Ana Cegatti

As noitadas paulistanas sempre soaram como um chiado irritante para os que estão acostumados a levantar a cabeça e enxergar, sem dificuldades, o azul do céu. É como se as buzinas responsáveis por matutar uma pressa assídua nunca estivessem na mesma frequência das galinhas que cismam, ou melhor, ciscam incansavelmente diante de um tédio infinito. Afinal, aquilo que se escuta na metrópole é mero barulho ou pode ser tão íntimo quanto uma conversa entre crianças interioranas na sarjeta? Em 2019, a cantora e compositora YMA juntou o melhor dos dois mundos em seu álbum de estreia, Par de Olhos, ao criar um cenário no qual os sons artificiais da cidade grande são, literalmente, música para os ouvidos dos que temem sair da moita e se revelar demais diante das luzes vermelhas metropolitanas. 

“À noite de um jeito, de dia de outro” é a frase do clássico filme Shrek (2001) que possibilita caracterizar o disco lançado pelas gravadoras Matraca e YB Music por um único adjetivo: multifacetado. Quando o Sol faz ferver o asfalto das ruas de São Paulo, a musicista paulistana se apresenta como Yasmin Mamedio, porém, assim que a Lua obriga o bairro da Liberdade a ligar as lanternas, YMA brilha com elas. Seria medíocre discutir qual é a verdadeira identidade da musicista, até porque um ser humano com uma única cara é chato; com duas é falso e com três ou mais é artista. Diferentemente da animação da DreamWorks, o álbum não define o ato de assumir diferentes formas como um feitiço maligno, mas como um processo cuja magia está em abraçar a mutabilidade e, sobretudo, a incompletude.

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Estar dividido em pedaços não é estar quebrado. Na verdade, é movimentar-se na direção oposta à monotonia difundida por aqueles que não ficam bem de franja. Coproduzido por Fernando Rischbieter, Par de Olhos foi incluído na lista de discos do ano da Associação Paulista de Críticos de Arte de 2019 e, além disso, conquistou seu espaço na luta contra o pensamento caduca de que não se faz música nacional de qualidade como antigamente. Tal raciocínio, aliás, não passa de uma tentativa de vangloriar os costumes de uma época na qual a homossexualidade era doença e Roberto Carlos, grande nome da cena musical brasileira, era ficante sério da ditadura. No fim, YMA foi capaz de sustentar uma franja e trazer de volta somente as partes boas e arejadas dos anos 1980.

O sentimento de nostalgia parte, assim como quase tudo na vida, da noção de falta, e provocá-lo não é uma tarefa fácil, uma vez que demanda equilíbrio entre o desejo pela volta e a aceitação da partida. O primeiro álbum de Mamedio precisou de apenas 26 minutos para fazer o que muitos nunca conseguiram: despir-se, em vez de fechar-se, diante da perda. Pode-se dizer que a obra é uma passagem só de ida para um mundo onírico oitentista o qual não oprime minorias e, ainda por cima, não demoniza a intimidade, nem a vulnerabilidade. Pelo contrário, o disco crava uma estaca no coração, abrindo-o por completo. Essa ação, apesar da história tradicional discordar, não mataria um vampiro, mas o tornaria humano. 

YMA já se aventurava pelas tortuosidades dos ritmos minimalistas e das letras sensíveis antes mesmo de lançar seu primeiro álbum. Sabiá, single de 2017, e Summer Lover, fruto de uma colaboração com Gab Ferreira, forraram o estômago antes do banquete que, mesmo depois de anos, parece não ter sido totalmente digerido. É difícil engolir uma obra repleta de medos, angústias e confissões. Por outro lado, é impossível sequer experimentar um disco frio e sem sal, ou melhor, sem elementos que o aproxime até do mais chato dos paladares.

Composto por oito pratos temperados com arranjos de guitarra e sintetizadores, Par de Olhos é um choque, daqueles que arrepiam os cabelos e alteram a trajetória de um corpo cuja estaticidade era, até então, inabalável. A primeira faixa, Evaporar, é propositalmente traiçoeira: vai da timidez à explosão usando uma melodia com notas pautadas, a princípio, no marasmo. Este, no entanto, não passa de um truque praticado na medida certa para desmamar os acostumados a beber o puro suco da previsibilidade. Em outros termos, a entrada do álbum nos convida a sentir o sabor agridoce do incontrolável, responsável por transformar experiências aparentemente inofensivas em histórias dignas de nostalgia.

Análises reféns da materialidade e de verdades rigorosas não têm espaço em uma obra que é, acima de tudo, uma ode ao indescritível. A quinta música, Sun and Soul, evoca o almejo pelo transcendental, além de criar uma atmosfera na qual ter consciência da efemeridade das coisas não estraga o dia de ninguém, e sim o transforma em um palco pronto para receber um show de improvisos. YMA e Lauckson José, do projeto Lau e Eu, fazem da composição uma carta destinada ao amor ardente de verão que, assim como tudo, passa. Apesar disso, vale a pena se expor, tanto ao Sol, quanto às luzes artificiais encarregadas de iluminar quartos e testemunhar demonstrações de intimidade as quais acontecem, inclusive, na sempre nublada São Paulo. 

Além de Sun and Soul, outras duas faixas do álbum também têm letras inteiramente feitas em inglês. O uso de uma língua estrangeira pode acontecer por diversos motivos, a exemplo da superação do limite nacional, mas existe uma possível razão mais poética: a exposição em português é nua e crua, ou seja, possui uma força própria que arrebata o ouvinte sem sequer oferecer-lhe uma almofada para amenizar o baque. Portanto, a escolha pelo inglês serviria como um biquíni fio dental e deixaria as partes íntimas das músicas expostas somente até certo ponto. Tal fato acarreta em uma essência provocativa que torna o disco um ensaio sobre o olhar afetivo cujo panorama capta o oculto e o não dito.

No começo da festa organizada por YMA, a imprevisibilidade nos recepciona e apresenta suas companheiras de prefixo: incerteza e inconstância. As duas tagarelam sem parar em nossos ouvidos. Porém, quando a noite parecia perdida, a intimidade chega e nos puxa para longe. Logo depois, ela revela que pode ir embora da festa a qualquer momento, tornando em vão nosso contato. Diante da sequência de frustrações, um nó se cria na garganta. A língua inglesa até tentou desamarrá-lo, mas as lágrimas só sabiam português, e, portanto, protagonizaram Pequenos Rios, a despedida do álbum que é ironicamente inimigo do fim. 

Yasmin Mamedio teve o tato de transformar até o mais cético dos interioranos em alguém disposto a ouvir o que os sons da metrópole têm a dizer. “Não se acha a paz evitando a vida” é um tabefe dado por Virginia Woolf nos que se escondem atrás do silêncio. Este, por sua vez, não vê a hora de ser assassinado por sussurros eróticos, falas ambíguas e gritos melancólicos. Embora amores possam se esvair no piscar de um Par de Olhos, nenhuma invenção fantasiosa, como vampiros ou estabilidade emocional, supera o caráter onírico de encontros despretensiosos. O disco é uma homenagem ao acaso, protagonista da nossa jornada de altos e baixos à procura de coisas que, no fim, estão bem debaixo do nosso nariz. 

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Henrique Marinhos

Marcado pelo domínio da tecnologia analógica no cenário audiovisual, Croma Kid é uma viagem estonteante aos anos 1990. Dirigido por Pablo Chea e presente na seção Competição Novos Diretores da 47ª Mostra de Cinema Internacional em São Paulo, a ficção nos leva a acompanhar o encantador pré-adolescente Emi (Bosco Cárdenas), em todas as suas rebeldias e pensamentos inquietantes sobre sua família, que o envergonha por sua veia artística e televisiva.

De fato, nem todos herdamos vocações familiares e talentos natos, mas como um ponto fora da curva, o sangue da família Chea tem mostrado predisposição para a Sétima Arte. A estreia do filho de Claudio Chea, também cineasta e diretor de fotografia, soa como uma ficção biográfica impressionantemente construída para um primeiro trabalho.

Mesmo em seu início de carreira, a temática fantástica, a ambientação de época e a metalinguagem não pareceram um desafio para Chea como diretor e também roteirista, junto a Israel Cárdenas. Nos sentimos realmente dentro de seu universo nostálgico, distantes de amadorismos e furos de roteiro ou cenografia, como acontece até em grandes produções, como Game of Thrones.

Para além de um espaço fantástico e saturado da época, a interpretação do elenco é, sem dúvida, um ponto alto do longa. Bosco Cárdenas transmite as emoções e os conflitos do protagonista em meio à transição da infância para a adolescência de uma forma muito singular. Sem exageros ou muitos esforços, o que podemos quase chamar de performance contida é, na verdade, muito natural para um jovem ator. E sua família – que facilmente acreditaríamos ser sua realmente – é um catalisador de empenho e expressividade precisos. 

Jaime Pina, que interpreta o avô Lito, parceiro e mentor de Emi em suas aventuras atrás das câmeras, nos deixa à vontade e quase alheios ao mundo adulto e conflituoso em que seus pais foram designados para representar. Enquanto isso, responsável por se preocupar e colocar os pés de todos no chão, Nashla Bogaert, que interpreta Daniela, mãe coerente, rígida, amorosa e ao mesmo tempo tão sonhadora quanto todos, equilibra a narrativa familiar latina e maravilhosa que move a trama.

Aqui, o ditado que diz ser melhor pecar pelo excesso que pela falta nunca fez tanto sentido. Em seus 92 minutos, toda magia do clímax e conclusão do longa estão presentes em um segundo ato. Já com a pipoca no fim, nos acostumamos com a rotina conturbada da família sem apelar para um emprego infeliz e desmotivador à Arte. Até que nos deparamos com o pior dos cenários: um clichê muito bem-vindo, com o plot adolescente de 16 Desejos, De Repente 30 e todos os outros filmes que mostram que não vale a pena pular etapas da vida.

Porém, dessa vez, de uma maneira menos cômica, caricata e infantil. Em que podemos, de fato, nos imaginar como o personagem principal. Essa representação pode estar atribuída principalmente às origens dos produtores e sua autenticidade em reproduzir a realidade de países latinos. Longe de comprometimentos imperialistas aos sucessos da Academia, a obra também se encaixaria muito bem na seção Perspectiva Internacional da Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

A habilidade em criar cenas cotidianas como se realmente tivessem sido gravadas antes da virada do século é notável, considerando ainda a incorporação muito bem feita de efeitos visuais semelhantes aos de De Volta Para o Futuro e outras produções do cinema noventista. O chroma key, stop motion e glich art – na TV dentro da TV – enriquecem ainda mais a experiência do telespectador como um show a parte. Sobretudo, os responsáveis pelo som sublinham a importância do áudio na construção da experiência de imersão. Sem mencionar todos os outros pontos positivos do longa, o cenário meticuloso com fitas VHS, walkmans, pagers, discos de vinil e brinquedos mergulham o público na nostalgia e na cultura da época, até para quem não esteve lá.

Cada instante tem infinitas possibilidades
Acredite ou não em magia
Você tem o poder de mudar sua realidade

A atenção aos detalhes, assim como a autenticidade dos cenários naturais e urbanos, abraçam os desafios e profundidade daquele período. Muito além de um entretenimento nostálgico, Croma Kid celebra a memória afetiva e a imaginação infantil. Nos fazendo lembrar a capacidade do Cinema de transformar o cotidiano em algo mágico, transportando-nos para universos que ecoam a visão positiva das crianças e pequenas centelhas que fazem nossos dias valerem a pena.

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Bruno Andrade

Mais de uma década separam a saída de John Frusciante do Red Hot Chili Peppers e o lançamento de Unlimited Love, álbum que marca seu retorno triunfal. Nesse período, muitas coisas aconteceram. O guitarrista Josh Klinghoffer, visto desde sempre como um pupilo de Frusciante, ingressou no grupo, gravou dois álbuns e depois foi retirado do RHCP, como ele próprio revelou em entrevista. Tudo indicava que o retorno de Frusciante – visto há anos como o clássico guitarrista do quarteto, mesmo que outro guitarrista tivesse dominado o instrumento antes dele – seria o esforço genuíno em recuperar a faísca dos anos dourados. Embora essa seja uma característica visível no projeto lançado em 1º de abril, Unlimited Love não soa como ninguém além dos próprios Chili Peppers.

Não parece ser segredo que o Red Hot Chili Peppers é o que é pela identidade instrumental do grupo, composta pelo baixo funkeado de Flea, a bateria com tempos partidos de Chad Smith, e, principalmente, pela guitarra cintilante que há anos mudou de dono. Quanto ao mais importante dos guitarristas, os números não mentem: com John Frusciante integrando o elenco, a banda ganhou três Grammys – incluindo o de Melhor Álbum de Rock por Stadium Arcadium (2006) –, três BRIT Awards e cinco MTV Music Awards, além de diversos outros prêmios concedidos por revistas. É extremamente difícil não ligar o quarteto ao clássico Californication (1999), ou aos backings impregnantes que Frusciante fez ao longo dos anos, os quais sempre acompanharam sua guitarra “chorada”, saturada de distorções e de chorus na medida certa.

Mas também é interessante notar o amadurecimento mais do que gritante que Josh Klinghoffer conquistou no grupo. Depois de sua modesta estreia como o principal guitarrista em I’m with You (2011), houveram críticas duras, as quais ele, sabiamente, escutou. Em The Getaway (2016), um álbum que por si só apontou os novos caminhos que os californianos poderiam tomar – sem deixar sua base funk rock de lado –, Klinghoffer aparentava ter se estabelecido como a nova cara que a banda precisava, a mesma que veio se reinventando por anos – a própria entrada de Frusciante, em 1988, corrobora a ideia de reinvenção, pois só ocorreu devido a morte de Hillel Slovak, membro fundador do RHCP. Nesse cenário, seu retorno soa um pouco esquisito, e por si só anula a ideia de renovação que a banda argumenta buscar; todavia, a verdade indigesta é que, desde o início, Klinghoffer foi um guitarrista substituto. 

Unlimited Love é composto por 17 faixas espalhadas ao longo de 73 minutos, abrindo com Black Summer, canção que evoca a calmaria de Otherside, e que com menos de 2 minutos joga em nossos ouvidos o primeiro solo de guitarra, como se tentasse nos lembrar a quem pertence esse álbum. Isso se segue ao longo do CD, e chega a parecer que há uma mistura de várias fases da banda – todas as quais Frusciante pertenceu –, soando quase como uma colagem musical composta a partir de uma pesquisa nos arquivos do grupo, e talvez a parte mais difícil desse retorno tenha sido justamente encontrar o tom. Quando uma pessoa retorna a um projeto antigo, após ter participado dos momentos altos deste mesmo projeto no início, como escolher somente uma pequena fração dessa história para se desdobrar e conceber algo novo? 

Contudo, a simples junção de coisas distintas acaba, por si só, originando um novo projeto. O paradoxo consiste no fato de que, justamente, não há nada novo. É um disco do Red Hot Chili Peppers que bebe da carreira do próprio Chili Peppers, e talvez essa seja sua graça, pois não há demérito algum na autorreferência – nesse caso particular, são 39 anos de carreira. Após um tempo ouvindo Frusciante experimentar na Música Eletrônica, vê-lo novamente com guitarras em punho é quase realmente como cortar o passado, pois nem mesmo sua interessante parceria com Omar Rodriguez Lopez, do At the Drive-In e The Mars Volta, seguiu adiante. “O que achei emocionante quando comecei a tocar com eles [novamente] foi ver o que eu poderia fazer com uma guitarra”, disse John em entrevista de 2020.

O disco segue um mesmo padrão, mas mesmo sob essa condição existem músicas muito boas e outras apenas regulares. She’s a Lover, Whatchu Thinkin’ e It’s Only Natural – canção que contém ecos de Hey – exalam Stadium Arcadium desde o começo, figurando facilmente como as melhores do CD, principalmente pelos solos de guitarra (o protagonista desse álbum é John). Na mesma linha, One Way Traffic parece uma adaptação mais serena da ótima Hump de Bump, enquanto Let ‘Em Cry tem uma levada reggae interessante e até então inédita – algo muito curioso, dado as referências do grupo. 

Frusciante trouxe de sua carreira solo elementos da Música Eletrônica, evidentes nas faixas Bastards of Light e Not the One, mas que, honestamente, já vinham sido apontados no último disco da banda, ainda com Josh Klinghoffer no elenco. Apesar de conter 17 músicas, Unlimited Love se encerra para Flea e Chad Smith em The Heavy Wing; isso porque a faixa final, Tangelo, consiste na voz de Kiedis e Frusciante ao violão, envolta de um sintetizador espaçado, numa aparente alusão a esse “amor ilimitado” anunciado desde o começo – um certo tipo de reconciliação, não apenas entre os integrantes, mas com seu próprio passado.

Um dia antes do lançamento do disco, a banda recebeu uma estrela na calçada da fama de Hollywood, algo que talvez ambiente um pouco o cenário que cerca esses quatro integrantes. A aura nostálgica envolta de Unlimited Love resplandece no fato de que essa não é a primeira vez que Frusciante retorna ao grupo. Em 1992, após a turnê de Blood Sugar Sex Magik (1991), John Frusciante deixou o Red Hot pela primeira vez – de 1993 a 1997, Dave Navarro assumiu a guitarra, dando origem ao disco One Hot Minute (1995). Ele retornou em 1998, marcando, até sua saída em 2009, a melhor fase da banda em anos. Suas entregas ao vivo foram dignas de prêmio, sempre readaptando solos, criando novas camadas musicais e realocando espaços inventivos em canções nem tão inventivas assim.

O olhar clínico e harmonioso do guitarrista – mistura de referências entre o Gang Of Four e Jimi Hendrix – apontaram para um caminho em que se vislumbrou uma repaginada mais artística e esteticamente mais atraente ao grupo – basta comparar à banda pré-1990: é quase outro Chili Peppers, com um foco demasiado no baixo de Flea. Ainda assim, Unlimited Love não apresenta nenhum momento de alta adrenalina que chame atenção – como os discos de seus anos dourados sempre trouxeram –, no entanto, também é competente o suficiente para não trazer qualquer tipo de sensação de vergonha alheia (o risco é sempre iminente nesse cenário de “retorno”). É uma continuação do processo elaborado pela banda em projetos anteriores, no qual consiste uma sensação de tranquilidade, um “estranho familiar” que reside em um sofisticado e bem-vindo amadurecimento musical dentro do campo que eles mesmos exploraram tão bem ao longo dos anos; mas também, obviamente, habita uma nostalgia inerente – é como dar a partida em um carro após o stand-by de 13 anos (sem Frusciante).

Esse sentimento nostálgico é muito bem desenvolvido no livro Retromania: Pop Culture’s Addiction to Its Own Past (2010), do crítico britânico Simon Reynolds. Nele, o autor argumenta a existência de uma nova onda musical que vem se apropriando do passado, principalmente dos sons entre 1960 e 1970. De certa forma, deixamos de sonhar e passamos a vivenciar um espaço de “futuros perdidos”, no qual os artistas deixam de trazer novidades musicais e transformam-se em “curadores”, esquecendo qualquer viés transgressor que se convencionou a atribuir à Arte. Esse sentimento parece descrever a sensação de nostalgia que vem dominando o cenário musical, e, inevitavelmente, a mesma que domina Unlimited Love. O retorno de Frusciante não é apenas a volta de um guitarrista virtuoso, mas tende a encaixar novamente a banda naquele velho cenário dos anos 2000.

Mesmo com essa visão “assombrológica” – no sentido de espectros musicais que cercam sons que não pertencem a eles –, os Chili Peppers sempre foram bons em colocar o público dentro de seu próprio espaço, de modo a fazer com que pairasse uma espécie de consciência coletiva acerca do grupo, ligada a um estilo de vida despretensioso, através de uma conexão íntima que visava até mesmo o transcendental (como em The Zephyr Song). O lado ruim foi o fato dessa abertura transformar os ouvintes mais fanáticos em membros de uma “grande família Chili Peppers”, colocando os integrantes da banda no escrutínio da vida pública – aquela velha característica de identificação idealizada através de alguma manifestação artística. Mas, talvez, a brincadeira mais perspicaz sobre isso seja do próprio quarteto, que no videoclipe de By the Way retrata um fã maluco e completamente obcecado por Anthony Kiedis. No fim das contas, o Red Hot Chili Peppers é isso: quatro indivíduos que riem de si mesmos; e, embora Unlimited Love não seja um disco para deixar fãs obcecados, é importante que exista e ganhe seu próprio espaço.

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Marcela Zogheib

Em 2021, completam-se 25 anos da primeira vez que ouvimos “Kenan e Kel foi gravado nos estúdios da Nickelodeon na Universal Studios em Orlando, Flórida”. A série de dois adolescentes que entram diariamente em confusões e não se desgrudam de jeito nenhum estreou nos Estados Unidos no dia 15 de julho de 1996, e, apesar de ter feito sucesso na sua emissora de origem, conquistou grande parte do público brasileiro pelas reprises nas tardes da Globo, Band e SBT junto com Todo Mundo Odeia o Chris, Um Maluco no Pedaço e Eu, a Patroa e as Crianças.

Kenan Thompson e Kel Mitchel se conheceram em All That, um programa de humor estadunidense no mesmo estilo de Saturday Night Live, voltado para o público infanto-juvenil. Lá, contracenaram em diversas sketches e acabaram se aproximando nos bastidores, criando uma dinâmica que chamou a atenção de Kim Bass, produtor da série e criador de Kenan e Kel.

O seriado acompanha a vida de Kenan e Kel, dois jovens moradores de Chicago que, a cada dia, arranjam um novo problema. Onde eles vão, as confusões vão junto – seja fazendo uma festa no Rigby’s, mercado em que Kenan trabalha, matando por acidente o pássaro que estão de babá ou indo escondidos em convenções de quadrinhos. E apesar de todos os episódios terem mais ou menos a mesma fórmula, eles sempre conseguem divertir o público.

Além das usuais loucuras que inventam durante os episódios, uma marca registrada da série está no começo e no fim dos capítulos, onde a dupla sobe em um palco para conversar com a audiência, contar algumas histórias e bolar planos que nunca dão certo. E é nesse momento que conseguimos perceber o que tem de tão especial nesses dois amigos: o carisma. Kenan & Kel não é extremamente elaborada, os atores não são especialmente geniais, as histórias não são super originais, mas Kenan e Kel souberam abordar todos os temas com a maior naturalidade, por mais absurdas que sejam as situações.

No auge dos anos 1990, Kenan e Kel também traz participações especiais de figuras icônicas como Britney Spears, a princesa do Clube do Mickey interpretando ela mesma na sua era …Baby One More Time, e Linda Cardellini, a Velma do live-action de Scooby Doo antes ainda de estrelar Freaks and Geeks.

Essa é uma daquelas séries que, de tempos em tempos, a gente lembra e pensa “nossa, o que será que estão fazendo agora”, “será que ainda são amigos?”. Os atores seguiram seus caminhos individuais: Kenan Thompson voltou às raízes de programa de sketches e iniciou uma carreira longa que mantém até hoje no SNL, sendo dono do recorde de ator com mais tempo no ar e contracenando com grandes nomes da comédia como Amy Poehler, Maya Rudolph e Seth Meyers.

O ator também recebeu duas indicações ao Emmy 2021. A primeira foi de Melhor Ator em Comédia pelo show Kenan, exibido pelo canal americano NBC. Além disso, também concorreu a Melhor Ator Coadjuvante em Comédia pela sua participação em diversos episódios da 46ª temporada de Saturday Night Live.

Já Kel teve um destino um pouco diferente. Apesar de continuar na vida de ator por algum tempo, sua trajetória fora das telas parecia interessar mais a mídia. O ator teve alguns problemas com alcoolismo, mas, atualmente, está recuperado, tendo até retomado mais o contato com Kenan e voltando para a Nickelodeon como produtor do reboot de All That.

Foi em 2016 que a dupla finalmente se reuniu depois de tanto tempo no The Tonight Show, apresentado por Jimmy Fallon – também participante de Saturday Night Live entre 1998 e 2004. Na ocasião, eles criaram uma sketch homenageando Good Burger, filme estrelado pela dupla em 1997 que conta a história de uma pequena lanchonete que, ao ser ver em perigo de fechar com o surgimento de uma grande franquia concorrente, inventa um molho secreto aclamado pelos clientes.

Olhando 25 depois, talvez Kenan e Kel não tenha sido a série mais inovadora ou mais memorável que já tenha passado na televisão, mas foi essencial e, com certeza, inspiração para muitas outras que vieram depois. Drake e Josh, Zoey 101, ICarly – todas seguem modelos criados por essa série de dois caras muito doidos.

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Júlia Caroline Fonte

Poucas obras audiovisuais conseguem se consagrar como um marco do entretenimento, mas Stranger Things é uma delas. A série poderia facilmente ter saído direto dos anos 80 e se destacado como um clássico da época, e por mais que não pareça, ela completa em 2021 apenas 5 anos desde que torcemos muito para Joyce ter Will de volta em seus braços. E é também curioso que seu aniversário de meia década seja no auge dos conflitos das gerações, causando, antes mesmo de seu encerramento, nostalgia em qualquer pessoa que tenha uma alma cringe.

Stranger Things foi um fenômeno imediato, contribuindo até mesmo para elevar o sucesso da própria plataforma que a produziu, a Netflix. Tudo isso porque a criação dos irmãos Duffer conseguiu nos proporcionar uma viagem de volta à nossa infância, enquanto celebrava os coloridos e nerds anos 80 norte-americanos, relembrando tudo o que teve origem nesse período. 

A época é muito bem construída visualmente em todas as três temporadas, sempre trazendo uma quantidade enorme de referências e easter eggs – muitas vezes não tão escondidos – dos grandes sucessos da cultura pop daquele momento, como Star Wars, E.T. O Extraterrestre, Os Goonies, Alien, Os Caça-Fantasmas, Dungeons & Dragons e Dig Dug. Além disso, não podemos deixar de mencionar os figurinos divertidos e estilosos e uma ambientação perfeita com fliperamas, locadoras de vídeo e shopping center na pequena Hawkings, que cria um cenário perfeito para a série.

Contudo, Stranger Things não se garante apenas por isso: seu ponto alto e ingrediente principal para o sucesso são, sem dúvida, seus personagens e tudo o que os envolve. Acompanhamos Mike (Finn Wolfhard), Will (Noah Schnapp), Lucas (Caleb McLaughlin) e Dustin (Gaten Matarazzo) desde a primeira temporada, ainda crianças, e presenciamos todo o peso e trajetória dessa amizade. Trazendo um forte gostinho de infância, somos invadidos pela nostalgia que eles nos proporcionam ao criarem seu próprio mundo de fantasia no porão de casa.

A partir de uma amizade forte e fiel, e com muita inocência, os garotos moveram tudo o que podiam para resgatar Will, como faziam em seu tabuleiro de D&D, uma vez que isso é o que mais importa para eles, pois “um amigo é alguém por quem você faria de tudo. Você empresta coisas legais, como gibis e figurinhas. E ele nunca quebra uma promessa”. Assim, suas personagens bem construídas e cativantes garantiram identificação com o público logo de cara, trazendo acolhimento quando se viam espelhados na tela, já que todo nerd quando criança passou por algumas coisas que esses garotos viveram, seja na vida real ou em seu imaginário.

É importante também destacar que essas relações se expandem muito mais ao longo das temporadas. Há a satisfação em ver Eleven (Millie Bobby Brown) e Max (Sadie Sink) deixando de lado uma rivalidade feminina totalmente infundada e sem sentido, para dar lugar a um laço muito forte, tornando-se melhores amigas. Elas se apoiam a todo momento e tentam abrir os olhos uma da outra para situações injustas para as quais não devem baixar a cabeça, além de mostrar que são capazes de resolver qualquer coisa.

Stranger Things acompanhou a vida dessas personagens, e, por isso, as mudanças são muito evidentes no decorrer de sua história. Após deixarem um pouco a infância de lado – nem todos, é claro -, a série desenvolve o debate sobre crescer e amadurecer. Assim como mostra Will, esse processo pode ser difícil, e às vezes não estamos preparados para deixar de lado tudo o que vivemos e amamos, ou aceitar que nem tudo se manterá da forma como queríamos para sempre. Tudo são fases, e enfrentar monstros com suas habilidades mágicas no porão de Mike um dia teria que chegar ao fim.

Crescer é fundamental e importante para entender que o mundo pode ser mais difícil do que parece e precisamos aprender a lidar com ele. Nancy (Natalia Dyer), Jonathan (Charlie Heaton) e Steve (Joe Keery) nos provam isso. Entender seu passado e consertar o que é necessário no presente pode nos levar a caminhos surpreendentes, e trazer novas experiências e pessoas importantes em nossas vidas. Além disso, é importante não apenas crescer, mas se conhecer e tentar superar antigos traumas, e aprendemos isso com Joyce (Winona Ryder) e Jim Hopper (David Harbour), que constroem uma ótima relação e mudam totalmente de vida diante de tudo o que passaram.

Essas transformações vão além dos personagens, e marcam presença na série em sua totalidade. As temporadas muito bem construídas, embora não isentas de deslizes de roteiro, conseguem captar as mudanças da época e de Hawkings de uma maneira certeira. Principalmente quando analisamos a terceira parte de Stranger Things: a chegada do verão transparece o auge das cores e da vida dos anos 80, junto com a adolescência do nosso elenco principal, trazendo um tom um pouco diferente das temporadas anteriores, mas que casa com seu desenvolvimento.

No entanto, essas mudanças e complexo desenvolvimento dos arcos das personagens não comprometem a linha geral da série, que sempre mantém seu foco nos problemas e caos que o Mundo Invertido pode trazer para o nosso. Porém, parece que essas complicações supostamente resolvidas em uma temporada continuam insistindo, ao mesmo tempo em que seu apelo se esgota. Em algum momento precisaremos ter uma solução de fato, e isso nos faz questionar até que ponto Stranger Things continuará. 

Se a intenção dos irmãos Duffer é finalizar a série em seu auge, o tempo parece acelerar, trazendo a preocupação de seu fandom sobre até onde será possível assegurar sua qualidade sem chegar ao ponto de saturação de temporadas, como ocorreu com diversas séries. Com a quarta temporada cada vez mais próxima, temos uma legião de fãs em que permanece uma forte dúvida: esperamos algum tipo de decepção ou realmente podemos nos surpreender com mais uma parte grandiosa dessa história, como já é de costume quando se trata de Stranger Things? 

A série já conseguiu deixar seu impacto no audiovisual e no entretenimento em apenas 5 anos, sem nem mesmo chegar em seu encerramento. E da mesma forma que grandes sagas – como Harry Potter, Star Wars, Game of Thrones e Jogos Vorazes -, ST tornou-se para a cultura pop um marco que dificilmente será alcançado por outra série do gênero. E o principal: consegue deixar uma forte marca para seus fãs, pois as aventuras e inocência dos personagens nos transportam em uma viagem no tempo até a época em que acreditávamos que poderíamos enfrentar qualquer Demogorgon.

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Pedro Gabriel

Um dos motivos para eu acordar cedo quando tinha meus nove anos era sentar na sala, ligar na Cultura, e assistir a todos os desenhos que passavam no Quintal da Cultura. A manhã era recheada de Doug (1991-1999), Madeline (1993-2001), Cocoricó (1996-atualmente no YouTube), Os Sete Monstrinhos (2000-2003) e por uma pequena ovelha aventureira chamada Shaun, o Carneiro (2007-presente). Dez anos se passaram, e cá estou eu revivendo todas essas manhãs após assistir Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca na Netflix. A animação é uma continuação do longa de 2016 e traz Shaun em uma nova aventura. 

Como era de se esperar, o filme não tem nenhuma conexão com o anterior, sendo como um longo episódio da série. Sob a direção de Will Becher e Richard Phelan, a história segue um caminho simples: Shaun e seu rebanho estão vivendo suas vidas pacatas na Mossy Bottom Farm e tentam sanar o tédio. Mas, tudo o que fazem é altamente repreendido pelo cão Blitzer, o melhor amigo e maior inimigo de Shaun no desenho. Paralelamente com a história na fazenda, uma nave espacial pousa em uma floresta, e uma criatura sai dela. Após a histeria da população, inicia-se uma investigação do Ministério de Detecção Alienígena (M.D.A).

Na perseguição do ser extraterrestre com um homem, ele acaba parando na fazenda de Shaun. Tudo isso é tratado de forma descontraída, com humor físico presente em todos os momentos, uma vez que não se é falado nada. Eles fazem amizade, e a história transita na volta do alien, chamado Lu-La, para sua nave, no M.D.A tentando capturá-lo — uma das piores coisas da trama —, e no parque de diversões que O Fazendeiro (sim, esse é o nome dele) está construindo para ganhar dinheiro em cima do fenômeno que se instaurou na cidade com o surgimento de um OVNI. 

O longa, como na série original, não possui uma linha de diálogo entendível. O máximo que temos são grunhidos, ou onomatopeias, como “vrum vrum” para identificar um veículo. Mas isso não é um problema. Como é um filme em que o público alvo são as crianças, tudo é simples para que a história seja entendida. Você consegue compreender o que eles querem dizer, seja os diálogos, a trama em si, os sentimentos de cada personagem, mesmo que não seja falado nada. 

Partindo para a animação do desenho, não podemos deixar de enaltecer o trabalho da Aardman Animations. É simplesmente impecável. O estúdio é responsável por filmes como A Fuga das Galinhas (2000), Por Água Abaixo (2006), e uma das melhores animações da história, Wallace e Gromit: A Batalha dos Vegetais (2005). Novamente é utilizado a técnica de stop-motion — o estilo marcante da empresa. A qualidade continua perfeita. Diferente de filmes com animação 3D computadorizada, que envelhecem muito rápido, com o stop-motion a história muda. A sensação é que tanto A Fuga das Galinhas quanto A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon, no original, foram feitos na mesma época, mesmo com seus quase 20 anos de diferença.

Enquanto a dupla principal consegue trazer uma química gostosa, fazendo você se divertir com sua aventura, o núcleo do M.D.A. é vergonhoso. Em um primeiro momento, quando Red, a diretora da organização, aparece, sua semelhança com outras vilãs sanguinárias do estúdio conduz para uma personagem que passaria por cima de qualquer coisa para chegar aos seus objetivos. Mas não foi isso que aconteceu. 

Primeiro que toda essa instituição é uma verdadeira piada. São um bando de incompetentes trabalhando lá, um robô inspirado nos clássicos Spirit e Opportunity, mas que diferente de outras obras, é apenas chato, e uma diretora que mais parece ter saído de um episódio de Os Trapalhões. Mesmo que suas intenções sejam plausíveis, e você acabe tendo uma empatia pela personagem quando entendida sua história, ainda sim é um potencial desperdiçado.

A trama da dupla é um clássico dos filmes de sci-fi. Basicamente é o extraterrestre conhecendo os prazeres da vida na Terra, como sua comida. Mesmo que batida, a dinâmica é engraçada de se seguir as peripécias dos dois. Já na fazenda, toda a sequência de construção do parque Farmageddon, da interação do Fazendeiro com o Blitzer e com as demais ovelhas do rebanho, são pontos altos de Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca, criando uma grande expectativa em como ficará o parque no final.

O roteiro de Mark Burton e Jon Brown é recheado de referências a filmes clássicos, como 2001 – Uma Odisseia no Espaço (1968), E.T – O Extraterrestre (1982), Alien, O Oitavo Passageiro (1979), entre outros do gênero, além dos easter-eggs de outras obras do estúdio. É uma narrativa que é simples, bem executada e que não é cansativa. Sua história é uma bomba de emoções. 

O filme tem sido indicado nas principais premiações na categoria de Melhor Animação, inclusive no Oscar 2021. A Netflix já afirmou que pretende bater a Disney na produção de animações, mas ainda está muito longe disso se concretizar. O serviço de streaming tem conseguido emplacar grandes obras nos últimos anos, como Klaus (2019), que foi extremamente injustiçado, e  A Caminho da Lua (2020), uma das grandes concorrentes da noite, mesmo que não seja tão amada por quem vos escreve. Mas no final, ainda ficam na sombra da montanha de troféus do senhor Mickey Mouse.

Desde a criação da categoria no Oscar em 2002, foram um total de 13 prêmios para a Disney, sendo divididos entre Walt Disney Animation Studio e Pixar, fora as outras duas vezes que ganhou o Oscar Honorário, pelas contribuições tecnológicas em Branca de Neve e os Sete Anões (1937) e Toy Story (1995). Salvo algumas exceções, o estúdio sempre leva o prêmio, às vezes, tirando de obras que acabaram sendo melhores. O sentimento que fica é de uma previsibilidade enorme nas premiações quando um dos indicados é um filme da Disney ou da Pixar. 

Novamente, mesmo com todos os acertos de Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca, ou até mesmo dos demais indicados, como Wolfwalkers (2020), a vitória da categoria está nas mãos de Soul (2020), que foi altamente aclamado pela crítica do mundo todo. Mais um ano passa, e a Aardman Animation continuará com apenas a estatueta de Wallace e Gromit na estante. 

Mesmo que tenha sido uma grande estranheza à primeira vista as indicações da animação, Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca é uma obra gostosa para toda a família. Consegue emocionar e divertir, além de criar uma máquina de nostalgia para toda uma geração que sintonizava na Cultura em suas manhãs.

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