Gabriel Diaz

Antes mesmo do primeiro teaser ser lançado, os fóruns da internet fervilhavam com muitas teorias. Entusiastas de longa data do encanador bigodudo, que cresceram com os diversos jogos da franquia, esperavam com ansiedade o que a Nintendo e a Illumination teriam para oferecer como continuação de Super Mario Bros (2023). E quando as imagens chegaram, a euforia tomou conta. 

A apresentação de Super Mario Galaxy trouxe as galáxias coloridas, o adorável Yoshi e a tão aclamada Princesa Rosalina – elementos clássicos de todo o universo do game. Assim como no primeiro filme, a história aposta na expansão e não se enquadra fielmente ao enredo tradicional dos jogos, especialmente a inspiração que levou o nome do título, lançado em 2007 na plataforma do Nintendo Wii. 

Se está funcionando, não há razão para arriscar e decepcionar um público fiel, seja de sua maioria infantil ou apenas quem goste dos jogos. Então, a técnica de seguir uma narrativa própria, misturando referências de diferentes títulos da franquia Mario para reinterpretá-las para o Cinema, se mantém. A proposta não é adaptar diretamente o jogo, mas executar uma releitura de uma experiência mais ampla. Além disso, o longa marca os 40 anos de um dos personagens mais icônicos da história dos videogames. A expectativa era de uma celebração à altura. O que poucos perceberam, porém, é que essa celebração tem um destinatário muito específico; e talvez não seja quem você imagina.

O longa propõe a missão de continuar o legado da primeira aventura de Mario (Chris Pratt) e Luigi (Charlie Day), porém a trama parte por outra premissa: Bowser Jr. (Ben Safdie), filho do grande vilão Bowser (Jack Black), sequestra Rosalina (Brie Larson) em busca de poder suficiente para impressionar o pai. Além dos irmãos principais, Peach (Anya Taylor-Joy), Toad (Keegan-Michael Key) e o recém-chegado Yoshi (Donald Glover) partem numa missão de resgate que os conduz por planetas aquáticos, desertos estelares e cidades espaciais.

Rosalina, que no game exerce um papel mais independente e enigmático, passa a ocupar a posição de ‘princesa a ser resgatada’, alterando significativamente a condução da história. Em paralelo, Peach assume uma postura mais ativa ao lado de Toad, reforçando uma abordagem mais dinâmica e atualizada dos personagens clássicos. 

Matthew Fogel escreveu o roteiro com a clareza objetiva de quem entende que seu público-alvo tem entre seis e dez anos de idade, pois entrega começo, meio e fim com uma eficiência quase mecânica. Entretanto, entrega alusões de jogos para os mais antigos fãs, como de Super Mario Odyssey (2017), Super Mario Bros. 2 (1988) e até do Super Mario Sunshine (2002), na forma como Bowser Jr. empunha seu icônico pincel mágico. E diferente do primeiro filme, a sequência demonstra contenção narrativa, o que, paradoxalmente, tanto é um avanço quanto a raiz de suas frustrações mais profundas.

A direção de Aaron Horvath e Michael Jelenic, os mesmos responsáveis pelo primeiro longa, encontra neste segundo capítulo uma versão de si mesma amplificada em confiança técnica. As sequências de ação são fluidas e vertiginosas, com uma câmera que mergulha na gravidade invertida dos planetas como se o espectador estivesse ele mesmo com um controle de Wii na mão. 

Talvez seja importante ressaltar que a Illumination sempre opera com orçamentos notavelmente enxutos: cerca de 100 milhões de dólares, metade do que Pixar e Disney costumam investir em suas produções; e entrega resultados que desafiam e superam essa lógica financeira. A direção de arte, que inclui o brasileiro Renan Porto na equipe, é, sem exagero, o ápice cinematográfico do longa: os planetas têm identidades visuais distintas, as paletas de cores mudam de galáxia para galáxia com uma coerência que sugere um trabalho meticuloso de design que vai muito além do decorativo.

É possível ver numa única pincelada do pincel mágico de Bowser Jr. que ali possui uma textura quase tátil, e os fantoches, que emergem em uma das cenas de ação mais inventivas do filme, revelam uma produção disposta a experimentar materiais e estilos sem medo do estranhamento. É um comportamento comum de produções de animação, mas que conseguiu superar a si próprio e atingiu cenários genuinamente impressionantes.

Brian Tyler, o mesmo do primeiro longa, é o nome da trilha sonora e ela foi reaproveitada em arranjos que transitam entre o sinfônico e o eletrônico, sempre encaixada com precisão cirúrgica nos momentos de ação. Se há uma crítica a fazer ao uso, é essa conexão entre música e emoção narrativa. Se no primeiro era tão marcante, com seus momentos de clímax sonoro que arrepiavam, aqui parece ligeiramente enfraquecida, como se a trilha estivesse a serviço da experiência sensorial mais do que da jornada emocional dos personagens. 

O que a obra faz de melhor, e de forma absolutamente consciente, é funcionar como uma espécie de Super Mario Maker (2015) cinematográfico. Para quem não conhece, este jogo era a materialização de um sonho coletivo: dar ao jogador as ferramentas de criação do próprio Shigeru Miyamoto e deixá-lo construir seus mundos livremente. No cinema, opera-se numa lógica semelhante: pega o arsenal de 40 anos de franquia e o distribui generosamente pela tela, convidando o espectador apaixonado a caçar referências como se cada quadro fosse um nível a ser explorado.

Dentre as menções, Pikmins aparecem em cantos discretos, Fox McCloud (Glen Powell) chega com sua Arwing numa entrada épica, Birdo e Wart ressurgem como antagonistas clássicos e o guarda-chuva de Peach remete diretamente a Super Princess Peach (2005). Nenhum desses elementos pertencia originalmente ao universo Galaxy, e por isso a decisão divide opiniões.

Para quem vê o filme como extensão da franquia, acaba soando generoso. Para quem esperava uma transposição mais fiel ao jogo de 2007, é uma diluição. Felizmente, parece que a Nintendo entendeu isso e realizou um projeto de longo prazo que consegue funcionar de maneira orgânica na maior parte do tempo, sem um caos indigesto de citações sem contexto.

A verdade é que quem não construiu memórias afetivas com esses personagens ao longo de décadas encontrará uma narrativa apressada, personagens subdesenvolvidos e uma quantidade de informações visuais que atordoa sem necessariamente emocionar. Pode-se usar a Rosalina, ausente no filme até o clímax, como um símbolo de desperdício desconcertante de uma personagem cuja história de origem é uma das mais tocantes de toda a franquia. A relação entre ela e Peach, reveladas como irmãs numa das maiores surpresas narrativas do longa, é esboçada com um flashback e depois praticamente abandonada.

Os cortes abruptos entre registros emocionais muito distintos também comprometem a imersão, pois, em um arco mais melancólico e potencialmente rico do roteiro como o de Bowser e seu filho Bowser Jr., não há espaço para respirar entre um power-up e outro, mesmo que a cena em que Bowser conta ao filho uma lição de moral paterna. Apesar disso tudo, a dinâmica entre Yoshi e Luigi é comédia e afeto puro, funcionando no nível humano mais simples. Que bom que existe, porém que pena que o filme passa rápido demais por ela.

No fim, Super Mario Galaxy se define justamente por esse equilíbrio instável entre nostalgia e inovação, nada diferente do que se esperava. Ao escolher expandir em vez de adaptar fielmente, cria-se uma identidade própria que encanta parte do público e desafia outra. Ele não é feito para quem vai ao cinema buscando a densidade de um Studio Ghibli; é feito para quem, ao ouvir o tema principal da série, sente imediatamente o peso afetivo de uma infância inteira guardada naquelas notas e para as crianças que ainda estão construindo as suas

A obra conclui mais uma etapa dentro do universo, que aparentemente está nem perto de ser finalizado. A Nintendo conseguiu se fantasiar de Marvel e criou extensões do universo, dando a entender que outros jogos poderiam estar presentes numa versão cinematográfica. Será que um possível filme da série de Super Smash Bros estará nas telonas nos próximos anos? Se faz sentido? Talvez não, porém o que predomina é o sentimento de fã, então seria sensacional.

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Livia Queiroz 

Em Setembro de 2000, os brasileiros saíram de suas casas e foram para os cinemas de suas cidades assistir ao que viria a ser um dos maiores sucessos do Cinema do país: O Auto da Compadecida. Baseado na obra de Ariano Suassuna, o filme foi um sucesso comercial e social, e alcançou um recorde histórico de 2.157.166 pessoas (o filme nacional mais assistido daquele ano), além de uma arrecadação de mais de onze milhões de reais em bilheteria. Tornou-se um ícone para os ‘canarinhos’ e estrangeiros latino-americanos sobre a cultura nordestina e referência cinematográfica nacional. 

25 anos depois, o diretor Guel Arraes, desta vez junto de Flávia Lacerda, volta com o clássico em uma sequência inédita: O Auto da Compadecida 2, estrelada por Matheus Nachtergaele e Selton Mello. Lançado dez anos após a morte do criador do auto que o inspirou, o longa segue quebrando seus próprios recordes no Cinema brasileiro. A segunda obra que retrata o sertão nordestino, já ultrapassou os três milhões de espectadores e arrecadou mais de R$62 milhões em bilheteria, se tornando o segundo filme nacional mais visto nos cinemas em 2024, perdendo apenas para Ainda Estou Aqui, que também tem a participação de Selton. 

A sequência da comédia dramática é completamente nostálgica, poética e divertida de assistir. O roteiro é repleto de referências e, até mesmo, falas iguais (como o bordão de Chicó: “não sei, só sei que foi assim”), além da composição dos personagens e a narrativa, que são bem semelhantes ao primeiro. Com isso, o público se surpreendeu com a volta das figuras principais e a maioria se abriu positivamente para ter novamente a experiência de vê-los nos cinemas. Entretanto, muitos se queixaram, alegando que ‘Ariano Suassuna sempre foi contra uma continuação’ ou que o segundo nunca poderia superar o primeiro e iria estragar o carinho que os espectadores têm pelos protagonistas.

Em uma entrevista para o Podpah, o ator Selton Mello rebateu indiretamente a esses comentários e disse que a intenção dessa nova produção não é superar e nem se comparar a obra-prima da década de 2000, mas sim, se permitir experimentar novamente desse cenário e divertir a audiência com os personagens tão amados do Cinema brasileiro. E conseguiram, mostrando por meio da emoção dos atores e figurantes dentro do set ao recriar o ambiente icônico e causando uma boa risada – com piadas um tanto quanto contemporâneas – para quem assiste. Não apenas isso, nas palavras do Selton: “o Suassuna sempre foi muito fã do nosso auto e gostava da ideia de uma continuação do filme e sempre afirmou isso para mim, […] já tinha uma benção”,  ao contrário do que foi espalhado pela internet.

O Auto da Compadecida 2 cumpriu muito bem com seu papel quando se propôs a ressuscitar a emoção que os brasileiros sentiram pela cultura nordestina e lições de vida comandadas pela perspectiva de João Grilo (Matheus Nachtergaele) e Chicó (Selton Mello). É engraçado na medida certa, com uma transparência teatral ao transferir o humor dos personagens para as telas do cinema. 

Para que isso acontecesse, somente a escalação de atores fenomenais como: Eduardo Sterblitch, que encena um radialista eletrizante tão bem que o personagem chega a ser enlouquecedor; Selton Mello; Matheus Nachtergaele; Fabiula Nascimento, que protagoniza de maneira eloquente a nova socialite vinda da capital; Virginia Cavendish; Enrique Diaz, o cabra-macho e cangaceiro dessa edição; Humberto Martins, como o coronel. Além do humor, os momentos de transbordar emoção foram reservados para Taís Araújo, que substitui Fernanda Montenegro e faz um trabalho espetacular como Nossa Senhora de Nazaré, não somente pela representação racial mas pelo olhar de compaixão que conseguiu transmitir durante todo seu tempo de tela. Ela ganhou uma música tema chamada Fiadeira de Maria Bethânia.

Apesar das características positivas que compõem o filme, existem alguns aspectos ruins dentro da obra e o processo de sua construção. Começando pela falha de roteiro, com a ausência de explicações sobre como o grupo do final do primeiro filme (Rosinha, Chicó e João Grilo) vivem seus próximos anos e como se separam, confundindo a audiência em alguns diálogos. Além disso, é infeliz a escolha das representações do Diabo e Jesus serem feitas pelo mesmo ator de João Grilo, isso deixou a dinâmica menos interessante para aquele que vê, já que, na mesma cena, são três personagens iguais em sua aparência. 

Outro defeito são os efeitos especiais e filtros para o imaginário das mentiras e paisagens do sertão nordestino. É compreensível que faça uso desse tipo de tratamento nos vídeos para qualquer longa-metragem e, principalmente, nos feitos em estúdios, porém, é claro o exagero, ao ponto de parecerem imagens de Inteligência Artificial. Nesse sentido, é notável que alguns itens básicos da produção de uma obra cinematográfica não são desenvolvidos da maneira que agrade os olhos, pelo excesso de artificialidade na iluminação e animação, além da escolha das figuras de animação que também pareciam querer se mostrar reais mas não eram, coisa que não aconteceu no primeiro filme, parte pela falta de tecnologia avançada na época.  

Mesmo assim, a filmagem é linda e emocionante pelos seus aspectos saudosistas, bem como se mostra uma poesia em conjunto com a Comédia teatral. Ao mesmo tempo, O Auto da Compadecida 2 encaminha uma reinvenção de si mesmo, trazendo uma nova trama e personagens que, mesmo diferentes em aparência e backstory, carregam os mesmos significados dos anteriores que já morreram. Também vale destacar os cenários, que apesar de serem da mesma cidade, são inovadores, com ambientes e detalhes construídos de acordo com os 25 anos passados até o segundo filme. 

Por fim, o primeiro e segundo filme possuem enorme importância para a expansão da cultura brasileira e nordestina, que é um dos pilares fundamentais para a formação da essência artística nacional com os cordéis, as xilogravuras, festas tradicionais e o artesanato de madeira ou barro, por exemplo. Parte dessas práticas são mostradas nas obras, principalmente no segundo filme, quando a igreja vira uma atração turística e Chicó precisa ganhar um cascalho. Dessa vez, a Arte não é somente para caracterizar o local que se passa, todavia, tem como o propósito destacar os costumes da região. Dessa forma, aproveitando de seu sucesso, já imaginado, para traduzir tamanha riqueza ao mundo. 

O Auto da Compadecida 2 | Trailer Oficial  

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Davi Marcelgo

O Exorcismo de Emily Rose (2005), Exorcistas do Vaticano (2015), O Exorcismo da Minha Melhor Amiga (2022), O Exorcista do Papa (2023): existem mais filmes de esconjuração do que demônios na vida real. Muitos tentaram replicar o sucesso do clássico de 1973, O Exorcista, outros preferiram distanciar-se e fizeram terror do seu próprio jeito; mas ano vai, ano vem e o ato profano de William Friedkin continua irretocável. Em 2023, com a mais nova sequência, o dogma não muda. 

O Exorcista: O Devoto (2023), no original com o subtítulo Believer, é uma história de dois nomes: O Exorcista e David Gordon Green. Ele é diretor da nova sequência e também da controversa última trilogia de Halloween (2018-2022), enquanto o primeiro é o clássico unânime de terror, considerado obra-prima. Diante disso, surge a polêmica: um diretor com histórico de destruir uma franquia amada, que também é oriunda de um cineasta com clássicos prestigiados, – Halloween de John Carpenter – assume a missão de costurar uma túnica moderna para a obra. Então, qualquer alarde ressoa até o inferno. 

O novo Exorcista é uma continuação direta do filme de 1973, desconsiderando prelúdios e sequências que vieram depois dele, assim como aconteceu com a trilogia de Michael Myers. Na trama, as amigas Angela Fielding (Lydia Jewett) e Katherine (Olivia Marcum) são possuídas pelo demônio após tentar contato com a mãe de Fielding, que já faleceu. Quando as coisas chegam ao extremo, o cético Victor Fielding (Leslie Odom Jr.) precisa ter fé para salvar sua filha.

O ponto crucial é que O Devoto está longe de ser uma heresia, tampouco destrói o material original. Pelo contrário, ele faz homenagem. Ao abrir o longa com dois cães brigando, referencia o trabalho de Friedkin e, de certa forma, mantém as temáticas também. Ao mesmo tempo, Gordon Green tenta ser um pouco diferente, o que é deleitoso porque deixa marcas autorais. Porém, nesse segundo traço, a mente por trás do filme perde a mão e repete os frequentes problemas das requels e dos recentes filmes de terror hollywoodianos.

Ellen Burstyn retorna à franquia depois de 50 anos, reprisando seu papel como Chris MacNeil, mãe de Regan (Linda Blair) – a garota possuída em 1973. MacNeil tem o mesmo tratamento que outras protagonistas clássicas em sequências-legado. Por homenagem, coesão de universo ou para apelar à nostalgia ao público, essas continuações trazem de volta personagens do primeiro filme ou da primeira trilogia – mesmo que as atrizes já estejam mortas – e quase sempre ceifam suas vidas ou dão pouquíssimo tempo de tela. 

Chris MacNeil fica de escanteio, com duas ou três participações e depois some da câmera. Em entrevista ao The Hollywood Reporter, Burstyn revelou que gravou outras cenas para a sequência The Exorcist: Deceiver, que tinha a data de lançamento prevista para 2025, mas que foi substituída pela estreia do filme biográfico sobre o rei do pop Michael Jackson. Junto a isso, David Gordon Green não está mais no comando dos próximos filmes de O Exorcista, de acordo com uma matéria de Janeiro de 2024. Então, a participação da atriz pode ou não acontecer. 

O motivo desse pouco tempo de tela ainda é nebuloso. Argumentar que ela já alcançou certa idade – tem 91 anos – e tem problemas para atuar até seria válido se a atriz não tivesse concedido uma entrevista ao Interview dizendo que este é o momento mais ocupado da carreira dela. A veterana está em outros projetos, como Law & Order: Organized Crime. Na mesma entrevista, ela também arranca elogios ao diretor David Gordon Green. 

Outra armadilha que a nova geração de horror cai é a de se assemelhar aos filmes da Marvel. Em certos momentos, a edição de Timothy Alverson e direção parecem estar criando uma iniciativa Vingadores versão representantes religiosos, se afastando do terror e se possuindo pela nova onda de Hollywood. O conteúdo se transforma numa dicotomia ao invés de se aprofundar no medo e seus temas que diferem gêneros. 

Por outro lado, a aposta nesse tipo de construção eleva personagens e soou positivamente. A requel subverte expectativas antes de se tornar uma cartilha de moralismos, pregando sustos que te fazem pular da poltrona. Ele também provoca desconfortos físicos: a cena do interrogatório no hospital após as meninas serem encontradas é sufocante. Uma das sequências no hospital executa uma montagem excelente com cortes rápidos, muito movimento e com enfermeiros e policiais fazendo perguntas para as crianças, colocando o espectador para dentro daquela experiência desconfortável que as meninas estão sentindo. A cena lembra a angústia de Regan passando por exames médicos invasivos. 

Quando se trata de medos, David Gordon Green reage aos estímulos estadunidenses. Em Halloween (2018), ele tece críticas à cultura do espetáculo, trauma e superação. Em O Exorcista – O Devoto não é diferente, e o diretor e roteirista pincela temas de falsa moral religiosa e prática do bem. Praticando a continuidade da ideia de que o mal está para além do demônio, está em todas as partes, conecta o primeiro take do filme à cena dos cães no original. O escritor faz menção a cena de 1973 e traz sua visão já estabelecida para a nova sequência.

Esperamos sempre que filmes sejam obras-primas absolutas, divisores de águas, filmaços (ou pelo menos deveríamos), mas o resultado nem sempre é esse. O Devoto está no meio dessas tantas produções que vamos esquecer em pouco tempo ou que será fortemente lembrado porque paira a sombra de uma apoteose audiovisual. O destino real, só o tempo dirá. O futuro da nova trilogia segue incerto e procura por um diretor para redigir esta missa. 

Ao final do dia, O Exorcista – O Devoto é só mais um filme de possessão. A obra não vai estabelecer paradigmas igual o antecessor, tampouco apavorar gerações. Daqui a 20 anos, veremos mais uma versão de O Exorcista, Halloween, Pânico e Hora do Pesadelo (que incrivelmente está na geladeira desde 2010) e de outros clássicos. Mesmo assim, os originais continuam ali, como uma Bíblia para os fãs de horror, e aos novos entusiastas, prontos para pregar sustos geracionais. 

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Nathalia Tetzner

36 anos após tirar o fôlego de uma geração inteira com Top Gun: Ases Indomáveis, Tom Cruise está de volta na direção dos aviões de caça, dessa vez, apontando o alvo da trama diretamente para si na pele do protagonista e dono de um dos codinomes mais conhecidos do Cinema, Maverick. A sequência do clássico coloca nas lentes de Joseph Kosinski a missão de dar continuidade ao legado do falecido diretor Tony Scott. Assim, com quase 1,5 bilhão de dólares arrecadados em bilheteria mundial e 6 indicações ao Oscar 2023, Top Gun: Maverick revive os tempos de glória do audiovisual e prova que ainda queremos voar com Cruise.

A fim de novamente “pilotar para a zona de perigo”, o longa se destaca na temporada como a principal ode a Hollywood. Isto mesmo, nem a crítica de Não! Não Olhe! (Jordan Peele) ou a extravagância de Babilônia (Damien Chazelle) conseguem tamanha glória. Incoerentemente, foi necessário alguns truques de enredo batidos, um romance barato, grandes efeitos visuais e um toque de propaganda militar para o público voltar a buscar o que Martin Scorsese classifica como a experiência cinematográfica de encher as salas e encarar as grandes telas. Isso, em meio a uma indústria dominada pelo avanço dos streamings, que se aproveitam do conforto do sofá de casa. 

Em uma inversão de papéis, Pete ‘Maverick’ Mitchell passa de um aluno da escola naval Top Gun apaixonado por sua instrutora para o comandante de uma missão quase impossível. Habituado a altas pressões, ele se vê frente a uma classe de pilotos diversificada. Porém, é a presença do filho de Goose, seu melhor amigo morto durante uma simulação de combate, que cria o conflito interno de Mav. Teimoso como o pai, Bradley ‘Rooster’ Bradshaw é o coadjuvante que perfeitamente auxilia a jornada do herói graças a atuação de Miles Teller, responsável pelas cenas mais emocionantes da obra.

Fato é que Top Gun: Maverick chegou para esgotar a saudade de quem clamava por uma obra sem medo de ser o que é. Com direito a todos os aspectos que caracterizam o gênero de ação, os minutos iniciais simulam a série de créditos da primeira versão e deixam um sentimento de nostalgia tão forte que faz o público questionar se a sessão está certa ou se, por obra do divino, foram transportados para os anos 80; época em que o filme arrebatou 4 indicações ao Oscar e levou para casa a estatueta dourada de Melhor Canção Original pela melodia atemporal de Take My Breath Away, entoada pela vocalista Terri Nunn da banda Berlin.

A diferença essencial entre o primeiro e segundo filme reside na representatividade. Aqui, incorporada pela atriz Monica Barbaro, escalada para viver a pilota pioneira Natasha ‘Phoenix’ Trace. Este ano, a nova estruturação que traz sentido para a aventura pôde ser indicada à categoria de Melhor Roteiro Adaptado, por se tratar da sequência de uma produção já existente. Notável, a escrita de Ehren Kruger, Justin Marks e Christopher McQuarrie se une à história precisa de Eric Warren Singer e Peter Craig, mas alcançando poucas chances junto as outras nomeadas: Living, Glass Onion: um Mistério Knives Out, Nada de Novo no Front e Entre Mulheres.

Indicada a Melhor Canção Original, a belíssima Hold My Hand, de Lady Gaga, toca com esplendor para finalizar a trama. Por isso, a vitória não é óbvia e a concorrência vem forte, com faixas como Lift Me Up, do blockbuster Pantera Negra: Wakanda Para Sempre, e Naatu Naatu, do longa indiano RRR (Revolta, Rebelião, Revolução). Já em Melhor Som, Al Nelson é magnífico e se coloca entre os títulos Elvis, Nada de Novo no Front, Batman e Avatar: O Caminho da Água. Entretanto, nada marcou tanto quanto OneRepublic com I Ain’t Worried, trilha sonora da partida de futebol americano na praia que viralizou nas redes sociais.  

O loiro antagonista da vez é Jake ‘Hangman’ Seresin que, através das expressões de Glen Powell, replica o frenesi causado por Val Kilmer como o rival de Maverick, Tom ‘Iceman’ Kazansky. Powell traz para a sua interpretação as características centrais do papel, tornando a sua presença não menos tocante que o reencontro entre Kilmer e Tom Cruise. O ator da primeira exibição do clássico teve a sua voz recriada por inteligência artificial devido às consequências da luta contra um câncer de garganta, e agora assume os postos de almirante e conselheiro de Mav nas horas vagas. 

No entanto, nem só de galãs vive Top Gun: Maverick. A fotografia, surpreendentemente esnobada pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, também é irresistível. Assinada por Claudio Miranda, a composição visual é deslumbrante e acaba com a ambiguidade da ambientação construída pelo roteiro com o intuito de suavizar abordagens políticas. Afinal, se a escrita borra as margens, a imagem não deixa dúvida de qual é o país extremamente gelado que a marinha dos Estados Unidos tenta a todo custo derrotar. 

Parte fundamental do trabalho de Miranda reflete no editor Eddie Hamilton, peça essencial para a formação da sensação de grandiosidade que o longa transmite. Por isso, ele enfrenta Os Banshees de Inisherin, Elvis, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Tár na corrida pelo Oscar de Melhor Montagem. Igualmente capazes de abrir a boca do espectador, os profissionais criativos Ryan Tudhope, Seth Hill, Bryan Litson e Scott R. Fisher reúnem toda a magia da tecnologia para competirem ao lado de Nada de Novo no Front, Avatar: O Caminho da Água, Batman e Pantera Negra: Wakanda Para Sempre por Melhores Efeitos Visuais. 

Os anos passam, os tempos mudam, a diversidade chega e, mesmo assim, o público-alvo do filme permanece intacto. A verdade é que ninguém nunca se identificará tanto com Pete ‘Maverick’ Mitchell quanto aqueles meninos estadunidenses que parecem ter saído direto de um comercial de margarina. Mas, eternizado como um clássico, o longa obviamente possui diferentes aspectos que atraem as demais audiências. Seja pela representação de valores morais, pela nostalgia ou pelo próprio Tom Cruise trajado como um herói tão ideológico quanto o Super-Homem, toda geração merece assistir a sua versão de Top Gun. 

Ponto no mínimo questionável da produção é a troca da atriz que se relaciona com o protagonista. Kelly McGillis foi a astrofísica Charlie Blackwood em 1986 e não retorna para o papel. Pelo contrário, é substituída pela bartender Penny Benjamin, que embala o público, movido pelo saudosismo, na falta de algo que eternize o enlace com a personagem interpretada por Jennifer Connelly, 13 e 8 anos mais nova que McGillis e Tom Cruise, respectivamente. Em entrevista para o Entertainment Tonight, a loira que tirou o chão de Maverick explicou o motivo pelo o que acredita não ter sido convidada para a sequência: “Eles não entraram em contato comigo, e nem achei que iriam. Eu estou velha, estou gorda, e tenho uma aparência apropriada para a minha idade.” 

Provando que ainda queremos voar com Tom Cruise, a sequência faz o seu nome na categoria de Melhor Filme, na qual compete com Nada de Novo no Front, Avatar: O Caminho da Água, Os Banshees de Inisherin, Elvis, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, Os Fabelmans, Tár, Triângulo da Tristeza e Entre Mulheres. Com ambição e grandiosidade, o diretor Joseph Kosinski ficou de fora das indicações ao Oscar de Melhor Direção, contudo, o seu maior desafio se transformou em realidade; as qualidades do clássico de Tony Scott se repetem e alçam novos ares em Top Gun: Maverick.

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Nathan Sampaio 

Um Lugar Silencioso, de 2018, foi um sucesso inesperado. Com sua proposta intrigante de extrair o terror do silêncio absoluto, a produção faturou mais de 340,7 milhões de dólares na bilheteria, além de dar a Emily Blunt o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante no SAG Awards de 2019. Então, havia uma grande expectativa para a sua sequência, que, infelizmente, teve seu lançamento adiado por causa da pandemia de covid-19, e estreou mais de um ano depois do planejado. Mas fica a dúvida, será que a sequência foi tão boa quanto o filme original?

Este segundo capítulo começa imediatamente após o final dos eventos do primeiro longa. A família Abbott, composta pela mãe Evelyn (Emily Blunt) e seus filhos Regan (Millicent Simmonds), Marcus (Noah Jupe) e seu bebê recém nascido, partem em uma jornada em busca de outro local seguro para morar, e tal trajetória será marcada por perigos, desafios e antigos amigos.

Um Lugar Silencioso – Parte II faz jus ao seu título, por contar uma história que segue diretamente os eventos do primeiro filme, em dois longas-metragens que se complementam, formando uma unidade. Ao fazer isso, esse projeto consegue mostrar todos os desdobramentos da história anterior, tendo assim progressão e evolução coerentes, tanto da trama quanto dos personagens. 

John Krasinski, diretor e roteirista, adota um  estilo de narrativa que permite a trama iniciar sem muitas apresentações ou enrolações, uma vez que essa já possui toda a situação inicial já apresentada, basta colocar os personagens dentro das novas problemáticas e desafios, conferindo assim um grande dinamismo ao enredo. Essa movimentação constante na história permite que o espectador raramente descanse, uma vez que ele está sempre imerso em novas problemáticas ou descobertas. 

É bem comum que continuações, principalmente no gênero de terror, busquem repetir as situações do filme anterior em maior escala, para que assim atinjam a mesma sensação no público. Esse recurso raramente funciona e tende a enfraquecer o projeto, uma vez que não há novidades sendo mostradas. Felizmente, esse não é o caso de A Quiet Place Part II. Krasinski aborda novos perigos em uma grande variedade de cenários ainda não explorados, e cria a sensação de novidade necessária em uma sequência. Tememos pela vida dos personagens, que precisam ser mais criativos para escapar das situações com vida.

Outro elemento importante que o filme traz é a exploração do mundo: logo nas primeiras cenas é mostrado o início do apocalipse, cena realizada em um plano sequência muito bem executado e tenso, que mostra todo o caos no começo de tudo. Além disso, o longa-metragem aproveita essa cena para introduzir personagens novos que serão relevantes, portanto, essas cenas de expansão do universo são muito boas por saciar nossa curiosidade e por servirem à história. 

Um dos pontos fortes de Um Lugar Silencioso (2018) foi a construção dos personagens e das suas relações entre si, e, neste segundo capítulo, isso continua sendo um grande acerto. A família Abbott se mostra impactada pelos recentes eventos, perceptível nos vários diálogos e também nas atitudes tomadas por eles. 

Evelyn é, com certeza, a pessoa que mais está sofrendo com o ocorrido, e Emily Blunt se esforça para mostrar isso em cada cena e em cada conversa: com apenas um olhar conseguimos entender todos os seus pensamentos. A personagem se mostra quebrada com as recentes perdas e tensa com a jornada que a família precisa enfrentar, porém, pelos seus filhos, Evelyn tenta ir sempre em frente, sobrevivendo um dia após o outro, e isso é muito bem proposto no roteiro e na atuação. 

Os filhos possuem um grande destaque nesse novo longa, tomando para si o protagonismo tanto do filme quanto da sua própria vida. Regan demonstra um amadurecimento vindo do último capítulo, já Marcus é um retrato da perda e preocupação com outros membros da família. Definitivamente, Regan é melhor trabalhada. Krasinski e Simmonds criam juntos uma personagem forte, madura, mas com toda a esperança de uma jovem, e ela é um dos pontos altos do longa.

Seu irmão, Marcus, já não é tão bem trabalhado, pois embora ele protagonize cenas importantes e impactantes, ainda há alguns resquícios de clichês de filmes de terror nele, principalmente com relação às atitudes questionáveis que  toma. Isso destoa um pouco do resto dos personagens, que são muito mais reais e tomam atitudes lógicas. 

Um ator estreante na franquia é Cillian Murphy, que dá vida à Emmett, um personagem completamente destruído emocionalmente pelo apocalipse. Há um grande destaque nele e na sua interação com Regan, e juntos eles são responsáveis por cenas muito emocionantes. Vemos uma evolução de seus pensamentos e convicções durante a projeção, mas nada abrupto, é tudo realizado de maneira natural e coerente. A performance de Murphy também é digna de elogios, visto que ele consegue transmitir toda a tristeza, dor, rigidez e, até mesmo, breves momentos de doçura com excelência. Um dos maiores destaques do filme.

A trama acerta em dividir os personagens em dois núcleos. Krasinski permite que a história adquira um dinamismo, indo de um grupo para outro, e mostrando as dificuldades que cada um enfrenta. Essa intercalação também é feita de forma exemplar durante momentos de tensão, deixando-nos apreensivos pelo que pode vir em seguida.

É interessante destacar o esforço do filme na construção de suas cenas de tensão e suspense. Nesse longa, embora os personagens tenham uma vantagem contra os inimigos, ela nem sempre pode ser usada, ou então a tensão gira em torno da possibilidade de perder essa tal vantagem, sendo assim, não há espaço para que o espectador ou os protagonistas relaxem durante a história. 

O silêncio volta a ser muito bem utilizado nesta continuação. O diretor usa-o com excelência e precisão para construir o suspense nas cenas, além dele sempre permear todo aquele mundo, deixando-nos apreensivos com qualquer barulho feito.

Há uma diferenciação excelente e curiosa entre a cena inicial, em que cada som, por menor que seja, é muito alto, e o resto do filme, no qual o silêncio domina completamente. Nos apresentando assim o antes e depois do apocalipse através da nossa audição, e essa transição gradativa que o filme faz do barulho à quietude é perfeita.

Há breves momentos em que a trilha sonora se coloca à frente do silêncio, prejudicando um pouco nossa imersão naquele mundo quieto e sem ruídos. Felizmente, esses momentos são tão breves que não incomodam quando se olha o todo. Um Lugar Silencioso – Parte II é uma continuação excelente, que se coloca à altura do original e o complementa de maneira tão coesa que é difícil dissociar as duas obras.

Esse filme jamais se rende a clichês ou tenta repetir fórmulas para atingir sucesso, ele apresenta ótimas novidades e adições à franquia. Embora haja momentos que quebram a imersão no filme, eles jamais chegam a prejudicar a experiência como um todo, uma vez que a história é bem conduzida, traz personagens cativantes, expande o universo apresentado e nos proporciona uma jornada tensa, assustadora e muito gratificante. 

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