Talita Cardoso

Abusos da mídia, dores físicas e psicológicas de artistas, transtornos desencadeados pelo meio e todos os bastidores podres da indústria musical de forma nunca antes vista. Foi o que The Idol prometeu explorar ao narrar a perspectiva de Jocelyn (Lily-Rose Depp), uma cantora mentalmente instável e fisicamente ferida pela profissão, que tem sua vida e a forma como enxerga a arte alterada ao conhecer um problemático produtor musical, Tedros (The Weeknd).

Apesar de abordar muitos dos temas os quais se propõem, a qualidade na forma como eles são retratados é desprezível, mas o que o público poderia esperar de uma série que antes mesmo de estrear já estava banhada de polêmicas e, após uma exibição prévia no Festival de Cannes, foi massacrada pela crítica especializada. Isso fez com que a obra, dirigida e roteirizada por Sam Levinson, fosse cancelada após a recepção negativa do público, por mais que, previamente, a segunda temporada estivesse sendo cotada pela produtora.

A promessa de problematizar um meio por si só problemático ficou só em sonho e, apesar do elenco e a produção terem dado as caras em Cannes sorridentes e orgulhosos, com Sam Levinson chorando e fazendo declarações ousadas de que The Idol iria hitar, a aceitação do público não foi a das melhores. Já no primeiro episódio, Cara Melada e Contos do Malandro, a audiência ficou atrás de outro sucesso da HBO, também dirigida por Levinson, Euphoria.

O fracasso de público pode ser explicado por uma junção de muitos fatores. O roteiro se assemelha a um soft porn, exatamente o que se espera de algo criado sem a perspectiva feminina: sexualização e degradação feminina disfarçada de crítica e arte, pode ser um dos principais. Logo no piloto, tudo é sobre sexo, desde o enredo principal do até os diálogos mais banais. A monotemática de um texto que não se aprofunda em nada se torna mais sutil ao longo da série, mas a trama nunca evolui para algo a mais. Além de misógina, The Idol é rasa e tudo o que era suposto para problematizar. 

Apesar disso, é perceptível a tentativa de captar a indústria musical. O sofrimento de Jocelyn é palpável para o público, mostrando as dificuldades em controlar suas emoções para parecer perfeita aos olhos dos outros, as dores de ter que fingir que está bem mesmo quando está prestes a desmoronar e de ter que continuar tentando mesmo que seu corpo já não aguente mais e possua demasiadas feridas abertas. Suas dores são físicas e psicológicas, claramente muito inspiradas em divas pop verdadeiras, que tiveram suas angústias sexualizadas e tiradas de contexto ao longo do programa. 

Além de um roteiro preguiçoso, os visuais, os figurinos e as cores não funcionam. Mesmo com a clara tentativa de criar uma it girl que se torne inspiração, nada é memorável e acaba se tornando esquecível. Ainda sobre a estética, o único ponto alto e que merece destaque são as cenas em que Tedros aparece e as imagens se tornam escuras, com alguns tons em vermelho, trazendo a ideia de corrupção da personagem. Além disso, o jogo de câmera, idealizado por Marcell Rév, se torna mais inquieto e ansioso, sendo interessante em uma primeira análise. Entretanto, essa é uma tática visual que enjoa facilmente e se assemelha a uma mera extensão dos videoclipes de The Weeknd.

Já no elenco, Lily-Rose Depp não faz uma atuação terrível e tem seus bons momentos, claramente evoluindo ao longo dos episódios. O cantor é inexpressivo e consegue a proeza de fazer e falar os maiores absurdos sem esboçar nenhuma reação, não se conectando nem ao menos com seus parceiros de cena. Jennie Kim, interpretando Dyanne, rouba a atenção sempre que está na tela. Apesar de aparecer em poucos momentos, a cantora foi dona de uma das únicas, senão única, cena viral da série, a coreografia de World Class Sinner.

Há claras tentativas falidas e ridículas de inserir um suposto empoderamento feminino na protagonista, que evidenciam ainda mais um roteiro em que nenhuma mulher colocou os dedos. O feminismo liberal representado não traz pauta relevante, se limitando à ideia de um movimento aliado ao capitalismo, ambos incentivando Jocelyn a lucrar com seu corpo, mesmo que a própria cantora se mostre descontente em se expor nua visando lucros. Todos a tratam como inocente e a julgam por não querer fazer isso consigo mesma. No fim, isso apenas reforçou o ideal machista do script. 

Além disso, o ‘relacionamento’ representado entre Jocelyn e Tedros é repugnante e desnecessariamente romantizado. De início, o homem a utiliza como bem entende, o que gerou severas críticas à série. Assim, houve uma tentativa de amenizar todo o abuso mostrado ao longo dos episódios, trazendo um plot twist sem noção e mal construído para a personagem de Lily-Rose Depp. Repentinamente, um roteiro que foi todo construído na ideia do abuso de uma mulher claramente quebrada psicologicamente faz com que ela se torne uma vilã e o abusador, um coitado. 

É fácil relacionar o final da série a uma tentativa de uma girl boss, um female rage ou um ‘literalmente eu’ para conquistar o público e viralizar no TikTok. Claramente, não funciona. Personagens assim, atualmente, só conquistam o público feminino quando não são construídas sob o olhar masculino. Ao contrário do que parece ter sido desejado, o final só tornou tudo mais misógino e inconsequente. Além disso, muitos dos abusos cometidos são tidos como ‘método de trabalho’ por Tedros e em nenhum momento há uma reflexão sobre isso. Uma produção que se propõe a fazer análises sobre a toxicidade de uma indústria parece, na verdade, normalizar abusos inaceitáveis e deixar passar claras problemáticas.

O único aspecto genuinamente competente da série é sua trilha sonora. Afinal, The Weeknd como roteirista e ator é um ótimo músico. Quase todas as melodias que compõem o enredo têm seu dedo nas produções e composições, o que não é ruim, já que ele entrega qualidade. Merecem destaque One Of The Girls, uma das mais ouvidas no Spotify, com seus vocais e ritmo marcantes, e Popular, com uma batida notável e a participação especial da lendária Madonna. 

O que poucos sabem é que The Idol se tornou um conjunto de desastres após a demissão da diretora inicial, Amy Seimetz, que saiu repentinamente quando quase todos os episódios da série já estavam finalizados. Burburinhos disseram que The Weeknd, co-criador, acreditava que o show tinha uma perspectiva feminista muito forte e por isso substituiu Seimetz por Levinson, que reescreveu e regravou praticamente tudo.

Com tanta coisa negativa, não tinha um ser humano para avisar que The Idol era uma péssima ideia? Na verdade, tinha sim. Com a clara mudança de perspectiva, vários membros da produção foram contra a produção e, em entrevista para a Rolling Stones, contaram sobre as polêmicas no set. Um deles ressaltou que a série saiu de uma sátira para se tornar exatamente o que eles queriam satirizar; já outro problematizou as cenas romantizadas de abuso, mas mesmo com diversos avisos, o seriado saiu do papel e ganhou vida. 

Com uma enxurrada de controvérsias e uma baixa qualidade, a obra foi encerrada com um episódio a menos do que a ideia inicial da antiga diretora. Com cinco atos de 50 minutos cada, The Idol é uma tortura de 275 minutos legalizada pela HBO e  um drama angustiante de se assistir. Não há história, não é artístico. Por mais que Sam Levinson considere o acúmulo de comentários negativos uma forma de marketing, a série continua podre e não precisava nem ao menos ter passado do primeiro episódio.

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Vitória Vulcano

Dê a Sam Levinson a chance de borrar as linhas entre o drama e o escárnio humanos, e ele voltará escrachando toda e qualquer camada da vida. Da produção de X, passando pela roteirização de Malcolm & Marie e atingindo a direção de País da Violência, essa tática marca seus passos em Hollywood. E foi participando dos três pilares da Sétima Arte, conjuntamente e pela primeira vez, que o cineasta criou a singular Euphoria. Vira e mexe empilhando aclamação e burburinho nas portas dos estúdios HBO, desde sua estreia avassaladora em 2019, a série redefiniu o sucesso televisivo e cultivou expectativas de sobra para sua segunda temporada.

A continuação chegou em Janeiro deste ano, no já conhecido (e nunca exatamente familiar) clima de barbaridade juvenil. Isso porque, após elaborar episódios especiais a partir dos impasses pandêmicos para revelar transcendentalmente as jornadas individuais de Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer), e o embaralho sentimental que se transformaram uma para outra, Euphoria retorna ao macro bem mais carregada de si mesma. Nenhuma ferida exposta anteriormente cicatrizou, ninguém consegue se acostumar com tanta tragédia e esse é o terreno perfeito para banhar de sal a nova versão de uma narrativa essencialmente sentida pelas dores. 

Palco de uma caótica festa de ano novo, o episódio inicial da segunda safra faz a premissa se desenrolar em uma sequência de eventos curtos e, seguindo o pique da primeira temporada, impactantes pelos sete capítulos à frente. Inevitavelmente, Trying to Get to Heaven Before They Close the Door proclama que a provocação segue sendo o coração construtivo da fabricação de Levinson. É a sensação que enviesa as questões-chave da segunda leva de Euphoria e as configura na altura do polêmico – que quase nunca é a mesma vibração do espectador -, aproximando todos os núcleos da história na unha e na vontade de fazê-los mais expansivos do que as telas que os transmitem.

Sinestésica e ressentida com o universo em que respira, Euphoria tem um ano dois ainda mais distante do didático, graças à atividade árdua e recorrente que é viver sem enlouquecer ou se alienar no pós-pandemia. Rue recai no vício e, mesmo que decepcionados e não surpreendidos com a postura, o silêncio é nosso consentimento enquanto audiência. Sobretudo quando a garota lista seus motivos para fugir da realidade e perfura a passividade do público: não necessariamente nos drogamos, mas assistimos adolescentes serem aditivos e repulsivos em um plano paralelo. Queremos alguns minutos fugindo de atentados à democracia, negacionismo científico e outros males absurdos nem que seja acompanhando uma ficcionalização da aflição, sem paz iminente e que nunca prometeu finais felizes. Afinal, “as pessoas só querem encontrar esperança”. 

Essa ironia melancólica não sustenta apenas a dualidade contida na protagonista – que é um show a parte – mas caracteriza os ganchos agridoces da série na temporada atual. Comparada ao pioneirismo de Skins e às controvérsias escalares de 13 Reasons Why, Euphoria equilibrou seu charme, nas origens, encabeçando episódios com o yin-yang existencial de cada personagem e projetando esses arcos particulares na efervescência do coletivo. Contornando a narração onisciente e não mais única da irmã Bennett mais velha, os capítulos, agora, não possuem linha de roteiro traçada ou sugestiva para o futuro destrutivo de alguém. No entanto, a confusão faz três nomes ofuscados até então passarem a infiltrar a história, através da tratativa anterior. 

Falando em sensibilidade aproveitada, a personagem de Apatow é um verdadeiro banquete. Se antigamente a jovem seguia um caminho contrário para chegar ao mesmo fim de seus colegas de cena, blindando-se da hostilidade sem uso de alucinógenos, mas retificando a si própria como coadjuvante, a caçula das Howard vence os panos de fundo da trama pelo cansaço de seu brilhantismo. Corajosa e amistosa, da reconstituição da amizade com Rue à modelação da peça teatral despudorada e frenética – que estatelou os nervos e músculos da narrativa nos episódios finais – ela foi a motherfuckin’ G. 

A tríade que salta aos holofotes é completada pelo temeroso pai de Nate (Eric Dane). Fechando um capítulo inteiro para desmascarar sua existência forjada na tradicional família americana, a série remonta à juventude do homem, arrasada pela paixão homoafetiva não consumada e pela gravidez repentina de sua namorada na época. Por trás do emaranhado de desejos suprimidos que formam o predador sexual retratado, Euphoria tenta dizer que a agressividade compulsória e o sadismo de criar filhos à sombra de seu mais repugnante reflexo são a armadura de Cal. 

Ainda que a produção nunca tenha materializado arcos de redenção, o experimento de humanização do Jacobs mais velho nos faz perguntar quem consegue revelar a revolta por trás de suas contradições, recebendo chances de atenuação pelo júri do público. A manobra da trama traz estereótipos da mais brutal ordem, já que acusações de pedofilia e estupro, como as que rondam a trajetória do genitor, sempre foram relacionadas à comunidade LGBTQIA+. E não é errado dimensionalizar vilões desvendando o que impulsionou aqueles traços de amargura e bestialidade. Entretanto, tratar sua identidade, fruto de uma forma subjetiva e insalubre de lidar com a realidade através de um labirinto que pode se resumir a orientações sexuais é, no mínimo, problemático (especialmente para Euphoria). 

Retomando o modus operandi da história, temos a fórmula de escandalização do moralismo, que apregoa a mente de quem se pega canalizando a barra não só da exposição de Cal, mas de milhares de momentos. Infelizmente, não vivemos em um planeta evoluído o bastante para a ridicularização de nossas mazelas servir como ferramenta de conscientização ou instigar qualquer mudança. E, caramba, como Euphoria brincou incansável e assertivamente com isso em seus primórdios nada ortodoxos. Mas, com o avanço do Ensino Médio e a necessidade de um amadurecimento à altura, a progressão narrativa parece se apossar de uma ânsia de gente grande, incapaz de processar a essência que o básico dá à conjuntura.

Se na primeira leva toda a genialidade da ficção partia de um cadenciamento, em que, apesar das cenas performáticas e fugazes, o raciocínio prevalecia, o presente entrega uma Euphoria refém do ímpeto de chocar a qualquer custo. O tal realismo emocional, que antes era compartilhado não somente pelo criador da obra, mas igualmente por outros nomes vinculados ao propósito artístico, agora passa a se centralizar nas mãos de Sam Levinson em uma demonstração típica de como impérios caem pela ambição. 

Diferentemente de séries que definharam em qualidade sem seus fundadores, a presença excessiva do cineasta pode ser culpabilizada por várias deficiências e armadilhas geradas na produção do HBO. Todos os episódios da segunda temporada são unicamente dirigidos e escritos por Levinson, que obviamente não conseguiria atender às expectativas de escandalização, nem dar ritmo e coesão às múltiplas vertentes da história, sozinho. Às avessas da complexidade outrora construída, a safra se contenta em sonhar raso no desenvolvimento figurativo e psicológico, mirando em erros de principiante ao não saber adicionar rostos novatos à trama – ou mesmo trabalhar os veteranos – sem perdê-los de vista. 

Com exceção da abordagem recebida pelo trio mencionado e pela protagonista de Zendaya, as principais afetadas são as personagens femininas – que sempre corporificaram o primor do universo eufórico. Jules fica restrita a uma trilha de inconveniências alheias à sua notável evolução, dando advertências e tapinhas nas costas de Rue aqui, aleatoriamente tendo um caso com o melhor amigo de ambas ali. Abrilhantadas com a participação da escrita aguçada de Hunter Schafer em F**k Anyone Who’s Not a Sea Blob, as práticas da garota, na atual temporada, se tornam tristemente programadas para reduzirem suas nuances ao egoísmo. 

Em contrapartida, falas e ações são tudo que o plot acaba devendo para Kat (Barbie Ferreira). Ela não se sobressai no namoro, nas amizades e menos ainda na própria história, pintando como alívio cômico nos perrengues gerais do ano e martelando incapacidade em seus dramas pessoais. A desatenção é tão extrema que até os rumores supondo o que ocasionou a situação foram melhor elaborados do que a atuação obtida pela personagem.

Enquanto as suposições de desavenças e descuidos nos bastidores da temporada funcionavam como suporte externo para o apetite que Euphoria não saciava em cena, o trato omisso se consolidava com os novos intérpretes. Os arcos de Elliot (Dominic Fike) e Laurie (Martha Kelly), embora espontaneamente divertidos ou revoltantes na coletividade do drama, quando isolados das trupicadas e levantadas de Rue, não preenchem uma página de significado consistente. Apesar de similarmente limitada ao beabá das drogas, a adesão de Faye (Chloe Cherry, que aqui estreia na TV) se conecta a outros pontos de riso e tensão. Levemente do outro lado da moeda, Ali (Colman Domingo) engrandece sua performance iniciada em Trouble Don’t Last Always e dá merecido fôlego ao conforto ácido da narrativa. 

Seguindo essa eterna brincadeira de espaço e tempo no macro, a segunda leva da produção busca um encaminhamento inusitado se concentrando – aos trancos e barrancos – no eixo dividido por Cassie (Sydney Sweeney), Maddy (Alexa Demie) e Nate. O triângulo amoroso é purgatório de si mesmo em inúmeros sentidos, sobretudo para as melhores amigas que descarrilam suas respectivas individualidades em troca de um romance duvidoso, com um sujeito de caráter mais questionável ainda. Só que, no final do trauma, a verdadeira discussão não reside nos trejeitos voláteis e objetificadores de Jacobs; o que permite as idas e vindas cruéis do atleta na psique das garotas é uma fragilização sentimental predisposta que ele não criou, porém, aprendeu a controlar maliciosamente.

Nessa toada, a história acerta ao duplicar a dor de Maddy em um processo de maturação gradativo. A garota descobre plenamente a toxicidade de estar com Nate quando perde um laço afetivo tido como inabalável e baseado na confiança, sensação que ela pensava dominar tanto no namoro e na amizade quanto em si própria e, na reviravolta, passa a aprender o valor na marra. Já para Cassie, os dias de crescimento permanecem como miragem à medida em que sua combustão emocional e tendência de procura por aprovação masculina ramificam debates pontiagudos que conduzem a série.

Um dos discursos batidos de Euphoria é expor que as escolhas de seus personagens não existem em bolhas e, por isso, podem esvair para todos os núcleos da narrativa constantemente. Aspecto esse que poderia unir dramas soltos ao longo da temporada, mas não encontra respaldo para acompanhar a entrada de Rue no tráfico, a rivalidade eclodida entre Fezco e Nate, e principalmente o espiralar de Cassie no remorso de perder Maddy e na humilhação de amar quem a rejeita (tudo vivido por ela após a realização de um aborto, que não entra em pauta após a primeira season finale). Ao mesmo tempo em que alucinamos com a instabilidade da loira – fruto da dedicação excepcional de Sweeney -, pouco esforço existe para fazê-la transpor sua ruína além de rituais de beleza aflitivos e muitas cenas de nudez. 

Novamente navegando na obsessão em desfilar absurdos, corpos sem roupas são a fagulha da ficção que se volta propositalmente para a desnivelação social entre o nu masculino e feminino. Sem perder o trem, a segunda safra já começa com um pênis escancarado na tela do espectador – só não se engane, não é sexy, é só um pedaço de carne. E por que a nudez deveria ser vista de outra forma? Ninguém te dá a resposta, mas exageram na dose de pele de Cassie à mostra para, surpresa!, provocar a dúvida. Como Emilia Clarke provou no passado, obviamente a escolha pesa quando falamos das mulheres: o nu estraçalha o angelical e as vulnerabiliza na vilania, ainda que devesse passar longe disso. Nesse espectro, a consciência da atriz americana no assunto a coloca acima de todas as limitações narrativas de Euphoria ou do mundo – o que não absolve a série da prepotência de achar que nudez subversiva sobrepõe ausência ou desvirtuamento de conteúdo.

Fato é que a gama de inventividades e rebuliços da segunda leva caminha obrigatoriamente para o inigualável estrelato de Zendaya. Agora produtora executiva da série, a artista desbrava, sem qualquer melindre, profundidades cruas e hipersensíveis para a lapidação de sua personagem. Se Rue era impiedosa com seu modo de vida e os olhares externos destinados a este, ela usa os novos capítulos para assumir o máximo de cada impressão não verbalizada que experienciamos ao vê-la em cena, literalmente do amor ao ódio. As dicotomias mais arrasadoras acontecem na abstinência de Bennett em Stand Still Like the Hummingbird, em que perseguições e confissões solidificam quem protagoniza Euphoria e se projetam para a história cinematográfica. 

Com essa aspiração na ativa, a atriz merecidamente estende seu currículo no Primetime Emmy Awards. Na 74ª edição da premiação, Zendaya foi nomeada como Melhor Atriz em Série de Drama, categoria que sua Rue já venceu em 2020. Esse ano, ela é euforicamente acompanhada por Sydney Sweeney, que aparece tanto na lista de Melhor Atriz Coadjuvante em Drama, quanto se destaca nas indicações em Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme por sua performance em The White Lotus. 

Em meio às ressalvas estruturais, Euphoria preenche outra vez as nomeações em Melhor Série de Drama, competindo com a ganhadora do Globo de Ouro Succession e outras produções chamativas dos últimos meses, como Better Call Saul, Severance e Squid Game. Aguentando um roteiro débil e ainda sendo excepcionais, as interpretações gerais também foram lembradas e emplacadas em Melhor Elenco em Série de Drama. Por outro lado, Sam Levinson não conquistou nenhuma indicação nas seções especializadas em direção do Oscar da TV. 

As menções honrosas ficam para a contextualização técnica da ficção, que figura em nove categorias do Emmy 2022. Euphoria sempre se ofereceu pelos olhos, e a atmosfera que arquitetou seu princípio foi fatal para torná-la um fenômeno estético pontilhado pelo trauma. Agora, demolindo as sobrecargas de glitter e neon que climatizavam o passado da narrativa, a segunda temporada se faz pela infiltração sóbria de violência e soturnidade. Descamada em jogos de luzes, ora sólidos, ora rápidos, a fotografia engenhosamente expõe os embates e pensamentos pela brutalidade da própria existência, rendendo à série a participação na categoria Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Uma Hora). 

A crueza é estabelecida pelo enquadramento de câmeras analógicas, que captam os figurinos e as maquiagens – refletores do estado mental de cada personagem. Todos os tons obscurecem com os rumos da história, especialmente nos desdobramentos de Cassie, Jules, Lexi e Maddy. A musicalidade é outro fator dimensionante de Euphoria, atravessando temas underground, sucessos já assimilados pelo público e canções encomendadas para a série. 

Uníssono anteriormente, no ano dois, Labrinth se divide com Dominic Fike, James Blake, Lana Del Rey e Tove Lo no lançamento de catarses exclusivas. Invadindo ouvidos e corações, a visceralidade das notas está no luto de Rue, nas frustrações coreografadas de Cal e Cassie e nas aversões mais memoráveis dos episódios. Nesse ritmo, a segunda temporada da produção concorre a Melhores Músicas e Letras Originais e Melhor Supervisão Musical, esta última pelo trabalho de Jen Malone e Adam Leber.

Prestigiada pela honestidade identitária de seus visuais e dramas iniciais, Euphoria escalou o hall da fama tão rapidamente que superestimou a si mesma. Como seus personagens que são espelhos, a trama também faz tudo o que a transtorna no interior da segunda temporada se sobressair em marcas visíveis. Subjugar suas riquezas ao monopólio criativo de Sam Levinson custou rachaduras intensas, porque barbarizar demais e despreparado tem um preço. A superação positiva de tabus e nuances só existe se entendemos porquê e para onde vamos, e a insuficiência lógica pode até satisfazer ao mostrar onde perdemos nossa humanidade, mas não combina com um universo dedicado a examinar a miscelânea existencial que nos caracteriza como humanos.

Crescer na produção do HBO permanece uma revolução física e emocional, não apenas na ideologia, mas principalmente na ultrapassagem de negligências narrativas. Depois de autoafirmar seu potencial destrutivo, radicalizar sua maior anti-heroína e renovar as esperanças de sua personagem mais emblemática, a série parece ter perdido o dom da alquimia – a habilidade de unir ciência, arte e magia para transformar o comum em ouro. Ainda que pouco da geração Z retratada seja ordinário ou factual, Euphoria sempre soube abrir mão da pretensão, que agora a assola, para fascinar. E, assim como Rue toma o episódio final para ficar sóbria inesperadamente, sua ficção merece uma terceira leva surpreendentemente próspera e multifacetada. 

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O termo que significa um estado transcendental de alegria é usado para nomear uma obra que existe no nível mais profundo das dores de uma juventude autodestrutiva para nos avisar sobre algo: desde seu início, aclamado e conturbado lá em 2019, Euphoria não quer saber de nada além do radical ao construir seu caminho na companhia de jovens que lidam com muitas, muitas, mas muitas questões. A máxima se consolidou ao fim visceral daqueles 8 primeiros episódios que colocaram o drama adolescente da HBO numa evidência maior que qualquer nicho. Ali, nossas protagonistas, responsáveis por engatilhar o desenrolar dos arcos da narrativa e toda sinceridade e todos problemas que os acompanham, se encontravam num lugar perfeito de completa ausência de resolução.

A complexidade que o diretor e roteirista Sam Levinson criou ao fim do primeiro ano de Euphoria só seria compreendida mais tarde, quando os ganchos de 2019 ameaçavam se perder no meio da fenda temporal aberta pela pandemia de covid-19. Então, o criador correu para os transformar em dois episódios especiais, dedicados exclusivamente ao centro da história – Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer) -, e quando Part 1: Rue foi ao ar em dezembro de 2020, o poder da narrativa se mostraria ainda maior. Sob o título de Trouble Don’t Last Always, aconteceu o primeiro contato da produção com o mundo depois de sua estreia, e também o primeiro encontro do apreciador da série com a profundidade emocional daquela que foi o fio narrativo de tudo o que Euphoria nos apresentou.

Era, então, o momento de prestar atenção na individualidade de Rue, antes de seguir as tramas de uma história que se propõe a retratar a juventude de forma radical. E quando encontramos a personagem em Part 1: Rue, topamos com uma sobrevivente do final tempestuoso do primeiro ano de Euphoria. Abandonada por Jules, enfurecida com todos, vulnerável como nunca e machucada como sempre, a personagem é vencida pelo seu vício em drogas e tem uma recaída. A única ajuda que a teimosia envergonhada de Rue aceita é a de Ali (Colman Domingo), meio amigo e meio mentor, que estabelece uma conexão com ela no grupo de Narcóticos Anônimos. Dramático e radical o suficiente? Não para Sam Levinson, que finaliza a premissa do episódio com os dois solitários em plena véspera de Natal numa lanchonete qualquer da cidade.

O encontro desencadeia uma longa e profunda conversa que toma os 60 minutos do episódio. Adentrando a profundidade psicológica de Rue, muitas questões surgem, e a sabedoria de Ali, que já vive longe do vício há sete anos, sabe identificar todas elas, sem se preocupar em solucioná-las. O foco ali é o desabafo da personagem, e a realização da oportunidade que ela precisava para revelar seus sentimentos complexos e delicados, depois do sufocante último episódio da primeira temporada.

Esse efeito é curioso, já que a história não escapa um segundo de sua perspectiva. Rue é a narradora absoluta – mas não totalmente confiável – de todos os eventos da série, e justamente por isso, é difícil adentrar sua intimidade debaixo de toda aquela energia caótica, como batiza o próprio Ali. Mas entre as digressões de Part 1: Rue, a personagem finalmente tem a permissão de viver intensamente suas oscilações emocionais, sentir o medo que ela esconde ter de si mesma, e tentar compreender sua relação com Jules, ao mesmo tempo em que revela mais de sua própria personalidade longe de tudo o que acompanha o núcleo de Euphoria.

Os méritos da Melhor Atriz em Drama do Emmy 2020 na personagem que a fez fazer história são sempre louváveis, mas o que se destaca aqui também é, mais uma vez, o trabalho de Sam Levinson. Encarando uma base em suas experiências pessoais, o texto de Trouble Don’t Last Always se preocupa de forma quase científica com os diálogos. Tão naturalmente prolixo e propositalmente direcionado, o roteiro do episódio faz Rue e Ali pensarem sobre a vida, sobre a morte, sobre o espiritual e sobre o mundano. E em algum momento da conversa, a situação da jovem diante do mundo toca no tópico indissociável porém ainda ausente na história radical de Euphoria: revolução.

A palavra surge na conversa quando o emocional de Rue mostra suas faces mais sombrias. Ela revela sentir-se culpada pela sua própria condição, pelo que trouxe à sua família – a mãe (Nika King) e a irmã mais nova Gia (Storm Reid) -, e pelos conflitos com Jules, fazendo nascer na adolescente um sentimento de desistência e conformidade. Como alguém que já pensou sobre aqueles dilemas muitas vezes nos momentos difíceis do vício, Rue é sutilmente impaciente, mas também levemente desesperada por novas possibilidades, e ao mesmo tempo, amargamente desesperançosa. Diante da confusão sentimental de Part 1: Rue, Ali, muito provavelmente o maior revolucionário de Euphoria, responde às constatações de Rue.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

– Mas eu não estava drogada.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

É a partir daí então que o episódio mostra de vez quem realmente é Rue e qual é a sua real situação. Em meio aos sentimentos da jovem perante ao mundo, Trouble Don’t Last Always faz isso através de Ali, que percebe a complexidade da situação e identifica os efeitos da chamada “doença do vício” na sua perspectiva de vida. Mas na história de Sam Levinson, não existem moralismos nem conclusões rasas. Ainda nas palavras de Ali, existe uma crítica direta ao imediatismo das revoluções, em meio às referências a Malcolm X e Martin Luther King que o mentor prega para a adolescente. Part 1: Rue aponta para a raiz do problema, e ainda que não exista uma solução, podemos imaginar uma transformação.

Mas antes de adentrar o espaço da Revolução de Rue, o Episódio Especial de Euphoria imagina como as coisas teriam sido se o final daquela primeira temporada fosse diferente. E se Rue e Jules seguissem seu plano de fuga e construíssem uma nova vida juntas? A primeira cena responde, naquela identidade teatral magnífica, junto das cores quentes que se tomam o lugar dos tons frios à medida em que o amor de Rue por Jules preenche o ambiente. Mas não demora muito pro sonho se perder na realidade, e quando a paixão já se diluiu no ressentimento, na culpa, tristeza e dor, o visual, elemento tão fundamental de Euphoria, materializa o temperamento da personagem principal.

É exatamente quando Rue volta ao uso de drogas que aquela essência etérea do romance e do sonho que ela vive com Jules se transforma num cenário obscuro, soturno, inóspito e repelente, mas curiosamente e fidedignamente, nunca incômodo. E então, num movimento rápido da câmera de Marcell Rév que colocou Trouble Don’t Last Always no Emmy 2021, estamos naquele momento que vai mudar muita coisa que ela pensa sobre si mesma, sobre o mundo e sobre os outros. E assim também é a Revolução de Rue em nós.

Mesmo sozinha e despedaçada, Rue ainda pulsa o desejo latente de ver as coisas sendo diferentes. Ela tenta descobrir o que fazer com isso, enquanto sente a dor dos que sabem que o mundo é um lugar terrível e percebem que todos parecem aceitar isso bem demais. Rue não quer ser parte disso. Rue não quer sequer presenciar isso. Então, a obra, que já revolucionou com a sinceridade, intensidade e profundidade com que trata seus temas, usa Part 1: Rue para revolucionar sua protagonista do jeito que pode. No caos emocional de Rue, existe um conselho ousado: Problemas não duram para sempre, é a mensagem central da voz agridoce de Euphoria naqueles 60 minutos.

No meio deles, a protagonista da trama desabafa sobre sua vontade de apenas desistir e o desconforto que sente vivendo no mundo que vive. Ali vai desejar um feliz Natal para as filhas pelo telefone, enquanto Rue lê uma mensagem de Jules, que diz que sente saudades junto de uma música. A canção que marca o Episódio Especial de uma produção que leva cada aspecto tão a sério não poderia ficar de fora dos sentidos criados dentro dele. E ao som de Me In 20 Years, a radicalidade de Euphoria aponta que a maior transformação de Rue é encontrar uma forma viver.

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Em um contexto ainda atingido pela pandemia de covid-19, a largada da temporada de premiações foi dada mais tardiamente em 2021. O mês de Fevereiro se encerrou com o polêmico, e nem tão aclamado, Globo de Ouro. Nesse ano atípico, os filmes elegíveis poderiam ter sido lançados no próprio mês do evento, e muitos dos que chegaram nos minutos finais acabaram concorrendo e, até mesmo, levaram a estatueta para casa. Foi o caso de Nomadland, que conquistou duas das categorias principais e é uma das principais apostas para o Oscar 2021.

Mais uma vez, a Netflix está com tudo entre os concorrentes da temporada, mas com candidatos nem tão promissores. Relatos do Mundo, produzido pela Universal Pictures, chegou esse mês ao catálogo e ganhou duas indicações ao Globo, porém sem sucesso, enquanto o complicado Malcolm & Marie não conquistou nem uma nomeação. Por outro lado, I Care A Lot (Eu Me Importo) foi um dos grandes lançamentos do mês e surpresas da noite, e deu a primeira estatueta de Rosamund Pike.

Fora do universo dos tapetes vermelhos, o serviço de streaming entregou o controverso capítulo final da saga de Lara Jean, com Para Todos Os Garotos 3: Agora e Para Sempre, e seu maior produto nacional até agora, com a estreia da série Cidade Invisível. Fevereiro também foi um mês para a Apple TV+ trazer grandes lançamentos, a nova temporada de Dickinson foi mais uma vez bem recepcionada pela crítica, assim como o documentário Billie Eilish: The World’s a Little Blurry, que se aprofunda na vida da estrela em ascensão Billie Eilish.

Nesse extenso período de isolamento, observar o cotidiano alheio nunca foi tão interessante. Pudemos ver novamente Selena Gomez se estabanar na cozinha com seu reality show Selena + Chef, da HBO Max. E, em terras brasileiras, a luta pela saída da Karol Conká do BBB 21 conseguiu unir a nação de uma forma nunca antes vista nos últimos tempos.

O Cineclube de Fevereiro traz os grandes lançamentos do mês do mundo audiovisual. Aqui você confere os filmes aclamados e massacrados pelo público, séries que terminaram de ter seus episódios exibidos (WandaVision há de aguardar o seu momento), e grandes produções televisionadas. Tudo isso com a curadoria da Editoria e colaboradores do Persona.

Cinema

Relatos do Mundo (News of the World, Paul Greengrass)

“Um faroeste com Tom Hanks” é sinopse suficiente para atrair qualquer um. Ainda mais em um catálogo cheio de opções “tanto faz” da Netflix. Relatos do Mundo, que se não fosse uma pandemia estaria em todas as salas de cinema ao invés do streaming, chamou atenção do espectador – e até do Globo de Ouro -, mas não atende a expectativa que cria. Para além da descrição superficial, na trama, que se passa após a Guerra de Secessão, o Capitão Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks) viaja o sul dos Estados Unidos lendo notícias aos moradores locais. 

Quando topa com Johanna (Helena Zengel), uma menina alemã capturada e criada pelo povo indígena Kiowa, ele decide que é seu dever percorrer mais de 600 quilômetros para levá-la em segurança à sua família biológica. Apesar do leque de possibilidades que o contexto histórico abre para a narrativa, como a proibição do porte de armas no sul e a recente abolição da escravatura, consequências da guerra para os derrotados, o diretor Paul Greengrass opta pelo óbvio: explorar a inevitável relação emocional que se formará entre os dois ao longo da jornada. Nem a profissão de Kidd, que logo de cara desperta a curiosidade, evolui para além de um pano de fundo. 

Mesmo com os bang-bangs em escassez e com a previsibilidade da narrativa, que não surpreende nem no final, o espectador só não se decepciona pelas performances de Tom Hanks e Helena Zengel, que trabalham bem seus personagens e, com os nuances de cada um, despertam certo interesse. O trabalho do cinematógrafo Dariusz Wolski também se destaca, com uma fotografia que torna as paisagens fim de mundo típicas do gênero deslumbrantes. Embora não chegue nem perto de atingir todo o seu potencial, Relatos do Mundo é uma boa para aqueles que se contentam em apreciar o veterano de Hollywood em ação e descobrir mais do talento da revelação mirim alemã. – Vitória Lopes Gomez

Nomadland (Idem, Chloé Zhao)

Qualquer pessoa que assuma a difícil tarefa de falar sobre Nomadland certamente ficará sem palavras. O drama mais aclamado da temporada é de um cinema que é algo além, que, valendo-se de sutileza e precisão magistrais, conta a história de uma vítima de um colapso econômico de uma cidade do interior de Nevada em sua jornada por sobrevivência – tanto física quanto emocional. O grande vencedor do Globo de Ouro e do Critics Choice Awards (e, com fé, de todas as outras premiações que os seguirem até o Oscar) é baseado em um livro homônimo de Jessica Bruder, que foi adaptado e dirigido pela genial e já lendária Chloé Zhao. 

Não satisfeita em conduzir brilhantemente cada detalhe da base do filme, Zhao também dirige a grandiosa Frances McDormand, que compõe, com destreza e delicadeza, cada nota da peça principal da orquestra de Nomadland e uma das melhores atuações que você vai assistir na vida, sentida direta, física e silenciosamente no nosso coração. Muito, muito, muito longe de cair numa obra torturante, as alegrias do filme também são genuínas e, depois de um ano vivendo no isolamento social, elas são especialmente belas, nos lembrando de como é boa e importante a vida em comunidade.

Desde sua concepção mais original até sua transposição para o cinema que envolve aspectos como a escrita, a direção, a atuação e produção, o longa é uma orquestra regida por mulheres que estão em perfeita sintonia. Elas, em domínio pleno de seus ofícios, estão em outro nível, outra vibração, outra dimensão, e bondosamente as compartilham conosco através do Cinema. – Raquel Dutra

Host: Cuidado Com Quem Chama (Host, Rob Savage)

Investindo em um formato atual e inteligente, já visto antes em filmes como Amizade Desfeita, Buscando… e na série de comédia Modern Family,  Host, além de ter sido gravada durante a pandemia, possui uma narrativa contada a partir da tela de um notebook, mas, não se engane, os pontos positivos do filme acabam aí. Com uma história, personagens e sustos apenas ficando no plano básico, o filme de terror desperdiça todas as oportunidades para se destacar nesse formato.

Apesar de se passar inteiro numa tela e num contexto curioso, com os personagens no meio do isolamento social, o erro da obra é não sair da guia da reunião feita no Zoom. Mesmo com o estilo clichê de terror mais simples, onde os personagens morrem um por um em cenas cheias de tensão, a história não investe em detalhes ou nos recursos que o ambiente online oferece, com a única indicação desse formato sendo o aumento no volume da tela.

A trama acontece a partir de uma sessão (online) espírita que dá errado, e o terror se faz com momentos de susto rápido, estilo joguinho do labirinto do exorcista com direito a demônios de cara feia, e uma justificativa preguiçosa para a razão dos acontecimentos sobrenaturais. Host fica na sombra de obras que foram gravadas dessa mesma forma, e, infelizmente, a desculpa do isolamento não justifica a chatice de mais esse meeting na vida da gente. – Isabella Siqueira

Nova Ordem Espacial (Seungriho, Jo Sung-hee)

Lançado no início do mês pela Netflix, Nova Ordem Espacial é considerada a primeira space opera sul-coreana, narrando as desventuras de um grupo de sucateiros espaciais desajustados à bordo da nave Victory, que encontram, por acaso, uma andróide capaz de mudar o mundo.

A direção de arte é uma amálgama de diferentes referências visuais que vão desde Star Trek até Cowboy Bebop, mas que são remixadas de maneiras inovadoras. O filme é ancorado por uma narrativa emocional que, apesar de não ser nada original, nos faz ter apego ao seu elenco de personagens problemáticos e desiludidos, com destaque para Kim Tae-ri (A Criada), no papel da capitã Jang, e Song Joong-Ki como Tae-ho, o piloto com um passado sombrio.

Como todo bom bando de aventureiros, a tripulação da Victory passa por inúmeros perrengues na sua busca por fazer dinheiro no futuro brutal e apocalíptico de 2092, passando por caçadas em espaçonaves e tiroteios em bares inundados por neon. Apesar de indulgir em vários clichês do gênero, Nova Ordem Espacial nunca perde de vista sua mensagem de rebeldia e esperança hopepunk: bilionários e corporações estão matando a Terra e a união da classe operária é a única maneira de impedi-los. Possivelmente usando espaçonaves. E lasers. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Para Todos os Garotos 3: Agora e Para Sempre (To All The Boys: Always and Forever, Michael Fimognari)

Se despedir de algo é realmente dolorido, mas algumas despedidas são necessárias. Nesse mês, tivemos que dar tchau para Lara Jean e Peter Kavinsky, e a finalização da história dos dois adolescentes trouxe mais fofura para a Netflix. Trazendo inveja aos solteiros no Valentine’s Day, Para Todos os Garotos 3: Agora e Para Sempre estreou no dia 12 de fevereiro, e acredito que cumpriu as expectativas. 

A história do último filme pode ser um pouco enjoativa, os protagonistas escondem problema,  ficam enrolando para uma conversa franca, e a espera pela aprovação nas universidades faz com que o futuro do casal fique indeciso. O filme, que era para ser leve, acaba sendo puxado e cansativo para uma comédia adolescente romântica.  Mas é aquela história que todo mundo já conhece e no final dá tudo certo. 

Nessa última adaptação, a produção supera os outros filmes, tendo até animações em alguns momentos deixando o filme com uma estética graciosa.  Porém, a conclusão da história não ganha como a melhor, esse prêmio já pertence ao primeiro. Não dá para negar o desejo por esse amor irreal de Lara e Peter, só queremos que eles sejam felizes agora e para sempre bem longe de novas adaptações. – Ana Beatriz Rodrigues

Tim Maia (Mauro Lima)

A cinebiografia do Rei do Soul Brasileiro, protagonizada pelo campeão moral do BBB 20, foi um dos resgates do mês da Netflix. O filme de 2014 foi adaptado do livro Vale Tudo – O Som e a Fúria de Tim Maia, de Nelson Motta, através do roteiro e direção de Mauro Lima (Meu Nome Não É Johnny) e da atuação do querido Babu Santana, acompanhado de um elenco de peso vindo da televisão brasileira.

Sem rodeios, Tim Maia é desenhado na tela com toda a potência que era, tanto criativa, quanto autodestrutiva. O texto não poupa os problemas do artista com álcool e drogas, não apaga seu brilho, ousadia, nem sua personalidade explosiva. Também não disfarça as situações externas que agravaram os problemas de Tim, que é interpretado enquanto jovem de forma morna por Robson Nunes. 

Babu, por sua vez, nasceu para vivê-lo, e faz tudo com tanta beleza que o filme mais parece uma homenagem à existência grandiosa de Tim Maia em toda sua complexidade. Os mais de 120 minutos podem assustar, mas quem quiser mergulhar pode ir sem medo. O filme tem ritmo, tem enredo, tem beleza visual e tem personagens que seguram a responsa de reviver um dos maiores artistas do Brasil. – Raquel Dutra

Saint Maud (Idem, Rose Glass)

Saint Maud é um filme de sensações. Maud, a protagonista, interpretada com a cautela sacra de Morfydd Clark, é uma enfermeira particular obcecada em salvar a alma de sua paciente atual, uma mulher fadada à morte por sua doença degenerativa. A atmosfera de terror sobrenatural é abafada o tempo todo pela direção calculada de Rose Glass, estreante no ramo e que ainda assina o roteiro do filme.

Nada interessado em se enveredar ao terror gráfico, Saint Maud investiga os temores da personagem principal, sua busca por Deus e os martírios auto impostos para ficar mais próxima Dele. Até que ponto a religião significa prazer, e onde a linha da dor se sobrescreve? Pode ser que os noventa minutos não respondam diretamente às questões de Maud nem do público, mas a experiência de limpeza espiritual do filme faz valer a investida. E a cena final marca a fogo nossa mente. – Vitor Evangelista

Music (Idem, Sia)

O filme de estreia da cantora australiana não merece mais do que um parágrafo no hall de fevereiro. Music, em teoria, acompanha a personagem de Maddie Ziegler, uma garota autista não-verbal, depois que perde a avó e precisa viver com a irmã, uma ex-dependente química vivida por Kate Hudson. Entretanto, o musical escrito, dirigido e produzido por Sia é um desastre ofensivo e horrendo. Ziegler é neurotípica, e sua escalação é um desrespeito com a comunidade neurodiversa. O filme é terrível, com números musicais sem noção e desconexos com a trama. As atuações são medíocres, mesmo que Leslie Odom, Jr. esteja presente (sim, o ator incrível de Hamilton e Uma Noite em Miami…). Não há absolutamente nada de positivo nessa tragédia. Gaste seu tempo com algo mais útil, como contar quantos grãos de arroz existem em um pacote de 1kg. – Caroline Campos

Billie Eilish: The World’s a Little Blurry (Idem, R. J. Cutler)

Billie Eilish é uma das maiores revelações recentes do meio musical. Em paralelo com o lançamento de seus novos singles e videoclipes, a vencedora de cinco Grammys lançou, em parceria com a Apple TV+, sua primeira obra cinematográfica, sob direção de R.J. Cutler. O documentário Billie Eilish: The World’s a Little Blurry retrata o processo criativo do seu grandioso álbum WHEN WE ALL FALL SLEEP, WHERE DO WE GO? e os desenrolares da turnê do mesmo.

Diferente de outras produções de mesma temática, o filme tem um aspecto caseiro e nada ensaiado, apresentando o ponto de vista de familiares de Billie diante de sua carreira e escolhas profissionais. A cantora também não hesita em mostrar seus problemas pessoais, que vão desde algumas questões e desilusões amorosas, que toda adolescente passa, até seu enfrentamento diante da síndrome de Tourette. 

Billie Eilish: The World’s A Little Blurry é um convite de entrada para a mente conturbada e inovadora de Eilish. Poder passear por sua trajetória e ideias criativas nos ajuda muito a entender como uma jovem californiana alcançou o estrelato apenas gravando músicas direto do quarto do seu irmão mais velho. – Vitória Silva

Judas e o Messias Negro (Judas and the Black Messiah, Shaka King)

Assim como o bordão de Fred Hampton, seu personagem central e líder político do partido dos Panteras Negras no auge da luta por direitos civis dos EUA da década de 60, Judas e o Messias Negro é revolucionário. Na narrativa, ao mostrar a história pelo olhar “do vilão” (com muitas aspas) traidor Bill O’Neal, que entregou a vida do líder ao FBI; no paralelo das histórias bíblicas, cooptadas pelo ocidente branco; nas escolhas de abordagem, que não suavizam estruturas de poder.

Conduzido pelas atuações inacreditáveis do messiânico Daniel Kaluuya – vencedor do Globo de Ouro e do Critics Choice Awards – e do perdido levado à loucura Lakeith Stanfield, o drama biográfico combina carga emocional – quase sempre segurada pela interpretação impecável de Dominique Fishback – com pontas de documentalismo, sem balela de neutralidade ou medo de ser radical. Tudo aqui é muito sincero em sua intenção de defender a memória de uma das facetas mais importantes da história recente da América, que é alvo de muito preconceito e desonestidade.  

Todos os elogios se estendem ao restante do elenco afiado, à direção de arte que fala por si só, à fotografia explícita e cúmplice, ao roteiro atento e à instância de produção, que carimba a importância de se ter os próprios grupos contando sua história. E se a narrativa é condizente à uma parábola para algo que aconteceu dois mil anos atrás, quem dirá permanecer fiel ao que se vê 60 anos à frente. Judas e o Messias Negro não se fecha em si, é verdadeiro no micro e no macro, retratando como as estruturas de poder reagem às movimentações que ameaçam rui-las. – Raquel Dutra

Minari – Em Busca da Felicidade (Minari, Lee Isaac Chung)

As memórias de Lee Isaac Chung germinaram em uma belíssima obra sobre sonhos e raízes. Minari possui uma trama simples – acompanhamos uma família sul-coreana na tentativa de se estabelecer em uma fazenda no Arkansas durante os anos 80. Ponto. Seria só isso se não fosse a ternura e a delicadeza com que a história do jovem David, sua irmã, seus pais e sua avó é contada. Jacob, chefe da família Yin, se dedica a sua plantação intensamente enquanto tenta conciliar seu papel de pai, suas aspirações e as brigas recorrentes com Monica. O casal é interpretado por Steven Yeun, dono de muitos corações com seu Glenn em The Walking Dead, e Yeri Han, que possui um ar contido e severo, sempre em contradição com o marido.

A luz brilhante de Minari, no entanto, é o nome mais novo que sobe os créditos. Alan Kim, com seus 8 aninhos, caiu no choro ao ganhar o prêmio de Melhor Jovem Ator no Critics Choice Awards. Não é para menos – o garotinho entrega um personagem multifacetado, que enfrenta a sombra da morte ao mesmo tempo que caminha pelos prazeres da infância. E não há nada melhor do que seu relacionamento com a avó recém-chegada da Coréia, vivida por Youn Yuh-jung. Quando os dois estão em tela, as lágrimas correm, sejam elas de gargalhadas ou de emoções extremas. Soonja se redescobre em David, que tem dificuldade de entender o porquê de só a avó dele falar palavrão e não assar cookies.

O roteiro, também assinado por Chung, é sutil em entregar o sonho americano almejado por Jacob. No ano seguinte à vitória de Parasita no Oscar, primeiro filme estrangeiro a alcançar a categoria máxima do homem dourado, Minari surge com a força de seus personagens e a universalidade de sua história. E, com todos os méritos, está sendo reconhecido nessa temporada de premiações. Ao lado do forte Nomadland,  o longa de Lee Isaac Chung tem tudo para conquistar estatuetas. Wonderful, wonderful minari. – Caroline Campos

Eu Me Importo (I Care a Lot, J Blakeson)

Eu Me Importo oscila entre ser instigante e, em outros momentos, até um pouco tedioso. Pelo sucesso nas redes sociais, a espera de um filme mais envolvente pode decepcionar um pouco. O enredo é algo que te faz ansiar muito mais pelo final, que foi justo com a obra mas pode não ter sido o que o público esperava. O longa retrata um esquema de golpes em idosos a partir de curadoria organizados por Marla Grayson (Rosamund Pike) e sua companheira Fran (Eiza González). Essa história começa a dar errado quando elas tentam cometer esse crime com uma idosa que não é tão boazinha quanto parece. 

Além de roubar idosos, Rosamund Pike acabou tomando para si o Globo de Ouro, que poderia facilmente pertencer a Maria Bakalova em seu papel na sequência de Borat. O filme teria tudo para ser um dos melhores, porém o envolvimento da protagonista com a máfia é estranhamente vergonhoso e a trama se perde ao decorrer dos minutos. 

O ápice da narrativa chega quase no encerramento e a reviravolta é atropelada. Mesmo assim, essa história é uma daquelas que faz o público se apaixonar pelo vilão. Expondo verdades grotescas de um sistema que não cuida de idosos, I Care a Lot finaliza com um desfecho vingativo para a protagonista  por se importar demais com si mesma. – Ana Beatriz Rodrigues

Malcolm & Marie (Idem, Sam Levinson)

Dirigido por Sam Levinson, mente criadora por trás de Euphoria, Malcolm & Marie retrata o relacionamento entre um cineasta e uma atriz, que têm seus nomes intitulados na produção e são interpretados por John David Washington e Zendaya, respectivamente. Com apenas os dois personagens compondo o elenco, a trama se ambienta na casa deles, após a noite de estreia do filme de Malcolm nos cinemas.

Remetendo muito a linha narrativa de História de um Casamento, por mostrar uma relação fragilizada pelas divergências e conflitos do casal, a produção se arrasta até o último segundo. O que poderia se resumir em uma cena de 20 minutos, acaba resultando em mais de uma hora de diálogos agressivos e exaustivos, com raras exceções, de um namoro totalmente destrutivo para ambos.

Filmado no contexto da pandemia de covid-19 e do isolamento social, os conflitos por detalhes mínimos podem ser bem compreensíveis para o atual momento que estamos vivendo, mas não convencem. Em compensação, a química entre os protagonistas é algo inegável, e um dos poucos fatores que captam a atenção, juntamente com a brilhante interpretação de Zendaya, que é uma desejável surpresa na corrida para o Oscar 2021. – Vitória Silva

Estados Unidos Vs Billie Holiday (The United States vs. Billie Holiday, Lee Daniels)

Drama biográfico, essa é a definição original do filme Estados Unidos Vs Billie Holiday, que traz parte da história de uma das maiores cantoras de jazz do mundo. A trama relata a perseguição feita pela agência americana de narcotráfico à cantora após dar voz à canção Strange Fruit, que tem em suas entrelinhas um protesto sobre o linchamento de pessoas negras. Uma história necessária de ser contada teve o desprazer de receber a direção clichê de Lee Daniels, que apagou parte da personalidade de Billie em sua própria biografia. O trunfo da produção, sem dúvidas, é a atriz e cantora Andra Day.

Andra encarna Holiday de forma visceral. A preparação da atriz é pensada nos detalhes, como a voz rouca por causa do cigarro. As cenas nas quais a personagem usa drogas, Day ultrapassa atuação nos fazendo identificar a diferença entre prazer e dor. Os momentos referentes à prisão também se tornam memoráveis graças a atriz que se doa por inteira e de forma poderosa à narrativa. Seu olhar fixo ao cantar músicas que exigiam uma maior atenção acerta em cheio quem está assistindo ao filme. Andra Day é impecável do começo ao fim, e sem ela Estados Unidos Vs Billie Holiday não chegaria às premiações. – Ana Júlia Trevisan

TV

Eliminação de Karol Conká (BBB 21, Rede Globo)

Aconteceu. O país se mobilizou nas semanas iniciais do Big Brother Brasil 21 com um objetivo único em mente: precisamos tirar a cantora da casa mais vigiada do Projac. Fatores não faltaram para Karol cair na desgraça dos espectadores, teve xenofobia contra Juliette, teve bifobia contra Lucas Penteado e teve abuso psicológico com todo e qualquer um que se opusesse à curitibana.

A água bateu quando, junto de Lumena, Nego Di e Pocah, ela causou a desistência de Lucas do programa, antes mesmo do segundo paredão. A partir daí, Jaque Patombá (sarcástico apelido dado no Twitter e que virou consenso na internet) cavou a própria cova, mas não sem antes enforcar seu estimado Gabinete do Ódio. Para começar, o otimismo transformou-a em Líder, indicando Sarah, que puxou e eliminou o Inimigo do Riso. Karol então caiu de bunda no Paredão seguinte, que fez história no reality. Eliminada com 99,17% dos votos, Karol Conká foi embora. Tchau, Mamacita.

A Globo mexeu seus palitos, teve comercial longo demais, teve roteiro no Mais Você e teve bateção de ponto no Faustão e no Fantástico. Karol saiu e acabou. Não existe espaço para linchamento, ameaça ou o racismo escancarado que tirou Lumena da casa e tem tudo para fazer o mesmo com Projota daqui alguns dias. O BBB21 mobilizou o Brasil como o até então imbatível BBB20 não havia conseguido. Será mesmo que foi por conta do senso de justiça social, ou apenas uma maneira ‘legitimada’ de propagar preconceito? A resposta é clara. – Vitor Evangelista

Framing Britney Spears (The New York Times Presents, FX on Hulu)

O mundo está de olhos em Britney Spears há muito tempo. O Clube do Mickey foi só uma pontinha do que o futuro guardava para a estrela em ascensão. O sucesso estrondoso de seu debut, que deslanchou sua vida como pop star, cravou na história seu título de Princesa do Pop, e, nos anos seguintes, Spears governou como tal e cresceu como pessoa. Porém, assim como um pai controlador e ciumento, o mundo – e principalmente os Estados Unidos – não aceitaram que sua garotinha não era mais uma garotinha. 

De repente, as mesmas vozes que gritavam eu te amo passaram a gritar palavras de ódio, a duvidar da índole de Britney, de seu caráter, e até da capacidade de criar seus filhos. Seu corpo foi questionado, sua sexualidade, seu rosto, seu envelhecimento, seus relacionamentos, sua carreira e sua maternidade. A imprensa e os tabloides de fofoca não a deixavam em paz; o machismo transbordava nos comentários sobre sua vida; as produções midiáticas zombavam de todas as suas características físicas e psicológicas; e sua família ainda enxergava na filha uma máquina de fazer dinheiro. Assim como qualquer pessoa tem seus limites, Spears também tem. O resto da história você já sabe: uma cabeça raspada e um guarda-chuva, e um processo judicial para retirar as liberdades individuais da cantora e entregar para seu pai. 

Framing Britney Spears, do The New York Times, é apenas uma minúscula fração de desculpas que a imprensa estadunidense e mundial deve à Britney. Já vimos alguns tabloides se desculparem, e muitos dos telespectadores que atiraram pedras no passado hoje as recolhem com vergonha. Mas as consequências prevalecem: a tutela de seu pai Jamie Spears, que controla a vida da artista, a colocou em uma condição quase literal de marionete. A justiça é lenta e às vezes parece estar do lado de Jamie, enquanto Britney apenas pede pela sua liberdade, então cabe a nós assumirmos essa luta, também por outras pessoas que se encontrem na mesma situação mas não sejam famosas. É o mínimo a fazer por tudo que o mundo deve à Spears. #FreeBritney – Jho Brunhara

Cidade Invisível (1ª temporada, Netflix)

Após Bom dia, Verônica, a Netflix acertou em outra produção brasileira. Cidade Invisível chegou prometendo levar o folclore brasileiro ao mundo com Marco Pigossi e Alessandra Negrini. Os sete episódios conseguem viciar, e a abstinência da série chega rápido com o final, que deixa diversas dúvidas. Mas, antes do encerramento, a produção acumulou diversos pontos positivos. A trama foi bem desenvolvida, e a mistura de suspense, investigação e o folclore mostrou um ótimo resultado. 

O sucesso no Brasil e no mundo foi garantido, entretanto, as ocupações em diversos Top 10 vieram também com várias críticas. O folclore brasileiro é fruto das culturas nativas do nosso país, porém há falta de representatividade indígena na produção e no elenco da série. Além disso, os gringos vão continuar só conhecendo o Rio de Janeiro e São Paulo se todos os grandes produtos não saírem desse eixo. E Cidade Invisível era uma ótima oportunidade para explorar as outras regiões do país. 

Mesmo com esses grandes erros, assistir à série pode ser uma boa experiência. Conhecer uma Cuca sem ser um jacaré gigante, e o Boto ser mais bonito do que imaginaríamos, pode trazer uma maior curiosidade sobre histórias que escutávamos quando éramos crianças. Os efeitos especiais também são incríveis, e a representação do Curupira com seu cabelo de fogo é surpreendente. Em Cidade Invisível, ficamos encantados com a Iara, demos risada com o Saci e nos apavoramos com o Corpo Seco. Porém, a melhor sensação é saber que mais pessoas possam conhecer as histórias do nosso país.  – Ana Beatriz Rodrigues

Dickinson (2ª temporada, Apple TV+)

A segunda temporada de Dickinson, a romantização anacrônica da vida de Emily Dickinson, terminou no final de fevereiro, após uma série de críticas positivas que conquistaram os almejados 100% no Rotten Tomatoes e uma renovação antecipada para a terceira temporada ainda em 2020. A queridinha dos assinantes da Apple TV+ voltou com tudo e mais um pouco.

Com ainda mais enfoque na estética irreverente e rebelde, a showrunner Alena Smith consegue usar as lacunas na vida da reclusa poeta (interpretada por Hailee Steinfeld) para tecer uma narrativa poderosa e até mesmo surreal sobre a natureza da fama, da arte e do motivo pelo qual perseguimos ambas. Assombrada pelo fantasma de Ninguém e pela figura carismática e traiçoeira de Sam Bowles (Finn Jones), Emily terá de decidir que tipo de poeta ela quer ser, e o que ela está disposta a dar em troca dessa fama. A figura reinventada de Sue Dickinson (Ella Hunt) também é um dos pontos chaves da temporada, se desenvolvendo sutilmente ao longo dos 10 episódios e culminando em alguns de seus momentos mais explosivos e emocionantes.

Um elenco de personagens secundários extremamente bem desenvolvidos e aparições especiais de figuras como o Ceifador (mais uma vez interpretado por Wiz Khalifa) e o fantasma bêbado e com tesão de Edgar Allan Poe (Nick Kroll) ajudam a cimentar essa comédia familiar esquisita e extremamente bem escrita como um dos carros chefes do streaming da Apple. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Mr. Mayor (1ª temporada, NBC)

Mr. Mayor foi idealizada como um spin-off de 30 Rock, mas o projeto não foi para frente. Muitos anos depois de sua concepção original, a dupla imbatível Tina Fey e Robert Carlock reformulou o núcleo da comédia e escalou Ted Danson, recém-saído do Bom Lugar, como o prefeito de Los Angeles e protagonista dessa sitcom da NBC.

O resultado é frustrante. Para ser justo, Mr. Mayor tem todos os atributos para ser uma comédia de sucesso, só que dez anos atrás. O texto é óbvio demais e moderno demais, tem TikTok, tem cancelamento, tem a bobeira que a TV aberta dos EUA adora adotar e chamar de refinado. Ted Danson fala e se move em cena exatamente igual a como fazia em The Good Place, nem o figurino muda. 

A comédia é uma grower em potencial (quando o amor cresce ao passar dos episódios), mas o rápido contrato de 9 capítulos na temporada inicial não parece um bom sinal para a produção. Dedos cruzados para Tina Fey acordar com boas ideias para um eventual ano dois e colocar Mr. Mayor nos eixos. Por agora, é melhor reassistir 30 Rock e Unbreakable Kimmy Schmidt. – Vitor Evangelista

Selena + Chef (2ª temporada, HBO Max)

Selena + Chef foi um sucesso e a HBO Max resolveu nos presentear com mais uma temporada. Nesta segunda parte, os chefes ainda tentam aprimorar os dotes culinários de Selena Gomez, mas os desastres na cozinha para fazer bons pratos não mudam. E a atração mais esperada continua: o “papa”, como a cantora chama seu avô, participa dos dez novos episódios da série. Após quase perder um dedo e ganhar uma conta no Instagram especialmente para suas exóticas facas de cozinha, Selena está de volta para entreter mais um pouco. 

Necessariamente remoto, leve, diferenciado e perfeito para relaxar a mente sozinho ou com a família, o programa persiste em seu formato certeiro. De praxe, a cantora não deixa de reverter seus trabalhos à uma boa causa. A cada final de episódio, a texana ainda pede para um chef apoiar uma organização de caridade de sua escolha e a mesma doa uma quantidade de dinheiro para diferentes necessidades. Se existe um fato sobre Gomez é que ela jamais deixará de apoiar causas em que acredita, seja nos palcos, cinemas e até mesmo na cozinha.

O mais notável da série é o público ter o privilégio de conhecer melhor Selena. A cantora é restrita e não aparece muito em suas redes sociais, não dá as caras a não ser que seja a trabalho. O programa dá espaço para entrar na casa dela e ter contato com a artista, amigas e familiares em um bom bate-papo dos renomados chefs de cozinha que, além de questões culinárias, sempre a questionam sobre sua vida pessoal. Até mesmo ligar para Taylor Swift, uma de suas melhores amigas, através do FaceTime, o programa já proporcionou. Para quem a quer conhecer melhor, Selena + Chef é um prato cheio. – Giovana Guarizo

Por Trás de Seus Olhos (Behind Her Eyes, Minissérie, Netflix)

Surpresa nem sempre é boa e não só de reviravoltas se faz um suspense, e Por Trás de Seus Olhos está aí pra comprovar isso. A produção da Netflix baseia-se no best-seller homônimo de Sarah Pinborough e se vende como um suspense psicológico, entregando, na verdade, uma base em fantasia que não cola e um humor que não vira, falhando, assim, com boa parte dos pressupostos do gênero.

Ritmo, roteiro bem dosado e direção segura são elementos que a minissérie desconhece. As estonteantes Eve Hawson e Simona Brown seguram até onde dá o roteiro esquisito e criam uma dinâmica para suas personagens que segue até a última cena, sendo a verdadeira joia do suspense. Tom Bateman, entretanto, não consegue superar a limitação do texto e imprimir verossimilhança da terceira parte do triângulo amoroso que fundamenta a história. 

Se você valoriza o inesperado acima de tudo e gosta de narrativas que jogam pela janela todas as crenças que você constrói sobre elas, o play pode até valer a pena, desde que você esteja com paciência para relevar a falta de liga da minissérie. Se você não dispensa algo bem amarrado que gradativamente chega ao ápice, talvez não de forma tão surpreendente mas mais fiel à história que o suspense construiu entre o primeiro episódio e a reviravolta final, é melhor não perder seu tempo e (re)assistir Little Fires Everywhere. – Raquel Dutra

How to Get Away With Murder (6ª temporada, Netflix)

A terrível última temporada de How to Get Away With Murder finalmente chegou ao catálogo da Netflix. Uma narrativa que já não tinha nada a oferecer há um bom tempo foi extraída até o último segundo para entregar capítulos medíocres do início ao fim.

Pegando o gancho do ano anterior, os roteiristas não se esforçaram nem um pouco para entregar uma conclusão decente, e apenas reciclaram casos do passado. O cansativo conflito com os Castillo, o retorno do fantasma do Sam (Tom Verica), e familiares que surgem apenas para atrapalhar tudo. E, mais uma vez, o mundo todo está contra Annalise Keating (Viola Davis) e os malas dos seus alunos não se dispõem nem a ajudar. 

A brilhante atuação de Viola Davis não necessita de mais elogios, e entrega pela sexta vez um dos únicos pontos altos da temporada. Ao seu lado, uma das principais motivações para se enfrentar cada um dos episódios é a performance majestosa de Cicely Tyson, e sua última atuação em vida, que rendeu a única indicação da série ao Emmy 2020. Para quem já chegou até o quinto ano da série, o melhor a se fazer é assistir o mais rápido possível para se livrar dessa bomba.  – Vitória Silva

Cena do Crime – Mistério e Morte no Hotel Cecil (Crime Scene: The Vanishing at the Cecil Hotel, Minissérie, Netflix)

A história é conhecida: em 2013, a jovem Elisa Lam desapareceu em Los Angeles sem deixar nenhuma pista. Ela estava hospedada no infame Hotel Cecil, localizado no centro da cidade e famoso pelas mais variadas formas de violência que já ocorreram em seus quartos. Alguns dias depois, os hóspedes notaram a falta de pressão e o estranho gosto da água. Elisa estava morta na caixa d’água do hotel. O desenrolar chocou a todos – polícia, mídia, stalkers, teóricos da conspiração. Não cabe aqui os detalhes da história, extremamente triste, de Elisa.

O que poderia ter sido um documentário interessante sobre a canadense se tornou um desrespeito. Ao invés de elucidar os fatos e prestar uma homenagem, o diretor Joe Berlinger criou suspenses desnecessários, enrolou até o limite por quatro episódios, e o pior: deu voz aos detetives fanáticos e desesperados da internet. Por trás do estranho desaparecimento de Elisa, os “detetives” criaram milhares de teorias, argumentos e passaram a ignorar provas, atrapalhar a investigação e acabar com a vida de pessoas aleatórias que eles supuseram estar envolvidas. Para terminar de massacrar a sua minissérie, Berlinger ainda chamou os youtubers e teóricos para darem seus depoimentos. O diretor resolveu dar mais palco às pessoas que, em nome da justiça por Elisa, atormentaram a vida de seus familiares e dos investigadores.

O resultado foi desastroso. A linha narrativa é brega, confusa e de mau caráter. Principalmente após introduzir o vídeo bizarro da jovem no elevador do hotel, Joe Berlinger dá espaço para a chamarem, novamente, de “arma biológica”, “possuída” e outras suposições enterradas da época. O último episódio, com os relatos mais sensatos, não consegue corrigir a tentativa estúpida de retratar o acidente através de terceiros, de pessoas que achavam ter alguma ligação com a garota, ignorando todo o impacto do acontecimento na vida de quem realmente a conhecia e a amava. Que Elisa esteja em paz. – Caroline Campos

Amigas Para Sempre (Firefly Lane, 1ª temporada, Netflix)

Amigas Para Sempre mostra a amizade duradoura e complicada de Tully Hart (Katherine Heigl) e Kate Mularkey (Sarah Chalke), sendo baseada no romance Firefly Lane de Kristin Hannah. A série se passa nos anos 2000, momento decisivo na vida das duas. Tully está tendo problemas em seu programa de TV e sofre também uma reviravolta amorosa. Já Kate está se divorciando de Johnny (Ben Lawson), com quem dividiu os últimos 15 anos e têm uma filha adolescente, além de tentar voltar ao mercado de trabalho. A narrativa é complementada com flashbacks das décadas de 70 e 80, revelando mais sobre os altos e baixos das amigas. Entretanto, algumas lembranças são confusas ou mesmo vagas, tornando o roteiro desconexo, sem falar que a série enrola bastante nos seus 50 minutos de cada episódio. 

Apesar desses problemas com o roteiro, é uma produção gostosa de assistir, com direito a riso, reflexão, choro e conforto. Cabe também o aviso de que há gatilhos, como cenas de estupro e aborto espontâneo, deixando a vibe mais pesada em alguns momentos. Nota-se também o desejo da Netflix de atrair um público na casa dos 30-40 anos, pois mostra temas bem pertinentes a essa geração, entretanto, todo o contexto com o passado das personagens traz identificação a qualquer idade. É fácil recordar vivências parecidas ou se imaginar nas situações.  – Mauê Salina Duarte

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Vitor Evangelista

Jules é a personagem mais interessante de Euphoria. São muitos os fatores que confirmam essa máxima, e o principal deles recai no carisma de Hunter Schafer, a jovem modelo que debutou atuando na série da HBO. Podendo ser facilmente ofuscada pelo estrelato e pelo nome de Zendaya, ela construiu sua adolescente fragilizada pelas beiradas, sempre mostrada pelos olhos de Rue. Tanto é que, quando Euphoria transmitiu seu final de temporada, Jules saiu como a vilã da coisa toda.

Num mundo ideal sem a pandemia e os atrasos de gravação, o ano dois da narrativa lidaria com o pepino de prosseguir sua estreia fenomenal. Para isso, além da escrita e direção precisas de Sam Levinson, a série precisaria sair do comum e cortar sua trama na carne. Para sentirmos a ausência de Jules como Rue a sente, a produção deveria tirar Hunter de vista. O que não aconteceu, é claro que estamos longe de viver num mundo ideal. 

Tendo estreado no meio pro fim de 2019, Euphoria conseguiu se manter na boca do povo. A produção da segunda temporada tinha data marcada para março do ano seguinte, mas o coronavírus estourou uma semana antes, acabando com quaisquer planos de capítulos inéditos no futuro próximo. Meses adentro da pandemia, Zendaya ganhou o Emmy de Melhor Atriz em Drama, dando mais fôlego para o seriado da HBO. Então, Levinson anunciou que lançaria dois episódios especiais de fim de ano, esses que funcionariam como uma ponte entre os anos 1 e 2. 

Assim nasceu a melhor solução para, como dito acima, Euphoria sair do padrão comum e sangrar na carne, como já havia se acostumado na estreia. Solução essa na forma de Part 1: Rue e Part 2: Jules, opostos complementares e irmãos de alma, episódios inventivos, refrescantes, aterradores e bem bolados. Filmados na pandemia, provando que o essencial para uma história ser contada é ela ser realmente boa. Técnicas de escrita e filmagem foram usadas para driblar as limitações do isolamento, e Sam Levinson dirigiu dois domos artísticos que não poderiam ser mais distintos um do outro e, ao mesmo tempo, cruelmente similares.

Trouble Don’t Last Always, focado inteiramente na figura de Rue, surpreendeu pela clausura da dependência e da solidão. Os vícios da personagem foram estudados com lupa e microscópio numa lanchonete em pleno dia de Natal. Zendaya foi fundo na hora de canalizar a depressão de sua protagonista, atestando o talento que fez história no Oscar da TV, se tornando a mulher mais jovem a vencer a estatueta e apenas a segunda atriz negra a bater tal feito.

Mais de um mês depois do balde de água fria sentimental, Euphoria estreou Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob. Mas esse não se trata somente de uma ‘resposta’ à aventura de Rue, ou apenas um cumpre cota enquanto a pandemia continua degradando os Estados Unidos. Coescrito pela própria Hunter Schafer, o capítulo natalino de Jules é um exorcismo da primeira temporada e do julgamento com que a personagem arcava.

Tudo começou com Hunter dirigindo pelo país, exausta mental e fisicamente do isolamento social. Ela cogitou se internar numa clínica psiquiátrica, até que Sam Levinson sugeriu que eles escrevessem um roteiro de Euphoria no lugar. Ela aceitou sorrindo, como contou numa entrevista à Jimmy Fallon, dias antes da HBO exibir Part 2: Jules. Na mesma conversa, Schafer agradeceu à Shonda Rhimes e seu Grey’s Anatomy, que ajudaram-na no processo de escrita.

O título do capítulo vem de um poema que a atriz escreveu na adolescência, e toda a pegada da trama ressoa tons poéticos e latentes de uma alma desacordada e, ao mesmo tempo, enérgica. Jules está na terapia, é sua primeira consulta e ela hesita em se abrir com a mulher do outro lado da sala. Quando perguntada sobre o que a levou àquela posição, a câmera se desloca para filmar o reflexo nos olhos claros de Jules.

Vemos então, finalmente, o seu lado da história, mas com o toque gourmet de Euphoria. A cena bota Lorde pra tocar, e sua sombria Liability é que conduz os eventos do ano de estreia da série. A música é cantada na íntegra, cores nascem e morrem na íris da garota, Jules não abre a boca para falar um ‘a’ e mesmo assim entendemos tudo. Ela se considera um fardo, como a letra da neozelandesa martela, ela se vê quebrada, remendada, atropelada.

E, sem prometer nada, a série desata a nos justificar os comportamentos de Jules. Hunter Schafer se apossa dos close-ups, ela abraça a vulnerabilidade reprimida de todas as deixas que roteirizou junto de Sam Levinson. Se Part 1: Rue certificava o talento digno do Emmy de Zendaya, Part 2: Jules coloca Schafer no mapa, e ela veio para ficar. A personagem chora, grita, assente e consente com os temores que a pressionam cada vez mais para baixo. Ela só gostaria de ser o mar, esse é seu maior sonho, por mais distante que esteja.

Algo que transformou Jules num ícone instantâneo, fora as tendência de guarda-roupa e maquiagem, foi sua posição de personagens trans que não tinha um arco narrativo modelado em volta de sexualidade, aceitação ou incertezas. A questão de seu gênero ou preferência sexual quase não é verbalizada na série, o que chama atenção no aspecto narrativo e também no plano maior, reafirmando que é muito possível retratar minorias na TV sem prendê-las em labirintos limitadores.

E a vibe despojada de Jules se reflete piamente no ritmo de Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob, bloqueando a monotonia de ambientes únicos e da câmera transitando sem vigor. Assistimos flashbacks da primeira temporada sobre sua perspectiva, conhecemos momentos de seu passado antes de transicionar, suas questões com a mãe viciada e com o pai desesperado em remendar os buracos da família. Mas o melhor de tudo fica à cargo das fantasias de Jules.

Sua imaginação é a responsável por construir as sequências mais ferozes do capítulo, a fantasia do homem da internet, as cenas de intimidade e de prazer. A escalação de Jayden Marcos, ator de filmes pornográficos, apenas evidencia o caráter disruptivo da série de Sam Levinson, sempre interessada em trazer o bruto e o carnal para os holofotes, denunciando temas tabus no percurso. Ao lado das partes românticas e sexuais, as fantasias irreais de um futuro não tão próximo ao lado de Rue colocam Jules em uma posição melindrosa, de cautela e culpa.

A culpa, de fato, é o motor de Part 2: Jules. Fossilizando os medos, traumas, remorsos e atitudes da menina, ela própria se ataca involuntariamente. Algo diagnosticado logo de cara pela Dra. Mandy Weedman, papel de Lauren Weedman, que entrega todas as deixas para Schafer brilhar. O momento em que Jules admite querer parar com os hormônios e com os bloqueadores é equivalente à personagem se despir frente às câmeras. Ela não fica literalmente pelada (como faz alguns minutos depois no capítulo), mas admite que, para seguir em frente, ela precisa deixar parte da bagagem de pesar pelo caminho.

Se tratando do flamboyant de Jules, todos os aspectos construtivos do episódio despejam esse caminho para quem assiste. Os figurinos de cores lavadas são sinônimo de sobriedade e vulnerabilidade, ela não usa maquiagem e tem nos olhos uma tristeza transmissível. A câmera opera em respiros chorosos, vemos o mar de longe, vemos seus cabelos molhados, vemos-na deitada no meio de uma bagunça do quarto, vemos-na sentada com as pernas abertas. Pela primeira vez, entramos em contato com a Jules de verdade, sem camadas falsas, interpretações de mentira ou olhares moldados pelos homens. Apenas a Jules.

A trilha sonora é a vacina para o mal que assola a personagem e, se não a curar de fato, é o momento perfeito para criar seus anticorpos. Abrindo com o mais indefeso que Lorde ousou ser, somos transportados pelo vácuo sentimental de Lo Vas A Olvidar, parceria inédita de Billie Eilish e ROSALÍA, encomendada para o Especial de Euphoria. A composição é mestra em encontrar um intervalo entre pensamentos, com a voz das artistas se abraçando no exílio da felicidade. Perto do clímax, Part 2: Jules ainda dá voz à Arca e sua recém saída do forno Madre Acapella, uma graúda ópera moderna.

Euphoria está subindo pelas paredes, aguardando o momento seguro de voltar à grade de domingo à noite na HBO. Os episódios especiais mostraram ser tira gostos essenciais e muito bem cozinhados, mas ainda recheados de propósito. Se tratando de Sam Levinson, Zendaya e Hunter Schafer, nada é por acaso. Acompanhar o desenrolar de nós narrativos da primeira temporada serem corrigidos e desatados nos capítulos extras apenas atiça a curiosidade para o que está guardado para o futuro. 

Trouble Don’t Last Always e Fuck Anyone Who’s Not A Sea Blob, acima de tudo, nos deram saudades do elenco de apoio que faz a série alcançar, semana após semana, seu máximo potencial. O atrevimento de Maddy (Alexa Demie), a fúria moral de Kat (Barbie Ferreira), os olhares complacentes de Lexi (Maude Apatow) e, Deus me perdoe, fez sentir falta até dos dramas, ataques e birras do rato do Nate (Jacob Elordi). Para os próximos meses, nos resta assistir às sessões de terapia que a série escreveu no Especial, enquanto lidamos com nossos próprios demônios, sejam eles palpáveis, como o vício de Rue, ou etéreos, como a resistência de Jules. Qualquer que seja o diagnóstico, com Euphoria estamos bem acompanhados.

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