ao fim é um deleite.

Deixando um pouco de lado os sintetizadores que marcaram seus últimos trabalhos, a touch of the beat começa com o country pop romântico e compassado de Pretty Places, um single marcado pela vontade de botar o pé na estrada e abandonar o passado e partir em direção ao desconhecido: “Podemos esvaziar essa casa, sair da cidade/Dirigindo pelo país, uma lanterna traseira quebrada/Você não iria precisar de mais nada, certo?/Só os meus livros e o seu velho Daytona”. A faixa marca o amadurecimento da dupla ao longo da última década e a sua posição no álbum destaca essa importância:

“AJ: Eu acho que é uma canção incrivelmente importante para esse álbum e, para mim, o momento em que nós realmente nos sentimos como compositoras. Se eu tivesse ouvido outro artista lançar essa música, eu provavelmente pensaria ‘Uau, queria que eu e Aly tivéssemos escrito isso’. É difícil se sentir confiante sobre as músicas que você lança, mas eu verdadeiramente sinto que ‘Pretty Places’ é muito especial para Aly e eu.” – via Bustle

Descrita como “a canção que elas mais gostaram de ter escrito”, é difícil não se apaixonar desde os primeiros tentadores acordes da guitarra bem guiada de Aly e de como as vozes da dupla se complementam não só na sua sonoridade como também na coesão temática. Nas próximas canções, Aly e AJ se alternam para reforçar a vontade de se afastar daquilo que te faz mal, seja de relacionamentos fadados ao fracasso em Lost Cause (“Como uma causa perdida/Como se estivéssemos perdendo tempo/Eu tento te alcançar de braços abertos/Por algo que nunca existiu”) ou de si mesmas, no desejo de se reinventar em Break Yourself (“É um dia impossível/Talvez seja a hora de mudar/Sempre oculta, escondendo o parasita/Está cada vez mais difícil de domar”).

Ambas as faixas carregam suas inspirações no rock pop dos anos 70 e 80, trazendo toda a energia que esperamos de um álbum de verão. Mas com letras amadurecidas e confiantes em sua mensagem, o final de Break Yourself se entrega completamente à ela e praticamente se desintegrando em uma linda cacofonia de instrumentos.

Depois dessa introdução estelar, AJ toma as rédeas e diminui o ritmo na graciosa Slow Dancing. Uma balada lenta e sedutora, inspirada pelo ano de distanciamento social pelo qual passamos em 2020, ouvimos as irmãs enaltecendo um tipo de amor mais simples, mas não menos tenro: “Eu quero que você saiba/Que eu não preciso de nada chique/Só preciso de você e eu, dançando lentamente/O Inferno lá fora, me deixando em cativeiro/O paraíso está aí aonde você está pisando/Dançando lentamente”.

“Aly: Na verdade é uma música em que a melodia nós já havíamos começado alguns anos atrás, mas o tema e a letra foram trabalhados em meio ao COVID. Acabou sendo uma das últimas músicas que escrevemos.” – via Entertainment Weekly

É bem peculiar esse ter sido o primeiro single do novo projeto, já que é uma expressão mínima e delicada das intenções musicais da dupla. Isso por si só já é uma declaração bem ousada, mas o seu lugar no disco é bem acertado, entre o desprendimento da sua abertura e as ambições do que vem a seguir.

Paradise e Symptom of Your Touch retornam um pouco do synthpop presente nos EPs Ten Years (2017) e Sanctuary (2019), mas se atendo à sonoridade de a touch of the beat. Em Paradise, uma das melhores faixas do disco, a indagação de como alguém sabe realmente se já chegou em seu auge é o tema principal, acompanhada por um dos refrães mais marcantes da história recente das irmãs, enquanto Symptom captura o amor romântico e a angústia adolescente na indagação mais clássica já feita: “Se faz eu me sentir tão bem/Porque dói tanto?”.

Em contraste com Insomniatic (2007), é interessante ver o amadurecimento de Aly e AJ ao longo dos anos, e de como seu som evoluiu através de seu hiato na indústria. Em faixas como Lucky to Get Him e Personal Cathedrals, vemos o duo confrontar temas e frustrações unicamente adultas, mas sempre com leveza e claridade. A impressão que fica é que esse é realmente um disco que levou 14 anos para ser feito, carregando todas as experiências e expectativas de Aly & AJ em seus ritmos e composições.

Em Listen!!!, vemos algo do som antigo da dupla, uma música que não ficaria fora de lugar perto de faixas como Like Whoa e Potential Breakup Song. Contando com uma participação especial da cantora Nancy Wilson (mentora do duo) na guitarra, elas conseguem criar uma batida eletrizante que remete ao pop rock dos anos 2000 sem perder as experiências adquiridas até então.

Don’t Need Nothing, é a faixa que dá título ao disco e orgulhosamente proclama que a dupla não precisa de mais nada, é realmente uma declaração de suas intenções com o álbum. Seu refrão vai se repetindo até que os versos fiquem gravados na sua cabeça e o ritmo fique na ponta dos seus dedos:

“Um toque da batida

Te deixa de pé

Te faz sair em direção ao Sol”

Terminar o disco com essa faixa teria sido apropriado mas, seguindo a linha do primeiro single lançado, elas decidem terminar com um trio de faixas contidas, mas poderosas em sua suavidade. Em Stomach, há uma tristeza palpável que percorre todos os versos, um sentimento de desesperança que destoa de quase todas as outras canções do álbum, afundando como uma pedra após a euforia de Don’t Need Nothing: “No início, tudo que eu dissesse iria te fazer rir/Mas agora você me dá as costas sem nem sorrir”.

Ecoando e, aos poucos, adicionando ao country pop do início, Personal Cathedrals constrói uma imagem vívida e poética de uma espiral decadente, na qual Aly e AJ confrontam a apatia e a indiferença. Estas, personificadas na imagem de “Caubóis e coroas de desespero/Nos girando por todo lado/Nos olhando de cima a baixo/Eles tratam essas pistas de dança solitárias/Como catedrais particulares/Até mesmo diamantes não brilham aqui”.

Após tanta angústia, o álbum se fecha com um apelo e, quem sabe até, uma resposta. Na melódica Hold Out, vemos todas as vulnerabilidades expostas na letra, que nos pergunta em seu refrão: “Você vai me segurar?/Vai estender seu braço e me segurar?”. Depois de duas músicas carregadas de sentimentos negativos, um apelo tão sincero chega com impacto e urgência que terminam a experiência em um momento de reflexão inesperado, mas definitivo.

Ao final de tudo, a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun é muitas coisas. Um comeback há anos no forno, uma reimaginação de uma das duplas musicais mais icônicas dos anos 2000, um disco sofisticado em sua construção mas que retém simplicidade em suas letras. Mas o mais impressionante é o quanto ele é uma expressão completamente honesta de suas artistas. Aly & AJ voltaram para mostrar ao mundo que, de fato, não precisam de nada além disso.

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Laís David

Um rito de passagem natural da indústria da música é a popularização das ‘eras good girl gone bad’. Se distanciando de letras reverentes e se aproximando de um conteúdo mais adulto, esses lançamentos são marcados pela ascensão da persona Femme Fatale e a maturação de suas narrativas. Essa transição é referência para artistas que começaram cedo: Miley escandalizou com Bangerz, Taylor declarou a morte de sua antiga versão em reputation e Aguilera esteve à frente de seu tempo com Stripped. Em 2016, foi a vez de Ariana Grande e o majestoso Dangerous Woman.

Depois de dois álbuns de sucesso massivo, foi difícil enxergar qual direção Grande iria seguir. Com My Everything, ela conseguiu estabelecer seu nome como artista pop, emplacando mais de cinco sucessos consecutivos dentro da Billboard Hot 100. O desenrolar bem-sucedido entre Problem, Bang Bang e Break Free foi surpreendente dentro da indústria, e não demorou muito para que a Republic Records começasse a preparar o lançamento do disco subsequente. 

O início da era foi conturbado. Focus, o primeiro single, soava como uma versão Walmart de Problem e não agradou o público ou a crítica especializada. Para ajudar, Grande viu seu primeiro escândalo explodir nas revistas ao afirmar em um vídeo que odiava a América enquanto lambia um donut da prateleira de uma padaria. Com o single mais falho de sua carreira e a demissão de seu empresário Scooter Braun, parecia o fim ridículo da era de ouro da cantora.

Foi reinventando o conceito do disco que ela conseguiu salvá-lo. O romantismo do trabalho original, que iria se chamar Moonlight, foi totalmente descartado. Grande deixou os vestidos longos de lado e aderiu às roupas de látex; as orelhas de gatinho foram substituídas por orelhas de coelho, à la Playboy; sua sonoridade já não remete a inocência de seu passado, e sim a confiante feminilidade de seu presente. Nasce, então, o seu trabalho mais pop: Dangerous Woman.

Para um álbum recheado de canções dançantes, era impossível não contar com a participação do gigante Max Martin. O produtor trabalhou em quase todo o disco, dividindo o espaço no trabalho com o parceiro onipresente na carreira de Ariana, Tommy Brown. A produção do LP é bem mais consistente que o nada coeso My Everything, e Grande se mostra uma vocalista ilustre em todo o trabalho.

Se, até então, a floridense tinha experimentado pouco dentro do R&B, ela mergulha de vez nesse ritmo dentro do disco. Moonlight abre o álbum com sua serenidade romântica e angelical reverência – que são refutadas com a canção seguinte, a sensual  faixa-título Dangerous Woman. Essa mudança radical é precursora do trabalho extrovertido e nada ortodoxo que vem a seguir.

A americana conseguiu reunir um compilado de proficiência pop em um único álbum. Into You é talvez o maior feito de sua carreira: a construção do refrão e a mistura entre o dance pop e o R&B carregam a faixa para a lista de canções pops atemporais da década passada. O mesmo pode ser dito da memorável Side to Side, que é a mistura perfeita entre reggae, pop e o flow vultoso da rainha do rap, Nicki Minaj. Tais canções foram fundamentais para a consolidação de Ariana Grande como artista pop naquele ano.

Ela também passeia por sons retrôs de forma formidável. Leave Me Lonely é um soul moderno e polido, trazendo para Ariana o desafio (bem realizado) de colaborar com a prolífica vocalista Macy Gray. Já Greedy precedia a volta do disco com a produção recheada de pitadas de funk e motown: a mudança de tom no último refrão é inesquecível. A comparação com Mariah Carey, muito comum no começo de sua carreira, já não é mais tão comum aqui: sua sonoridade é muito mais original.

Dentro da discografia de um artista, é normal que músicas sejam esquecidas ou pouco trabalhadas. No entanto, é quase criminoso ver canções como Bad Decisions serem escondidas em tracklists deluxe e versões especiais. O mesmo acontece com a obra prima Touch It, um synth-pop proficiente e a melhor canção do disco.

Uma crítica comum dentro da indústria musical é que artistas mulheres sentem a pressão da reinvenção de seu conteúdo mais do que artistas homens. Por mais que válida, essa realidade não se aplica para Grande: essa reinvenção foi necessária para colocá-la no status que ocupa. A persona romântica e delicada do passado se transformou em uma mulher envolvente e confiante. Mais que tudo, Dangerous Woman consolidou Ariana Grande como uma artista de destaque e traçou o caminho para trabalhos ainda mais autênticos em sua discografia. 

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Raquel Dutra

É quase impossível pensar em Coldplay sem associar o grupo às suas costumeiras melodias enérgicas, letras imaginativas e canções vívidas encaixadas dentro de um pop eletrônico que colocou arenas inteiras em estado de catarse nos últimos dez anos. Antes de desviar-se por essa direção, a banda fez seu nome com um rock alternativo sentimental, poético e igualmente atraente com seu álbum de estreia em 2000 e através dos outros dois que o seguiram, estourando com algo mais pop em 2008. O que veio depois disso é alvo de opiniões fortes, mas apesar das inconsistências que a arte de uma banda altamente vendável vivencia ao decorrer dos anos e das respostas conflitantes que podem surgir do público e da crítica, o sucesso que o grupo conseguiu construir em suas diferentes identidades é um fato inquestionável.  

Só que o mundo que o Coldplay encontrou chegando nos seus 20 anos de carreira era diferente. O feito colorido de 2015, A Head Full Of Dreams, fez os fãs mais fiéis torcerem o nariz ao mostrar que os músicos não se entrelaçavam para criar canções como antes. Além disso, o otimismo e idealismo da banda – que sempre se envolveu com questões sociais e políticas – soavam calejados e plásticos, já que buscavam ressoar numa realidade que apresentava problemas cada vez mais urgentes e posicionamentos e ações cada vez mais concretos. 

Então, em meio a boatos de um possível fim do grupo, a banda, sob a liderança sensível do vocalista Chris Martin, entendeu que o momento pedia menos pompa, mais pés no chão, novas perspectivas e quem sabe até uma volta do Coldplay às suas origens. O processo até a concretização disso tudo levou quatro anos e chegou com uma aura de comeback através do oitavo álbum de estúdio do grupo, o mais experimental, livre e político até o momento, Everyday Life.

“É tudo sobre ser humano. Cada dia é ótimo, cada dia é terrível e cada dia é uma bênção”, reflete Chris Martin sobre a principal matéria-prima de Everyday Life: o ordinário. Concentrando-se na vida do século XXI, a banda deixa de lado sua arte grandiosa e escapista para explorar temas, texturas e sonorizações do nosso dia a dia. Com o apoio de gêneros mais familiares e orgânicos, como o gospel, o blues e o folk, surgem reflexões sobre amor, fé, amizade, família, guerra, racismo, violência e mudanças climáticas em canções plurais, feitas não só entre o quarteto mas com a companhia de muitos outros artistas vindos de vários lugares do mundo. 

Para amarrar as experimentações com o conceito do disco, há pontualmente a essência pop e rock alternativo característicos do Coldplay, que permite uma sonoridade mais ‘neutra’, além da própria sistematização do álbum. Everyday Life é um disco duplo, com o primeiro lado intitulado Sunrise, e o segundo, Sunset, que encontrou o mundo ao vivo pela primeira e única vez no dia 22 de novembro de 2019, em duas apresentações ao vivo na cidade de Amã, capital da Jordânia, transmitidas no YouTube e realizadas ao nascer e ao pôr do Sol.

Ao chegar para o início do oitavo disco do Coldplay, somos recepcionados à moda da casa, com uma abertura instrumental expressiva, assim como acontece no épico Viva La Vida or Death and All His Friends (2008), no apogeu pop Mylo Xyloto (2011) e no primo distante de Everyday Life, o synthpop soturno Ghost Stories (2014). Aqui, a vazão dos instrumentos é com uma música clássica, que flutuando entre a melancolia da noite avançada e esperança refrescante da manhã próxima, expressa a exata dualidade que Chris diz enxergar na experiência humana.

Céus abertos pela primeira faixa Sunrise, o sol brilha na diurna Church, e já no início, Everyday Life se transforma em uma experiência quase religiosa. As metáforas da letra junto aos sintetizadores e bateria sincronizados e os versos árabes da artista Norah Shaqur preenchem o ambiente e os nossos sentidos. Guiados pela voz familiar e singular de Chris, todos celebram: “Eu louvo na sua igreja, baby, todos os sete dias da semana”, em versos que podem ter uma conotação romântica, simbolizando santuário espiritual que Martin encontra em quem é o alvo de seu amor, ou, pensando mais além, que pregam a harmonia entre religiões, línguas e nações diferentes.

E então, como alguém que reserva um tempo de manhã para trabalhar o espiritual antes de encarar a dureza do mundo externo, a aura celestial da abertura de Everyday Life se choca com a firmeza de Trouble In Town. Na faixa, Coldplay usa seu espaço para denunciar o racismo, violência urbana e policial numa canção que, embora nem um pouco neutra, é suave, metamorfa, decisiva para o disco e marcante para a discografia da banda. Tomada pela calmaria conformada da voz e pianos de Chris Martin, que guia solos tímidos de guitarra, ela é repentinamente atravessada por uma gravação em que a polícia dos EUA é pega abusando de sua autoridade. A partir daí, a canção cresce e se transforma em algo sério, perigoso e urgente, desembocando num industrial obscuro muito usado por Twenty One Pilots que remete ao som do Coldplay de 2002. 

Ao fim, Trouble In Town se reduz outra vez e é finalizada por crianças que cantam juntas em tom de brincadeira a palavra “jikelele”, traduzida do idioma zulu como “mundialmente”, numa demonstração de uma violência universal da qual nem os pequenos escapam. E se a música não for explícita o suficiente, o vídeo clipe desenha todas críticas sociais para não restar nenhuma dúvida quanto às intenções do grupo. “E eu não tenho refúgio/E eu não tenho paz/E eu só recebo mais polícia, é/E eu não tenho consolo/E eu não tenho nome” se transforma no roteiro perfeito para o curta da diretora Aoife McArdle, que coloca personagens orwellianos para viver a letra de Martin e até encenar o diálogo da gravação.

No desespero dos conflitos cotidianos e na sensação de sofrimento iminente, nada mais comum à nossa realidade do que recorrer a quem acreditamos estar além dela. Assim, junto de um coral, Coldplay cria um apelo aos céus com o gospel de BrokEn. “Senhor, quando eu estiver enfraquecido/E estiver em necessidade/Quando eu sentir esse oceano/Me engolindo/Cabeça baixa/Tão cheia de tristeza/Oh, Senhor/Venha acender Sua luz sobre mim”, canta o vocalista seguido dos contracantos do coral junto da banda, que se sente em casa nos arranjos acústicos.

Aprofundando-se na sensação sufocante da dor, Everyday Life segue com mais um hino de clamor, dessa vez mais secular, íntimo, minimalista e com um alvo muito bem definido. Daddy é a música mais triste do álbum, construída com um eu-lírico que foi tirado do convívio de sua família, sinalizando sutilmente uma das causas que mais mobiliza a banda e que é tema recorrente nas canções do disco: a crise humanitária dos refugiados. Ali, o piano de Chris Martin implora por respostas para o personagem, se comunicando através das melhores e mais melancólicas melodias que as teclas do instrumento podem expressar. 

Entretanto, o canto dos pássaros ao final sugere uma progressão otimista para Everyday Life, e assim é. Ainda nos ritmos acústicos e íntimos, a transição espontânea WOTW/POTP (iniciais em inglês para ‘Maravilha do Mundo/Poder do Povo’) soa como uma voice memo e vem junto de um violão mais contente para reforçar ideais democráticos e internacionalistas num realismo que ainda alimenta a esperança de dias melhores.

Para encerrar o lado Sunrise, todos os caminhos que Everyday Life traçou até então se encontram na monumental Arabesque. A faixa é o segundo single e peça central do álbum, que se fundamenta na certeza que Coldplay tem de que “todos nós compartilhamos o mesmo sangue”. Nos cinco minutos da canção, estão combinados os metais destemidos de três gerações descendentes do precursor do afrobeat Fela Kuti; as cordas do trio palestino Le Trio Joubran; e os vocais do artista belga Stromae Etterbeek, junto da bateria marcada de Will Champion e o violão das mãos famintas de Johnny Buckland. 

A mistura toda se transforma em uma das canções mais atípicas, surpreendentes e perfeitas do Coldplay, explodindo em um rock progressivo psicodélico que faz a célebre frase profética de Fela Kuti, repetida em meio ao ápice dos instrumentos, existir quase palpavelmente. “A música é a arma do futuro”, profetizou o lendário ativista nigeriano. E ali, em meio à potência dos artistas que corre pelo ar sem qualquer barreira e de tudo o que eles representam, tudo faz sentido.

À medida em que o Sol desaparece no horizonte e as cores noturnas de Everyday Life começam a tingir o céu, o lado Sunset se inicia enquanto Chris Martin deixa sua suavidade de lado e canta com a garganta a denúncia de Guns. Sob um violão nervoso referenciando o country-blues icônico de Johnny Cash – que, infelizmente, por pouco não concluiu uma colaboração com a banda -, ouvimos versos rápidos e irônicos sobre violência, guerras e política pró-armas. O único defeito é seu acabamento, encontrado também nas outras canções mais espontâneas do disco. Numa tentativa de demonstrar organicidade com canções rápidas, elas acabam parecendo um mero capricho ao invés de algo realmente intencional, decepcionando ao não empregar a atenção que seus temas de importância e execuções interessantes mereciam.

O potencial desperdiçado se destaca ainda mais quando notamos que os singles, que também carregam temas políticos, são intencionalmente trabalhados com mais atenção. De uma forma mais poética, Orphans volta a abordar a temática da migração forçada, dessa vez com mais energia, junto de um coral jovem que questiona “Eu quero saber quando eu posso voltar/E ficar bêbado com meus amigos/Eu quero saber quando eu posso voltar/E ser jovem novamente”. Um típico hit do Coldplay é muito bem-vindo depois de 10 canções diferentes, agridoces e experimentais, limpando nosso paladar com o pop dosado da banda – que por si só não tem nada de neutro, mas é muito familiar.

A noite de Everyday Life avança e a primeira coisa que Coldplay faz é nos oferecer uma canção de ninar. Graciosa, calma e bela, Èkó conta uma história de amor e sonhos nas paisagens perfeitas de um continente africano intocado pelo imperialismo através dos vocais suaves de Martin, sempre melodioso, dedilhados de violão e do apoio vocal divino de Tiwa Savage. Em sequência, vem Old Friend, que com as mesmas características, se manifesta como uma ode à amizade. No meio das duas, entretanto, a vibe é interrompida pelo jazz charmoso e convidativo da romântica Cry Cry Cry, que conta com vocais duvidosos e juvenis de outro indicado ao Grammy, Jacob Collier. 

Essa turbulência na linearidade de Sunset revela o local que abriga as principais incoerências do disco. Com o pouco que resta do repertório, Coldplay comete o erro mais básico nas experimentações, que é a falta de amarração coerente entre uma coisa e outra. Para um álbum com essa exata premissa e falhas pontuais, isso não é grave e até mesmo esperado. Mas com a banda em questão, a história é outra, porque as consequências de seu passado megalomaníaco comprometem até mesmo a legitimidade de seus erros, que são cheios de boas intenções.

Exemplo perfeito disso é بنی آدم  (‘filho de Adão’ ou ‘ser humano’), a sexta faixa do segundo lado de Everyday Life. Ela se inicia com o piano da banda em influências da música clássica e depois de um minuto e meio ensaia algo mais pop e eletrônico com uma bateria marcada e solos de guitarra, enquanto versos persas são declamados. Gradativamente, uma confusão se cria no meio de tantas mudanças de rumo bruscas de uma canção que poderia ser quebrada em até três diferentes. Coldplay só lembra que menos é mais ao final, quando a faixa menos bem-sucedida do disco se acalma com uma transição perfeita para a penúltima música.

Fiel ao ritual da rotina, o encerramento de Everyday Life é como se recolher em um lugar de conforto depois de viver os desafios, derrotas e vitórias de mais um dia. Encontramos um lugar de descanso, aceitação, felicidade e paz no single Champion Of The World, que com a riqueza lírica e metafórica de sempre e musicada pelo pop/rock do Coldplay, não deixa o grupo cair na sua própria mesmice de canções exageradas. Agora, eles estão juntos de uma orquestra de cordas pregando superação de desafios e aceitação de nossas limitações, num um mundo em que manter-se vivo não só é motivo suficiente de comemoração como também uma forma poderosa de trabalhar pelas mudanças que buscamos. Há ainda uma ponta de sonho e escapismo, que se antes nos repeliam, agora são funcionais e nos acalentam. 

Todos esses sentimentos se expandem na última música, a faixa-título Everyday Life, que retoma o idealismo forte da banda e colore o álbum dominado por canções mais ‘sérias’ e cinzentas. As escolhas sonoras são similares às da anterior, resultado de uma diluição do Coldplay dos anos 2000 com o dos anos 2010, e depois de quinze faixas de ‘desintoxicação’, elas são bem recebidas. Exaltando nossas similaridades ao mesmo tempo em que adora nossa pluralidade, a canção compreende e incentiva: “todo mundo tem seus corações arrancados/Aguente firme para a vida cotidiana”.

A conclusão que resta ao ouvinte de Everyday Life não pode ser outra: Coldplay está no lugar certo e na hora certa desde o fim de 2019, quando se abriu para o mundo e se propôs a retratar nossa realidade cotidiana universal quase prevendo que o ano seguinte seria um dos mais atípicos e globalizados de nossa história recente. É fato que muitas injustiças foram cometidas pelo Grammy nesta temporada, mas ouso dizer que a controversa presença de Everyday Life dentre os Álbuns do Ano de 2021 certamente não é uma delas.

A obra realista, experimental e plural, repleta de altos e baixos e momentos de denúncia e esperança se transformou na arte irretocável para representar 2020 e o que existe até o momento de 2021. Everyday Life é a trilha e o roteiro mais precisos dos meses em que a nossa vida ordinária seria tirada de nós e nossas forças locais não seriam suficientes para vencer os desafios que surgiriam; um período em que nós dependeríamos do outro como nunca; que nossos problemas sociais seriam visíveis como nunca; que nossos sentimentos seriam confusos, saudosistas e inflamados e que, paradoxalmente, precisaríamos de conforto e novidades como nunca. 

Transcendental à materialidade em que se firma, Everyday Life segue até aqui como um acontecimento religioso. Fonte de esperança e conforto mas também um espaço seguro para desabafar dores e revoltas, nestes contextos, nem sempre concordamos com tudo, mas o objeto da experiência religiosa é maior que qualquer coisa que possa destoar no meio do caminho. Assim, a banda mostra e faz coisas bem maiores que as inconsistências de sua trajetória. E quando cantos de “aleluia” surgem nos últimos segundos da última faixa do disco, nós temos a chance de atender ao apelo, dar mais uma chance e nos converter ao Coldplay novamente.

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Leonardo Teixeira

Uma sirene corta a noite, enquanto carros buzinam no que parece ser uma rua movimentada. Mas não é só o ruído urbano que se ouve. Vem vindo um compasso, seco e sintetizado, que se aproxima aos poucos. Logo, a cidade é engolida pela batida eletrônica. Estamos na pista de dança. É assim que é introduzida I Love New York, faixa 5 do décimo disco de estúdio de Madonna, Confessions on a Dance Floor (2005). A música homenageia não só a cidade que acolheu a aspirante a dançarina, quando ali ela desembarcou – com apenas 35 dólares no bolso, reza a lenda -, mas também o tipo de estado de espírito noturno e eufórico que resiste nas ruas e explode sob a luz de estrobo. 

Madonna nasceu na pista. A boate Danceteria, onde ela se lançou como cantora solo, era um palácio underground no início dos anos 80, em Nova York. Lá, sob o globo de espelhos, ela dançava noite adentro ao som de disco, hip-hop, ritmos latinos e mais uma mistureba de estilos, numa bolha de arte e diversidade que inspiraria toda sua carreira. A noite como esse lugar seguro, de autoafirmação, é ponto de partida do disco, que completa hoje 15 anos na cena. 

Logo de cara, fica claro que o álbum foi pensado como um set de DJ, pelo desembocar em cascata das faixas umas sobre as outras. E que forma melhor de abrir a pista do que Hung Up? Seu conceito nasceu de um projeto de Madonna com o diretor Luc Besson, que pedia um som que lembrasse “ABBA on drugs”. O roteiro foi engavetado, mas a música era boa demais para ser descartada. Stuart Price, jovem produtor que a cantora já conhecia, ficou encarregado da produção, que é construída sobre uma base de sintetizador, brilhantemente sampleada de Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight), do grupo sueco ABBA. 

Price, que assina com dona Ciccone grande parte do LP, alterou o tom, picotou e brincou com o trecho, incluindo também uma linha de baixo que trouxe a faixa para o século XXI. Nascia ali uma das pérolas da carreira tetragenária de Madonna.

Com direito a collant cor-de-rosa, cabelo à Farrah Fawcett e rádio boombox no ombro, a canção talvez seja a maior referência direta à discoteca setentista do registro. Outro destaque, a hipnotizante Future Lovers, reaproveita um clássico de Donna Summer (ou a melhor canção pop já feita), mas o olhar  aqui é futurístico. “Não controlados pelo tempo/Amantes do futuro brilham/Pela eternidade/Num mundo livre”, Madonna idealiza, evocando a mesmo sentimento utópico de comunidade e inclusão que nomes como a própria Summer, Sylvester e Earth, Wind & Fire proporcionaram a toda uma geração. 

A tracklist segue, bebendo muito mais da ebulição libertadora dessa era, do que o som propriamente dito. Na verdade, o que mais parece orientar a sonoridade do registro são os movimentos pós-disco, como a house music e o synthpop. 

Get Together, por exemplo, remonta a trabalhos da dupla de DJs Daft Punk. A vibração aqui ganha aura ritualística, quase religiosa. Como uma bíblia, Confessions está aberto a diversas interpretações, e a faixa exemplifica isso com brilhantismo. A letra pode ser sobre um amor profundo, uma paixão que perece ao amanhecer, solidão ou tudo junto. É essa a graça da pista de dança. Entre os corpos em movimento, não cabem longos diálogos, fica difícil da gente se ouvir. Confissões flutuam no ar, num universo em que certezas nem são necessárias. 

Mas nem só de escapismo é feita a noite. A Rainha nos lembra que espaços como a Danceteria eram, principalmente para pessoas LGBTQIA+ e não-brancas, os únicos onde se podia viver plenamente seus conflitos emocionais e afetivos. Então chorar as pitangas faz parte da experiência também. Triste e elegantérrima, Forbidden Love questiona as barreiras invisíveis que nos impedem de amar alguém em força total.  A versão da faixa para a turnê mundial do disco – que merece um texto por si só – vai mais fundo, iniciando um conversa pesada e necessária sobre o conflito israelo-palestino. É de arrepiar.

Outro momento de confissão, Jump relembra a chegada de Madonna em Nova York em 1978, e sua procura por independência. “Eu consigo sozinha, minhas irmãs e eu”, ela repete sob camadas e camadas de sintetizadores, reforçando a importância da família que a gente escolhe nesse processo de crescimento. A vastidão eletrônica faz referência a trabalhos de outra dupla, os Pet Shop Boys.

Em abril de 2006, a cantora foi uma das headliners da sétima edição do Coachella. Mas a surpresa é que, apesar de ser o principal nome da edição, ela não ocupou o palco principal do evento. Seu show aconteceu na tenda eletrônica, que quase veio abaixo com os primeiros tic tacs de Hung Up. Por sua vez, a canção que Madonna estreou em sua primeira performance solo lá na boate Danceteria, Everybody, fechou a apresentação, numa versão remixada por Stuart Price. É o culto à pista de dança atravessando gerações, amém.

Discoteca e suas adjacências seriam revisitadas por mais um monte de gente nos anos seguintes. Em 2020, por exemplo, o espírito da época parece pedir pelo tipo de música que une as pessoas num lugar de acolhimento, e muitos hits recentes adotam essa referência. Sonoramente, quem mais se banhou em águas madônnicas é Dua Lipa, com o bem-sucedido Future Nostalgia. Mas o impacto vai mais longe.

Temos aqui o disco com o qual todos os novos trabalhos de Madonna sempre serão comparados. Apesar disso, Confessions on a Dance Floor não tem intenção alguma de reinventar uma época. O que acontece aqui é uma conversa sendo passada para frente, referências em renovação, já que a utopia da discoteca não pode morrer. 15 anos depois, esse álbum ainda recria um espaço seguro, de vivência e amadurecimento para quem quiser dançar junto. Esse lugar nunca perderá seu brilho. 

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Jho Brunhara

A quarentena mexeu com todo mundo. Talvez você não aguente mais ler e ouvir sobre isso – nem eu –, mas é impossível não traçar um paralelo entre o novo extended play (EP) de Troye Sivan, In A Dream, com os últimos meses. Apesar da maior parte das faixas terem sido criadas antes do mundo acabar, as palavras falam diretamente com todos nós, e quase todas as músicas parecem ter sido escritas ontem mesmo, quando ninguém podia sair de casa por motivo nenhum, e até os sonhos eram mais interessantes que a vida real. Bem, não só os sonhos, mas os pesadelos também. 

Assim como muitos de nós, Troye voltou para a cidade de seus pais para passar a quarentena. Essa reconexão com Melbourne já era muito antecipada por ele, como canta na quase profética Take Yourself Home, escrita antes da pandemia chegar em Los Angeles, onde estava morando. “Estou cansado da cidade, grite se você concordar comigo. Se eu vou morrer, que eu morra num lugar bonito” parece ter saído diretamente de um tweet sobre alguém cansado de ficar em casa pelo isolamento social. Essa brilhante e pessoal confissão é apenas um dos grandes momentos de In A Dream. 

Troye, uma das vozes mais importantes para a representatividade LGBT+ no mundo da música, vem cantando desde seus primeiros trabalhos sobre sua vivência. Mesmo que indiretamente, In A Dream se reconecta com muitos temas de seu debut, Blue Neighbourhood (2015), e com Bloom (2018). Quando se é queer, os eventos da adolescência podem ser completamente diferentes de uma pessoa hétero, às vezes extremamente limitados. Desde o primeiro beijo, e até mesmo proximidade com a família. Aqui, Take Yourself Home também fala com indivíduos LGBT+ que só se assumiram depois que saíram de casa. Aqueles que tiveram sorte de serem bem aceitos pela família, finalmente encontram a oportunidade criar laços honestos com os pais, e recuperar um pouco do tempo que foi perdido na adolescência. 

In A Dream também retoma temas de Blue Neighourhood em Rager teenager!, uma carta aberta de Sivan para seu eu mais jovem. Engatilhado pelo retorno à cidade onde passou sua adolescência, a música é um relato sobre estar preso em casa e se sentir novamente com menos de 18 anos, e todas as emoções decorrentes desse reencontro com o passado. Um dos pontos mais altos do EP e da incrível produção das faixas, assinadas pelo sueco (uau, que surpresa) Oscar Görres, também conhecido como OzGo. O projeto como um todo utiliza muito de sintetizadores nostálgicos – com direito à vários solos –, drums à la anos 80, vocais abafados, e uma vibe dream pop, com toques do new wave e até mesmo shoegaze em alguns momentos, como em Rt!. 

O break de STUD transporta a atmosfera do EP diretamente pro inferninho de uma casa noturna, enquanto o australiano canta sobre se sentir desejado por um cara tesudo, em tradução livre. Em entrevista, Troye admitiu que se vê como um twink, um tipo de gay magro e com aparência mais jovem. Em inglês, a gíria stud se refere à um tipo de homem mais encorpado e viril. Apesar de em primeiro momento a letra parecer superficial, a música é na verdade uma reflexão sobre insegurança com o próprio corpo e o complexo de inferioridade tão comum em jovens, principalmente em membros da comunidade LGBT+.

O tom sexual da faixa se mistura com uma onda de pensamentos mais íntimos, e a ponte completa a vibe quase como se Sivan cantasse diretamente da cama redonda de um motel. “Você quer fazer isso, né? A gente deveria fazer isso, né?” Quem nunca ficou na dúvida dos motivos de alguém para querer transar, seja por desconfiança do outro ou insegurança do próprio corpo? Sem panos quentes, aqui o tema é tratado de forma direta e genial. 

Apesar de cantar sobre saudades de casa e problemas de autoestima, a alma do EP é um coração partido. Easy se embebeda de melancolia e um solo de sintetizador para desabafar sobre o arrependimento de uma traição por parte do narrador, e a midtempo é um de seus melhores trabalhos, sonora e liricamente falando. O disco encerra com a faixa-título IN A DREAM, sobre sonhar com com alguém que não faz mais parte da sua vida. Apesar da música não dar o tom para o extended, ela, sem dúvidas, dá sentido. Em que mundo alguém não ficaria levemente enlouquecido ao passar pelo fim de um relacionamento, enquanto enfrenta uma pandemia, depois de, literalmente, ter viajado para o outro extremo do planeta e reencontrar memórias da adolescência?

In A Dream encanta por não ser um projeto pensado e calculado em excesso, e mostrar a visão artística de Troye de forma mais espontânea e genuína. É a partir dessa permissão para que a singularidade escape que se revela o melhor que o artista tem a oferecer, nas suas composições e na sonoridade. E nessa balada-de-um-homem-só, podemos dançar de casa e também nos entregar ao delírio, até que a realidade volte a ser um lugar habitável. 

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Jho Brunhara

“Você alcançou tudo o que queria fazer?” Assim ecoa um dos primeiros versos do novo álbum da banda escocesa CHVRCHES, com a faixa “Graffiti”. Love Is Dead, lançado dia 25 de maio, retoma o synthpop tão conhecido pelos fãs. Formado por Lauren Mayberry, Iain Cook e Martin Doherty, o novo trabalho do grupo aborda relacionamentos,  além de refletir o atual cenário político do mundo, um olhar da banda sobre o caos do século XXI.

“Era para ser meio chocante mesmo. Não acordo todos os dias e concordo com a frase do título do álbum, mas alguns dias sim. É mais uma pergunta de onde você está, as pessoas vão ler o nome do álbum e vão ficar ‘o que?’” Afirma Mayberry. “É para servir como um norte para uma conversa que acontece nas músicas do disco. Alguém está tentando entender como se sente e não necessariamente existe uma resposta, mas você está tentando percorrer pela frustração e confusão mental – e o que fazer com tudo o que você descobriu.”

Love is Dead é o terceiro álbum do grupo, tendo como antecessores Every Open Eye lançado em 2015, e The Bones of What You Believe, lançado em 2013. Aos fãs que estavam acostumados como uma sonoridade mais dark e menos mainstream, o novo disco pode ser um pouco decepcionante, mas ninguém é o mesmo para sempre: CHVRCHES coloca o coração no synthpop e traz refrões poderosos, letras críticas em melodia upbeat e a prova que ser versátil e mais comercial não significa música ruim. “Eu gosto da ideia que essa banda pode ser pop e emo e punk. Isso é legal, não precisa ser tudo de um jeito ou de outro, e talvez seja isso que faça ser quem somos?”

As três primeiras faixas do álbum são exatamente esse pop meio rock, indie e lotado de synths: “Graffiti”, “Get Out” (que foi o primeiro single do álbum) e “Deliverance” introduzem refrões poderosos e melodias chicletes. O refrão de Graffiti é com certeza um dos melhores do álbum, sendo uma das faixas para se ouvir no repeat.

“We wrote our names along the bathroom walls
Graffitiing our hearts across the stalls
I’ve been waitin’ for my whole life to grow old
And now we never will, never will”

“My Enemy”, uma parceria com o vocalista do The National, Matt Berninger, se aproxima mais de um CHVRCHES do início da carreira, com uma vibe mais calma e dark. “Sempre fomos grandes fãs do The National, e quando fomos gravar ‘My Enemy’, Iain e Martin sugeriram que eu mandasse um email para Matt sobre cantar a música. Nunca pensamos que ele teria tempo para isso, mas ele respondeu muito rápido e no dia seguinte já fomos gravar a faixa na casa dele.”

“Forever”, “Never Say Die” e “Miracle” retomam o EDM-synthpop mais animado, mas não vazio. Em “Miracle” – que ganhou um clipe apocalíptico onde o caos e a violência dominaram o mundo –, Lauren clama ao mundo que a solução para os nossos problemas não é um milagre. “And I need you to know, I’m not askin’ for a miracle/But if love is enough, could you let it show?”. A faixa, assim como muitas outras do disco, foi produzida em parceria com Greg Kurstin, conhecido por trabalhar com muitos artistas ligados à música pop. “Você tem o ‘grande cara do pop’, eu fico, ‘bom, eu não acho que é justo dizer isso.’ Meio que subestima o talento dele, e o nível de colaboração que está rolando.” CHVRCHES está mais crítico do que nunca, e isso é realmente importante analisando a atual situação política do mundo. A música pop também pode, e deve, funcionar como voz para o que há de errado na sociedade.

“Graves”, que quase parece pertencer à trilha sonora de Stranger Things por seu instrumental, segue a linha crítica de “Miracle”, e questiona a submissão e o individualismo da sociedade diante de tantos problemas.
“They’re leavin’ bodies in stairwells/Washin’ up on the shore/Do you really expect us to care what you’re waitin’ for?” faz referência aos refugiados que morreram afogados no mar mediterrâneo e fizeram parte dos noticiários do mundo todo. O vocal de Lauren explode em um dos melhores refrões do disco, que nos questiona: você vai realmente olhar para o outro lado enquanto eles estão dançando em cima dos nossos túmulos?

E aos que ficaram na dúvida não, “Love is Dead” não é a volta de um CHVRCHES indie-dark, muito menos significa que a banda se vendeu para o mercado de músicas comerciais. O disco só é vazio para quem esperava faixas características de tempos em que o synthpop não havia dominado ainda as produções radiofônicas da música pop, como vemos hoje. Da mesma forma que o grupo ajudou a conduzir o estilo ao mainstream, o mainstream conduziu um pouco de si próprio a cada um deles. Ainda vamos ter que esperar um pouco mais para que mais músicas como “God’s Plan” – distantes da estrutura verso/pré-refrão/refrão/verso/ponte/refrão – voltem a ser maioria na tracklist, e isso não é um problema. O álbum cumpre exatamente o que se espera de uma banda tão versátil.

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