Luiza Lopes Gomez

Angústias, perdas, negação e reencontro. Estas são algumas das palavras que caracterizam e são usadas como base para a criação do quarto álbum da banda mineira Lagum. Depois do Fim é lançado como um olhar diferenciado sobre o mundo e traz à tona questões filosóficas talvez nunca aprofundadas nos últimos discos – pelo menos, não na mesma intensidade. A chegada do projeto recorre a jornadas internas em meio ao entendimento do despertar depois do fim, abordando temáticas como o destino e o acaso, a saudade, o reconhecimento pessoal e esclarecimentos internos na mente de um jovem reflexivo. 

O álbum e a turnê que o segue já garantem seu impacto inicial a partir da escolha do título. Questionamentos tão profundos e pouco decifráveis perante uma realidade limitada são abordados em resposta a uma possibilidade de existência após desfechos por vezes inesperados, interpretado de forma complexa e traduzido nas relações interpessoais, espirituais e internas construídas em meio a uma jornada de vida que possui prazo de validade. Assim, o disco adquire sua notoriedade com base na apresentação de abordagens e perspectivas de um futuro muito mais amplo e mutável, traduzindo sensações que, mesmo partindo de um ‘eu’, são compartilhadas por tantos ouvintes. 

O caráter mais livre e de experimentação poética em meio às composições, unido a melodias e batidas envolventes, constrói um ambiente envolvente para quem escuta, acompanha as experiências e reflexões do eu lírico, e desenvolve uma proximidade intensa e, ao mesmo tempo, reconfortante com as faixas. A transformação da mentalidade em desenvolvimento e a transição entre um ser coberto de máscaras sociais para um indivíduo autêntico e presente pode ser percebida facilmente em Depois do Fim. Uma nova fase e a percepção acerca do início de uma diferente jornada de autoconhecimento por parte da banda pode ainda ser explicitada através da comparação com seu segundo álbum, Coisas da Geração, imerso em um universo muito mais jovem e descontraído, distante de certa profundidade emocional e preocupação com seu próprio desconhecimento.

Ouvir a discografia da Lagum é permitir-se reinventar conceitos e abordar olhares diferentes sobre temas às vezes tão conhecidos. Desde maior complexidade romântica, até interpretações e críticas sobre nossa geração, como a canção Habite-se, lotada de reflexões e analogias potentes, o grupo consegue transpor de forma animada e contagiante sentimentos únicos. Essa característica tão particular é reforçada em Depois do Fim, capaz ainda de desenvolver passagens sentimentais e até mesmo temporais de forma muito mais íntima e menos romantizada, podendo ainda ser reconhecido como um álbum muito subjetivo, interior a mentes fragilizadas em decorrência das inúmeras passagens de ciclos e vivências talvez não tão confortáveis, porém importantes.

As composições seguem ainda um caminho poético e metafórico condizente com o momento de amadurecimento e desprendimento. A exposição das dores reprimidas em meio a tentativas incessantes de parecer curado e leve, bem como a dificuldade de ver o agora e tomar ação mediante o presente, exprimem um pouco da abordagem atual das faixas. Funcionando como uma representação de uma nova fase de percepção da realidade e da existência em meio a jornada da vida adulta, as trilhas unem-se em um decorrer de acontecimentos que permeiam os conflitos de uma vida mais equilibrada e realista com o espírito do eu lírico em crescimento. 

A necessidade de habitar-se, entender-se como um ser incluso na sociedade que o rodeia e as dificuldades atreladas a isso são responsáveis por construir uma setlist variada, porém centrada na emoção, na intensidade e nos sentimentos. De tal forma, é perceptível a gradação das dores em meio as faixas e minutos de música como uma maneira de representar o desespero humano em meio a escassez de resoluções ou confusões emocionais, sem ver um futuro confortável por perto. Assim, Lagum traz para Depois do Fim composições recortadas por poesias faladas. Ainda, consegue mesclar canto e versos recitados que atingem profundamente o ouvinte, como uma forma de imersão dentro dos pensamentos mais profundos do outro, criando momentos de tensão e maior proximidade com o espectador, receptor direto da mensagem.

Mesmo que em segundo plano, perdendo o foco principal na maioria das canções, a temática amorosa aparece como forte fator de percepção do eu lírico. Aparecendo ainda como uma espécie de ferramenta de momento de virada na vida de quem sofre em meio a devaneios de insegurança e fragilidades, tal percepção auxilia na busca por reviver um passado favorável em prol do esquecimento da dor das perdas. Tal construção pode ser percebida em faixas como Ou Não, Sobre Mim e Nem Vi que o Tempo Voou. A conexão entre as três composições e o sentimento de saudade e tentativa de resgate de um eu mais concreto, não tão perdido no mundo, se dá como forma de demonstração da angústia pessoal em se ver só e ter que olhar para dentro de si, deixando claro a transição entre a leveza da união e o sofrimento da solidão, responsável por crises existenciais que incendeiam a mente.

A casa em chamas, a estética destrutiva e o desconforto são pontos fortes de Depois do Fim, exprimindo visualmente uma tentativa de encontro em meio às turbulências da vida e os embates entre acaso e destino. O falecimento de um importante membro da banda em 2021, o baterista Tio Wilson, surge como ponto de início para a criação do álbum, bem como inspiração para drásticas mudanças de olhar perante o presente e futuro de nossa existência. Isso vem como uma lembrança de jornadas compartilhadas entre indivíduos em desenvolvimento e ascensão, e também como representação do luto, da perda e muito da introspecção. 

Aproximar o público de um contexto tão humano, porém tão pouco falado, é usado como ferramenta de engajamento e reflexão em Depois do Fim. O álbum aparece na atualidade como uma conversa muito mais íntima do que qualquer um dos outros discos do quarteto, deixando como mensagem final que, mesmo com longos processos de caos, saudades e sofrimento, o cenário pós-instabilidade pode ser esclarecedor, e não só amedrontador. Os versos do single-título explicitam a relação conflituosa, mas libertadora, proveniente do reconhecimento de um novo eu em formação. Assim dito, com a estrofe “Não olha pra trás que eu to seguindo em frente/tem gente que começa só depois do fim” pode-se observar o processo de aceitação e renovação do indivíduo perante a vida, desabrochando e iniciando um novo ciclo mais real e intimista. 

Além disso, o desprendimento do passado é simbolizado eficientemente e de maneira tocante através da construção visual, com o indivíduo em reinvenção sendo afastado de memórias antigas e a prisão emocional existente no passado em decorrência do incêndio de sua morada, com o antigo tornando-se cinzas e a necessidade do novo surgindo como fator existencial. Buscando retratar tal transcendência vinda de vivências difusas e transformadoras, tem-se na canção De Amor Eu Não Morri os dizeres “Ainda é tempo de ser bem maior/ainda é tempo de ser bem melhor”. A reflexão proposta torna-se clara: a vida passa, momentos são efêmeros e temos que aproveitar verdadeiramente cada dia olhando o passado como nascente de aprendizado, presente como fase de experimentação e renovação, e futuro como uma tela vazia prestes a ser pintada.

É um desafio descrever a emoção que envolve Depois do Fim, bem como os desafios em trilhar novos caminhos honestos a cada dia. O álbum pode ser consagrado como uma união de cumplicidades e poesias reais responsáveis por refletir um panorama tão amplo que rodeia a experiência de viver sem medo, errar, reconhecer e se encontrar inúmeras vezes em ambientes diferentes. A inspiração para a criação de uma nova era com certeza deixa cicatrizes irreparáveis na vida de cada um dos integrantes da Lagum e dos fãs. Por outro lado, também aparece como uma porta de entrada para ensinamentos tão sagrados e poéticos, compartilhados como joias nas mãos de amantes de músicas leves, intensas e que combinam razão e emoção. O depois do fim é incerto, mas as jornadas prometem recomeços estrondosos. 

O post Lagum: tem gente que só começa Depois do Fim apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Isabela Domingos 

Juras de um amor eterno e um pedido de casamento marcaram o lançamento de um dos casais mais queridos do mundo pop. Enquanto os fãs se decidiam entre Versace e Louis Vuitton para o matrimônio do ano, a notícia que ninguém esperava veio à tona: Rosalia e Rauw Alejandro se separaram. Para os filhos do divórcio, felizmente, restou um álbum impecável marcado pela mistura de estilos e vocais que definem o fim da era RR. 

Pouco mais de três anos depois do início do relacionamento, a intérprete de La Combi Versace se uniu ao então namorado e também cantor Alejandro para produzir um disco em conjunto como forma de celebrar sua união. Não à toa (muito menos por coincidência), o projeto conta com apenas três faixas, uma representação de fases do romance. Um ponto que impressiona na obra é a forma como eles harmonizam o estilo melancólico da cantora com o reggaeton dele: ainda é possível notar a presença do techno pop com batidas urbanas, elementos bem presentes nas últimas produções de ambos. 

RR é formado por duas peças que representam as iniciais dos cantores e ex-casal Rosalía e Rauw Alejandro. A primeira peça do ‘R’ não cansa de surpreender os fãs: sua última turnê mundial, intitulada Motomami, entregou lindas performances vocais, dança e figurinos únicos – e sua ligação com a moda vai além dos palcos. Por exemplo, a artista já soltou a voz além dos próprios shows, como durante o desfile da Louis Vuitton na Paris Fashion Week de 2023. Além de vê-la nos palcos, também passamos a presenciá-la nas prateleiras do mercado, graças a sua colaboração com a Coca-Cola. A edição limitada de Movement trouxe, além do novo sabor, uma campanha incrível que mistura elementos do último álbum dela, Motomami, ao som do single LLYLM, que já dava spoilers do projeto RR.

O outro ‘R’ do trabalho, Rauw Alejandro, iniciou sua turnê Saturno, que também é o terceiro disco do cantor – ao que parece, o número 3 tem um significado muito importante para o casal. O “astro do reggaeton moderno” representa a nova geração de cantores porto-riquenhos, que contam com grandes nomes, como Bad Bunny e Daddy Yankee. Uma de suas colaborações mais conhecidas, Te Felicito, é com a colombiana Shakira e juntos conquistaram o troféu Pop-Urban no Prêmio Lo Nuestro 2020. Assim como sua ex-noiva, ele também já ganhou o Grammy Latino como Melhor Álbum em 2023 e Melhor Álbum de Música Urbana por dois anos seguidos (2022 e 2023), além de várias nomeações como Canção do Ano, Gravação do Ano e Melhor Interpretação de Reggaeton. 

Em meio às correrias das turnês e dos lançamentos, Rosalía e Rauw Alejandro conseguiram se unir em um estúdio e entregaram conceito e aclamação em apenas três faixas (eles realmente gostam desse número). A forma como as canções misturam elementos característicos dos dois, como a voz melancólica flamenca da espanhola e o reggaeton animado de Alejandro, chama muita atenção. O álbum é uma combinação perfeita, mesmo não sendo inovadora – afinal todas as três canções seriam facilmente encontradas no álbum Motomami. Mesmo assim, o clipe de BESO bateu recordes assim que lançado.

O single é a cereja do bolo antes mesmo da receita pronta. A faixa BESO é uma verdadeira declaração de amor, cantando “Estar perto de você é uma paz” embalada por gravações feitas durante as viagens do casal, em que a cantora mostra o anel de compromisso com um diamante nada simplório. O fervor tomou conta das redes: o anúncio do noivado emocionou os fãs que acompanham o trabalho de ambos – para a infelicidade dos mesmos, o rompimento veio pouco mais de quatro meses após o lançamento. 

“Ela é de Barcelona, mas está em Carolina” marca os primeiros versos da faixa VAMPIROS, acompanhados de uma batida envolvente e animada no melhor estilo reggaeton. A letra deixa bem claro que eles não se importam com as opiniões alheias e sabem que combinam. As vozes mixadas ao fundo junto com as batidas de bateria abrilhantam ainda mais a música e é possível visualizar o casal dançando ao som de “Você sabe que essa noite nós perdemos o controle”.

No entanto, para quem conheceu a cantora na era El Mal Querer e estava sentindo falta do flamenco, a última faixa de RR traz os vocais melancólicos de Rosalía semelhantes aos de Sakura e Pienso En Tu Mira. Imersa em juras de amor – “Eu quero cantar e fazer um desenho para você” – PROMESA finaliza o trabalho com um espetáculo lírico repleto de dramaticidade, ecos e beats eletrônicos. Podemos dizer que a faixa é a mistura perfeita do clássico e pop que a rainha do catalã entrega com maestria em seus projetos.

Além das músicas, outro ponto de RR que chama muito atenção é a estética, que traz as letras R duplicadas e entrelaçadas na cor preta sob um fundo vermelho, simbolizando a união e amor que os artistas possuem um pelo outro. Tanto a capa das faixas quanto a página oficial segue o mesmo estilo do single LLYLM – letras finas como se fossem escritas por lápis.

Para os amantes de Rosalía e Rauw Alejandro, o álbum cumpre seu papel e conta o desenrolar do relacionamento da melhor forma possível, com a harmonia perfeita entre o reggaeton e o flamenco. O disco também é um ótimo ponto de partida para quem não conhece o trabalho de cada um deles e nos tira do eixo estadunidense. Com conceito, aclamação e muita declaração, o RR chegou com tudo. Infelizmente, a felicidade dos fãs durou pouco e a promessa de casamento foi por água abaixo. Felizmente, o projeto saiu antes e todos podem admirar essa obra do pop atual.

O post RR é uma celebração do amor? apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Henrique Marinhos

Em seu segundo álbum, Vício Inerente, Marina Sena apresenta uma evolução em relação ao seu álbum de estreia, De Primeira, que fez tanto barulho no cenário brasileiro em 2021. Com influências de gêneros como reggaeton, drill, trap e funk, a artista experimenta novas sonoridades e se arrisca em texturas eletrônicas, resultado de uma colaboração estreita com seu produtor Iuri Rio Branco, que a acompanha desde o início. Aqui, a cantora apresenta um som mais maduro e coeso, consolidando sua posição no cenário pop nacional.

A mineira multitalentosa se mostra ainda mais experiente e segura de si, capaz de criar sonoridades hipnotizantes e profundas que são marcadas pela inovação e pela busca por novas possibilidades estéticas a fim de incrementar seu repertório, que transita entre gêneros pouco explorados no mainstream nacional, como o reggaeton e o trip hop. Composta por doze faixas, Vício Inerente conta com parcerias importantes, como Fleezus, nome importante do brime paulistano e ídolo da cantora. No entanto, nem todas as canções apresentam o mesmo refinamento: algumas se mostram mais cruas que outras, como em seu debut, mas transparecem escolhas conscientes e ousadas dessa mistura.

A cantora não tem medo de se aventurar no cenário nacional e de explorar novas sonoridades em seu segundo álbum, afirmando que ser artista significa experimentar e ousar, sem medo de errar. Ela não se preocupa em seguir as convenções do mercado musical e está sempre em busca de novas possibilidades estéticas e sonoras, como disse à Folha de São Paulo. Tudo isso se concretiza em uma obra irreverente a todas as críticas infundadas e maliciosas. “Quero que as pessoas entendam de uma vez por todas que eu sou foda“, Sena diz.

Em De Primeira, a cantora apresenta uma série de letras sobre amor e relacionamentos, com um tom que oscila entre a sensualidade e a vulnerabilidade. As histórias retratadas nas músicas são, em sua maioria, vivências pessoais, traduzidas em canções pop chicletes e refrões cativantes, interessantemente construídos com muita naturalidade. As letras são marcadas pela utilização de gírias e regionalismos, o que confere ao disco uma certa proximidade tocante. Além disso, a produção do álbum é minimalista, com destaque para sua voz anasalada e para a presença de elementos percussivos.

O novo álbum de Marina Sena mostra que sua ambição não se limita às fronteiras de Minas Gerais, seu estado natal. Seu reconhecimento surgiu logo antes de se mudar para São Paulo. Como um grande sucesso, suas músicas se tornaram virais no TikTok, gerando muitos shows para a artista. Além disso, o álbum causou mudanças significativas na vida da cantora, a levando a se mudar de Taiobeiras, enricando e permitindo que ela conhecesse outras personalidades musicais, além de assinar um contrato com a Sony.

Porém, sua carreira, apesar do que muitos pensam, não começou De Primeira. Ainda em Montes Claros (MG), ela montou a banda A Outra Banda da Lua e mais tarde integrou o grupo Rosa Neon. Já com seu disco de estreia, a artista recebeu quatro indicações ao Prêmio Multishow 2021, ficando atrás só de Anitta, agraciada com cinco menções. 

A amizade de Marina Sena com os rappers Febem, Fleezus e  DJ Cesrv, após sua chegada a São Paulo e seu trabalho no álbum Brime!, inspirou os elementos de afrobeat, funk e trap presentes em seu novo trabalho. Sena o ouvia o tempo todo enquanto produzia seu novo trabalho, afirmando que é o que mais consome e está apaixonada. A participação de Fleezus na faixa Que Tal é o único dueto em todas as composições, demonstrando a importância do trabalho do trio em sua carreira. Ela também afirmou que, sempre que sai para algum rolê na cidade, vai assistir algum show do que considera a coisa mais fresca no cenário musical brasileiro. Esse frescor é bem traduzido na mistura de tantos gêneros em Vício Inerente.

As três primeiras músicas de Vício Inerente já demonstram as diferenças em relação ao seus trabalhos anteriores, que eram muito característicos e mantinham uma solidez muito maior em seus versos e melodias. Enquanto isso, o mais recente marca principalmente um trabalho experimental, com inspirações de artistas como Rosalía, Doja Cat, Nathy Peluso, Djavan, Gal Costa e Jards Macalé. Ambos tiveram seus propósitos alcançados, em sucesso e conceito.

Como uma fatídica história de crescimento profissional em metrópoles, a intensa experiência que Vício Inerente traz é uma proposta mais do que pessoal, e há quem se identifique. Assim como seu antecessor, o disco marca uma trajetória e uma personalidade que a artista trabalha com muito esmero, transbordando sua marca. Confiante e sem medo de errar, seu sonho é ser uma das representantes da música pop brasileira para o mundo, levando a música nacional para todo o planeta. E que, entre erros e acertos, continue nesse caminho que tem se aberto à ela.

O post Do interior à metrópole, Marina Sena se arrisca com Vício Inerente apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Isabela D’Avila

Cada pessoa é composta por diversas versões. Algumas delas são apreciadas, e outras, nem tanto. Assim, alguns conseguem conter partes de si mesmo, mostrando ao mundo só aquilo que ele teoricamente desejaria ver. Alicia Keys, em seu novo projeto, rescinde com essa ideia, lançando 26 faixas em uma proposta diferente daquela que vem apresentando em sua trajetória. Aos que não gostam quando um artista muda ou alcança novos patamares musicais, cuidado! Este disco contém altas doses de ousadia. 

Em uma estética de chaves e fechaduras, trabalhada no azul e dourado, a cantora, compositora e produtora norte-americana Alicia Keys lança seu oitavo álbum de estúdio, nomeado KEYS. Não é à toa que a obra leva o sobrenome da própria artista, já que ela mesma confirma ser seu trabalho mais sincero, trazendo o conceito de seu próprio mundo, ou melhor, a união de duas versões de seu mundo: uma que é conhecida pelas pessoas e outra, que parece ter sido escondida por muito tempo.

Com grande destaque na mídia e uma carreira de 20 anos já muito bem consolidada, englobando 7 álbuns, 90 milhões de discos vendidos e 15 Grammys, a cantora de If I Ain’t Got You demonstra já ter chegado a uma compreensão completa de si mesma, e não ter mais receios de esconder partes de sua personalidade. Sem deixar que outros ditem o que é o ideal para sua música, ela arrisca se desviar daquilo que seus fãs e a mídia estão acostumados a receber, para trazer uma nova perspectiva à sua jornada, entregando um projeto que pode ser considerado como um dos mais audaciosos de sua carreira.

Com KEYS, Alicia encerra um grande ciclo, já que é seu último trabalho com a Sony Music, e a cantora passa a ser agora uma artista independente. Nas entrevistas e redes sociais, Alicia não esconde sua felicidade em entregar algo sincero e que realmente traduz seu interior. Ela afirma ser seu projeto favorito de todos os tempos e diz esperar que as músicas sejam capazes de levar os ouvintes a um novo lugar, um “lugar especial”.

A artista nova-iorquina oferece aos fãs um álbum duplo, composto por músicas que exploram diferentes temas do seu próprio mundo. Elas são divididas entre Originals e Unlocked, contando com participações de Brandi Carlile, Khalid, Swae Lee, Pusha T, Lil Wayne e Lucky Daye. A primeira parte do disco, que foi produzida exclusivamente pela cantora, chamada de Original, cumpre com as expectativas dos que já conhecem seus trabalhos antigos. Com sua voz incomparável, suas melodias no piano e suas letras com profundas reflexões, Alicia usa de um estilo intimista, mais “caseiro”, e majoritariamente romântico.

No curta KEYS: A Short Film, divulgado no dia 17 de dezembro para compor o projeto, Alicia fala sobre a importância de conhecer e aceitar seu lado “original”, para que consiga se “desbloquear”. É nesse sentido que o segundo lado do CD é chamado de Unlocked, que significa desbloqueado. Ele foi resultado de seu trabalho conjunto com o produtor também ganhador do Grammy, Michael Len Williams II, mais conhecido pelo seu nome artístico, Mike WiLL Made-It. Ele traz reinterpretações das músicas do primeiro lado, com produções mais sonoras, eletrizantes e com maior presença de bateria, trazendo uma atitude mais confiante de Alicia. 

Para o primeiro single de KEYS, Alicia escolheu fazer seu grande retorno com uma das criações do lado Unlocked do álbum, já anunciando ao mundo a ousadia do que estaria por lançar. Em LALA (Unlocked), a cantora e o rapper americano Swae Lee conseguem mostrar muito bem a química entre si, cantando sobre uma experiência apaixonante de se fazer amor, que acabou se tornando um compromisso na agenda: Amor fora deste mundo, fora desta nebulosa/O melhor é apenas colocá-lo na minha agenda. De forma sensual, eles trocam flertes entre sons mansos de guitarra e tempestuosos de bateria. A canção contém interpolações com In The Mood, música do cantor afroamericano dos anos 70, Tyrone Davis.

No segundo single lançado, Best of Me, em suas duas versões (Originals e Unlocked), escrito conjuntamente com Raphael Saadiq, Alicia traz o romance clássico de suas obras para falar sobre sua relação com seu parceiro de vida, Swizz Beatz: Você é minha pílula vermelha e azul/Isso me faz ganhar vida/Não seja uma mentira/Parece tão real/Você tira o melhor de mim. As duas versões contém interpolações de Cherish The Day, da banda britânica Sade. E a versão Unlocked adiciona uma interpolação de Strange Funky Games and Things, de Jay Dee. A música parece ter recebido a bênção de Sade, como relatou Alicia em alegria nas redes sociais. 

No terceiro single do projeto, a cantora dá um pouco mais do gosto do lado Unlocked do álbum, lançando Come For Me (Unlocked). Ele traz uma experiência sônica calorosa, que é aprofundada com a participação de outras duas das vozes mais fascinantes do cenário do R&B atual: Khalid e Lucky Daye. A peça fala sobre um amor instável, sobre amar demais alguém que te machuca e não conseguir ir embora. Na letra, Alicia questiona: Por que você me coloca pra cima?/Só pra me pôr pra baixo?/No final das contas sabes que eu estarei lá por você. A obra foi o resultado do esforço conjunto dos três artistas, além de J. Cole, Carter Lang, Mike WiLL Made-It e BJ Burton. O dia a dia para a criação da canção foi mostrado, inclusive, em seu videoclipe.

Entre as outras 23 músicas de KEYS, algumas ganharam destaque. É o caso de Plentiful (Originals). Aos que gostam de ouvir os álbuns sempre de forma completa, é importante dizer que essa é a composição que inicia a obra. Após 45 segundos de uma bela melodia no piano, que se acelera e se intensifica, a faixa alcança seu ápice no curto, mas forte, verso de Pusha T. Usando uma interpolação de The Truth, de Beanie Sigel, a cantora fala sobre como se escondeu por muito tempo, até que teve seus olhos abertos, afirmando sua fé: Eu costumava viver escondida num disfarce/A fé é o Rei que me abriu os olhos/O meu Deus é abundante. A letra mostra uma Alicia totalmente transparente, que não quer mais se esconder em uma superficialidade falsa, e prepara o ouvinte para receber algo novo no decorrer do álbum, de uma aparentemente nova artista. 

Is It Insane (Originals e Unlocked) vem como um presente para os fãs de Alicia. A música, que foi gravada em 2003, veio a ser retirada de um de seus álbuns mais clássicos, The Diary of Alicia Keys, mas é conhecida entre os fãs por suas apresentações. Na canção, que é tocada no piano lentamente, a cantora conduz um trio de jazz e exprime em sua voz a angústia e o sofrimento de um amor perdido: Ela pode te ter agora/Eu só quero desvanecer/Sacrificar a minha vida para aliviar esta dor/Quanta dor/ Senhor, tirar a dor/Isso é insano?. 

Old Memories (Originals e Unlocked) consegue cativar o ouvinte por também trazer a melancolia clássica das canções de Alicia. A cantora relata a ausência de controle que temos em relação às memórias, por não se submeterem às nossas vontades. Aparecem antes de sair/E desaparecem quando se deseja que elas fiquem/Nenhum coração é imune, nenhum segredo é guardado. Os compassos ¾ e 6/8 utilizados na melodia nos relembram duas de suas músicas mais famosas: Fallin e If I Ain’t Got You. Alicia afirma que Old Memories está agora entre suas canções favoritas, admitindo que algo especial acontece quando ela usa esse tempo.

Em Nat King Cole (Originals e Unlocked), uma das únicas músicas não-românticas de KEYS, Alicia cria uma obra motivacional na qual encoraja o destinatário a ter uma atitude confiante. Na composição, ela faz cria uma relação com o comportamento do cantor afro-americano icônico dos anos 20, Nat King Cole. A artista demonstra conhecer e admirar a autoconfiança e criatividade do cantor e instiga o ouvinte a ser como ele, não se escondendo ou se acomodando em clichês, mas sim tendo coragem para criar coisas novas. A faixa está muito relacionada ao conceito geral do álbum, que destaca a importância de expressar cada versão de si mesmo. Na visão de Alicia, essa é a única forma de se destacar e tentar “ser inesquecível”, fazendo referência a mais famosa canção de Cole, Unforgettable. A versão Unlocked é ainda mais instigante e calorosa, trazendo a participação de Lil Wayne no primeiro verso.

Entre essas e outras peças da obra, Alicia canta sobre o amor, a solidão, o desejo e a ousadia. Em sua proposta de apresentar seu próprio mundo, ela demonstra ser uma mulher com emoções confusas e misturadas. Mas seus sentimentos são simplesmente humanos, e são capazes de fazer qualquer um se identificar. Nas diferentes versões das músicas, em que ela usa uma quantidade grande de acordes, instrumentos e deixa sua voz livre para se expressar de diversas maneiras, Alicia expõe um lindo e improvisado jazz, e reafirma sua capacidade de se reinventar e de tornar cada criação única. 

Foi na junção da essência de suas músicas clássicas, com a originalidade de suas novas formas de expressão, que KEYS nasceu. O álbum alcança uma diversidade de pessoas: aquela que encontra serenidade e compreensão nas letras profundas de Alicia, a que se delicia em suas melodias no piano, a que precisa de encorajamento para o dia a dia, ou até a que busca por canções eletrizantes para se divertir. A paixão e sinceridade reveladas em KEYS levam o ouvinte a uma nova dimensão, mas também reacendem a chama dos que foram conquistados pela voz arrebatadora de uma jovem nova-iorquina apaixonada nos início dos anos 2000. Agora como artista independente, o futuro de Alicia Keys é incerto. Contudo, podemos ter certeza de que mesmo com duas décadas recheadas de projetos e prêmios, a cantora ainda tem muito de si a mostrar ao mundo, talvez mais do que achávamos.

O post KEYS: a chave para ser inesquecível é aceitar a si mesmo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Pegue qualquer lista de maiores hits da década de 2010 e é certo que terá um salpicado aqui e ali de uma banda britânica muito famosa. Se você não conhece o One Direction por nome, tenho certeza que pelo menos já escutou uma vez na vida o maior single dos cantores europeus, What Makes You Beautiful. Parece que foi ontem, mas o primeiro álbum do grupo, Up All Night, já está completando 10 anos de história e de recordes. Para além dos diversos caminhos tomados por seus cinco integrantes, nada poderia ser mais nostálgico do que o início de tudo.

A jornada bem sucedida da banda começou no show de talentos The X-Factor UK em 2010. Com apresentações solo, nem tão aclamadas assim na época, e unidos em um grupo por um dos jurados da edição, Louis Tomlinson, Harry Styles, Niall Horan, Liam Payne e Zayn Malik deram o tom a algumas das vozes mais marcantes de sua geração. Com cinco álbuns lançados, centenas de recordes quebrados e um hiato que já dura mais de cinco anos, o One Direction se tornou a maior banda britânica da história, ultrapassando barreiras que até então apenas The Beatles tinha atingido no mundo.

Mas, voltando para o início dessa longa caminhada, foi em novembro de 2011 que tivemos acesso ao primeiro disco do grupo. Com 15 faixas em seu lançamento, e 18 em sua versão ultimate, fomos apresentados para alguns dos maiores sucessos da carreira dos, até então, meninos. Trazendo traços característicos do seu país de origem, Up All Night ganhou o mundo facilmente por se desviar, ainda que apenas um pouco, da enxurrada pop americana, trazendo mais uma invasão britânica para a Música.

Em questões de sonoridade, é Payne quem abre as primeiras cinco músicas, seguido da famosa voz de Styles. Ambos conseguem introduzi-las com muito fôlego, deixando sua marca e tornando-as extremamente reconhecíveis com o decorrer do disco. A princípio, a gravadora tinha mais confiança nos vocais de Liam devido às suas duas passagens pelo reality show britânico, dando-lhe o destaque com mais facilidade. Contudo, conforme as faixas vão se desenrolando, conseguimos sentir a energia que todo o quinteto emana ao performar as canções, com o coração a mil ouvindo cada nota. 

Up All Night é construído em uma aura de altos e baixos, isto é, em uma transposição de energias. Enquanto começamos com What Makes You Beautiful no pique de Leroy (não é à toa que é a música mais ouvida de sua carreira), o disco faz sua quebra de ritmo com Gotta Be You. Essa mescla de sentimentos torna o álbum ímpar, em que o ouvinte consegue experienciar todas as emoções ao mesmo tempo, sem que haja alguma perda de consistência. 

Ainda que o rótulo de boyband pudesse fazer muitas pessoas torcerem o nariz, muito do que o grupo trouxe para sua estreia permaneceu em seus próximos trabalhos. É inegável ver a semelhança entre More Than This e Half a Heart, do disco Midnight Memories (2013). Além disso, ainda que fossem suas primeiras tentativas nesse mercado, já conseguimos ter contato com suas próprias composições. Isso só foi mais um fator determinante para ver que não se tratava apenas de uma fase, mas sim de um amadurecimento crescente que não deixava de referenciar suas raízes. 

A música que intitula o álbum é a que mais se assemelha a estética sonora da década passada, reverenciando grandes artistas da época como Ed Sheeran, Taylor Swift e, especialmente, McFly. Banda essa que além de causar grande influência indireta no som que a boyband apresentou em seu debut, também teve sua cota de participação, já que Tom Fletcher, vocalista da McFly, foi co-autor de várias faixas que fazem parte do álbum. Assim, é fácil sentir a nostalgia da era de bandas que abriu caminho para o som que o One Direction decidiu perpetuar.

Todo esse background trazido pelo grupo pode ser sentido em suas composições com o resgate do pop rock britânico, amplamente acolhido por seus fãs. Para além de meras reproduções pop, o que escutamos é um cuidado extremo em criar algo que não soe genérico, mas que ao mesmo tempo acompanhe os hits da época. Exemplo dessa dualidade bem estruturada é a faixa I Want que, sem se prender em clichês de seu gênero principal, trabalha melhor elementos como guitarra e bateria.

Ainda que Up All Night possa ser visto como o trabalho com menos personalidade da curta discografia da banda, não podemos negar que ele deixou sua marca. As baladas pop românticas entoadas pelas vozes de seus cinco integrantes acumularam fama, não apenas entre o público, mas também entre a crítica. Talvez a maior prova de seu sucesso seja a vitória de What Makes You Beautiful como Melhor Single Britânico no BRIT Awards de 2012. Nesse mesmo ano, a banda concorria com nomes como Ed Sheeran, Jessie J e Adele, com o hino Someone Like You. 

Por mais que os trabalhos posteriores do One Direction comprovem sua qualidade e não nos deixem dúvidas quanto às capacidades vocais, sonoras e de criação de seus integrantes, para um primeiro contato com o mundo, o debut da banda poderia ter sido facilmente ignorado como apenas mais um em meio a multidão. Entretanto, o que torna as produções de Up All Night extremamente valiosas, ainda hoje, é a qualidade de suas composições. Trazendo nomes de peso como Jamie Scott, compositor de Cold Water, Ilya Salmanzadeh de Side to Side e Savan Kotecha de Can’t Feel My Face, o que vemos são altas apostas da gravadora da banda em investir no talento dos europeus.

Criada, encabeçada e gerenciada pela Syco Music, não são poucas as polêmicas nas quais a gravadora, dona do programa de talentos no qual a banda surgiu, está envolvida. Assim como com diversos outros artistas comandados pela empresa, como Fifth Harmony e Little Mix, o braço da Sony Music ficou conhecido pelo abuso de gestão e até mesmo por limitar a criatividade de seus artistas para que se moldassem aos padrões que ela queria. E após perder, uma por uma, as galinhas dos ovos de ouro que tornavam a gravadora uma das mais rentáveis do Reino Unido e do mundo, a Syco declarou seu fechamento em agosto de 2020, logo após a saída de Louis Tomlinson do selo. 

Além das canções alto-astrais que Up All Night entrega, há aquelas que são dolorosas, proferidas em um lirismo singelo e magnético. É o caso de Moments, a qual consegue passar despercebida aos ouvidos daqueles que não se identificam com One Direction, mas que aconchega o coração de forma fatal. Em sua versão ultimate, as músicas bônus, ainda que não sejam carregadas da melancolia da música escrita por Ed Sheeran, também não possuem o devido reconhecimento como as restantes do álbum. Another World, Na Na Na e I Should Have Kissed You apresentam as mesmas características rítmicas que as demais companheiras, mas permanecem desconhecidas para o restante do mundo. 

A primeira tentativa na carreira musical do One Direction pode não ter sido com o melhor desempenho para os olhos de certos críticos, mas não tem como negar que eles marcaram (e continuam marcando) presença no cenário musical. A desenvoltura dos membros, bem como o amadurecimento de canções e das suas próprias personalidades, fez com que o sucesso batesse na porta para alavancar cada vez mais seus trabalhos. Up All Night não chega aos pés dos projetos seguintes da banda europeia, contudo foi o primeiro passo para sair do anonimato e atingir o coração de milhares de fãs. E é isso que o torna lindo. 

O post 10 anos de Up All Night: tinha que ser você para o começo do One Direction apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.