Davi Marcelgo

Em Nasce Uma Estrela (2018), Jackson Maine (Bradley Cooper) é um astro do country que se apaixona por Ally (Lady Gaga). Os dois constroem uma relação através da Música, que é abalada quando o passado e os vícios de Jack surgem à tona. Além dessa última releitura, a história já foi contada outras três vezes: a primeira em 1937, dirigida por William A. Wellman; a segunda 17 anos mais tarde, estrelada por Judy Garland, de O Mágico de Oz; e a terceira em 1976, protagonizada por Barbra Streisand. Os remakes diferenciam-se principalmente nos cenários, pois, enquanto os outros dois narram ascensão e queda de estrelas de Cinema, os mais recentes são sobre astros da Música.

Dessa vez, vemos um sujeito forte. Chucro. Macho. Esses adjetivos foram atrelados à figura do caubói durante toda era de ouro do gênero na Sétima Arte, definindo também o que é ser homem. Para Bradley Cooper, diretor do filme, essas características são destrutivas. O canal Entreplanos, em seu vídeo sobre a obra, cita a perda auditiva do protagonista como uma alegoria sobre um cantor que não se ouve. Nesse sentido, Maine canta que “talvez seja a hora de deixar os velhos hábitos morrerem”, mas continua repetindo-os. Pelas cordas de sua guitarra e letras melancólicas, ele confronta o passado e dá seu máximo para não se tornar um disco arranhado. 

É claro que Cooper e a dupla de escritores Eric Roth e Will Fetters não foram os primeiros a desbravar essas terras e nem os últimos. No começo deste milênio, em 2005, Ang Lee dirigiu seu western gay Brokeback Mountain. Depois, vieram outros filmes, como Ataque dos Cães. No entanto, a forma como essa desconstrução é realizada aqui é única, tanto em relação aos remakes da história, quanto ao Cinema em geral. 

Jackson Maine é assombrado pelo passado, pois nunca conheceu a mãe e, na adolescência, perdeu o pai, companheiro de bar. Seu irmão mais velho, Bobby (Sam Elliott, o ator já participou de faroestes, inclusive) foi quem o criou e assumiu a administração de sua carreira. Ambos construíram uma relação tóxica de cobranças e rivalidade, pois Jackson não fala o que sente, sem ser através da violência (ou da música). A estrela country entra em um ciclo destrutivo de recordações que o machucam e, como a maioria dos homens, também não se importa com a saúde, ignora indicações médicas e retruca qualquer questionamento sobre seu estilo de vida.

Este novo velho oeste do rock é reprimido, seja Maine ou seu irmão em todas as relações. Quando há espaço para dizer o que sente, é com poucas palavras e uma despedida sem calor. Nem a direção de Cooper ou os figurinos de Erin Benach conseguem quebrar a espinhosa personalidade destes homens, exceto pela música e que por ela todas personagens são capazes de se expressar.  

As músicas conduzem Nasce Uma Estrela. Maybe It’s Time, por exemplo, aumenta o grau de compreensão sobre o Maine, enquanto Shallow mergulha nas ânsias do caubói e de Ally. “Você não está cansado, tentando preencher esse vazio?”, questiona um dos versos da canção. Ele pede refúgio na bebida e drogas, bem como se atira para o que estiver mais próximo de agarrar. Logo após tomar um porre e perder o show de estreia da carreira solo de sua amada, pede-a em casamento numa tentativa de costurar erros e ter esperança – “E em todos bons momentos eu anseio por uma mudança”. O cantor tem expectativas que novidades em sua vida possam tirá-lo da profundeza.

Cooper, juntamente com o diretor de fotografia Matthew Libatique, toma decisões criativas que rimam com o roteiro. Se Jackson está em declínio e Ally em escalada, as apresentações de cada um são diferentes. Para o garoto do Arizona, a câmera é inquieta, trêmula e perdida como um bêbado. Já os espetáculos da personagem de Gaga tem estabilidade, foco e serenidade, afinal ela possui um objetivo bem definido. 

Para Ally, a regra se mantém até o momento em que se torna uma diva pop, quando as cenas passam a incorporar artificialidade e as músicas da cantora, como Why Did You Do That?, se tornam produtos decorrentes de interferências executivas, deixando para trás a Arte e o espontâneo. O filme prefere não dar atenção a isso,  cortando a cena ou deixando a canção como ambiente enquanto outros personagens conversam. Um dos pontos de Maine é que, para cantar, é preciso ter algo a dizer. 

As cores vermelho e azul permeiam os dois desde o primeiro até o último encontro, pelas roupas, luzes, sirenes ou tonalidades de cabelo, marcando o final da vida de Maine e o renascer artístico de Ally. Em dois momentos separados, o astro e a novata são enquadrados em close-up, dividindo o mesmo plano. A iluminação dessas cenas comunica: ele tem a luz vermelha no rosto e o azul sob a nuca, ela o oposto. Enquanto o caubói embarca nessa cor quente e perigosa, se afastando do estrelato, a cantora alcança cada vez mais essa luz divina, fazendo jus ao título. 

O diretor também prefere uma abordagem realista, optando por filmar em festivais reais, como o Coachella. A atuação de Cooper e as situações embaraçosas vividas por Maine devido a bebida, salientam a inclinação do cineasta nesse tipo de estética. Para quem convive ou já conviveu com pessoas alcoólatras, é possível se identificar com os cenários e admirar a interpretação do veterano, que não cai no vale da caricatura. Ademais, o filme propõe a desconstrução dessas figuras ídolos do country/rock e do faroeste, e dos comportamento destrutivos quanto abuso de drogas e álcool, numa música decrescente que não endeusa personagens públicos, mas humaniza. 

Durante esses cinco anos, o filme ganhou mais força a cada visita, com o surgimento de novos olhares e interpretações que aumentam a admiração por ele. Assim como Jackson Maine, Bradley Cooper parece acreditar que é preciso ter algo a falar ao fazer Arte. Aqui, ele tem um longo discurso para se destacar entre os remakes. Daqui mais cinco, Nasce Uma Estrela continuará vivo na memória dos cinéfilos, seja pela sua direção afiada, as músicas estrondosas de Lady Gaga ou pela narrativa relacionável que confronta os caubóis da vida.

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Thuani Barbosa

Dois jovens cowboys em um trabalho de verão nas montanhas, e nenhum dos dois poderia imaginar o quão alterado seriam seus destinos. O Segredo de Brokeback Mountain é o tipo de filme que surpreende o espectador a cada vez assistida, seja nas paisagens montanhosas que emanam a sensação de vastidão e plenitude, na singularidade de seus personagens, na interpretação impecável do elenco ou na explosão de emoções que chocam o peito de qualquer um. 

Jack Twist (Jake Gyllenhaal) é falante, expressivo e amoroso, um personagem carente, que leva consigo a frustração de não viver o amor e expressar sua sexualidade da maneira que deseja. Ennis Del Mar (Heath Ledger), quieto e sensível, se mostra o tipo de personagem acalentador, o qual se acostuma com a quietude e aprende a entender o sentimentalismo, como Chiron de Moonlight: Sob a Luz do Luar. A semelhança é presente em vários vieses, ambos homens homossexuais, que cresceram sem a presença significativa dos pais e se tornaram homens silenciosos mas cheios de sentimentos, que enfrentam as dificuldades da vida praticamente sozinhos.

Após serem contratados para passarem uma temporada cuidando de ovelhas no alto da montanha Brokeback, Jack e Ennis, até então desconhecidos um pelo outro, precisam vivenciar seus dias juntos na isolada colina, criando uma convivência bruscamente rasa devido ao silêncio do loiro. Com o passar do tempo, a chegada do inverno os abate fortemente, fazendo com que, em uma noite gélida, Jack convide o outro para dormir em sua barraca. E é neste breve momento de “guarda baixa” que ambos se rendem à tensão sexual do ambiente e passam por uma noite de grande desejo e paixão.

Com o fim do trabalho, os rapazes se separam, dedicados a viverem vidas distintas. Assim, diante da impossibilidade de ficarem juntos, ambos se casam. Jack com Lureen (Anne Hathaway), filha de um grande empresário agropecuário, e Ennis com Alma, uma jovem do interior (Michelle Williams). Um com um filho, em uma família abastada no Texas, e o outro lidando com dificuldades financeiras com três crianças, eles vivem totalmente diferentes, mas com uma coisa em comum: a infelicidade.

Uma das sensações constantemente presentes no desenrolar dos 134 minutos de duração é o medo, demonstrado em momentos como, por exemplo, nas conversas sobre morarem juntos em um rancho isolado e nos beijos desesperados às escondidas. O estado de alerta para qualquer vislumbre de olhares desconhecidos chega a ser palpável e remete fortemente à homofobia da época. O medo pesa sobre Ennis quando ele descobre a maneira que Jack foi morto, mesmo que ouvindo uma explicação racional, ele só consegue imaginar seu parceiro sendo espancado. Fato que também fala muito sobre a produção e a maneira que a trama é rodeada de subjetividade, não só sentimentalmente, mas também na indução de ideias.

Além das inúmeras indicações a grandes prêmios, como Critics Choice Awards, BAFTA, Globo de Ouro e outros, o filme foi ganhador de três Oscars: Melhor Roteiro Adaptado, Direção e Trilha Sonora Original; três Globos de Ouro: Melhor Diretor, Roteiro de Cinema e Melhor Canção Original. E, para a surpresa do público de 2006, os atores principais foram premiados como o Melhor Beijo no MTV Movie Awards. Mesmo com tanto reconhecimento, o maior troféu que a obra deixou foi a atuação divina de Heath Ledger, sendo uma das últimas produções do ator antes de sua morte prematura.

O longa é um roteiro adaptado do conto que leva o mesmo nome, escrito por Annie Proulx. Os contos da autora sempre se passam no Wyoming, estado em que ela vive e que a inspira com suas paisagens rochosas. Imerso na cultura de cowboys americana, a produção exibe com afinco os rodeios, ranchos e danças countrys. Tal foco se deve ao brilhante diretor Ang Lee, já conhecido pela versatilidade de suas obras, horas dando vida a aventuras em alto mar e ao desconhecido, outras abordando a sensibilidade de um amor improvável, como em Projeto Gemini, Razão e Sensibilidade e As Aventuras de Pi, filme que lhe rendeu outro Oscar de Melhor Direção.

Lançado em 2005, em um momento da história em que a comunidade queer já tinha certos tópicos sendo trabalhados e alguns espaços no audiovisual, como o talk show da comediante Ellen Degeneres, mas a homossexualidade ainda era vista como uma imoralidade e um grande tabu, ao qual não se falava sobre. Alguns dos atores já chegaram a comentar não ter imaginado que a produção se tornaria tão grandiosa. Mas, graças ao enredo tão cativante e bem desenvolvido, a trama ganhou grande reconhecimento, o que, de uma certa forma, veio a dar credibilidade para a comunidade LGBTQIA +. 

O Segredo de Brokeback Mountain, Ang Lee e seu elenco tiveram que caminhar para que filmes como Ataque dos Cães pudessem correr e atingir brilhantemente o público que alcançam hoje. O longa se tornou o tipo de referência que as pessoas usam para citar o primeiro filme em que se viram representados por amar uma pessoa do mesmo gênero. A única tristeza que o enredo nos deixa é o viver sôfrego dos protagonistas, o pensamento incessante de que eles poderiam ter vivido felizes e se sentindo inteiramente amados nunca vai abandonar o fãs, principalmente aqueles que se emocionam com a emblemática e maravilhosa cena em que Jack confessa para Ennis: “às vezes sinto tanto a sua falta que mal consigo suportar”.

Mesmo com um final solitário e triste, não há quem não ame Brokeback Mountain. Deixando sua marca nas mentes e nos corações, é o tipo de filme do qual se termina em lágrimas (junto com o personagem). O longa deixa um grande questionamento acerca da homofobia no antigo Estados Unidos, focalizando no estilo de vida country, e, mesmo com tantos conflitos, consegue passar exatamente a sensação de estar apaixonado e não poder viver aquele amor em toda a sua profundidade. 

O amor  fervoroso, cruel e desesperado que este drama retrata não é encontrado em clichês românticos, portanto o espectador pode chorar com orgulho ao fim dos momentos indescritíveis proporcionados por essa esplendorosa criação. Sofre-se quando eles sofrem e alegra-se quando eles se alegram. Tudo isso na montanha Brokeback.   

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