Henrique Marinhos

Dirigido e roteirizado pelo cineasta português Artur Serra Araújo, Dulcineia conta a história de Hugo, um contrabaixista de jazz que decide tirar um ano sabático e voltar a Porto, sua cidade natal, em busca de equilíbrio e inspiração. No entanto, como o fio condutor da trama, a sinfonia se desenvolve lentamente em torno de um mistério como um pianista famoso, que toca uma música que o protagonista vem escrevendo na sua cabeça há anos, mas nunca conseguiu colocá-la no papel.

A obra está presente na 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, na seção Perspectiva Internacional, e mistura elementos de romance, suspense e uma quase fantasia. Suas referências também são diretas e bem-vindas, construindo uma base sólida para o desenvolvimento da narrativa: Dom Quixote, que influi o nome da personagem Dulcineia (Alba Baptista) e sua relação com Hugo (António Parra); a própria cultura de Porto, retratada em belas imagens e diálogos; e o jazz, a paixão e a expressão de Hugo e dos demais músicos que ele encontra em sua nova jornada de autoconhecimento. 

Apesar do destaque positivo das atuações do elenco principal, a exploração de temas como a identidade e o destino já são complexas por si só. Além disso, a escolha de utilizar questões fantásticas em um personagem enigmático e contraditório, que vive uma crise existencial e artística, contrapõem ainda mais a clareza da narrativa. Infelizmente, essa dinâmica traz um desenrolar não tão fluido e confortável à plateia – mesmo que talvez fosse para ser assim. 

Em um esforço notável para relacionar o audiovisual com o roteiro, a construção do longa é muito calma e contemplativa. A fotografia de Tiago Carvalho reúne tons frios e escuros em uma ambiência de desesperança, ressaltando os detalhes dos cenários e dos personagens. E assim como o visual, que muitas vezes impulsiona instrumentos musicais como foco, a composição sonora, com o desenho de som por Pedro Marinho e música por Pedro Marques, também reflete estados emocionais e atmosféricos do protagonista de maneira majestosa, alternando entre melodias suaves, harmoniosas, tensas e dissonantes muito bem aproveitadas pelos atores.

No entanto, a montagem, também por Tiago Carvalho, com planos longos e curtos, não entra em uníssono com toda composição descrita até aqui. Aparentemente comprometida com o mistério por sua alternância, a escolha de diálogos, transições e duração dos planos não potencializa tudo que é ofertado pelas boas atuações, fotografia e som. Talvez sequer fizesse diferença em produções mais curtas, mas em seus longos 90 minutos, a concentração e construção de uma linearidade por parte do público poderiam ter sido facilitados, ainda considerando a obra como uma adaptação pelo diretor.

Dulcineia como um todo, na verdade, é uma ode à Música como Arte e parte da vida dos personagens. Apresentada através do contrabaixo, do piano, da guitarra, da bateria e da voz, a orquestra audiovisual transita entre pontos de muita beleza e contemplação e uma tensa confusão expressa pela busca de si mesmo, mas também pela organização, intencional ou não, de cenas contrapostas como entraves para a fluidez.

O filme é, sem dúvida, uma produção com profundidade e ricas referências, dialogando com a literatura, a Música e o Cinema, mesmo que com uma estética representativa de autoconhecimento não tão única assim. O questionamento dos limites das escolhas e desejos do Hugo causam o frio na barriga que só o conhecimento de si mesmo pode provocar – e que bom ser assim. 

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Enzo Caramori

É possível que um sentimento de surpresa arrebate um espectador desavisado ao descobrir que Corações Gentis (2022), representante belga na Perspectiva Internacional da 46ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, é um documentário. Essa surpresa, no entanto, está longe de afastar o gênero do longa-metragem dirigido pela dupla de cineastas Olivia Rochette e Gerard-Jan Claes. Nesse híbrido de sensibilidades ficcionais e documentais, o casal de jovens adultos Billie Meeussen e Lucas Roefmans são retratados à beira de transformações em suas aspirações pessoais, com uma emoção vertiginosa e delicada — um típico frio na barriga adolescente — acerca das expectativas sobre o futuro e suas incertezas.

Filmado na cidade de Bruxelas, Kind Hearts — título original da produção europeia —  se inicia com uma câmera que passeia pelas pessoas em uma montanha russa de um parque de diversões. Em um olhar inicial, é como se todos ali tivessem a possibilidade de serem retratados, e que a própria prática cinematográfica participasse do jogo da sorte que é a vida. Até que o aparelho, imperceptível e engrandecedor da máscara ficcional do documentário,  se fixa no casal que, logo em outra cena, se depara com questões típicas de romances em formação. A iminência do amadurecimento é uma faca de dois gumes para os dois: ao mesmo tempo que são receosos acerca do que pode mudar, levam em conta abrir mão do que possa se tornar corriqueiro — como seu namoro —, em prol de novas emoções capazes de florescer.

Para além da representação documental, Billie e Lucas são também intérpretes de si mesmos, uma vez que reencenam momentos próprios de sua intimidade. Nisso, o ‘docudrama’ desvia de uma tendência de voyeurismo da relação para uma perspectiva honesta que se volta à concretude desse namoro; tanto que o que movimenta o encadeamento das cenas são os sinceros encontros desses pré-adultos com seus amigos e familiares. O que acaba por se montar, nesse terreno ambíguo entre ser e encenar, é a noção do afeto e da narrativa enquanto uma construção mútua; em que, no momento em que não há cuidado e vontade, não há amor. Assim como não há filme.  

Essa postura contemplativa compõe um virtuoso desenvolvimento em que as reflexões de cada personagem dão lugar a um retrato fiel dos fatos oriundos e sublimes do primeiro amor.  É como se Lucas, compondo suas batidas descritas como emotional summer tunes, e Billie, com suas pretensões dentro da universidade, se revelassem muito mais pelos laços que nutrem uns com os outros do que por reflexões de si mesmos perante as lentes de Rochette e Claes. De certa maneira, esse tom quase que pessoal demais de Kind Hearts retira dos acontecimentos cotidianos uma beleza singela que remonta à destreza dos diálogos dos verões de Eric Rohmer e dos encontros em cafés do Cinema de Hong Sang-Soo. Contudo, a ternura aqui está na realidade dessa paixão, em não conseguir colocar em palavras exatas o que se sente e o que se quer. Assim, quem assiste se insere nessa postura de mera testemunha do sentimento.

Em um dos momentos de mais drástico contato entre realidade e ficção, o casal e alguns amigos assistem a um filme em que namorados tiram suas roupas para dar um mergulho. São emblemáticos seus olhares: conseguem propor uma intimidade e uma sensualidade tão sutil que nem faz necessidade de ser abarcada novamente na narrativa. No entanto, acima de tudo, a cena é premonitória do que essencialmente enfrentam nessa trajetória que, por  puro acaso, é filmada e colocada dentro do Cinema. Em uma conversa sensível com seu próprio tempo — com direito a mensagens de texto, videochamadas e redes sociais — Corações Gentis sabe trazer os gestos luminosos da afetividade em um documentário que desloca a temática da evolução, do amor e da efervescência da paixão para o mergulho nas águas frias, porém cheias de descobertas, da vida adulta. 

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Nathalia Tetzner

Jacky Caillou é o protagonista ingênuo e pouco convincente do primeiro longa-metragem do diretor Lucas Delangle, O Estranho Caso de Jacky Caillou. Ambientado nos Alpes, a obra participa da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo na seção Competição Novos Diretores e, anteriormente, foi exibido no Festival de Cannes 2022. O filme francês, parte do rol nada seleto de títulos que se iniciam com “O Estranho Caso”, baseia a sua narrativa no poder de cura popular e na explicação do fantástico pela natureza, fato que o afasta do extraordinário e somente o aproxima do comum. 

Através da imagem de uma curandeira cujas mãos já estão marcadas pelo tempo e que, por isso, ganham a confiança plena de uma pequena vila, a montagem de Clément Pinteaux tenta implementar sentido ao roteiro de Delangle e Olivier Strauss. Gisèle, brevemente interpretada por Edwige Blondiau, é o nome da figura mística que falece a tempo de projetar o seu dom no neto Jacky (Thomas Parigi). Ele, então, passa por turbulências internas a fim de descobrir como continuar o legado de salvação. No entanto, a presença da jovem Elsa (Lou Lampros), perturbada por uma mancha com pelos nas costas, complica o cenário. 

Com a sinopse, que pretende projetar nas telas do Cinema os saberes ancestrais do curandeirismo, cultura ainda disseminada em certos contextos, o ponto vulnerável da obra reside na tentativa falha de espetacularizar o ordinário. Talvez se o diretor de primeira viagem limitasse a abordagem a uma visão simples, o resultado poderia ser de fato considerado excepcional – a exemplo do ato de abertura de Jacky Caillou, que alcança o seu ápice logo nos minutos iniciais, quando uma sequência admirável da relação entre a cura a partir das mãos sobre os seres humanos e sobre os instrumentos musicais desperta a originalidade. 

O relacionamento do personagem com a Música é apenas um dos tópicos interessantes que simplesmente são esquecidos ou apagados ao longo da trama. A trilha sonora, conduzida por Clément Decaudin, é ótima e carrega a atmosfera das cenas, sendo uma pena o sumiço do traço artístico de Jacky quando este acrescentaria tamanha autenticidade ao retrato. Linda e felizmente enxergável, a fotografia de Mathieu Gaudet funciona como um refresco em meio a tantas pinturas excessivamente sombrias: The Strange Case of Jacky Caillou captura o ar de mistério sem forçar os olhos do espectador. 

Encoberto pelos trajes de Jacky, Thomas Parigi parece caminhar para uma redenção dramática que nunca chega ao destino final. Apático, ele se junta às outras atuações medianas do elenco, nada persuasivo. O único destaque no campo é a atriz Lou Lampros, alucinante no papel de Elsa, a jovem que aos poucos enxerga a mancha com pelos nas costas a transformar em uma loba assassina de ovelhas e, também, a outra metade da laranja de Caillou. O romance do casal também foi engolido pelo ritmo pontual da produção encabeçada por Charles Philippe e Lucile Ric.

A participação na 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo mostra que O Estranho Caso de Jacky Caillou não é peculiar como sugere, mas comum. É um tanto quanto revoltante, porém, em alguns momentos, incluindo o final aberto, o espírito instigante consegue ser retomado. Ainda que a natureza e a característica de imaginário popular da narrativa levem a estreia de Lucas Delangle na direção de longa-metragens para as áreas próximas do trivial, os futuros projetos do francês não devem ser ignorados. Sobretudo porque há em seu modo de fazer Cinema qualidades brutas da sua personalidade, que, com o tempo, devem ser lapidadas.

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Nathalia Tetzner

Pecadora e santa. Prostituta e apóstola dos apóstolos. São inumeráveis os adjetivos antagonistas que constroem a imagem sagrada de Maria Madalena, a principal devota de Jesus Cristo. Atordoado pelo devaneio sobre os seus últimos dias de vida, o diretor francês Damien Manivel coloca em perspectiva a personalidade mais misteriosa e discutível do Novo Testamento no filme Magdala, participante da seção Perspectiva Internacional na 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e, previamente, exibido na seção L’ACID do Festival de Cannes 2022.

Com a monotonia e sensibilidade características do cinema lento, Manivel deixa que o tempo leve o que for preciso para responder a seguinte pergunta: “afinal, após distribuir tanto amor, quem cuidará de Maria Madalena?”. A narrativa parte da lenda que reza o exílio da protagonista como uma consequência da crucificação do seu amado. Ao pintar o retrato da solidão na floresta, o cineasta consegue captar a genuinidade da natureza em cenas que não poderiam ser roteirizadas dado a imprevisibilidade. Assim, ele mantém a tinta fresca e explana a diferença entre as produções independentes e os grandes estúdios que abusam dos efeitos especiais.

A escolha da atriz Elsa Wolliaston foi certeira. Ela, nômade do mundo artístico, já transitou pelo Cinema, Teatro, Dança e Ópera, e por isso, carrega o enorme peso de levar o público ao objetivo final da jornada de Magdala sem demonstrar martírio. Quando visualiza a sua juventude, a jovem Olga Mouak não é menos hipnotizante. O único sofrimento em questão está estritamente concentrado na feição da personagem que a dupla interpreta. Importante notar que ambas são mulheres negras na pele de Maria Madalena, fator que felizmente destoa da eurocentralização contínua em obras como esta.

O tato é o sentido que guia a conexão da discípula de Jesus com a natureza, aqui personificada pela figura de linguagem do roteiro de Damien Manivel e Julien Dieudonné. As árvores sufocantes, as estações impetuosas, os frutos e a água dos caules saciantes fazem parte do cenário selvagem que é, simultaneamente, a lamentação de Maria e o único lugar onde ela se sente devidamente acolhida. Para alcançar esse feito cinematográfico, a fotografia de Mathieu Gaudet navega entre o azul da noite fria que desperta a angústia e o verde do dia quente que aflora a esperança. 

Intrinsecamente ligado à imagem, o som das cores ganham volume com o trabalho de Jérôme Petit, Agathe Poche e Simon Apostolou. No longa-metragem, o balanço das folhas ao vento, a chuva e o ato da alimentação recebem um barulho tão desconfortante como necessário para se entender que, no pensamento de Maria Madalena, chorar a natureza é o mesmo que chorar a Jesus Cristo. Magdala pode ser lido como o documentário de uma peregrinação, ao longo de grande parte dos 78 minutos que o compõem, não há palavras e, quando há, são direcionadas para a manifestação da supremacia do amor. 

“Entrego o meu coração a Ti”. O incondicional é objeto de adoração da montagem do diretor, Manivel traz para a tela a mistura alucinante entre presente e passado. São as memórias da união carnal e espiritual entre mulher e homem, que proporcionam o contraste da transição do pacifico para o tortuoso na obra. Ainda que a produção seja uma ficção de nacionalidade francesa, a língua aramaica foi mantida pela fidelidade ao período histórico. Esse cuidado com a apresentação não é novidade: outros filmes de Damien Manivel, A Noite em que Nadei (2017, 41ª Mostra) e Isadora’s Children (2019), são aclamados pela crítica.

Pele negra, cabelos grisalhos e olhos esbranquiçados de uma visão que contemplou o início e o fim de tudo, a Magdala de Damien Manivel é uma força da natureza em uma das mais belas representações de sua passagem pela Terra na Arte. São os últimos minutos que fazem questionar se a protagonista estava acompanhada somente de si mesma na floresta. Do mesmo modo que Jesus, ela também tem uma vigília, uma menina, um anjo e, quando a vela de sua chama finalmente se apaga, o espectador sabe que ela correu acima das montanhas, o único lugar onde o seu amado pode lhe dar amor.

Ah, os últimos dias de Maria Madalena… foram compridos, sofridos, monótonos e sensíveis. Porém, mesmo que a narrativa demonstre cansaço e pareça arrastada em alguns momentos, a contemplação se sobressai pelo poder de fazer o espectador sentir uma obra do divino. Ela, quem disseminou o amor e quase foi apedrejada, finalmente é presenteada com um retrato delicado de sua trajetória. Quando os créditos sobem depois da neblina, da dor no peito e do coração na mão, Magdala demonstra que a Mostra Internacional de Cinema em São Paulo segue sagrada em sua 46ª edição.

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