Sinara Martins

A 77ª edição do Emmy Awards aconteceu no domingo (14), em Los Angeles, e a tradicional chegada das estrelas foi marcada por modelitos sofisticados e elegantes. Com produções como Ruptura, O Estúdio, Adolescência, Pinguim, The Last of Us e O Urso entre as indicadas, não faltaram celebridades desfilando. O tapete vermelho reforçou uma tendência clássica, com muitas silhuetas tradicionais e tons de destaque como vermelho, preto e rosa. 

A premiação entregou um tapete vermelho bonito, mas pouco marcante. Houve raros momentos de ousadia, que até ganharam repercussão, porém ficaram diluídos diante da predominância do clássico. O contraste entre a vontade de se manter sofisticado e a necessidade de surpreender mostra o dilema atual do evento: como preservar uma tradição sem abrir mão da relevância cultural?

A cor da paixão apareceu em peso. Britt Lower, vencedora da categoria Melhor Atriz em Drama, surgiu com um traje escarlate de corte clássico; já Hunter Schafer apostou em um modelo deslumbrante no mesmo tom, e Cristin Milioti também seguiu a paleta. Apesar da predominância de escolhas seguras, o que realmente chamou atenção foram os looks que buscaram equilibrar ousadia e harmonia entre beleza e styling, quebrando a previsibilidade.

O preto também marcou presença de maneira imponente na cerimônia. Anna Sawai apostou em um modelo minimalista e sofisticado, que ressalta sua silhueta de forma elegante, e Natasha Rothwell trouxe um toque de exuberância com um traje volumoso e cheio de movimento, contrastando com a sobriedade da cor. Já Marta Pozzan preferiu uma proposta contemporânea, com recortes modernos que deram frescor ao clássico. Para fechar, Catherine Zeta-Jones estava usando um vestido dramático, que combinava perfeitamente com sua postura marcante no tapete.

Entre os destaques da noite, a cantora Lisa, do Blackpink, encantou o público com um delicado vestido rosa da Lever Couture, digno de um conto de fadas. Jenna Ortega também brilhou com um modelo ousado e um top cheio de pedrarias da Givenchy, que combinava com modernidade, enquanto a drag queen Arrietty surpreendeu ao surgir com um traje cheio de presença e glamour.

O tapete vermelho não rendeu só bons looks, mas também momentos que deram o que falar. A drag queen Joella se vestiu de Labubu e foi uma das aparições mais inesperadas e divertidas da noite. Outro ponto alto foi a aparição das atrizes Lauren Graham e Alexis Bledel, protagonistas de Gilmore Girls, que emocionou os fãs da série, que completa 25 anos. Para fechar, Meg Salter chamou atenção ao surgir com um visual básico, carregando uma bolsa de protesto escrita “Cessar fogo”, usando a moda como forma de posicionamento político.

O predomínio de escolhas clássicas no Emmy reflete um certo conservadorismo da própria premiação. Antes palco de grandes momentos culturais, hoje o evento parece preso a fórmulas seguras em meio a um cenário em que a atenção do público se divide entre tantas outras atrações. A moda, que deveria dar brilho ao espetáculo, acaba perdendo força quando não surpreende. Enquanto o Met Gala e até o Oscar usam os figurinos para criar narrativas e marcar posição, o Emmy se mantém elegante, mas pouco memorável, e isso ajuda a explicar por que a premiação vem perdendo espaço na conversa cultural.

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Guilherme Machado Leal

Iniciada no Havaí durante sua primeira temporada, em 2021, The White Lotus possuía uma trama bem simples: um ambiente que mostrasse um curto período de tempo daqueles que trabalham em um hotel luxuoso e dos que possuem o poder aquisitivo para sustentar tais regalias. Após a estreia bem sucedida, as ilhas emprestaram sua trama para o solo europeu, mais precisamente em Sicília, na Itália. Se a entrada desse mundo discutia a respeito da diferença de classes e a continuação abordava a disparidade entre gêneros, o que priorizar para a terceira vez? 

O ritmo frenético – seja pela pergunta plantada na cabeça dos espectadores nas duas primeiras levas de episódios de quem morreu ou o texto mais despojado de Mike White – acostumou os telespectadores a esperarem um grande ápice em 2025. No entanto, ao se afastar da conversa sobre as discriminações em virtudes de razões econômicas e sociais, o drama da HBO se concentra em centralizar a conversa em um sentimento: entender qual o maior desejo de seus personagens. Pensamentos intrusivos e moralmente incompreendidos, ânsia pela violência e a vingança e de ser aquilo que não é, estão entre os principais temas da narrativa que possui nomes como Parker Posey, Aimee Lou Wood e Jason Isaacs – todos reconhecidos nas categorias de atuação coadjuvante em Série de Drama.   

Em um ano mais contemplativo do que os seus antecessores, a terceira temporada ainda se ancora no whodunit: na cena de abertura, barulhos de tiro, possíveis mortes e fugas ditam o tom da história. Se vistos como maratona, a fadiga que ocupa a primeira metade dos oito episódios não é sentida. Por outro lado, aqueles que acompanharam religiosamente aos domingos (tradição conhecida pelos amantes da emissora que detém obras como Game of Thrones e Succession), sentiram falta de diálogos mais expositivos, que tornaram a série emblemática e comentada entre os usuários. 

De fato, a abordagem mais monótona, em certos núcleos, faz jus ao ápice dessas narrativas, a exemplo da relação entre Jaclyn (Michelle Monaghan), Laurie (Carrie Coon) e Kate (Leslie Bibb): as três amigas, com o desejo de reviver os tempos áureos de suas dinâmicas, passam a semana inteira com indiretas, comparações e falsos elogios. À altura do término do terceiro ano, em um texto cru e muito doloroso, porém verdadeiro em qualquer um que tem um vínculo duradouro, o criador e roteirista de The White Lotus entrega a emmy tape que eternizará a passagem de Coon na antologia. 

Diferente do trio, toda a trama que envolve o dilema de vida de Walton Goggins (Rick Hatchett) se baseia em clichês baratos de tramas melodramáticas já vistas aos montes. Todo o entorno ao redor do que pode ser o arco do personagem é muito mais interessante do que realmente acontece. Ao seu lado, há a bela e serena Chelsea (Aimee Lou Wood), que possui grande parte dos momentos cômicos em solo tailandês. A estagnação nada tem a ver com as cenas virais e os plot twists, mas em razão do esgotamento criativo em termos de roteiro do mundo idealizado por Mike White.

Celeiro de nomes não tão óbvios da indústria hollywoodiana, a cada renovação de uma temporada, há as teorias de quem será o próximo grupo que disputará as principais categorias do Emmy, maior prêmio da televisão norte-americana. Ícone dos filmes independentes, Parker Posey é, provavelmente, uma das escolhas mais certeiras ao dar vida à Victoria Ratliff, uma mãe de três filhos que prioriza o status, a ganância e as aparências. A partir do sotaque de uma dondoca da Carolina do Norte, a estrela de Party Girl – filme de 1995 protagonizado pela veterana – remete às escolhas de atuação de Jennifer Coolidge e se encarrega de situações, no mínimo, desconfortavelmente hilárias. 

Embora não tenha sido o ano favorito daqueles que a acompanham, a série ainda mantém o alto padrão de reconhecimento na cerimônia: com 23 indicações, a obra dramática conquistou nomeações para sete artistas de seu elenco. Entre eles, Jason Isaacs como Timothy Ratliff, o pai da família também comandada por Victória. Aliás, boa parte do texto sério, contido e obscuro faz parte do núcleo que envolve um dos grupos de maior influência daquele universo. Seja pelo filho arrogante, vivido por Patrick Schwarzenegger, a garota que renega o privilégio, encabeçada por Sarah Catherine Hook, ou o caçula que nos apresenta a Sam Nivola, qualquer ato parece irritar o patriarca, que sente, pela primeira vez, a ruína do império construído. 

O medo de retratar assuntos polêmicos nunca bateu à porta de Mike White, que amplia a discussão sobre moral no terceiro ano. Sutilmente, o roteirista dá indícios de uma possível relação incestuosa entre os irmãos Ratliff. Toques, falas desconcertantes e olhares caminham lado a lado até um dos episódios mais criativos de The White Lotus, Festa da Lua Cheia – indicado na categoria de Melhor Roteiro em Série de Drama. Visivelmente impecável, a direção de fotografia de Ben Kutchins se alinha à escolha do roteiro de centralizar a narrativa em uma festa, lugar onde os ânimos estão aflorados, para expor as inimizades, os desejos e confusões que foram construídos na primeira metade da história.  

Em Amor Fati, encerramento da temporada que garantiu uma nomeação como Melhor Direção em Série de Drama, as pontas soltas ao longo do período de férias são fechadas da maneira proposta pela produção: algo nem sempre definitivo ou com ‘final explicado’; aqui, há margem para interpretar e teorizar: “para onde esses personagens vão?”. E esse é um dos, senão, o maior triunfo da série. Entregar o prêmio logo de primeira não é o foco; pelo contrário, deixar o público com o gostinho de quero mais é a particularidade que confere ao criador o status de wannabe. Ou você quer participar do mundo idealizado por ele ou quer comentá-lo. 

“Eu simplesmente não acho que, nessa idade, eu deva viver uma vida desconfortável. Eu não tenho vontade.” — Victoria Ratliff.

Após a entrega dos prêmios na edição de 2025, ficou claro que a recepção do terceiro ano não agradou aos votantes da premiação, visto que a produção levou apenas uma das 23 indicações: Melhor Tema de Abertura para o compositor Cristóbal Tapia de Veer. Durante a exibição dos episódios, o autor da música deixou a produção por ‘diferenças criativas’. Sendo um dos aspectos mais elogiados, será no mínimo interessante acompanhar quem o substituirá no trabalho musical que dá o tom de cada história.

“Third Time’s The Charm” – em tradução livre “A terceira vez é a certa” – ditado popular utilizado para afirmar que algo deu certo após suas duas primeiras tentativas, não pode representar 100% a produção da HBO. O subtexto e a não obviedade são, de fato, acertos do novo ano, no entanto acompanham um possível esgotamento da abordagem de White. Confirmada para uma quarta narrativa, The White Lotus voltará ao continente europeu. Enquanto não chegamos à Riviera Francesa, aproveite as altas temperaturas da Tailândia. O calor pode não ser agradável a você na totalidade, mas irá garantir bons momentos na sua televisão.

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Ana Nóbrega

Em 2020, a maior parte do público não esperava muito de Sonic – O Filme. Afinal, o longa já havia passado por um baita de um rebuliço ao liberar o seu trailer e não agradar nada os fãs com o design “diferente” do ouriço azul mais conhecido do mundo. No entanto, o filme – que praticamente encerrou o funcionamento de cinemas no início da pandemia – ganhou o coração da audiência com um bom redesign e uma ótima trama. Desta forma, sua sequência não poderia ser diferente.  

Sonic 2 – O Filme, dirigido por Jeff Fowler, chegou aos cinemas dois anos, e uma pandemia, depois do primeiro longa-metragem, e conseguiu trazer a fórmula de sequências do MCU direto para as adaptações de games. Desta vez, muito mais focado no desenvolvimento do universo do Sonic (Ben Schwartz), do que no planeta Terra. Assim, a produção entrega para seus espectadores tudo que há de bom no mundo dos jogos, a animação, o enredo, o plot line e as referências.

A trama começa algum tempo depois de Sonic derrotar Robotnik (Jim Carrey), e enviá-lo direto para o planeta dos cogumelos. Enquanto Tom (James Marsden) e Maddie Wachowski (Tika Sumpter) viajam para o Havaí para prestigiar o casamento de Rachel (Natasha Rothwell), irmã de Maddie, o Doutor Robotnik cruza novamente o caminho de Sonic. Ainda depois de escapar do planeta cogumelo com a ajuda de Knuckles (Idris Elba), o equidna vermelho que busca pela esmeralda mestre.

Logo, o ouriço azul também precisa entrar em uma viagem cheia de aventuras para encontrar a esmeralda, e impedir que ela acabe nas mãos do cientista maluco. Para isso, ele conta com a ajuda de Tails (Colleen O’Shaughnessey), a raposa amarela de cauda dupla mais famosa do mundo dos videogames, que veio para a Terra apenas para alertar Sonic sobre Knuckles. Quando Tails entra em cena, o filme se torna uma animação realista quase que perfeita, vista pela última vez apenas quando Hollywood lançou a adaptação de Smurfs. Deste momento em diante, os atores que interpretam seres humanos se tornam meros coadjuvantes em uma trama enemies to friends (inimigos para amigos), com um quê de “a amizade é mágica”, entre um equidna, um ouriço e uma raposa extraterrestre.

O segundo Sonic se dedica em explicar as origens do ouriço azul e as complexidades de seu universo. Com o desenrolar da trama, o telespectador consegue aprender mais sobre a importância dos poderes do personagem. Além de desenvolver melhor a razão pela qual ele é perseguido por Knuckles, e a sua relação com a coruja Garra Longa, que o criou como um filho e o enviou para a Terra em uma tentativa de fuga.

Apesar das adaptações de videogames serem conhecidas por seu fracasso entre os fãs e o público geral, como Super Mario Bros.(1993) e Assassin’s Creed (2016), Sonic the Hedgehog 2 continua o legado de seu filme antecessor, só que ainda melhor. Isso porque ele agrada os fãs, trazendo referências e plots da história original, ao mesmo tempo que dialoga com o público geral, utilizando de tramas diferentes, como, por exemplo, a relação do Sonic com o mundo humano e o planeta de onde veio. Ou seja, ele consegue equilibrar ambos os lados, sem precisar fugir totalmente do enredo do jogo. 

A mistura de realidade com animação consegue atrair não apenas os adultos, como as crianças e os fãs da trama de jogos. Mesmo que — se você prestar bastante atenção — a atuação dos humanos com os personagens animados não seja tão boa, a produção do longa se dedica em fazer tudo parecer o mais natural possível. Desde a relação paternal entre Tom e Sonic, até o acordo de interesses entre o equidna vermelho e o Doutor Robotnik. Em alguns momentos optando por manter esses dois núcleos separados, em prol da qualidade do filme.

É perceptível a preocupação dos roteiristas, Patrick Casey, Josh Miller e John Whittington, em agradar não apenas o público geral, como também os fãs do game. Afinal, as referências são facilmente encontradas por aqueles que conhecem e admiram o jogo desde a infância, e a trama é absorvida com facilidade por quem nunca ouviu falar da história original. Outro fator que faz com que a obra não seja voltada apenas para um grupo de espectadores específico, já que tudo é feito com sutileza. 

Um dos erros que mais chamam atenção no longa-metragem são os cortes secos que transitam de uma cena para outra. Em boa parte da produção, principalmente mais perto do fim, as cenas não alternam de maneira fluída, e sim com cortes bruscos. Essa mudança repentina faz com que o público se questione como o cenário se modificou de maneira tão rápida, e tira a fluidez da produção visual. Esse fator aponta que, apesar de ser uma adaptação promissora e bem desenvolvida, a saga de Sonic ainda não saiu do patamar de filmes da “Sessão da Tarde”. Sonic 2 está mais para segunda opção, do que uma atração principal nos cinemas. Característica que é reforçada quando a trama se revela uma surpresa para o seu público, que já chegou às salas com baixas expectativas na estreia do primeiro. 

A interação entre os humanos e o núcleo animado ainda continua um pouco engessada,  algo claramente notável nas interações do ouriço azul com a sua família humana, Maddie e Tom. Em alguns momentos, em que o alienígena está levando broncas e conselhos de seus amigos terrestres, a atuação não acompanha o tempo e a posição da animação, o que torna as cenas algo bobo, de uma maneira que chega a ser cômico. Desta forma, o relacionamento de Sonic com seus amigos humanos evoluiu positivamente para um clima mais ao estilo de Eu, a Patroa e as Crianças.  

No entanto, essas preocupações se perdem quando Sonic se reúne com Tails e Knuckles, e o foco do filme passa para a animação. A relação entre os três personagens do desenho é bem explorada, e o vilanismo do Doutor Robotnik não fica de fora disso. Em Sonic 2 – O Filme, o personagem de Jim Carrey chega mais próximo do Doutor Eggman dos videogames, não só em aparência como em personalidade e loucura, algo que não era tão presente no primeiro longa.

Além disso, a dinâmica entre o Doutor Robotnik e seu fiel escudeiro, o Agente Rocha, é transformada em um ponto ainda mais cômico do que o filme de 2020. Os dois passam a ser uma dupla quase romântica, que é incentivada pelo amor platônico de Rocha por seu mestre, por muitas vezes sendo o núcleo humano mais interessante da história. Afinal, eles contracenam diretamente com as animações em diversas situações.

O cientista maluco também se torna um alento ao coração dos fãs do videogame, já que suas tecnologias e suas características se igualam cada vez mais ao Doutor Robotnik original. Suas referências a cultura pop, a atuação impecável de Jim Carrey e a presença do robô gigante criado pelo cientista – que faz parte do jogo – diverte tanto as crianças quanto os adultos loucos pelo universo nerd. 

Por fim, as cenas finais e os pós-créditos deixam o telespectador com um gostinho de quero mais, que só era encontrado antes em filmes da Marvel. Isso porque aqueles que não entendem as referências ficam curiosos para compreender o significado do fim da produção, e os que entendem ficam ansiosos pelo desenvolvimento de mais personagens e características vindas diretamente dos jogos da SEGA.

Toda essa expectativa aponta que, mesmo com falhas perceptíveis de roteiro e montagem, e ainda em um patamar de qualidade meio duvidoso, o live-action de Sonic apresenta um futuro promissor. A relação do primeiro filme com o segundo aponta a evolução da produção, pois, dessa vez, Sonic não é apenas sobre um ouriço perdido no mundo humano, e sim um personagem mais bem desenvolvido com toda uma história por trás. Fator que pode abrir caminho para adaptações de mais jogos e que eleva a expectativa de qualidade das que estão por vir, como a próxima adaptação de Super Mario Bros.

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Sabrina G. Ferreira

A sátira criada e dirigida por Mike White (Enlightened, Escola de Rock), se tornou um completo sucesso em audiência desde seu lançamento pela rede americana HBO, tanto que já tem sua segunda temporada encomendada para o próximo ano, em um formato de antologia, com personagens e histórias diferentes. Toda trama de The White Lotus se passa num resort de luxo no Havaí, de mesmo nome da série, e tem como protagonistas três grupos de pessoas, com algo predominante entre elas: são todas ricas e brancas.

Inicialmente, tudo parece ir às mil maravilhas. Os funcionários do resort dão as boas-vindas ao grupo, sempre sorridentes. Porém, o que vemos inicialmente não é a realidade. Os funcionários, de classe social inferior, entre eles se destaca o gerente Armond (Murray Bartlett), são obrigados a deixarem seus problemas de lado, e satisfazer os caprichos dos hóspedes de classe alta, como Shane Patton (Jake Lacy), recém-casado com Rachel (Alexandra Daddario), em suas condições de total servidão. Um exemplo disso é quando Belinda (Natasha Rothwell), gerente do spa, tem dor nas costas após um dia de trabalho, mas precisa massagear Tanya McQuoid (Jennifer Coolidge), uma senhora rica, que vive no ócio o dia todo. A série não só trabalha em torno das personagens, mas também é notável uma crítica em torno da elite e dos explorados.

As personagens são muito bem elaboradas e entram em conflito simultaneamente, de modo que há uma sincronia entre suas ações e comportamentos, e tudo é acompanhado com excelência pela constante trilha sonora, que muda com o ritmo dos acontecimentos. Também vale salientar que muitas das ações das personagens principais causam certo desconforto no espectador, que pode se visualizar cometendo os mesmos erros deles, como quando Mark Mossbacher (Steve Zahn) pensa que os havaianos estão dançando para os hóspedes brancos durante o jantar porque querem honrar a cultura deles, e que eles se sentem bem em fazer aquilo.

“Não se deve matar pessoas, roubar suas terras e depois fazê-las dançar. Sabemos disso. Mas é a humanidade. Bem-vinda a América!” 

– Mark Mossbacher 

A série também chama a atenção pela fluidez com que temas considerados polêmicos são abordados, tais como: relacionamento abusivo e machismo, presentes no casal Patton; alcoolismo e carência extrema, como ocorre com Tanya McQuoid; e preconceito, visíveis no comportamento de Mark Mossbacher. Outro assunto que é muito bem explorado, é a posse dos brancos sobre as terras dos havaianos no passado. Um dos funcionários do resort, um havaiano chamado Kai (Kekoa Scott Kekumano), conta para Paula (Brittany O’Grady), que o hotel está construído sobre as terras de seu povo, e que os donos do local não pagaram um valor justo por elas. Agora o rapaz trabalha para o hotel, porque, segundo ele, precisa de dinheiro para viver.

Um dos destaques na série são as duas hóspedes mais jovens, Olivia Mossbacher (Sydney Sweeney) e sua melhor amiga, e de classe social “inferior”, Paula. A princípio, as duas parecem amigas próximas, mas após alguns episódios, é evidente a competitividade de Olivia com Paula, até mesmo com o fato da moça engatar um namoro durante a viagem, e ela não. Como Paula diz: “Ela é minha amiga enquanto tem mais do que eu”. A viagem para elas é puro tédio, até se darem conta de que levaram, sem perceber, uma mochila com drogas. Há ali uma denúncia de como será a nova geração de ricos, com o exemplo de Olívia, que age ao contrário de todas as frases politicamente corretas citadas por ela. 

A esposa de Shane, Rachel Patton, é a única hóspede dali que pertence à classe média, e a única que é possível o espectador se identificar. Vinda de uma família humilde, se deslumbra com a vida de luxo que conquistaria casando-se com um milionário. Apesar de sua carreira como jornalista, não possui emprego fixo, trabalhando esporadicamente como freelancer. Durante a viagem de lua de mel, se sente desconexa daquele mundo, primeiro após um encontro com Olivia e Paula na piscina, e após, em uma angustiante discussão com Nicole Mossbacher.

Em outra passagem, Shane Patton se mostra contrário à ideia de sua esposa trabalhar, ou ter uma vida sem ser subserviente a ele. Quando a mãe dele, Kitty (Molly Shannon), aparece para uma visita durante a viagem de lua de mel do casal e ele expõe esse impasse do casal a ela, a mesma apoia o filho, dizendo que é mais vantajoso organizar eventos, do que trabalhar. Ou seja, não existe satisfação pessoal em ter uma vida financeira independente do marido, só o questionamento da falta de sentido em querer obter dinheiro com trabalho se já tem a posse dele em abundância, sem precisar disso.

É surpreendente a evolução do filho caçula do casal Mossbacher, Quinn (Fred Hechinger) ao longo da série. Logo nos primeiros episódios é retratado como um jovem infantilizado e alienado em jogos de celular. Após a estadia no resort, o jovem passa a aspirar a independência e um modo de vida mais simples, semelhante ao do seu novo grupo de amigos havaianos. A lição passada aqui é que, por mais que uma pessoa seja adaptada às mordomias que o dinheiro proporciona, não necessariamente significa que ela seja feliz.

Talvez o personagem central da série, seja o gerente do resort, Armond, que passa por percalços desde o início, com o parto inesperado de uma funcionária em seu escritório, e após, as desavenças com o Shane Patton, por causa de um erro na reserva de uma suíte. O papel de Armond no desenrolar da trama nos faz perceber aquilo que passa no consciente de muitas pessoas que precisam servir, mas não gostam daquilo, e têm os hóspedes como secretos inimigos. Seu sorriso forçado não consegue esconder o que se passa em seu emocional, e toda a pressão do cotidiano no resort, viria a cobrar um preço caro a ele no futuro.

Há também a conexão entre Tanya e a funcionária do spa, Belinda. Após uma sessão de massagens, Tanya tem uma catarse, e adquire uma relação de dependência com Belinda. Essa relação vai além, quando Tanya propõe abrir um spa, tendo Belinda como sócia. Após alguns dias, Tanya desenvolveu um relacionamento amoroso com um hóspede do quarto ao lado. Desse novo relacionamento, cessam as chances de parceria entre Tanya e Belinda, pois, segundo ela, voltaria ao padrão de fazer uso do dinheiro para controlar e explorar outra pessoa, e isso não seria saudável para ela.

O uso recorrente de humor ácido está em todas as passagens, bem como na mensagem difundida com o desfecho do enredo. Por mais que a série queira nos passar uma imagem de final feliz para alguns personagens, há a consciência de que esse final só é possível para os que pertencem a uma classe social privilegiada. Já os personagens que têm um final trágico, fica a reflexão de que, caso pertencessem a uma família abastada, teriam o mesmo fim, ou seus atos seriam igualmente julgados pela lei e aceitos pela sociedade. 

Ao fim do sexto e último episódio, vemos algumas situações de conformismo, e outras de surpreendente transformação. Porém, chegamos a conclusão de que o mundo é desta forma, cheio de diferenças e injustiças sociais, que muitas vezes assimilamos e aprendemos a aceitar, mas para mudá-lo precisamos bem mais do que o uso de bordões politicamente corretos em conversas entre amigos, e discursos em redes sociais. 

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