Arthur Caires

Em 2023, Tate McRae lançou THINK LATER, seu segundo álbum de estúdio. Na faixa cut my hair, ela canta: “ser uma garota triste ficou um pouco chato”. Mais do que uma declaração sobre sua própria evolução artística, esse verso reflete o momento atual do pop. Nos últimos anos, o gênero foi dominado por composições confessionais e melancólicas, com artistas como Taylor Swift, Olivia Rodrigo, Billie Eilish e Phoebe Bridgers no centro da cena. Mas, essa atmosfera introspectiva acabou criando uma saturação, despertando no público o desejo por algo mais leve, enérgico e dançante.

Essa guinada ficou evidente em 2024, com o crescimento de nomes como Charli XCX, Sabrina Carpenter e Chappell Roan, que trouxeram frescor ao pop sem abandonar a conexão emocional com suas letras. Assim como essas artistas, Tate McRae entendeu que o zeitgeist precisa de diversão e é isso que ela entrega no seu terceiro disco, So Close To What.

Ao longo de 16 faixas, a canadense tenta, ao máximo, recriar a magia do pop da década de 2000. Produzido, em sua maioria, por Ryan Tedder e Grant Boutin, o disco possui claras referências à Timbaland, Nelly Furtado e Britney Spears. Além da similaridade sonora, McRae também traz de volta os videoclipes super produzidos, servindo diversos looks e, claro, números de dança de tirar o ar, naturais a ela.

Essa virada para o pop dançante começou em THINK LATER, quando Tate McRae alcançou o top 3 da Billboard Hot 100 com greedy e levou exes ao 23º lugar. Ambos superaram o desempenho de you broke me first, seu hit de 2020 que trazia uma estética mais próxima ao som de Billie Eilish. A mudança não foi apenas natural, mas estratégica: ao apostar em um nicho mais definido, McRae conseguiu se diferenciar no cenário e determinar sua marca.

Em So Close To What, a faixa que chega mais perto da magia de Timbaland é Sports car, o terceiro single do disco. Com um sintetizador entorpecente guiando a batida e o refrão chiclete sussurrado, a música poderia estar facilmente no Blackout (2007). Além desta, Dear god e Signs repetem a mesma fórmula sedutora, sendo que, na primeira, é até surpreendente que os compositores de Promiscuous não tenham sido creditados.

Os outros dois singles, It’s ok I’m ok e 2 hands, seguem essa sonoridade mas não conseguem gerar o mesmo impacto ao ouvinte. Com versos pouco desenvolvidos e refrões excessivamente repetitivos, acabam soando monótonos e não oferecem momentos realmente marcantes. É um problema que se estende por outras faixas do disco, em maiores ou menores proporções. 

Ainda assim, isso não significa que o álbum careça de momentos fortes na composição. Trabalhando ao lado das hitmakers Amy Allen e Julia Michaels, McRae entrega letras marcantes e confessionais. Um dos destaques é Purple lace bra, onde ela questiona a maneira como a mídia só lhe dá atenção quando aposta em uma imagem sensual: “Você me ouviria mais se eu sussurrasse em seu ouvido?”.

Apesar do sucesso comercial – com 177 mil cópias vendidas na primeira semana –, uma pergunta continua no ar: Tate McRae pode ser considerada uma main pop girl? A canadense reúne todos os elementos de uma estrela pop, com hits de impacto, videoclipes bem produzidos, performances marcadas pela dança, visuais elaborados e uma identidade própria. Ainda assim, parece não receber o mesmo reconhecimento nem ocupar o mesmo patamar de outras artistas do gênero.

Uma possível resposta para essa questão está na falta de originalidade e inovação em sua sonoridade. Embora Tate McRae seja uma das poucas artistas atualmente apostando na estética da década de 2000, So Close To What não traz exatamente algo novo para o pop. Ainda assim, ela sabe como transformar esse revival em um produto altamente vendável. Seja convidando Sydney Sweeney para uma introdução em Miss possessive ou colaborando com seu próprio ‘Justin Timberlake’ – The Kid LAROI –, McRae não pretende reinventar a roda, mas sim entregar entretenimento enquanto se diverte no processo.

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Guilherme Barbosa

A música pop sempre esteve no auge do mundo, principalmente após o início dos anos 2000. A ascensão de nomes como Britney Spears, Beyoncé, Lady Gaga e Rihanna fez com que a régua de exigência em relação a cantoras que iriam surgir a partir dali fosse muito alta. Com o passar do tempo, a forma de se consumir música pela grande massa mudou. O TikTok, a rede social mais usada pela Geração Z, tem grande influência na indústria fonográfica, com o poder de ressuscitar grandes clássicos e fazer pequenos artistas se tornarem globais, como Olivia Rodrigo, por exemplo. Tate McRae também faz parte dessa nova leva de cantores, e isso fica evidente em seu novo álbum de estúdio, THINK LATER.

Desde pequena, a cantora canadense faz parte do ambiente artístico, seja na dança ou na música. Foi somente em 2023, após lançar Greedy – o lead single de seu novo álbum – que a cantora atingiu novos patamares. Até então, McRae havia estreado com o primogênito i used to think i could fly e tinha uma pequena base de seguidores. Ao viralizar com a música no TikTok, mesmo com uma carreira tão recente na indústria, a intérprete chegou no topo da playlist Spotify Global, onde permaneceu por várias semanas, e alcançou também o topo da parada musical Billboard Global 200.

Com a viralização de Greedy, a cantora intensificou a divulgação do single, desde performances em programas de TV e em premiações. Ela ainda investiu em um videoclipe clássico, com figurino esportivo de hóquei, bailarinos e muita dança. É perceptível a confiança que ela demonstra, muito confortável com as câmeras e servindo uma postura digna de diva pop que, de certa forma, se perdeu ao longo do tempo no cenário da música do gênero. A canadense foi alvo de diversas comparações, chegando a ser chamada de Britney Spears da nova geração. São tantas referências e paralelos que sua autenticidade acaba se perdendo, fazendo com que a confiança apresentada na canção não fique tão evidente no restante do álbum.

Durante as 14 faixas que compõem a obra de McRae, ela incorpora seu lado bad ass girl – a famosa garota má – para mostrar que está pronta para devorar todos os homens que aparecerem e para fazer com que o cara que a deixou se arrependa disso, mesmo estando presa a ele. Essa fórmula não é nada inovadora, por ser uma cartada coringa de quase toda cantora do cenário pop e já tendo sido utilizada diversas vezes na indústria, como nas canções How to Be a Heartbreaker, da Marina and The Diamonds; Blank Space, da Taylor Swift e Maneater, da Nelly Furtado.

A sonoridade do disco revela uma combinação de influências, indo de elementos clássicos do pop, como sintetizadores, até toques mais experimentais, como os componentes trazidos do R&B. Essa diversidade nas referências gera uma sensação convidativa e dançante ao trabalho, deixando-o confortável aos ouvidos dos consumidores do estilo musical. As letras não apresentam profundidade, mas expressam os sentimentos de McRae, demonstrando uma pequena fração da personalidade da artista.

Além de sua presença musical cativante, os visuais e a estética de Tate McRae desempenham um papel importante na construção de sua identidade artística única. Seja nos figurinos arrojados, na coreografia impecável ou na escolha de cenários, McRae transforma cada apresentação em uma experiência imagética envolvente. Os videoclipes de suas músicas são como extensões das narrativas e adicionam uma perspectiva intrigante ao trabalho, mostrando-a não apenas como uma cantora talentosa, mas como uma artista completa e influente em todos os aspectos de sua arte.

THINK LATER é um capítulo significativo na carreira de Tate McRae. Embora ceda temporariamente às tendências pop predominantes, ela também demonstra uma habilidade única de modificar padrões, criando momentos inovadores e resgatando referências de cantoras consagradas. O álbum em sua totalidade não é apenas mais um produto da era TikTok: ele tem sua singularidade e sugere que, mesmo em meio a um cenário musical em constante mudança, a intérprete está firmemente determinada a trilhar seu próprio caminho.

A ascensão meteórica de Tate McRae no mainstream atual é inegável, sendo considerada uma das vozes promissoras da nova geração. Contudo, no universo saturado de fórmulas comerciais que caracterizam o cenário da música atual, surge a inquietação sobre como ela irá equilibrar sua autenticidade diante das constantes pressões para se alinhar a padrões instantâneos e superficiais. 

Será que a ousadia criativa de McRae será uma resistência ao efêmero ou haverá conformidade ao caminho mais trilhado em busca do sucesso imediato? Essas são questões que pairam diante do dilema enfrentado por novos artistas, e THINK LATER se torna um espaço para ver como Tate McRae vai lidar com as novas demandas da indústria musical.

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Henrique Marinhos e Leonardo Pulcherio

Tinashe é uma artista que nunca escondeu sua sede por autenticidade em tudo o que faz. Após dois projetos lançados de maneira independente, BB/ANG3L (pronuncia-se “Baby Angel”) é o primeiro disco da cantora sob o selo da gravadora Nice Life Recording Company desde seu rompimento com a RCA Records, em 2019. Logo ao se ouvir o projeto completo pela primeira vez, sua liberdade para explorar a Arte livremente é perceptível. O grandioso álbum de sete músicas tem apenas 20 minutos de duração e mostra um lado mais vulnerável da artista, desde a capa sem grandes edições até composições que se comunicam com o ouvinte de maneira mais íntima.

O sexto álbum de estúdio – e possível primeira de duas partes – traz o gosto de uma produção completa, algo que não tem sido visto nos últimos anos da indústria musical. Conceitos misteriosos e fechados, que refletem sobre algo – si mesma, nesse caso – em uma obra estratégica, não têm sido o foco das tendências à la TikTok das novas gerações. Com um passo além, a cantora ainda o relaciona com suas últimas produções desde a saída da RCA. Em Songs For You, ela trata dos diferentes estágios do luto após um rompimento ruim. Em 333, aborda a espiritualidade e manifestação para se curar e sair de um lugar sombrio. E o mais recente BB/ANG3L, abraça a regressão e a humanidade assumindo seus erros atuais e futuros.

O single escolhido para abrir os trabalhos do projeto, Talk to Me Nice, resume muito bem todo o conceito em um R&B alternativo com toques de hip-hop e neo-soul. A música de quase quatro minutos de duração remete aos primeiros projetos da artista, sendo construída em dois momentos que se complementam perfeitamente em uma batida sóbria, envolvente e pouco comercial, em que ela explora os tons agudos e graves da sua voz em uma densa composição sobre autopreservação e autoconfiança dentro de um relacionamento. No clipe, diferentes elementos são utilizados de maneira subjetiva – pele falsa, copos d’água e chuva cenográfica – para explorar o conceito de identidade e a interpretação de terceiros sobre si. 

Ainda que viajando por diferentes gêneros, Tinashe não deixou o bom e velho R&B de lado, que aparece de maneira mais familiar em faixas como Uh Huh – que ganhou um clipe no dia de lançamento do álbum – e None of My Business. Ambas as canções são as mais comuns quando comparadas às demais, mas ainda assim não deixam a desejar. Enquanto a primeira esbanja sensualidade em uma batida hipnótica, a segunda mostra os vocais avassaladores da artista, que canta sobre estar viciada em um amor tóxico.

Durante o processo criativo de BB/ANG3L, Tinashe não temeu se aventurar no diferente. Grande parte da produção do álbum é assinada por ela e pelo produtor Machinedrum, responsável por trabalhos de Azealia Banks, Arca e Tanerélle. Juntos, a dupla explora fortemente o drum and bass, que dá o tom para canções como a romântica Gravity e a cinemática Tightrope. Treason, também produzida pelo duo, é um mergulho em seus sentimentos e traduz quase que sensorialmente a angústia descrita na letra. Rápida e direta, a canção já é considerada por vários fãs a melhor faixa de abertura até então.

“Dirigindo sem faróis
Estou ultrapassando todos os sinais vermelhos,
Descendo uma mão única e errada
Não há ninguém assustado aqui
E eu já sei como isso termina”

O alinhamento com suas vontades e desejos tem sido o foco da mídia e de toda sua carreira desde o começo na RCA, e isso vai além de suas produções. Quase como em um diário, as escolhas de Tinashe nos permitem ver não só um trabalho, mas a beleza e nuances de quem o faz. Em uma clara ascensão, desde a crítica às paradas musicais, a independência e a propriedade artística a caem muito bem. No single Needs, que debutou no Top 100 dos Virais Globais do Spotify, a artista mostra confiança e desejo, sem se deixar levar por ninguém. Ela também exibe sua versatilidade como cantora, compositora e dançarina, em uma mistura R&B, pop e dance. Com uma estética urbana e colorida, o clipe é um convite para se divertir e se libertar em clássicas – e ótimas – cenas de um mercadinho estadunidense.

Desde seus primeiros passos na indústria, Tinashe se mostrava como uma grande promessa no R&B alternativo. Seu primeiro single oficial, 2 On, foi um hit nos Estados Unidos e ficou na 24ª posição da maior parada musical do país. Nessa mesma época, a cantora participou de colaborações com nomes como Usher e Britney Spears. Entretanto, o insucesso comercial dos singles posteriores fez com que sua gravadora a colocasse em segundo plano e mal promovesse suas canções. Foi um período de cinco anos até lançar o seu segundo álbum de estúdio que, com uma recepção morna da crítica e público em geral, marcou o rompimento definitivo da cantora com a RCA Records. A partir disso, Tinashe lança a sua própria marca e volta a ter controle da sua carreira.

O primeiro disco independente da artista, o Songs For You, lançado em 2019, além de aclamado pela crítica e fãs por misturar diversos gêneros musicais de maneira coerente, chegou ao topo do iTunes Albums dos Estados Unidos na noite de lançamento, sendo primeiro álbum independente a conquistar esse feito desde Blonde, de Frank Ocean, em 2016. Já seu projeto seguinte, 333, mostrava ainda mais a versatilidade da cantora, flertando como nunca com gêneros alternativos.

No ao vivo, Tinashe também não decepciona. Como headliner do festivaltnic GRLS! em São Paulo, em Março de 2023, ela fez questão de receber seus fãs todos os dias em seu hotel. Sua performance completa, com coreografia impecável, nenhum desafino e até mesmo trocas de looks foi amplamente elogiada por vários veículos. A experiência proposta pela artista marcou a vida de muitos fãs, que vieram até de Belém (Pará), para conhecê-la, cumprindo suas expectativas e aglomerando a estação Armênia em uma chuva intensa na volta, dando uma passadinha em um after na ZIG para cantar as mais injustiçadas.

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Desde depoimentos em entrevistas até letras autorais em sua música, passando por coreografias e outras formas de expressão, uma das muitas vantagens da Arte é a própria tradução de quem a produz e a identificação de quem a recebe. Em termos técnicos, e principalmente comerciais, a entrega de sinceridade e a oportunidade de espaço para experimentações soam quase como uma utopia no que diz respeito ao mainstream. E ainda que ser uma artista independente confira poder, liberdade criativa e empoderamento, de nada adianta sem a coragem – e claro, um orçamento.

“Quem somos em um nível essencial, quando estamos sozinhos – crus e sem filtros, é o que eu quero que este álbum reflita.”

Depois desses quatro anos, sua nova fase na Nice Life Recording Company até então parece bem confortável. Citada como uma das figuras mais promissoras da Música, o dono da gravadora também tece elogios merecidos aos seus últimos dois álbuns e a deseja boas vindas ao novo lar, que descreve como uma comunidade de artistas que se consideram oprimidos, citando, particularmente, a cantora como um encaixe perfeito que ultrapassa limites e derruba barreiras. Agora com mais apoio, uma equipe maior e mais liberdade criativa, BB/ANG3L marca o pontapé de um novo começo na carreira de Tinashe.

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No meio de 2022, antes de lançar o então recente SOS, Solána Rowe comemorou os 5 anos de Ctrl, seu potente trabalho de estreia. Em meio às festividades, SZA impressionou novamente ao lançar, em 9 de junho, a versão deluxe do CD, provando que mesmo em obras aclamadas ainda há como melhorar. Relembrando um dos melhores álbuns de 2017, sua nova versão é composta por mais sete faixas até então inéditas, trazendo uma completude ao álbum como se sempre estivessem ali, prolongando a melancólica experiência de R&B que deu tão certo meia década atrás.

Antes de liberar Ctrl, seu mais íntimo e primeiro disco, após o lançamento do EP Z (2014), SZA se distanciou das produções autorais para focar em seu trabalho como compositora, sendo co-escritora de Feeling Myself, parceria entre Beyoncé e Nicki Minaj, além de Consideration, escrita para Rihanna em 2016. No ano seguinte ao seu debut, o álbum conquistou cinco indicações ao Grammy, incluindo Melhor Álbum Urbano Contemporâneo e Melhor Artista Revelação. Pela faixa intitulada The Weekend, recebeu a indicação de Melhor Performance de R&B, e por Love Galore, canção com Travis Scott, a indicação de Melhor Performance de Rap/Sung. Supermodel, faixa de abertura de Ctrl, rendeu a indicação de Melhor Canção de R&B.

This is JUST a gift for camp ctrl . Nothing more nothing less . if u family you get it . 5 yrs is a long time . Thank you for changing my life I love you . Happy anniversary #HAPPYCTRLANNIVERSARY

— SZA (@sza) June 9, 2022

“Este é só um presente para o ‘camp’ Ctrl. Nada mais nada menos. Se você é da família você entende. 5 anos é muito tempo. Obrigado por mudar minha vida. Amo vocês. Feliz aniversário ”

É de um consenso absurdo a intimidade que Ctrl traz, das canções mais longas aos interlúdios. SZA realizou um trabalho completo, como se abrisse seu diário e seu coração a nós. Trazendo R&B, soul, Música Eletrônica, indie e hip-hop, seu debut não surpreende ao ter sido indicado a tantos prêmios, além de justificar plenamente sua permanência por 270 semanas na Billboard 200. Em entrevista à Apple Music, ela relatou que realizou um sonho de infância ao escrever Supermodel junto a Pharrell Williams, e celebrou sua finalização. A faixa é uma carta direta a alguém que ela precisa, revelando toda sua necessidade e apego em versos que dizem: “Por que não consigo ficar sozinha comigo mesma?/Queria estar confortável só comigo/Mas preciso de você”.

Já a segunda canção do disco, intitulada Love Galore, foi feita em parceria com Travis Scott, artista que SZA colaborou também em Power is Power, canção que integra o álbum For The Throne (Music Inspired by the HBO Series Game of Thrones). Na faixa de 2017, ela questiona seu amor sobre os motivos que o fazem recorrer a ela, já que possui outra mulher. Mas, além disso, suas letras conversam com a calma melodia e batidas clássicas do R&B sobre a importância de amar tanto quanto conseguimos: “Love long as we got”. Ao término, SZA finaliza com uma das várias interações que realiza com a mãe ao telefone, a alertando para falar por si mesma e não permitindo que a tomem como idiota.

Em entrevista ao The Guardian, a artista revelou que, devido a intimidade exposta nas letras de Ctrl, sua mãe provavelmente se sente mortificada, mas ainda assim a ama demais. Em comparação com o seu disco, ela completa com uma fala de sua mãe, referindo-se ao trabalho de Beyoncé: “Sinto-me nua ao ouvir o seu álbum. Sinto que há coisas que não se devem dizer ao mundo“. Trata-se de um provável sentimento compartilhado com milhares de pessoas, e que, talvez, não expresse suas opiniões sobre o álbum da filha.

Na produção, SZA demonstra uma aberta e dolorosa experiência na qual revela que nunca esteve no controle e que precisa disso de maneira geral. Seu trabalho não é específico, mas sim uma carta aberta a todas as suas relações interpessoais. A cantora relaciona, em muitos momentos, a rigidez de seus pais e o controle que tiveram sobre si, além de crescer em uma família estritamente religiosa. Solana acrescenta que os progenitores eram rigorosos, mas que ela simplesmente não se importava pois “era descolada”, se distanciando de seu pai e de suas origens muçulmanas ainda na adolescência.

Seguindo em Doves In the Wind, colaboração com Kendrick Lamar lançada horas antes do álbum ser disponibilizado, a combinação dos artistas prova seu peso e relevância. O sucesso se repetiu um ano depois, em 2018, com a faixa All the Stars, que integrou a trilha sonora de Pantera Negra e alcançou dois certificados de platina nos Estados Unidos. Nesse terceiro single, a cantora rebate versos românticos com Kendrick e a produção de seu clipe oficial, por Cam O’bi, a faz flutuar no surrealismo de lutas ao estilo Mortal Kombat, potencializando as relações conturbadas que ela mostra ao longo do projeto.

Prom e The Weekend, por sua vez, mostram a cantora ainda dedicada ao amor, suplicando paciência e prometendo melhorar, tentando entender suas dores e atitudes, e calorosamente aceitando as condições impostas a ela. Nos populares versos da 6ª canção do disco, cinco vezes certificada como platina nos Estados Unidos, SZA entoa: “Meu homem é meu homem/É seu homem/Ouvi dizer que é o homem dela também/Terça e Quarta, Quinta e Sexta/Eu apenas o mantenho satisfeito durante o fim de semana”.

Ctrl segue com a faixa Go Gina, se distanciando da premissa do resto do álbum – dessa vez por expor desejos e ambições que não necessariamente são verdadeiros. Admitindo culpa em Garden (Say It Like That), seu quinto e último single que, novamente, inclui um diálogo ao fim. Em Broken Clocks, SZA leva um dia de cada vez. “Que hoje seja melhor que ontem”, canta.

Voltando a ter si mesma como foco e pensando se talvez em outra dimensão as coisas fossem diferentes, Anything traz uma lição, cantada no verso “Você sabe ao menos se eu estou viva?”. Wavy (Interlude) [feat. James Fauntleroy], o único interlúdio do álbum, mantém uma melodia animada, que contrasta com a brutal honestidade das letras: “Dê aquilo que você recebe/Perdoe tanto quanto você odeia/Ou dê o fora/Eu estive em um abrigo/Procurando uma saída”.

Na sequência, SZA sonha em ser o tipo de garota que apresentariam aos pais e amigos: uma garota normal. Finalizando a primeira versão de seu álbum com calmas melodias, Pretty Little Birds (feat. Isaiah Rashad) e 20 Something se envolvem em versos sobre sua atual fase: uma mulher apaixonada, que como um “lindo passarinho” acerta a janela em algumas tentativas e deseja voar ao céu. Na canção, na verdade, SZA apresenta sua vulnerabilidade em uma das faixas mais sentimentais como compositora, considerando o falecimento de sua avó pouco tempo depois de seu lançamento. Novamente, finaliza com uma ligação entre ela e sua mãe.

Ao fim de sua primeira versão e com dificuldade de escolher entre 150 e 200 músicas, a artista só lançou Ctrl porque sua gravadora tirou seu HD, já que era tão criteriosa: “Eu faço freestyle em tudo, em todo processo. E eu escuto e penso, que merda é essa? E se algo estiver muito ruim eu não posso colocar meu dedo nisso, e eu penso, uau, isso é uma droga, então eu fico muito frustrada, e geralmente descarto a música”, disse a cantora em entrevista à Genius.

Unreleased songs from 2017 to celebrate 5 .. me thinks .

— SZA (@sza) June 6, 2022

“Músicas inéditas de 2017 para celebrar 5… eu acho”

A versão Deluxe do álbum tem como primeira faixa adicional uma versão alternativa da faixa Love Galore, intitulada Love Galore (Alt Version). Basicamente, a cantora substitui os versos de Travis na canção original por outros versos autorais, mas ainda mantém sua voz em algumas partes da faixa. A substituição das linhas principais é abrupta, principalmente aos acostumados com a faixa original, mas de maneira alguma escapam da música em si, tanto em melodia quanto em sua letra. Vez que a visão que Travis encenava mostravam a partir de seu ponto de vista sexual sobre sua relação, enquanto os versos de SZA admitem que ela realmente o induziu e por isso o deixou seu ego inflar o deixando sair com os amigos. “Mas você fica excitado e eu amo isso/Então eu deixo você segurar um pouco/Saia com seus amigos, eleve seu ego’’.

Em seguida com 2AM, a cantora atribui totalmente o significado de sentimentos de madrugada aos versos e a desesperadora calma da melodia, explicitando a falta que seu parceiro faz na cama, toda a complexidade e pensamentos avulsos que facilmente se transformam em mensagens apagadas pela manhã. Confissões que logo deixarão de fazer sentido, mas que às 2 da manhã nos dominam completamente: “por que você  nunca vem me ver?”. A faixa também conta com uma segunda parte em outro ritmo, que a exonera da culpa de precisar dele e seguem em uma animada melodia de R&B que o questiona se ele a vê e precisa dela da mesma forma.

Ainda que não tenham “Interlude” no nome, como em Wavy (Interlude) [feat. James Fauntleroy], as faixas seguintes são as mais curtas entre as novas adicionadas. Em Miles, de 1:09 minutos, a cantora reflete novamente a decorrência do tempo sem sua vida, como fez em Broken Clocks, mas, dessa vez, associa sua maturidade ao passar do tempo. Ele não para, mas ela ainda tem medo de seguir em frente e continuar como ele, e gostaria de ser mais madura em relação a isso. A faixa é calma e introduz a próxima canção de maneira majestosa e paciente.

Em Percolator, outra faixa de curta duração, as coisas são diferentes de Miles. Com um tom parecido com Wavy, a canção segue ritmos mais agitados com os desejos de aproveitar o tempo com seu parceiro, com SZA ainda expressando que quer manter seu emocional seguro, não levando as coisas rápido demais mas mantendo a esperança. É notável que as letras do álbum começam a focar mais nas perspectivas, desejos e reflexões da artista, em vez de suas agonias e problemas. Com o tempo (ao decorrer do CD), sua sutil maturidade se desenvolve gradualmente, e, como também na vida real, pode regredir em algum momento.

Tratando da regressão, Tread Carefully começa com suas novas decisões e atitudes, aceitando novamente que as coisas estão fora de seu controle enquanto progridem. Com novas urgências e prioridades, SZA aponta os estranhamentos de seu parceiro quanto ao cenário que tinham se acostumado, e, mantendo o ritmo, logo volta ao que era anteriormente. Antes que possamos perceber, seus versos seguem de “Tenho diferentes urgências agora/Com medo de ver minha vida ir pelo ralo/Não posso deixar que esteja você no meu caminho, então eu ando com cuidado […]”, para “estou vivendo e eu gosto disso/Estamos presos no sentimento/Nunca tendo ninguém”.

SZA admite que mesmo que as coisas mudem, tudo bem que haja recaídas; de certa forma, são inevitáveis, atestando novamente que a busca por controle é interminável. Mas, ao amadurecer, ainda que os problemas estejam fora de suas mãos, as mudanças que carregamos nos permitem lidar melhor, e, ao fim, aproveitar mais a vida.

Nela, tudo aquilo que se complica, que passa de uma amizade e, em algum momento, simplesmente fica estranho e desconfortável, é retratado. Seus versos dizem o que queremos dizer, mas que talvez não tenhamos coragem: “Vamos deixar estranho/Acho que estamos prontos pra isso/Sei que eu estou pronta/Ainda podemos nos amar?”. Tudo que SZA expressou emplaca naquilo que é o não dito. O desconfortável. É isso que torna o disco uma das obras mais pessoais e aclamadas do R&B. Assim como sua mãe, nos sentimos incomodados com tudo que é falado, mas, ainda assim, há uma sensação boa. A sinceridade de Ctrl (Deluxe) é libertadora.

Por fim, Jodie encerra o álbum reafirmando a passagem de tempo que é a vida, com uma analogia à queima de um cigarro que um dia chega ao fim. “Dias ao vento/Árvores ao vento/Queime e passe”. Injusta, a vida a faz questionar: “Por que eu?”. Sentimentos que talvez todos já tenhamos sentido, além da sensação de preferir estar presa do que começar mais uma semana, quando, na verdade, já estaria realmente presa em alguma rotina. Ao término, SZA também fala sobre não precisar de um namorado e ser bonita demais para isso. Ainda que se refira a outra pessoa, a mensagem se dirige à própria cantora e aos pensamentos racionais que tem. Mas, nem sempre consegue – ou conseguimos – segui-los.

Ctrl (Deluxe) representa uma das fases que SZA passou – agora marcada por seu segundo álbum, SOS -, e que todos passamos ao longo da vida. É sobre amadurecimento, reconhecimento do controle que não temos e aceitação, com regressões, aprendizados, lições e desejos. Representando uma trajetória que não podemos nos livrar: a síntese da própria vida.

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Isabela D’Avila

Apesar de cedo já ter aberto espaço no mundo da Música com suas composições e seus vocais encantadores, ninguém tinha ideia do impacto que o primeiro álbum de Solána Rowe, ou, como é conhecida mundialmente, SZA, faria na indústria musical. Nem mesmo ela imaginava o que a esperava depois da estreia de Ctrl, disco lançado em 9 de junho de 2017. Disponibilizado pela RCA Records e Top Dawg Entertainment, gravadora de Kendrick Lamar, na qual a cantora foi a primeira mulher a entrar, o CD recebeu aclamação da crítica e estreou em terceiro lugar na Billboard 200. 

Ainda hoje, o álbum está nas playlists e nos fones de pessoas ao redor do mundo, e já alcançou o feito de ser um dos 10 discos femininos que mais permaneceu na Billboard 200 na História. Ele simplesmente nunca saiu de lá. Ultrapassando cantoras que estavam há anos nessa jornada, SZA, em poucos meses, se sentou no topo, e hoje é considerada a cantora de R&B com mais sucesso da última década. Mas já que sucesso não necessariamente significa boa Música, é necessário explicarmos o porquê de Ctrl ser um projeto fora da curva. 

O nome do CD significa controle, e traz uma pessoalidade admirável em suas letras, sejam sentimentos, temas difíceis ou coisas que até seriam erradas demais para serem ditas em voz alta. Para criar as letras das canções, SZA não restringiu nenhuma dessas coisas. As músicas parecem ter sido tiradas diretamente de seu diário secreto. Ou, parecem ter sido baseadas em uma conversa íntima na qual ela desabafa com uma amiga sobre seus problemas do dia a dia, suas relações conflituosas, seus medos e seus anseios. A artista não esconde suas cicatrizes; na verdade, as expõe de forma direta e, sinceramente, muito dolorosa.

Em um álbum que desafia as fronteiras do R&B, inserindo sons melancólicos junto com batidas de hip hop e boom bap, SZA canta sobre as experiências de uma garota negra de 20 e poucos anos e suas dores de crescimento. Ela coloca para fora, através de uma honestidade e sensibilidade absurda, vários momentos de sua vida desde o colegial e nos leva a crer na força enorme que possui. Ela abre um espaço para o sentir, e dá liberdade a si própria e às outras mulheres que vivem o mesmo que ela. É como se ela falasse para as ouvintes: fique à vontade, não se esconda, eu sei o que você está sentindo.

A imersão no universo construído por SZA se inicia com uma gravação telefônica de sua mãe, que é fragmentada na música Supermodel e em outras do álbum. As palavras manifestam de forma simples (e não por isso menos intensa) o conceito geral de Ctrl: “Esse é meu maior medo/Que, se eu perdesse o controle/Que se eu não tivesse controle, as coisas seriam… fatais”. A cantora parece estar em busca de ter o controle de sua vida e de ter em suas mãos o poder de escolha de seus caminhos. 

Em uma entrevista concedida à GQ, SZA afirmou que Supermodel era sua canção favorita do álbum, por ser diferente de tudo que ela já tinha feito. Com poucos acordes sendo tocados em uma solitária guitarra, a melodia criada é bem simples e tranquila. Mas, se prestar atenção, você vai perceber que não existe nada de manso no que está sendo transmitido. Aqui o ouvinte já começa a perceber a insegurança e os sentimentos confusos da cantora.

Apesar de claramente estar em uma relação que não a faz bem, ela diz na Música que precisa desse homem para se sentir confortável, não porque ele é bom, mas porque ela não aguenta se sentir sozinha. E acaba retornando para essa relação tóxica, dizendo: “Eu poderia ser sua supermodelo se você acreditar/Se você vê isso em mim, veja isso em mim, veja isso em mim/Eu não me vejo”.

Amor é amor, um lance é um lance. Seria bom se isso tudo não se confundisse no meio do caminho. Em Love Galore (feat. Travis Scott), SZA está se recuperando de um desses “casos” em que não existe amor. Ela está claramente bem decepcionada, e declara estar farta desses caras que a buscam, mesmo já sabendo que não a querem de verdade. Contudo, parece conseguir reagir a essa situação: “Dê-me uma toalha de papel, dê-me outro Valium/Dê-me mais uma ou duas horas, uma hora com você”. E apesar de estar ansiosa por uma oportunidade de encontrar esse homem nos finais de semana (fazendo referência à canção The Weekend), ela deixa claro o seu arrependimento em ter começado essa relação. Em uma das melhores participações do álbum, Travis Scott representa o traço masculino da história. 

Buscando respeito em relação ao seu corpo, ou aos corpos das mulheres de forma geral, Doves In The Wind (feat. Kendrick Lamar) traz SZA falando sobre pombas ao vento, a partir da ideia de pureza e paz. Ela canta sobre os homens nunca conseguirem olhar para além de um corpo e acrescenta que, aqueles que conseguem, merecem uma “caixa inteira de chocolates”. Assim, trazendo referências do Cinema, algo que SZA explora ao longo do CD, a cantora faz uma relação à figura de Forrest Gump.

Como uma das participações mais importantes no álbum, mas que até pode ser questionada, Kendrick Lamar enfatiza como os homens acabam fazendo de tudo para conseguir sexo; muitas vezes, coisas absurdas, ficando cegos com isso. Kendrick traz um ponto que faz sentido para a temática, mas direciona boa parte de suas falas aos homens, e reafirma alguns estigmas relacionados à mulher negra. 

É nesse sentido que sua participação traz certo incômodo, por gerar uma quebra da proposta de um CD sensível, com foco na perspectiva de uma mulher jovem negra. A participação é diferente das outras de Ctrl, que parecem ser mais controladas pela presença de SZA. Embora Kendrick sempre entregue participações muito boas, sua colaboração não foi a melhor do álbum.

Em um R&B lento, na música Drew Barrymore, a cantora narra uma situação nada confortável, em que o cara que ela estava interessado levou outra garota para a festa. Ela fica em um grande “vai e volta”, tentando ser agradável e, ao mesmo tempo, demonstrando ter muita raiva da situação e inveja por ele estar com uma garota “perfeita”. No refrão da música (“Suficientemente quente para você fora, baby/Diga-me que aqui está quente o suficiente para você/Está quente o suficiente para você dentro de mim?”), fazendo referência à sua aparência ou ao sexo, ela mostra a origem de sua insegurança e, de certa forma, questiona a pertinência desse sentimento. 

Criando de novo uma relação com o Cinema, a artista nomeia a música de Drew Barrymore, pois ela se conecta e se identifica com muitas das personagens que a atriz representou em filmes. SZA fala sobre esses papéis serem, muitas vezes, sobre garotas que não são compreendidas, mas que no final das contas só querem ser amadas. Na faixa, ela fala sobre se sentir sozinha e pede desculpas por não ser “boa o suficiente”: “Tenho tanta vergonha de mim mesmo que acho que preciso de terapia/Sinto muito, não sou mais atraente”. 

Em todo o disco, SZA relata momentos de sua adolescência e o começo de sua juventude. Em Prom, uma das canções mais destacadas pela crítica, em um pop estilo anos 70 ela traz as problemáticas de uma adolescente que está prestes a passar por uma mudança enorme em sua vida, e que parece estar triste por não ter amadurecido na mesma velocidade que a pessoa com quem está se relacionando. 

A solidão e o desespero da artista a levam a aceitar coisas que ela racionalmente não aceitaria. Em The Weekend, uma das faixas preferidas dos ouvintes, que traz a essência de um tradicional R&B, SZA está mais segura de suas ações, mas mesmo assim podemos perceber uma certa tristeza silenciosa na história. A música é uma das mais sólidas no sentido de produção. Em muitos momentos as batidas não têm nenhuma nota, e vez ou outra aparecem sons de piano. Os compassos se diferenciam ao longo da música (algo que SZA traz bastante no álbum), fazendo com que a escuta seja sempre inesperada. A melodia é uma das mais deliciosas do disco. 

No enredo da letra, ela divide o homem não só com uma garota, mas com duas. Ela afirma que não se importa, desde que ele esteja com ela no horário combinado. No trecho “Meu homem é meu homem, é o seu homem/Ouvi dizer que é o homem dela também”, e ainda em “Você pega quarta-feira, quinta-feira e depois manda-o para o meu caminho/Acho que tenho tudo sob controle para o fim de semana”, há essa ideia de liberdade feminina, em que elas não estão sendo enganadas, mas sim têm consciência do que está acontecendo e fazem dele o bobo na situação. É novamente uma das músicas que ela parece ter sentimentos confusos, mas, entre situações difíceis, toma certas posturas para que não sofra tanto; é um certo autocuidado, e não estamos falando aqui de skincare ou de yoga, mas sim de um ato radical de defesa. 

Em Go Gina, mais uma vez trazendo referências do audiovisual, SZA faz um trabalho sobre uma personagem da sitcom Martin. Na entrevista ao The Breakfast Club, ela explica que a canção fala sobre Gina (interpretada por Tisha Campbell no seriado). Na letra, a cantora pede para Gina levar uma vida mais tranquila, com menos rigidez e mais diversão. A batida é um pouco mais rápida do que a maioria das outras, e acaba ficando um pouco cansativa no final, mesmo que seja uma das menores canções do projeto.

Em Garden (Say It Like Dat), a artista entrega uma melodia e um vocal incrível. Na letra, ela é transparente sobre as inseguranças que tem com seu corpo e não se importa em deixar claro o quanto realmente é necessitada de afeto. Em uma das partes mais chocantes, SZA diz que ama o homem com quem está se relacionando do jeito que ele é, provavelmente mesmo com todos os seus erros, embora saiba que ele nunca vai amá-la, pois ele preferiria estar com outra garota com um corpo mais desejado. Em um ato desesperado por afeto, ela ainda pede “Você pode me abraçar quando ninguém estiver ao meu redor?”. Esse tipo de sinceridade não é de se encontrar em muitas músicas por aí. 

Depois de ouvirmos sobre todas essas experiências, em Broken Clocks (terceiro single do projeto) a cantora inicia a parte mais “esperançosa” do álbum, o que parece já ser compreendido antes mesmo da letra começar, já que, ao princípio, a melodia traz uma sensação de paz, quase que angelical. Ela fala sobre o quanto foi cansativo equilibrar seu trabalho com sua vida amorosa no passado, e diz não querer mais voltar à essa vida, demonstrando maturidade para seguir sozinha e levando um dia de cada vez. Ouvimos ela afirmar em um dos melhores refrões do álbum: “Tudo que eu tenho são estes relógios quebrados (talvez fazendo uma relação com o filme Peter Pan) /Eu não tenho tempo/Apenas perdendo tempo”. SZA aponta para o que continua a ajudando a encontrar propósito em sua vida: “Ainda é amor, e ainda é amor”.

SZA continua esse lado mais esperançoso em Anything e Wavy (Interlude) [feat. James Fauntleroy]. Em Normal Girl, uma das preciosidades do disco, ouvimos muitos boom baps e sons repetitivos, que vão ficando mais agudos e se repetem até o final da canção, e que são capazes de te anestesiar logo nos primeiros segundos. Aqui, SZA parece estar inundada por todos esses sentimentos descritos durante as canções. Ela sabe do quanto os rapazes sempre gostam de a ter em suas camas, mas está cansada dessas relações nunca avançarem. Ela gostaria de ser tratada como uma “garota normal”, a qual qualquer um teria orgulho de ter e de apresentar para seus pais. 

Mas ela sempre encontra uma saída. Em uma das pontes mais lindas do álbum, ela fala que continuará vivendo sua vida e que um dia não vai lembrar nem do nome desse cara. Em um último fôlego nessa enxurrada de experiências dolorosas, ela diz: “Neste momento, no próximo ano, estarei vivendo tão bem/Não me lembrarei de nenhuma dor, eu juro/Antes de você descobrir, que eu era apenas uma garota normal”.

Quando chega em Pretty Little Birds, SZA evoca a tradicional figura da fênix, um pássaro mítico que ressuscita após a morte. A sensação mítica está na canção, com uma leve bateria e vozes que parecem estar distantes em alguns momentos. Na letra, ela explica: “Você é apenas uma fênix entre as penas/Você está quebrado pelas ondas no meio do mar/Eles o deixarão morrer, eles o deixarão lavar/Mas você nada tão bem quanto você voa”. Um suave trompete introduz a participação de Isaiah Rashad, que traz sua linda voz rouca para compor a obra. Ao final, os dois concluem: “Minhas asas não se abrem como antes/Mas eu quero voar com você”.

Para fechar Ctrl com chave de ouro, 20 Something traz o acústico similar ao de Supermodel, na qual ela canta sobre uma certa separação que não estava preparada para lidar. Nesse amontoado de sentimentos de uma garota de “20 e poucos anos”, SZA percebe que nunca encontrou o amor, pelo contrário, ela só conhece o medo. 

Ela definitivamente ainda não tem o controle de sua vida, mas permanecerá buscando. Em uma tentativa de recorrer à Deus e ao que ainda possui de esperança, ela finaliza: “Mas que Deus abençoe esses 20 e poucos/Esperando que meus 20 e poucos não acabem/Esperando manter o resto de meus amigos/Rezando para que meus 20 e poucos não me matem”. 

Todos conhecem aquele sentimento de alívio quando alguém entende os problemas pelos quais você está passando. Aquela sensação de que você está mal, mas, pelo menos, está acompanhada. Conexão. Isso é algo que SZA consegue criar de forma majestosa em Ctrl. Entre temáticas sobre o amor, o desejo, a insegurança, traição, competição, ciúmes e baixa autoestima, ela expõe sua alma e todas as suas complexidades. Você se sente quase como invadindo sua privacidade, quase como se estivesse lendo seu diário secreto. Ela traz à tona dores enterradas em seu coração e desperta o mesmo movimento nas ouvintes. 

Muitos dizem que o sentir é o primeiro passo para a cura, para que depois seja pensado que é necessário se fazer. Outros talvez possam dizer que esse resgate de feridas não é tão saudável. Mas uma coisa todos podem concordar: SZA consegue criar essa conexão absurda entre as garotas que já passaram ou estão passando por essa fase, trazendo a sensação de naturalidade com sua voz e composições.

Ctrl é baseado em acontecimentos reais. Essas situações acontecem, e muito. Entre produções impecáveis, batidas eletrizantes, grooves deliciosos, melodias intensas e vocais absurdos, SZA sensibiliza para mandar a real. E continua mandando, em seus singles lançados posteriormente. Ela já deixou claro que o próximo álbum chega no próximo verão. E enquanto isso não acontece, seus fãs não tiram as músicas de Ctrl do repeat, voltando sempre para o ambiente confortável que foi criado desde a primeira vez que apertaram o play, 5 anos atrás, naquele 9 de junho de 2017. 

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Bruno Andrade

Muitos estariam mentindo se não assumissem que gritaram loucamente o refrão de Sex on Fire em alguma ocasião. Mas há tempos que o Kings of Leon se distanciou daquele som envolvente de 2008, e essa distância não ocorre somente pela medida do tempo, ficando evidente em cada novo álbum que se trata de uma escolha. Lançado em março deste ano, When You See Yourself, oitavo disco do grupo, acena para o rock alternativo de seus anos de ouro, mas, diferente dos antecessores, traz o amadurecimento como força motivadora.

Não é de hoje que os integrantes do Kings of Leon – esse projeto familiar formado pelos irmãos Followill e pelo primo, Matthew – acenam para o passado. Caleb Followill (vocalista e guitarrista base) sempre trouxe em suas letras conteúdo intimista e particular, em uma visão naturalmente nostálgica. Porém, em When You See Yourself, diferente dos álbuns anteriores que mesclavam essas referências pessoais com outros temas, encontramos o Kings of Leon construindo todo o cenário soturno e íntimo que músicas predecessoras habitaram – é quase como dar uma casa a essas canções melancólicas que vagavam isoladas. 

Segundo Caleb, When You See Yourself é o disco mais pessoal do grupo, e parece ter sido produzido para possibilitar experiências tanto nos fones de ouvido como nos alto-falantes de estádios lotados, embora essa experiência tenha sido suspensa pela covid-19. Com produção de Markus Dravs – famoso por vencer o Grammy e trabalhar com Arcade Fire, Björk e Coldplay –, o CD tem uma aura fosca, com letras enigmáticas e poéticas, encaixando-se perfeitamente na boca de seus fãs mais assíduos, mas também na dos turistas de primeira viagem.

Agora, entre nós, eu estaria mentindo se não revelasse que cheguei ao Kings of Leon através de Use Somebody. Embora já tivesse presenciado os diversos covers que algumas bandas de bar fazem de Mollys’s Chambers, e já conhecesse Sex on Fire, foi o clipe contemplativo e ao mesmo tempo transcendente de Use Somebody que me fez procurar a banda. Parecia, ao ver aquele clipe, que o grupo entregava os dois lados da moeda. Depois da bebedeira de Sex on Fire, surgia essa espécie de ressaca, na qual questionar os motivos que te levaram à noite anterior são recorrentes. As duas faixas alteravam-se na programação da MTV, e não demorei para perceber que o Only By The Night (2008) era, à sua maneira, um álbum precioso, e um marco para o quarteto.

Essa foi a obra que entregou dois Grammys ao Kings of Leon, e colocou faixas na trilha sonora de Gossip Girl. O esperado era que seguissem pelo caminho aberto nesse novo projeto, levando em conta que o grupo já estava no seu quarto trabalho, sucedendo Because Of The Times (2007), Aha Shake Heartbreak (2005) e Youth And Young Manhood (2003). Três álbuns diferentes, mas que ainda se interligavam através de uma visão mais mainstream – as faixas pareciam ser planejadas para emplacar, e emplacaram. 

Essa simples amostra da primeira metade da carreira de Kings of Leon evidencia como o quarteto largou aos poucos seu lado mais country, presente fortemente no primeiro disco – uma origem inevitável devido a cidade de Nashville, local onde os integrantes cresceram e onde esse gênero ainda é muito presente. Mas, depois do sucesso esmagador de Only By The Night, o grupo começou a explorar novas sonoridades. Canções expansivas e reflexivas dominaram Come Around Sundown (2010) – como nas faixas The End e Pyro –, o típico rock-de-arena definiu Mechanical Bull (2013), principalmente nas canções Supersoaker e Don’t Matter, e o pop melódico de WALLS (2016), com os hits Waste A Moment e Reverend, projetou a banda em um novo cenário.

Porém, em When You See Yourself – deixando o pop de lado –, o grupo evoca seu rock alternativo inicial, dando origem a um ciclo, e prioriza traços orgânicos nas canções. O CD traz as linhas de baixo de Jared Followill com poucos efeitos; oferece a bateria crua, competente e pouco barulhenta de Nathan Followill – quase como para marcar o tempo, com poucas viradas e utilizando o prato de condução como prioritário, diferente dos álbuns anteriores, onde os pratos de ataque e o hi-hat aberto marcavam a condução das músicas, a exemplo de Tonight e Four Kicks –, guitarras aconchegantes de Matthew Followill e a voz característica de Caleb.

Algumas de suas faixas foram escritas há alguns anos – Supermarket, por exemplo, foi escrita 10 anos atrás –, mas ganharam novos significados devido à pandemia e aos recentes protestos nos Estados Unidos. Como Caleb revelou, When You See Yourself é, de certa maneira, uma reflexão, e fica difícil não refletir sobre o que está acontecendo. The Bandit é a faixa que mais dialoga com trabalhos anteriores do grupo, e, se tratando de algo que pretende refletir sobre o passado, acenos a álbuns anteriores não poderiam faltar. Ela é uma das melhores do disco, ao lado de Time in Disguise e Stormy Weather, canção que novamente é protagonizada pelo baixo de Jared, com linhas interessantes que dão vazão à voz de Caleb.

O álbum se inicia com When You See Yourself, Are You Far Away, faixa que transmite o tom do CD, começando lentamente e mantendo certa brincadeira entre o baixo e a guitarra. O encerramento fica com Fairytale, mas essa canção não transmite qualquer teor de fim. Além de nos fazer verificar se essa realmente foi a última faixa, faz lembrar Walk on the Wild Side de Lou Reed, e dá a impressão de ter sido colocada no final para causar um efeito de continuidade, ou infinitude. Porém, ao deixar essa abertura no fim, também causa a impressão de ser descartável em When You See Yourself.

De algum modo, a reflexão proposta em When You See Yourself sempre acompanhou o grupo, mas nunca houve algo dedicado somente a esse olhar mais profundo e pessoal sobre a trajetória do Kings of Leon. Há tempos Caleb mencionava algo mais maduro, menos barulhento e mais concentrado em suas letras, mas não parecia haver sintonia, ou talvez não fosse a hora. 

Dessa forma, o disco é construído sob o cenário duvidoso da memória, mas ganha novos traços em tempos de isolamento social, transportando qualquer um a suas próprias lembranças. O interessante é observar que aquele grupo dos clipes da MTV amadureceu, como todos nós fazemos um dia. É nostálgico na hora certa e no lugar certo. Esse é, de fato, o grande diferencial desse álbum.

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