Marcela Jardim

Blank Space, Shake It Off e Bad Blood são apenas alguns hits de uma das eras mais icônicas da ‘loirinha’. Os clipes, a estética e as músicas do 1989 marcaram a transição de Taylor Swift do country para o pop, que mergulhou de cabeça nesse novo gênero – o que deu muito certo. Red (2012), o antecessor do álbum, já havia mostrado sinais de uma mudança estilística, mas 1989 foi a confirmação dessa transformação, apresentando um som claramente mais synth-pop e inspirado pela década de 1980.

Lançado em 2014, o álbum foi um fenômeno cultural e comercial. Taylor Swift quebrou recordes, vendendo mais de um milhão de cópias na primeira semana nos EUA e ultrapassando dez milhões de exemplares mundialmente. Nove anos depois, a relevância de 1989 foi reafirmada com o lançamento de 1989 (Taylor’s Version), que também atingiu números impressionantes, retificando a artista como uma potência na indústria musical. Swift se tornou a primeira a ter seis álbuns estreando com mais de um milhão de cópias vendidas, um feito que reflete não só sua habilidade como compositora e performer, mas também sua conexão inabalável com os fãs.

O 1989 marcou a revolução do pop na década de 2010, ajudando a consolidá-lo como o gênero dominante da época, com influência de artistas como Madonna, Cyndi Lauper e outros ícones dos meados de 1980. A cidade, o verão, as gaivotas e o ar nostálgico representados na arte do álbum ajudaram a moldar a cultura pop da época. A narrativa de 1989, que o torna um disco autêntico e pessoal, ressoou na forma como os artistas passaram a posicionar seus trabalhos. A busca pelo storytelling que equilibra intimidade e universalidade se tornou uma estratégia comum no pop, exemplificada por álbuns como 25, de Adele, e Melodrama, de Lorde. Musicalmente, o uso de sintetizadores, batidas eletrônicas e uma produção minimalista não só inovaram, mas também influenciaram outros artistas, como Sabrina Carpenter e Olivia Rodrigo, e criaram tendências duradouras no gênero.

O disco é repleto de nostalgia e reflexões pessoais, com letras que lidam com amor, desamor, crescimento pessoal e a busca por identidade. Muitas das músicas do álbum são vistas como autobiográficas, com uma mistura de romance e introspecção. A crítica especializada foi bastante positiva, destacando a maturidade na escrita da artista, que passou a explorar questões de vulnerabilidade e empoderamento de maneira mais complexa. Assim, 1989 venceu em três categorias na edição de 2016 do Grammy Awards, incluindo Álbum do Ano, a principal da premiação.

O impacto de 1989 é visível no sucesso subsequente de Taylor Swift, ao passo que a evolução de sua carreira pode ser analisada à luz do que o disco representou para sua reinvenção artística. A recepção da era, em comparação com outras fases da carreira da ‘loirinha’, foi singular. Além do sucesso do álbum, durante o mesmo período ocorreu os conflitos entre Taylor Swift e Katy Perry, o que resultou na música Bad Blood, faixa em colaboração de Kendrick Lamar. O videoclipe contou com a participação de celebridades e amigas da cantora, como Selena Gomez, Gigi Hadid, Cara Delevingne, Zendaya e Hayley Williams.

O disco foi marcado por videoclipes singulares e hiper produzidos. A produção da faixa de Shake It Off mostra a ‘loirinha’ tentando se encaixar em diversos grupos sociais diferentes, como bailarinas, dançarinos de hip-hop e líderes de torcida. “Ao invés de escrever uma música que estivesse me vitimizando, eu quis escrever uma música alegre, que desse às pessoas uma maneira de aguentar qualquer quantidade de coisas ridículas que a vida está colocando no caminho deles. Mas que também os faça querer dançar”, declarou a artista em entrevista para iHeartRadio, explicando o significado da canção e sua representação visual, que conta com mais de 3.5 bilhões de visualizações no Youtube.

Em Blank Space, a cantora contracena com o modelo norte-americano Sean O’Pry, onde há uma sátira em que a namorada é possessiva, carente e dramática e, ao descobrir que está sendo traída, faz a vida do ex um inferno, afirmando que ele logo será substituído. Taylor Swift inspirou sua personagem a partir das críticas e suposições da mídia em relação a sua pessoa, como disse na entrevista para iHeartRadio. “Comecei a pensar em como este personagem é interessante, se ela fosse uma pessoa real com todas estas qualidades e atributos, qual música ela escreveria? E tenho quase certeza que seria assim”, conclui. Já o clipe de Wildest Dreams captura o tom emocional da música, unindo beleza visual e uma narrativa sobre a efemeridade do amor. Com uma estética deslumbrante e cinematográfica, ele evoca romantismo e saudade, apesar de enfrentar críticas por possíveis conotações colonialistas. Ainda assim, destaca-se como um marco visual na carreira de Swift.

Ao comparar as faixas You Are In Love e This Love, revela-se uma narrativa de amadurecimento e introspecção emocional, características do universo lírico de Taylor Swift. Em ambas as músicas, encontramos retratos poéticos do amor; a primeira destaca a serenidade e a cumplicidade de uma relação estável, enquanto a segunda aborda a ideia do amor que vai e volta, sendo moldado pelo tempo e pela aceitação de sua natureza cíclica. Esses temas se conectam à visão mais madura da artista sobre relacionamentos, presente no álbum 1989, onde ela reflete o impacto do tempo nas conexões emocionais. 

Porém, já em composições como How You Get the Girl e Wonderland, se oferece visões contrastantes sobre o amor e os desafios que o cercam, refletindo a habilidade de Taylor Swift em explorar nuances emocionais complexas. Em How You Get the Girl, ela adota um tom direto e quase didático, descrevendo como reconquistar um amor perdido, capturando a simplicidade e a vulnerabilidade dos relacionamentos juvenis. Wonderland utiliza a metáfora do clássico de Lewis Carroll, Alice no País das Maravilhas, para representar a sedução e o caos de um romance avassalador, onde a paixão desenfreada leva à perda de controle. Juntas, essas faixas mostram como Swift navega por diferentes dimensões do amor, equilibrando leveza e intensidade, e demonstram sua habilidade para transformar experiências pessoais em histórias que ressoam universalmente.

Abordando outro lado do amor, a música All You Had To Do Was Stay explora diferentes estágios de frustração e nostalgia que emergem em relacionamentos complicados, destacando a habilidade de Taylor Swift em capturar nuances emocionais universais. Há um lamento direto sobre a simplicidade de manter uma conexão que foi quebrada, expressando vulnerabilidade através de um refrão marcante inspirado por um sonho peculiar. Já Welcome To New York é uma das faixas que destacam temas de autodescoberta, liberdade e o impacto da mídia na vida pessoal, compondo uma narrativa coesa sobre como Taylor Swift lida com sua imagem pública e suas experiências pessoais. Há uma celebração da reinvenção, com a cidade simbolizando um espaço de liberdade e possibilidades, a música reflete otimismo e uma visão utópica, mas também pode ser vista como um comentário sobre a busca por autenticidade em meio à pressão da mídia.

Por fim, Clean, última faixa da primeira versão de 1989, foi escolhida pela artista para encerrar o álbum devido ao seu significado pessoal e emocional. Para ela, a canção representa a conclusão de um processo de superação que ela vivenciou nos últimos anos, especialmente em relação à exposição e críticas intensas sobre sua vida pessoal. Durante esse período, Swift sentiu que a atenção sobre sua vida fora da música havia ofuscado suas realizações artísticas, mesmo enquanto fazia shows lotados ao redor do mundo e conquistava sucesso com suas canções. No entanto, ao finalizar o disco, a compositora sentiu que havia recuperado o controle de sua narrativa, com a música novamente no centro das discussões. A música aborda a experiência de enfrentar a dor e, com o tempo, alcançar a superação, refletindo o momento em que Taylor se sentiu renovada e em paz com sua trajetória.

A The 1989 World Tour, que aconteceu em 2015 para promover o álbum, foi cuidadosamente elaborada para criar uma experiência imersiva. O palco principal possuía uma passarela extensa que aproximava a cantora do público, complementado por plataformas móveis, telões gigantes e um sistema de iluminação sincronizado com cada música. Os figurinos glamourosos e futuristas refletiam a estética arrojada e sofisticada do disco. Além das coreografias elaboradas e energizantes, um dos elementos mais inovadores foi a distribuição de pulseiras LED aos fãs, que piscavam em sincronia com a música, transformando a plateia em parte do espetáculo. 

A mensagem central da turnê foi o empoderamento feminino e a celebração da auto-descoberta. Em discursos entre as músicas, a cantora frequentemente compartilhava reflexões sobre sua jornada pessoal, destacando temas de força, superação e independência. Um dos aspectos mais comentados da turnê foi a presença de convidados especiais em quase todas as apresentações, como Mick Jagger, Justin Timberlake, Lorde e Serena Williams. Essas participações tornaram cada show único, adicionando um elemento de imprevisibilidade e encanto ao espetáculo. Considerada como a turnê mais lucrativa de 2015, a grandiosidade do espetáculo fez com que a The 1989 World Tour se tornasse um marco cultural e artístico, elevando os padrões para turnês pop.

Da mesma forma, o ato de 1989 na The Eras Tour é uma celebração vibrante e nostálgica de uma das eras mais transformadoras da carreira de Taylor Swift. Durante os shows, a cantora revive os hits como Blank Space, Shake It Off e Style, mas agora com uma energia renovada, que reflete não apenas seu crescimento como artista, mas também a ressignificação emocional dessas músicas uma década depois. Enquanto a era original de 1989 foi moldada pela estética clean e moderna, inspirada na década de 1980, com referências sutis à moda vintage e aos sintetizadores pulsantes que definiram o som do álbum, na The Eras Tour o ato se destaca por uma produção visual grandiosa. As roupas usadas por Taylor no palco são brilhantes e glamourosas, evocando um senso de espetáculo que ultrapassa a sofisticação discreta do passado. Os telões e cenografias utilizam tons vibrantes e luzes dinâmicas, complementando a energia contagiante das músicas e recriando o ambiente pop otimista que o disco trouxe ao cenário musical na época.

A regravação do álbum foi tão bem recebida pelos fãs da artista quanto a primeira versão. A produção do Taylor’s Version é fiel ao som cristalino e moderno da discografia original, com toques atualizados que refletem o amadurecimento vocal e técnico da cantora. Suas interpretações agora soam mais maduras, mas sem perder a energia e o frescor que tornaram 1989 tão impactante. As ‘faixas do cofre’, como Is It Over Now? e Now That We Don’t Talk complementam perfeitamente o restante do álbum, explorando temáticas de amor, saudade e superação com a profundidade lírica característica da compositora. Essas adições não apenas enriquecem a discografia, assim como também dão aos fãs novos vislumbres das histórias e emoções da era 1989. Assim como as regravações anteriores, 1989 (Taylor’s Version) reafirma a posição de Taylor como uma artista que luta pela autonomia e pelos direitos criativos, enquanto celebra sua própria evolução e relação com os fãs.

Uma década após seu lançamento, 1989 consolidou-se como um marco na história da música pop, redefinindo a trajetória de Taylor Swift e ampliando seu alcance artístico. O álbum apresenta letras que capturam com precisão as emoções e os dilemas de uma jovem adulta. Com hits atemporais, o disco não apenas dominou as paradas, mas também trouxe uma nova estética visual, minimalista e moderna, que influenciou profundamente a cultura popular. O sucesso de 1989 se refletiu em sua recepção crítica e comercial, incluindo múltiplos Grammys, além de recordes impressionantes de vendas e streaming. 1989 transcende o tempo e, mais do que apenas uma coletânea de músicas, o disco é um testemunho atemporal de reinvenção, relevância cultural e da capacidade da Arte em refletir e moldar uma geração.

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Arthur Caires

Há 5 anos, Debbie Ocean (Sandra Bullock) disse: “Se for ele é notado, se for ela é ignorada. E, pela primeira vez, queremos ser ignoradas”. Em Oito Mulheres e um Segredo, requel da sequência de filmes Onze Homens e um Segredo, a fala é a explicação do porque a criminosa deseja apenas mulheres em seu time para roubar um colar de diamantes de US$150 milhões durante o prestigioso Met Gala em Nova York. Para além disso, é uma declaração de que não se trata apenas de uma versão feminina do longa original, aqui, ser mulher é essencial para que o plano dê certo.

No filme lançado em 2018, a irmã do vigarista dos primeiros filmes, Danny Ocean (George Clooney), assume o protagonismo em sua própria trama criminosa. Após passar alguns anos na prisão, Debbie concebe a ideia de um roubo perfeito em forma de vingança. Para concretizar seu plano, ela reúne um grupo de parceiras de renome, incluindo sua cúmplice Lou (Cate Blanchett), a estilista desiludida Rose Weil (Helena Bonham Carter), a especialista em joias Amita (Mindy Kaling), a hacker Nine Ball (Rihanna), a habilidosa Constance (Awkwafina), a estrategista Tammy (Sarah Paulson) e a atriz Daphne Kluger (Anne Hathaway).

Apesar de ter arrecadado mais de US$ 297 milhões em bilheterias ao redor do mundo, o impacto cultural da obra não foi imediato, mas sim construído ao longo do tempo. Isso se deve ao fato do enredo se basear em um dos maiores eventos do mundo: o Met Gala, baile da revista Vogue que acontece no Museu Metropolitano de Arte em Nova York, conhecido por reunir celebridades e influentes da moda. Por se tratar de um acontecimento anual, o filme dirigido por Gary Ross (Jogos Vorazes) sempre volta aos assuntos do momento quando essa época se aproxima, aumentando sua iconicidade a cada edição do espetáculo, incluindo diversos memes nas redes sociais.

As próprias atrizes do longa já compareceram ao evento – não há um ano em que pelo menos uma delas não esteja presente. Além de Rihanna, que a esse ponto já é uma peça honorária da noite, Anne Hathaway e Sarah Paulson frequentemente também estão nos holofotes do tapete vermelho do Met. Isso faz com que a relevância da produção esteja sempre em alta, pois a associação com o contexto do filme é clara e direta.

Com uma taxa de aprovação de 69% pela crítica especializada e 47% pelo público no agregador de notas Rotten Tomatoes, Oito Mulheres e um Segredo pode não ser o melhor filme de Hollywood em termos de história, mas supera as expectativas em relação à qualidade de sua proposta: entreter. O longa é ideal para ser apreciado com bons queijos e vinhos, oferecendo uma comédia sutil e inteligente que nos leva a gargalhadas inesperadas, mesmo que utilize saídas fáceis para problemas repentinos e não se aprofunde em complexidades narrativas.

Em destaque, temos como principal qualidade atrativa a química e a entrega das atrizes. É muito satisfatório ver Sandra Bullock contracenando com suas amigas talentosas de longa data Sarah Paulson e Cate Blanchett. Além disso, Mindy Kaling e Awkwafina são um ótimo alívio cômico para a produção, juntamente com Anne Hathaway, que volta mais uma vez para uma trama envolvendo a icônica revista Vogue. E, claro, Rihanna, a rainha do Met Gala não poderia ficar de fora.

Além do elenco principal, Oito Mulheres e um Segredo reserva várias aparições surpresas ao longo de seus 111 minutos de duração. Elliott Gould e Qin Shaobo, que estiveram presentes em Onze Homens e um Segredo, trazem uma dose de nostalgia para os fãs da série original. Para elevar ainda mais o nível de A-Listers, o filme conta com a presença das irmãs Kardashians, Anna Wintour, Serena Williams, a brasileira Adriana Lima e muitos outros. Essas participações especiais contribuem para aumentar a diversão e a autenticidade do filme, uma vez que capturam de maneira precisa a essência do Met Gala como um dos maiores encontros de celebridades do mundo.

Como uma ‘versão feminina’ da franquia Onze Homens e um Segredo, Oito Mulheres e um Segredo aborda o feminismo de maneira implícita e sutil, sem buscar se rotular como tal. O filme evita uma abordagem vazia e se concentra em empoderar as mulheres de forma direta. Em vez de se prender a debates e discussões sobre o movimento, a narrativa se concentra em mostrar figuras fortes, independentes e habilidosas, que estão no controle de sua própria história, sem perder a elegância e o charme.

Para trazer essa fineza, dois elementos são cruciais para essa construção: o figurino e a trilha sonora. Os visuais icônicos, assinados por Sarah Edwards, contribuem para a identificação das personagens, entregando o que o contexto do longa pede. Aliadas a isso, as músicas escolhidas para ambientar o telespectador apresentam uma combinação harmoniosa, embalada por uma seleção eclética que inclui Johann Sebastian Bach, The Notorious B.I.G. e Amy Winehouse – além da escolha perfeita de These Boots Are Made for Walking, de Nancy Sinatra, em uma das cenas finais.

Embora uma sequência de Oito Mulheres e um Segredo não seja estritamente necessária, certamente seria recebida com grande entusiasmo pelos fãs. Em uma entrevista recente ao portal Screen Rant, Sandra Bullock mencionou que a realização de uma continuação dependeria da presença de uma diretora e roteirista incrível – alô, Greta Gerwig! Afinal, se Onze Homens e um Segredo ganhará mais uma produção, estrelando Margot Robbie e Ryan Gosling, por que o time feminino, que teve tanto sucesso nas bilheterias, não recebeu uma até agora?

Neste aniversário de 5 anos de Oito Mulheres e um Segredo, é importante destacar que apesar do enredo e do plano infalível de Debbie Ocean não serem aprofundados, a obra cumpre seu papel. Tudo acontece da maneira certa e sem nenhuma dificuldade, o que acaba deixando o suspense de lado. No entanto, como são mulheres em ação, é de se esperar que nada dê errado.

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Nathalia Tetzner e Thuani Barbosa

“Se você fracassar em planejar, planeje-se para o fracasso”. Richard Williams começou o planejamento do sucesso para suas filhas dois anos antes delas nascerem, e se fosse necessário resumi-lo em uma palavra, seria “determinação”. King Richard: Criando Campeãs foi produzido pela Warner Bros. Pictures, e chegou às salas de cinema e ao HBO Max no final de 2021. O filme biográfico sobre o pai de Venus e Serena Williams, grandes sucessos do tênis, proporciona ao público a chance de entender como uma família do subúrbio de Compton conseguiu produzir duas das maiores jogadoras de um esporte ainda tão elitista. De olho no Oscar 2022, a obra garantiu indicações nas principais categorias, incluindo Melhor Filme e Melhor Ator.

Treinos debaixo de chuva, incansáveis entrevistas para a imprensa e controle total sob as carreiras de suas duas filhas. O drama joga luz sobre o verdadeiro Richard Williams, o pai humano e complexo de Venus e Serena, não apenas um herói ou vilão, e expõe ao telespectador o belo e o feio da trajetória do personagem principal para criar campeãs. É quase impossível não pensar em outras figuras paternas que fizeram de tudo para os filhos alcançarem o estrelato, e exemplos como os de Michael Jackson, Britney Spears e Beyoncé mostram quanto a relação pai/empresário pode ser conturbada.

Para quem nunca acompanhou uma partida de tênis, o filme faz um ótimo trabalho em não tentar explicar as regras e, talvez por isso, acaba despertando o interesse pelo esporte. O vai e vem das bolas verdes batendo nas raquetes prende a atenção e traz um pouco de ritmo para a tela. Quem assiste não tem a menor dificuldade em torcer pelas meninas quando elas estão competindo, mesmo sem ter a mínima ideia do que está acontecendo. Ao contrário do extremamente técnico Rick Macci, que ganha vida com a atuação de Jon Bernthal, aqui a forma caricata faz justiça à persona excêntrica do treinador que levou a família Williams para a Flórida.

Como o ator consagrado que se tornou, Will Smith transita com fluidez pela esfericidade do seu personagem. Seja em um momento de bravura, ao impor o seu plano de 78 páginas, seja em sua fraqueza, ao tentar defender as filhas da violência urbana, o ator representa com fidelidade a figura que Richard Williams foi para o esporte. É certo afirmar que Smith se jogou de cabeça no projeto, afinal, além de ganhar peso, ele também se comprometeu em usar um shorts relativamente pequeno para a sua estatura.

É incrível ver, nas cenas reais que compõem os créditos, como Smith conseguiu, em essência, se transformar em Richard, através da maneira de andar, dos trejeitos e das expressões faciais, mas essa não é a única cópia perfeita. A atenção aos detalhes, presente na ambientação, como a Kombi da família e os vídeos que Richard gravou, deve-se ao diretor Reinaldo Marcus Green e Isha Prince, produtora e irmã de Serena e Venus Williams. Em entrevista para a Warner Channel Brasil, Green disse: “conseguimos essa riqueza porque Isha estava ao meu lado”. Independentemente de ser uma grande produção, a família Williams esteve presente em todos os momentos, dando acesso livre para o elenco conhecê-los melhor, o que fez total diferença.

Na pele de Venus, Saniyya Sidney, indicada ao Critics Choice Awards como Melhor Revelação, atrai os olhares para ascensão de uma jovem tenista, com destaque para o nervosismo do primeiro torneio de sua carreira, em uma disputa contra a segunda melhor tenista do mundo na época. Já Demi Singleton, quando entra em cena, capta o fogo no olhar de Serena, que desde a infância almejava o topo do mundo no tênis. A trama tem a irmã mais velha como foco, porém, em uma das cenas finais, Richard Williams fala abertamente para a filha mais nova que Venus será a número um, enquanto ela será a melhor de todos os tempos.

Os Estados Unidos são um dos países mais violentos contra a população negra no mundo, em decorrência do racismo enraizado no país, e isso também afeta os esportes. No longa, é possível ver a maneira com que agentes e outros pais desacreditam do talento das jovens tenistas, tendo em vista que esse é  um esporte majoritariamente branco, o que deixa Richard e as meninas desconfortáveis. Na vida real, durante os protestos antirracistas em 2020, Venus se solidarizou e compartilhou, em suas redes sociais, um texto sobre como o ideal racista afetou negativamente a vida no mundo esportivo.

Richard e Oracene (Aunjanue Ellis) chegaram a enfrentar problemas com o conselho tutelar por sua rigidez e exigência com as filhas, mas o desejo de criar pessoas bem sucedidas e respeitadas, como eles nunca puderam ser, é admirável, uma vez que é um sentimento muito comum em pais que sofreram com as dificuldades da vida quando jovens, criando uma sensação de pertencimento do espectador com a história da família Williams. Assim, o longa trilha um caminho de dificuldades e inseguranças junto com Richard e sua família, e isso deixa os momentos de vitórias ainda mais significativos, criando a atmosfera de amor fraternal e presenteando o público com o sabor do sucesso.

Na rota das premiações, o longa provou o seu sucesso com a Academia ao garantir 6 indicações ao Oscar. King Richard: Criando Campeãs arrebatou vagas desde as categorias mais técnicas como Melhor Roteiro Original, para Zach Baylin e Melhor Montagem, para Pamela Martin, até a mais reverenciada de Melhor Filme (com créditos de produção para Tim White, Trevor White e Will Smith). Aunjanue Ellis, indicada ao Emmy 2021 pela sua atuação essencial em Lovecraft Country, é forte concorrente ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante. Amiga de Serena Williams, a cantora Beyoncé participa da trilha sonora do filme com a faixa Be Alive e pode levar a estatueta dourada de Melhor Canção Original para casa ao lado do compositor Dixson. 

Dono de um Globo de Ouro e de um SAG Awards pela sua interpretação de Richard Williams, resta-nos esperar pelo tão ansiado Oscar de Melhor Ator para Will Smith. Afinal, ao levar os principais prêmios da temporada, ele vem forte para a competição pela terceira vez em sua carreira. Ele já havia sido indicado na categoria por incorporar o boxeador Muhammad Ali no filme Ali (2002) e pela sua entrega na pele do empresário Christopher Gardner em À Procura da Felicidade (2007). Interessante notar que os três filmes tratam de personalidades da vida real e Smith disputa o prêmio ao lado de Denzel Washington pela segunda vez. 

O personagem principal do filme biográfico está vivo e não é segredo que o projeto contou com a curadoria de sua família, ou parte dela: Sabrina Williams, filha abandonada por ele, afirmou que o retrato nas telas do cinema é uma idealização de Richard Williams. Se esquivando de polêmicas ou não, a narrativa de um pai sonhador, uma mãe guerreira e quatro pequenas leoas que vivem a vida com êxito espalha um rastro de esperança para os que já a perderam. King Richard: Criando Campeãs deixa o recado de que planejamento nunca é demais quando se quer vencer.

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