Davi Marcelgo

Abdicar sonhos pelo bem maior, ser incorruptível, simbolizar a honra e bondade humana. Muitos filmes de heróis, desde Superman (1978), representam protetores benevolentes que transpiram sacrifícios. Os feitos desses mitos incluem girar a Terra em sentido anti horário e alterar o tempo, parar um trem desgovernado, salvar o Natal. Dentre os chavões do subgênero há a jornada em busca do que te faz um paladino. Ser tentado a usar os poderes para o próprio benefício, encarar dilemas, matar ou não seus inimigos e por aí vai. Homem-Aranha 2 (2004) debateu as responsabilidades da vida de vigilante, nuances foram inseridas nos quadrinhos ao longo dos anos, afastando os homens que usam colã de uma noção maniqueísta. Mas o caminho de se tornar um herói pode ser apenas consequência de um objetivo muito mais nobre: o de se relacionar. 

Em 2014, uma equipe de criminosos traumatizados foi introduzida na história de Hollywood, os Guardiões da Galáxia. Diferente dos outros super-poderosos, eles não são dotados de proezas ou nobreza. São interesseiros, faziam serviços em troca de pagamento e salvaram a galáxia só porque pereceriam se não impedissem os planos de Ronan, o Acusador (Lee Pace). Depois dos eventos contra os Kree, se aproximaram do formato de uma equipe à la Vingadores. Porém, em Guardiões da Galáxia Vol. 3 (2023), terceiro e último encontro dos heróis dirigido por James Gunn, salvar a família é o mais importante, e no meio da jornada, talvez dê tempo de se tornar um herói. 

Desde o primeiro filme, a história do grupo é sobre pessoas que se esbarraram e descobrem características em comum. Criminosos renegados, com passados traumáticos e sem família, unem-se para sobreviver. Em determinado ponto, eles percebem fragmentos de qualidade um nos outros, qualidades heroicas. Coragem, inteligência, sacrifício e humildade. Quando decidem salvar o planeta Xandar, é para estarem juntos caso a empreitada falhe. Morrer ao lado de quem te aceitou e admirou sem pedir nada em troca não parece ruim. 

No volume 2, os Guardiões salvam o universo do maligno planeta Ego numa luta para resgatar Peter Quill (Chris Pratt). Rocket atravessa vários pontos do espaço pelos amigos que estão presos. Diferente do maximalismo do MCU, o clímax é mais íntimo: eles frustram os planos do vilão numa sucessiva cadeia de objetivos, na qual o mais importante é tirar os guardiões dali – o   universo terminar bem é consequência. James Gunn isola e separa seus personagens do resto da Marvel a fim de criar a própria maneira de desenvolver história e grupo. 

São vários os momentos em que isto é perceptível. Nota-se o que a direção quer mostrar, preferindo filmar uma briga e o revezamento de cuidado para com o Baby Groot (Vin Diesel) do que um tiroteio entre naves, como o carinho que o membro mais novo do grupo recebe em meio uma missão e as linhas de diálogo que aprofundam as relações. Quando ele prioriza o entendimento e aproximação do público dentro da dinâmica, é um recado da hierarquia de eventos, uma indicação ao que você deve olhar. 

Mas e a terceira parte da aventura? Na trama, são os amigos que desbravam a galáxia para salvar um dos seus. Após Adam Warlock (Will Poulter) ferir Rocket Raccoon (Bradley Cooper) em uma missão determinada pelo Alto Evolucionário (Chukwudi Iwuji). Diante disso, os Guardiões da Galáxia precisarão correr contra o tempo para salvar o guaxinim, ao mesmo tempo que o passado tortuoso de Rocket e todos os métodos facinorosos do cientista contra animais indefesos são revelados, fazendo a trilogia culminar em um confronto empolgante. Atos de bravuras que poderiam soar comum e genéricos são potencializados por toda carga emocional inserida em todas as interações da equipe durante toda a década. O Senhor das Estrelas (Pratt) salta de uma altura absurda para obter o único objeto capaz de salvar a vida de seu amigo. 

Gunn, que também assina o roteiro, conhece os moldes dos filmes de heróis, os clichês de mocinho e inimigo, parecidos em poderes e até trajes, como Homem-Aranha e Venom, Hulk e Abominável ou Superman e Zod, reduzidos a serem apenas uma contraparte. No último volume, o cineasta subverte o clichê e afasta Rocket de Alto Evolucionário. De parecidos, eles não tem nada. O guaxinim precisou aprender a conviver com as diferenças e imperfeições de cada guardião. Já o vilão é incapaz de reconhecer outro ser e aceitá-lo, constantemente atrás de modificar seres (humanos ou não) ao seu bel gosto e senso de perfeição. 

Pensando em arco de personagem, o menor guardião é o que tem o maior deles. Introduzido como casca-grossa, ele não tinha receio algum de puxar o gatilho e já tinha até ameaçado matar os membros de sua equipe. Ele se esquivava de perigos, como fez na luta contra Thanos em 2018 e afastava as pessoas ao seu redor. Com o volume 3, descobrimos que era tudo pelo trauma de ter perdido sua primeira família pelas mãos do torturador de animais. A frase “cansei de fugir” é um grito de liberdade. 

Quando Rocket opta por não matar seu nêmesis, mas libertar todas as criaturas presas, ele então se torna um herói. A equipe estava a salvo e o Alto Evolucionário não apresentava mais uma ameaça. Não tinha necessidade de Rocket salvar mais ninguém, exceto quando você é um herói. A resposta que ele dá, “sou um guardião da galáxia”, representa todas as características boas que ele reencontrou em si ao fazer parte da equipe. O antagonista é imperdoável. Durante grande parte do filme, somos expostos a incontáveis crueldades dele sem nenhum fio de humanização, que, ao final, a decisão de Raccoon vem como um choque para o espectador.

Fora todo o subtexto de heroísmo, ainda tem muita coisa magistral. Adam Warlock é uma ótima adição à saga: mesmo com pouquíssimos 10 minutos de tela, já é o bastante para se apaixonar pela atuação de Will Poulter. O filme também é o mais violento de todo Universo Marvel e rende algumas lágrimas durante seus 150 minutos, além de uma ótima trilha sonora, abrindo com Creep, clássico da banda Radiohead. Até as rimas visuais ganham espaço. Uma delas, ao final do filme, remete à cena do longa de 2014, “um bando de otários de pé formando uma roda”. 

E não para por aí. Guardiões da Galáxia Vol. 3, além de ter enchido os bolsos da Marvel Studios, também foi indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Visuais. Por infelicidade, o blockbuster ficou de fora em outras duas categorias em que teria grandes chances de levar a estatueta para a casa, Melhor Design de Produção e Melhor Maquiagem e Cabelo.

Quebrando o recorde de maior número de próteses utilizadas em um filme, o desfecho da trilogia utilizou 22.500 próteses, 500 perucas e 130 perucas faciais. Ao optar por efeitos práticos, James Gunn deixa a história ainda mais próxima das Space Opera dos anos 1970 e corrobora com o desempenho dos atores, que poderiam ser facilmente substituídos por CGI. Nas palavras do próprio diretor, a intenção era garantir a atuação de Chukwudi Iwuji. Já a direção de arte comandada por Beth Mickle é engenhosa ao ponto de fazer você pegar um foguete e ir direto para o espaço, com diferentes texturas e estéticas, desde uma base centrada num organismo vivo pegajoso a uma espaçonave feita de figuras geométricas. 

O futuro da DC no Cinema está seguro. Com James Gunn, que demonstra domínio nas adaptações em quadrinhos, todos os tiros tendem a ser certeiros. Para além de uma construção de um universo cinematográfico ansioso, ele sempre preferiu sustentar sua história e fazer o público querer sentar no banco do passageiro. Para fazer uma nova e excelente abordagem de tornar-se herói, só conhecendo o material base e amando ele. 

O título sobe em um momento de fragilidade e irmandade da equipe, condensando o que é ser um Guardião da Galáxia. Não em grandes atos épicos, mas na interação entre esses personagens disfuncionais. As grandes cenas de ação ganham riqueza graças ao sentimento compartilhado entre o público e eles. Acompanhar os Guardiões da Galáxia na trilogia, suas participações em Vingadores: Guerra Infinita e Ultimato e um especial de Natal foi uma viagem rumo às estrelas mais quentes. Foi fazer amigos, ser apresentado aos hits favoritos de uma pessoa que você nutre carinho e aprender que não é necessário ter uma ‘alma perfeita’.

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Iris Italo Marquezini

É possível apontar para diversos episódios de Cowboy Bebop e pensar “caramba, agora a parada ficou séria”. Não é difícil mencionar outras animações que pegaram o público de surpresa e apresentaram uma trama tão ousada e emocionante em um momento inusitado. Em Avatar: A Lenda de Aang, pode-se citar o episódio em que Toph falha em evitar a captura do bisão Appa pelas mãos da vilã Azula. Em Fullmetal Alchemist: Brotherhood, aconteceu com o inesquecível arco de Nina, uma garotinha com um pai especialista em criar quimeras e o final trágico desta relação.

Em Steven Universo, lembra-se do episódio em que Steven encontra uma fita deixada pela mãe já falecida. Irônico, porque esse episódio presta homenagem direta a justamente um capítulo de Cowboy Bebop. Speak Like a Child também envolve assistir uma fita em uma televisão, só que dessa vez a espectadora é Faye Valentine. A mercenária caloteira, viciada em apostas  e sem memória alguma do próprio passado sente um soco no estômago quando percebe que existia muito mais sobre ela mesma para se descobrir a partir do momento que assiste a uma mensagem de décadas atrás. 

A sensação de encontrar a obra 25 anos depois da estreia em 1998 na TV Tokyo é semelhante à de Faye. O seriado criado por Shinichiro Watanabe (Samurai Champloo e Carole & Tuesday) sustenta o próprio sentimentalismo e originalidade intactos mesmo décadas depois. Quem descobre a série hoje encontra particularidades com as produções dos anos 1990 (sejam elas boas ou ruins), mas também entra em contato com um universo futurista dinâmico e divertido como só uma boa space opera – ou melhor, um space jazz, pode apresentar. 

O ano é 2071 e o planeta Terra está inabitável por causa de acidentes com portões espaciais e o lixo gerado por essas ocorrências. A humanidade destina-se a outros planetas por meio de naves e todo mundo está apenas tentando ganhar alguma grana para não passar fome. A ambientação aqui é cirurgicamente organizada para prestar homenagem aos bons faroestes com xerifes barra pesada, moralmente questionáveis e de falas ríspidas. A surpresa é o surgimento de uma inesperada família no meio disso tudo. 

Spike Spiegel é o personagem no qual a maior parte da trama é centrada. O mercenário trambiqueiro é dublado na versão brasileira por Guilherme Briggs, que consegue dar um tom hilário ao cowboy característico das atuações já conhecidas do ator. O malandro é um excelente protagonista por trazer lutas cheias de coreografias ao estilo Bruce Lee e respostas sarcásticas a qualquer ameaça que aparece no caminho. 

Escondido no meio de toda essa violência há um tom inescapável de melancolia o rodeando. O ponto de virada que demonstra isso é o aclamado capítulo Ballad of Fallen Angels, já no começo do anime. O mistério acerca do passado é um dos pontos mais empolgantes de se acompanhar e o episódio, um genuíno espetáculo de visual e escrita, serve para mostrar todo o potencial dramático da história.

O tema sobre fugir do passado é uma constante em absolutamente todos os episódios do seriado. Até mesmo o engraçadíssimo Toys in the Atric, que presta homenagem aos clássicos Alien e Predador, trata sobre como as consequências de uma ação supostamente esquecida podem ser destrutivas. Claro, isso por meio de uma trama que aborda como restos de comida esquecidos na geladeira se transformam em um ser consciente que persegue a tripulação. Ainda assim, são diferentes abordagens como essas que tornam a experiência de assistir ao anime tão vasta e repleta de novidades a cada novo arco. 

A experimentação é um dos pontos mais fortes da série. O caráter episódico da obra permite não só uma liberdade criativa para brincar com o tom, mas também com gêneros e estilos de animação diferentes. Esse fator se explica pela presença de diversos diretores e equipes ao longo dos 26 episódios. Embora seja uma ficção-científica, as influências do western, do noir, do cyberpunk, do blaxploitation e até mesmo do terror são bastante aparentes. O resultado dessa variedade toda gera aventuras com um gênero próprio e com espaço para cada personagem brilhar ao longo delas. 

Edward Wong Hau Pepelu Tivrusky IV, ou simplesmente Ed, é o destaque de um dos capítulos mais memoráveis da série. Mushroom Samba aborda o momento em que a criança hacker sem gênero definido oferece (sem saber) cogumelos alucinógenos para os amigos e tudo começa a desandar em uma épica e hilária trama de perseguição. Grande parte das cenas de Ed, acompanhado pelo corgi Ein, são piadas ao estilo Charlie Brown, em que os adultos dificilmente entendem o mundo da lua vivido pela criança. Chega a ser estranho assistir aos primeiros episódios novamente e não ver a presença da hacker animando frequentemente a muitas vezes triste equipe da Bebop. 

No entanto, quem participa desde o começo da série com Spike é o ex-policial e agora mercenário estoico Jet Black. Embora muitas das falas do personagem tenham um sexismo bastante incômodo, a função dele na trama é clara: fazer um contraponto a Spike. Diversos episódios focados em Jet, como Ganimedes Elegy, trazem o cowboy optando pela racionalidade em relação às complicações com o próprio passado. O foreshadowing serve para a audiência entender os caminhos que cada um dos tripulantes da nave escolherá traçar, seja ele de autossabotagem ou de autopreservação. 

Portanto, por mais que Cowboy Bebop seja repleto de momentos cômicos, há um clima constante de tragédia que ainda está por vir. O fato dos protagonistas se conhecerem em pontos tão distintos das próprias jornadas torna os momentos mais leves uma benção e os mais sensíveis uma forma de partir o coração da audiência. Embora caçoem uns dos outros, há um respeito mútuo entre os tripulantes da Bebop e um pacto em não fazer perguntas até que isso se torne inevitável. Essa dinâmica, apesar de problemática, mostra o quanto essa família está disposta a aceitar uns aos outros sem hesitação. 

Faye Valentine parece a maior representação desse espírito found family de Cowboy Bepop. A personagem – que literalmente esqueceu e perdeu todas as pessoas que um dia teve alguma conexão – encontra um lar para voltar nos braços de Spike, Jet e Edward, por mais que nenhum demonstre carinho de fato. No fim da trama, é ela quem desesperadamente tenta unir o que o destino parece já ter decidido separar. A vida de aventuras com a ausência de uns aos outros parece incompleta (fora as dívidas que não param de chegar). 

Toda essa ambientação futurista, frenética e melancólica é intrinsecamente ligada com a trilha sonora do anime. A clássica abertura de jazz improvisado Tank!, composta por Yoko Kanno junto com a banda The Seatbelts, já prepara o espectador para uma trama energética cheia de tiroteios, fugas inesperadas e perseguições com naves espaciais. As palavras de um literal manifesto que aparecem escritas na tela são de arrepiar. 

Por outro lado, o tema de encerramento, The Real Folk Blues, traz um vislumbre de um lado mais reflexivo, lento e filosófico. A música retorna nos últimos minutos do seriado no episódio homônimo, agora com o significado e peso dos versos entendidos por completo pela audiência. A composição mais emocionante da série talvez seja Call Me Call Me, que aparece no momento que marca uma espécie de adeus para alguns dos personagens. A trilha de Hard Luck Woman mostra um indício do que poderia ser um final feliz para cada um dos tripulantes da Bebop, no que é, sem dúvidas, o ápice emocional da série. 

A mistura de gêneros musicais dentro do anime representa o caos que é viver no mundo, talvez uma das melhores definições de um “futuro próximo”. Ouvir um jazz empolgado dar vida às naves belissimamente desenhadas entrando em combate e em seguida um blues melancólico quando a aventura acaba é uma sensação de final de festa. Os jantares divididos em família, às vezes em silêncio e outra vezes acompanhados de breves piadas, trazem uma imersão tão grande ao universo proposto que o espectador também se sente parte da família Bebop, observando-a por vários ângulos. 

Se por um lado temos heróis tão sensíveis e tridimensionais, o antagonista principal da trama, Vicious, não oferece tanto carisma. O espadachin representa o passado criminoso de Spike no Sindicato do Dragão Vermelho e tudo que o protagonista poderia ser sem a influência positiva de Jet na própria vida. Ainda assim, o vilão parece caricato, pouco desenvolvido e até mesmo desperdiçado em vários aspectos. 

Outra personagem que também peca na profundidade é Julia. Embora a presença curta dela em flashbacks, principalmente, represente um passado idealizado por Spike, a relevância dela na trama peca em não ir além disso. Ademais, fora um momento brilhante de interação espontânea entre Julia e Faye, a audiência fica com pouquíssimas ideias sobre quais os porquês do interesse amoroso ser supostamente tão apaixonante. 

Em contrapartida, a condução episódica consegue apresentar personagens bastante cativantes, mesmo que por um curto período de tempo. Vale menção à  VT, do episódio Heavy Metal Queen e Rocco, de Waltz for Venus. No arco de dois capítulos Jupiter Jazz, a audiência é apresentada à Gren, um antigo espião complexo, vingativo e cheio de rixas pessoais com Vicious. Antônio, Carlos e Jobim, três amigos idosos bem humorados com nomes em homenagem ao compositor brasileiro, por vezes aparecem em segundo plano como figurantes nas aventuras dos protagonistas.

Pode-se ver, então, a atenção dada por Shinichiro Watanabe em criar personagens secundários atrativos aos olhos do público e com tramas próprias dentro das infinitas galáxias apresentadas. Se por um lado isso gera designs para pessoas, etnicamente falando, dificilmente representadas em animes ou ficções científicas em geral (que por vezes sequer procuram imaginar o futuro de forma diversa), problemas aparecem. Diversos criminosos são frequentemente apresentados como pessoas negras e até mesmo a participação de indígenas na série, como o sábio Laughing Bull, caem em estereótipos típicos de filmes de faroeste. 

Inclusive, a participação de personagens LGBTQAIP+ ora acerta, ora erra feio. Enquanto Gren possui com um corpo que desafia convenções de gênero e tenha nuances bastante positivas se tratando de representatividade, a transição forçada na qual ele passa deixa um gosto amargo na boca. Figurantes também dizem estar em relacionamentos homoafetivos com normalidade, mas pessoas trans aparecem muitas vezes apenas como alvo de piadas. 

Também é impossível ignorar a quantidade frequente de figuras femininas sexualizadas de propósito. Ao longo dos 26 episódios, nota-se uma presença grande de mulheres nas histórias com estilos bastante diferentes entre si. Nessa perspectiva, é frustrante a diversidade de ângulos de câmera desnecessários e figurinos sem sentido dentro da lógica do universo proposto. O male gaze fica evidente justamente por haver tantos outros exemplos de designs utilizados que não vão para esse caminho nos diversos capítulos da trama e até mesmo em obras posteriores de Watanabe, que oscilam entre cometer ou não as mesmas escolhas.

Após um final memorável e com toques de mistério, Cowboy Bebop ganhou um filme ainda mais visualmente impressionante que o anime de 2001 e uma fracassada adaptação em live-action feita pela Netflix em 2021. O sucesso do seriado no ocidente deu o título de clássico à obra e as influências dele podem ser percebidas não só em outras animações japonesas, como também em grandes blockbusters como Blade Runner 2049. 

Cowboy Bebop, mesmo anos depois, acerta (e muito) no que se propõe. Com uma trilha sonora inesquecível e uma construção de mundo marcante pelo ponto de vista de diversos mercenários diferentes, a obra continua a conquistar fãs ano após ano. Há problemas, é claro, mas os acertos são certeiros como a mira desses personagens tão perdidos e solitários em uma galáxia vasta. Sente-se a dor no coração, mas o “adeus, cowboy espacial…” no final de vários episódios de longe não marca uma despedida para a série. O anime ainda carrega todo o peso de inovar e a audiência vai para sempre procurar algo semelhante à rapsódia única que Spike, Faye, Jet, Edward e Ein deram o sangue para trazer. 

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Beatriz Sabino

Brandon Sanderson, autor da renomada série de livros Mistborn, surpreendeu o público mais uma vez trazendo uma space-opera com protagonismo feminino jovem, muitos alienígenas, frases históricas e guerras no espaço. Skyward é seu livro de estreia nesse subgênero da ficção científica que marcou gerações, tendo como exemplo: Star Wars, Duna (livro de Frank Herbert) e a mãe da fanzine: Star Trek. Geralmente, essas obras possuem batalhas espaciais épicas que ignoram as leis da física, jornadas a inúmeros planetas exóticos, alienígenas parecidos com os seres humanos e, claro, um protagonista invencível. Mesmo fazendo parte desse grupo de histórias, a narrativa de Sanderson tem um pouco menos opera, e mais space.

No livro, que foi trazido ao Brasil pela Editora Planeta (tendo a tradução por Márcia Blasques, que já trabalhou em Mistborn), a protagonista Spensa habita um planeta que é constantemente atacado por uma raça misteriosa de alienígenas, e os seres humanos, como sempre, não ficam de braços cruzados e contra-atacam. Para isso, eles contam com esquadrões de jovens e veteranos que pilotam naves espaciais lado a lado, na esperança de terem a tão sonhada paz. Mas, como toda boa trama, não é tão fácil assim derrotar, e até mesmo desvendar, o inimigo. 

Não é difícil se ver imerso na vida dos personagens que o autor apresenta, já que cada um deles tem seu próprio charme e carisma, habilidade que Brandon já provou ter em seus últimos best-sellers (que são muitos, acredite). A construção e evolução da protagonista é escrita de forma linear, tal que a Spensa do começo do livro não é exatamente a mesma do final. Ponto crucial na evolução de um personagem, que parece ter sido esquecido por muitos autores da atualidade. 

Um dos maiores exemplos dessa falta de desenvolvimento é com a protagonista Mare Barrow, da série de livros A Rainha Vermelha (Victoria Aveyard). Durante quatro livros a protagonista continuou basicamente a mesma, não enxergando com totalidade os dois lados da moeda, não dando ouvidos para pessoas importantes e sendo  egoísta nas situações de perigo.

Uma personagem icônica que é o contraste de Mare vem da famosíssima trilogia Jogos Vorazes (Suzanne Collins). Katniss Everdeen vive em um ambiente distópico, assim como Mare, mas, diferentemente dela, Everdeen entende que, como figura de uma causa (rebelião, em ambos os casos), ela não pode se dar ao luxo de fazer o que bem entende, que tipo de líder não aprende com seus erros? 

Outro ponto relevante é a representatividade étnica e racial, tendo como maior exemplo o rival da protagonista, que é um rapaz negro e rico. E não para por aí, Spensa também tem amigos asiáticos, latinos e de outras culturas. Mesmo sendo quase uma obrigação atual ter personagens diversos, o autor os insere de forma natural, junto com suas culturas e características sociais e econômicas. Em momento algum existe algum tipo de discriminação por conta de etnia e raça, mas sim por questões de poder e honra. 

Estes, aliás, que são os pilares da sociedade no qual Spensa reside, com um sistema militar que mais parece uma ditadura. A construção desse sistema político vai ganhando vida conforme enxergamos o mundo pelos olhos da protagonista, que é mal vista pelo sistema. E, para deixar essa sua abordagem mais visível, Sanderson colocou inúmeros trechos onde personagens citam grandes nomes da ciência política, como Sun Tzu, figura que reflete grandemente até hoje nessa área, ao lado de Nicolau Maquiavel. 

Além de apontar pautas atemporais como poder e discriminação social, Skyward trás um contraste com outras obras space-opera, que costumam ignorar totalmente as leis da física. Mesmo não sendo perfeitas, as questões físicas no livro merecem atenção. O autor se dispõe em explicar como a gravidade funciona nas situações em que os personagens se encontram, em colocar cálculos que são realmente utilizados por astrônomos ao estudar o cosmos e ao colocar dados de planetas e situações fictícias que trazem teorias reais. Mas não se engane, em momento algum a história para e se tem páginas e páginas de explicações, mas sim são colocadas explanações em falas externas e até mesmo em forma de pensamentos da protagonista, já que são temas comuns para personagens que vivem no espaço, e não para nós, terráqueos comuns. 

A space-opera de Skyward também pode ser questionada no ponto do herói. Em momento algum Spensa se vê como um indígete, e nenhum outro personagem a vê assim também. A jogada de mestre do autor foi fazer uma jovem que aprende com seus erros mas, às vezes, os ignora. Ela não é uma pessoa perfeita e imaculada, levando esporro constante não só da vida, mas de pessoas ao seu redor. Assim como qualquer outro ser humano, ela tem falhas para dar e vender, mas é isso que faz de Skyward muito menos opera, já que não tem uma situação em que ela precisa salvar o mocinho ou simplesmente pensa em uma solução mirabolante que veio dos confins do cosmo, ela apenas tenta e erra freneticamente, até conseguir. 

Deixando um gancho para uma continuação, Skyward, o primeiro livro de uma série em andamento, fala, principalmente, sobre como os humanos devem melhorar, como todos nós podemos mudar, como nossa cosmovisão do mundo deve ser questionada e, como às vezes, o bem e o mal absolutos não existem. Vale a pena conferir essa aventura cósmica que tem uma reviravolta inteligente e totalmente inesperada em suas últimas vinte páginas. Quando parece que tudo acabou, é apenas o começo. O começo para mais uma aventura pelas estrelas, até que um dia, sejam finalmente conquistadas. 

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