Sofia Ferreira Santos

Ao longo de sua carreira, Lady Gaga consolidou-se como uma criadora de extremos: do pop dançante de The Fame (2008) à densidade conceitual de ARTPOP (2013), da vulnerabilidade íntima de Joanne (2016) à catarse eletrônica de Chromatica (2020). Essa habilidade de transitar entre o espetáculo e a confissão, entre o acessível e a experimentação, alimentou expectativas intensas do público e da crítica a cada novo lançamento. MAYHEM (2025), portanto, surge não apenas como o oitavo álbum de estúdio da estrela, mas como uma produção que dialoga com essa herança: um retorno à teatralidade sombria de Born This Way, às canções confessionais de Joanne e à energia catártica de Chromatica. 

MAYHEM ganhou vida além do estúdio durante a Mayhem Ball Tour, uma encenação teatral de proporções épicas. No Brasil, a celebração atingiu seu ápice em Copacabana, com um show gratuito na praia que reuniu cerca de 2,1 milhões de pessoas, tornando-se a maior apresentação já feita por uma mulher na história. Dividido em cinco atos temáticos – ‘ópera gótica’ em formato pop –, a apresentação incluiu suas faixas de maior sucesso, como Poker Face, Bad Romance e Shallow, tudo embalado em visuais grandiosos e figurinos teatrais. Esse momento histórico não só coroou o ciclo do projeto, como reafirmou a capacidade de Gaga de transformar música e imagem em experiência coletiva – com forte ressonância cultural e emocional no país.

Mais do que simplesmente atender às expectativas, a musa as redefine ao entregar uma obra completa que se assume como ‘caos’ – entretanto, trata-se de um caos específico: estruturado, encenado e transformado em espetáculo sonoro e visual. Além disso, como apontou a Zane Lowe durante a entrevista sobre a produção para a Apple Music, esse seria justamente o que a persona Lady Gaga representa para ela. Com esse material, a performer revela múltiplas facetas de sua identidade artística e, sobretudo, uma intersecção singular entre três extremos que apenas ela poderia oferecer ao público: a balada, o amor e o gótico.

A BALADA

Inicialmente, Balada, foi o primeiro tema apresentado aos little monsters (como são chamados seus fãs) sobre a novidade. A faixa se trata de uma colaboração feita com Bruno Mars, Die With a Smile, lançada em 2024, escolhida como última da tracklist. Com esse estilo musical elegante, aborda um amor carregado de emoções, vulnerabilidade e quase melancolia, em que, por tanta entrega, a pessoa deseja, caso o mundo se acabe, estar com quem ama nos últimos instantes e, assim, como o próprio nome da música diz, morrer com um sorriso.

O sentido de discoteca também aparece na obra pelo ambiente em que é reproduzida, especialmente em festas voltadas ao público LGBTQIAPN+, onde grandes hits da carreira da estrela costumam estar presentes. Na nova produção, isso se mantém: o single Abracadabra traz batidas densas e um experimentalismo que favorece a criação de remixes e versões alternativas, aproximando-se da estética sonora do submundo. Esse estilo vem ganhando força nos últimos anos, sobretudo com a festa Submundo 808, criada pelo Coletivo 808 – Produções em Campinas e hoje presente em diversos estados do país, alcançando também projeção internacional.

Além disso, o MAYHEM não tem suas referências presentes oriundas desses ambientes somente pela musicalidade, como também, pela cultura de ballroom, representada pela personagem Senhora do Caos (Mistress of Mayhem), personificada por Gaga e mostrada previamente no clipe de Disease. Neste caso, como no outro videoclipe, ela é mostrada em um conflito com a outra persona – que seria a própria Lady Gaga, porém, neste momento, inicia o videoclipe apresentando uma competição de ballroom, dizendo: “Dance ou morra”.

Essa batalha representa não somente uma luta pela própria vida, e sim, por sua liberdade dentro da indústria musical, refletida em músicas como Disease e Perfect Celebrity, em que a cantora aborda como se sente moldada por esse sistema a ser um exemplo perfeito para a sociedade, e em como essa constante cobrança a afeta. Esse conceito é apresentado principalmente na segunda faixa citada, em que ela expõe que se sente como uma ‘boneca humana de plástico’, obrigada a mostrar-se sempre impecável para que seja vendável, e consequentemente, suscetível também a perder sua personalidade.

Enquanto isso, em Disease, somos conduzidos a outro aspecto dessa excessiva cobrança: o de sentir a obrigação de curar o outro – não apenas seus fãs, mas também a própria indústria musical, que projeta sobre a artista expectativas de regeneração e superação. Ao mesmo tempo, a canção também pode ser lida como uma tentativa de cura de si própria, uma resposta íntima às marcas deixadas pelo constante julgamento e pelas exigências externas que atravessam sua trajetória.

O AMOR

A segunda intersecção – Amor – é abordada como a anterior; sempre com duas facetas: a primeira, em uma busca por esse sentimento, em um sentido existencial, de aceitação e resistência frente a opressão sofrida pela indústria musical como pela sociedade. A segunda, é abordada pela complexidade de uma relação amorosa, como na faixa Blade of Grass, em que, com um tom melancólico, o eu lírico apresenta ao ouvinte uma vivência verdadeira e complicado, além de revelar a profundidade e a poesia desse relacionamento, como pode ser observado logo nos primeiros dois versos: “Namorados se beijam em um jardim feito de espinhos / Vestígios de palavras solitárias, ilusões despedaçadas”, em que se aborda como experiências passadas de dor e ilusão são contrastantes com a atual.

Após versar suas tristezas e dores passadas, em Vanish into You, é mostrado um lado ainda mais vulnerável do amor: uma entrega total. Em que almeja-se a perda do ‘eu’, que constrói muros para a existência de um ‘nós’, tornando tudo uma coisa só. Mostra-se uma paixão que procura uma fusão quase espiritual, em contraste com o individualismo da fama que cerca e assombra Gaga.

O GÓTICO

Sobre a terceira intersecção do disco, o Gótico, é importante compreender que essa faceta se mostra, não somente nas temáticas das canções, mas também na estética do próprio MAYHEM, presente primeiramente em seu título, que poderia ser traduzido como ‘confusão’ ou ‘caos’ – elementos comumente encontrados em obras desse cunho, tanto na música quanto na literatura. Um exemplo notável é a obra Frankenstein: ou o Prometeu Moderno (1818), de Mary Shelley, importante contribuinte para o gótico. Assim como Gaga aborda sentimentos complexos em suas canções, a Criatura criada por Victor Frankenstein também é apresentada como uma personagem multifacetada, sobrecarregada não apenas pelo seu criador, entretanto, por toda a sociedade que a teme – do mesmo modo sentem medo da ‘verdadeira’ singularidade da artista em seu último álbum: ousada, amante, sombria e, principalmente, incrivelmente mutável.

Acerca da estética mostrada, em muitas imagens conceituais do projeto, assim como na capa, Gaga se mostra interseccionada entre três elementos: ela mesma, com uma expressão séria, mas ainda assim, suave; o vidro quebrado, que cobre metade de sua face; além de sua reflexão emitida no vidro de maneira turbulenta. Além disso, toda a idealização visual também explora o gótico, em que, com um primeiro contato com o material, o público logo percebe a coloração, que em sua maioria, é preta e branca, puxada para um tom acinzentado.

Porém, o gótico não é abordado somente com elementos como as cores, pois vai além disso, mostrando, logo na capa, o conceito do álbum, que é sombriamente conturbado, entretanto, ainda assim, amoroso. Ali, mostra-se no vidro, um reflexo de como a cantora se sente em meio ao caos que tenta organizar, tanto em sua vida profissional, como também na pessoal, e, além disso nos clipes de MAYHEM, apesar dos diferentes conceitos, a fuga de si e do sofrimento está sempre presente, assim como em obras sobrenaturais, primordialmente, naquelas do período romântico, onde o escapismo e o sentimento de não pertencimento tornam-se temas centrais.

Para além da visualidade gótica – com elementos além do preto e branco, como turbulência, comparação, medo, morte e fuga –, Gaga também aborda o sombrio desgaste que sente. Em sua volta, falando sobre um final de festa com a canção Zombieboy, aborda-se uma faceta diferente do cansaço: em como ele também pode trazer sensualidade. Em diversos trechos a cantora, além de, primeiro, animalizar a pessoa almejada, quando diz “Coloque suas patas em mim”, como também, fazer referência à sua relação com seus fãs e os paws up de Gaga, em um sinal de união em meio ao caos; e em contraste, aborda o desejo, primordialmente carnal, mas ainda sim, transgressor.

A recepção do disco reforça a ideia de versatilidade que caracteriza o projeto. MAYHEM se movimenta por diferentes registros, do vibrante dance às emocionais canções lentas, passando pela nostalgia dos anos 80 até o gótico performático. A produção equilibra teatralidade, humor e vulnerabilidade, traduzindo as contradições de Gaga em ARTPOP. Essa combinação gerou um certo ‘caos organizado’ na estrutura do projeto, com momentos de grande potência, especialmente nas faixas de abertura, e pequenas irregularidades nas partes mais introspectivas.

Os fãs receberam o lançamento de forma calorosa, celebrando tanto a inovação sonora quanto a ousadia estética. Comparado aos projetos anteriores, MAYHEM mostra uma expansão da paleta musical da artista e reafirma seu papel de provocadora no cenário pop, mantendo o equilíbrio entre entretenimento e expressão artística intensa.

A Balada revela a vulnerabilidade e a delicadeza em momentos de introspecção, reforçada pela versatilidade musical que permite às suas canções ocupar diferentes espaços. O Amor surge como uma busca constante, ora marcada pela entrega espiritual às relações, ora atravessada pela dor e pela perda. Já o Gótico se manifesta tanto na estética sombria quanto na crítica à indústria e às pressões da fama. É no encontro desses três eixos que Gaga constrói a identidade de MAYHEM, reafirmando-se como criadora capaz de transitar entre extremos sem perder a coerência de sua trajetória.

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Arthur Caires

O início da nova era de Sabrina Carpenter começou muito antes do lançamento de Espresso. A reação positiva em cadeia se iniciou no lançamento de seu quinto álbum, emails i can’t send (2022), que possui em sua tracklist a faixa Nonsense com seu outro engraçadinho: “Acordei esta manhã pensei em escrever um hit pop/Com que rapidez você consegue tirar a roupa?”. No entanto, a piada não é nada em comparação com o que viria em seguida nos shows da cantora, que criou uma tradição de sempre mudar a letra final de acordo com o local da apresentação.

No ato de abertura da The Eras Tour de Taylor Swift, em Novembro de 2023, no Brasil, a cantora cantou: “Garoto, venha aqui, isso não é um teste/Ele disse ‘Fique por cima’, eu disse ‘Eu vou’/Aí ele me fez gozar no Brasil”. Assim, a construção dessa identidade ‘safadinha’ culminou no lançamento de seu sexto álbum de estúdio, Short n’ Sweet. O título, “Pequeno e Doce” (em tradução livre), além de poder ser uma descrição da própria cantora, reflete sobre os relacionamentos curtos, porém, intensos, que ela vivenciou.

Desde o lançamento do single Espresso, seguido por Please Please Please e Taste, Sabrina Carpenter vem trabalhando em peso na divulgação do disco. Clipes super produzidos, entrevistas em canais famosos, presença online constante e apresentações em programas de TV fizeram com que a ‘loirinha da Pensilvânia (versão pocket)’ conquistasse o verão estadunidense.

Apesar de estar fazendo sucesso em 2024, a artista começou sua carreira muito antes desse reconhecimento. Na infância, ela postava covers de Adele e Christina Aguilera no YouTube, e fazia pequenas pontas como atriz. Aos 14 anos, Carpenter conseguiu seu primeiro grande papel na série Garota Conhece o Mundo (2014), da Disney, e assinou um contrato de cinco discos com a gravadora Hollywood Records. Os álbuns lançados durante esse período seguiam a fórmula já conhecida de ex-atrizes da companhia do Mickey – salas repletas de compositores em que a cantora não tinha um grande controle artístico.

Em 2021, Carpenter trocou de gravadora, sendo Skin sua primeira música na Island Records. A canção é um dos resultados provenientes do afamado triângulo amoroso entre a loira, Olivia Rodrigo e Joshua Basset. Porém, foi apenas em 2022 que a voz de because i liked a boy lançou emails i can’t send, que funcionou como um reinício de sua carreira musical. O disco, que explora diversos gêneros, apresentou ao público a flexibilidade da cantora e buscou traçar qual seria o melhor caminho que ela poderia seguir, sendo a combinação do pop e R&B de Nonsense e Feather o que gerou mais sucesso.

Para seguir com a tendência, o primeiro single escolhido foi Espresso. Além de ficar facilmente na cabeça, a faixa destaca o humor delicioso de Sabrina Carpenter e introduz a constante quebra da quarta parede que viria no resto do álbum. “Estou trabalhando tarde porque sou uma cantora” e o “Estúpido” seguido de uma risada no final do segundo verso são apenas alguns exemplos da diversão que a ‘loirinha’ cria. Essa característica a torna autêntica e a faz se conectar com seu público, como se estivéssemos dentro de uma piada interna que mais ninguém entende.

Também é possível observar essa qualidade em álbuns contemporâneos como BRAT, de Charli XCX, e The Rise and Fall of a Midwest Princess, de Chappel Roan. Há muito tempo, o pop confessional tem dominado o gênero, principalmente por influência de Taylor Swift, sendo o nicho principal de artistas como Olivia Rodrigo, Gracie Abrams e Billie Eilish. Por esse motivo, é refrescante ouvir novas sonoridades e letras que não se levam a sério. Isso não significa a abolição da melancolia e da ‘sofrência’ que tanto amamos, mas também precisamos aproveitar a futilidade de dizer: “Minhas preocupações estão de férias”.

É excitante dançar e dar gargalhadas ao ouvir Short n’ Sweet. As músicas Good Graces e Bed Chem provocam o ouvinte o tempo inteiro, fazendo-o esperar ansiosamente pela próxima piada sexual, como “Direi ao mundo que você termina suas tarefas prematuramente”. Por cima dessas letras – ou por baixo, como você preferir – a produção traz de volta o R&B das décadas de 1990 e 2000, juntamente dos vocais de Carpenter inspirados na eloquência desafiadora de Ariana Grande. Os responsáveis por esse som são John Ryan e Julian Bunetta, que estiveram em grande parte da discografia de One Direction.

Ainda que o disco seja dominado pelos desejos hormonais, Carpenter traz algumas nuances temáticas, ao mesmo tempo em que mantém a coesão do trabalho. A faixa Coincidence possui elementos do country, que está em alta no momento, e é a autópsia de mais um triângulo amoroso, desta vez, envolvendo Camila Cabello e o gramaticalmente incorreto Shawn Mendes. Além desta, Jack Antonoff consegue capturar mais uma estrela do pop e aparece como produtor de Lie To Girls, uma balada crescente que mostra que para se iludir não é necessário que estejamos em uma relacionamento tóxico – nossa habilidade de se auto sabotar quase sempre se sobressai.

Se há um ponto fraco em Short n’ Sweet é o seu desfecho. O álbum mantém uma coesão ao longo de suas faixas, mas, ao chegar à última, surge a impressão de que algo está faltando para finalizar a experiência de forma mais marcante. A repetitividade de Don’t Smile contribui para essa sensação de incompletude, como se o álbum pedisse um fechamento mais ousado e memorável. Apesar da leveza ser um dos principais atrativos do trabalho, um final mais impactante teria elevado o disco, levando o ouvinte a um clímax maior e oferecendo uma conclusão que conectasse todo o projeto de maneira mais satisfatória.

Ainda assim, Sabrina Carpenter reafirma seu potencial e se consolida como uma das grandes promessas da nova geração do pop. A faixa Juno, a melhor do disco, exemplifica isso claramente. Com uma batida irresistível e um riff de guitarra que imediatamente chama a atenção, a música se molda como uma canção pop perfeita. A melodia do refrão, contagiante e fácil de memorizar, desperta aquela necessidade de cantar junto, como se cada nota e cada palavra fosse uma liberação de energia e emoção, fazendo o ouvinte gritar com todos os pulmões: “Eu estou com muito tesão”.

https://open.spotify.com/intl-pt/album/3iPSVi54hsacKKl1xIR2eH?si=ug584OCJSbaF3JnobQ8l7Q

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Vitória Borges

Desde o início da carreira, Beyoncé elevou não apenas o padrão da música pop, mas também redefiniu os limites de versatilidade e transição entre os gêneros musicais. Dito isso, é inegável dizer que a artista não é uma das cantoras mais bem consolidadas no mundo da Música. Em seu mais recente trabalho, o documentário Renaissance: A Film by Beyoncé, a performer mergulha nas profundezas da criatividade e da expressão artística, e revela uma jornada única conduzida por ela mesma. O longa acompanha o trajeto da Renaissance World Tour desde o primeiro show em Estocolmo (Suécia), até o último ato em Kansas City (Estados Unidos), expondo os altos e baixos dos bastidores da produção de uma das turnês femininas mais lucrativas da história.

Beyoncé Giselle Knowles-Carter é a grande cabeça por trás de todo o espetáculo. A dedicação integral em cada aspecto da produção, sua mente criativa e convicção inabalável em forjar seu legado dominam seu compromisso com o público. Renaissance é meticulosamente dirigido e coreografado pela cantora, que mostra habilidade como diretora e brilha em cada cena do longa, demonstrando um domínio impressionante da linguagem cinematográfica. Assim, ela se solidifica como uma artista que vai muito além dos limites do palco.

Imersa em cada faceta da criação, Knowles-Carter expõe sua visão artística pulsante e determinação incansável por trás das câmeras. Através de uma combinação habilidosa de imagens deslumbrantes, coreografias elaboradas e narrativa poética, a cantora convida o público a testemunhar sua jornada de autodescoberta e empoderamento, dando abertura mais uma vez para sua grande influência cultural. 

Do glamour presente no palco às reflexões íntimas nos bastidores, o filme oferece uma visão abrangente da complexidade de persona pública e privada de Beyoncé. As abordagens cinematográficas não convencionais presentes na produção criam alusões que levam a obra a um patamar diferenciado, guiando o espectador a uma imersão criativa dentro da brilhante mente da cantora. Ela não tem medo de explorar a feminilidade e o poder, e o faz com uma honestidade e vulnerabilidade cativantes.

Entre os closes de looks majestosos e as narrações diante das cenas do documentário, vemos a artista em sua mais pura simplicidade. É nítido perceber que a presença de sua família desempenha um grande papel em meio a isso tudo, já que a todo momento da produção é possível ver os familiares presentes nos bastidores, seja dando ideias ou até mesmo compartilhando grandes e chamativos momentos nos shows.

A inclusão de imagens e momentos compartilhados com seu marido, Jay-Z, e filhos, Blue Ivy, Rumi e Sir, adicionam uma dimensão muito humana e tocante à experiência cinematográfica. Ao mostrar esses momentos de conexão e afeto, Bey revela não apenas sua faceta como um grande ícone global, mas também o seu lado mãe e parceira. A dinâmica familiar retratada em Renaissance: A Film by Beyoncé transmite uma mensagem poderosa sobre a importância do apoio e da união na jornada pessoal e profissional, contribuindo para a autenticidade e a profundidade emocional da obra.

Ao invés de criar um filme direto e que fosse apenas focado em mostrar um show qualquer da Renaissance World Tour, Beyoncé se preocupou em mostrar como o espetáculo foi feito e como cada pequeno detalhe importa. A exploração de temas como identidade, empoderamento e autenticidade adicionam camadas de complexidade à obra, elevando-a para além de um simples registro de performances. 

Uma das características mais marcantes de Renaissance é sua abordagem inovadora à narrativa visual. Beyoncé não mentiu quando disse a famosa frase “You are the visual baby!”, já que seus fãs realmente se fazem muito presentes em diversas cenas do documentário. O apelo visual é verdadeiramente deslumbrante. Cada frame é arrebatador e concebido para ser transmitido de maneira tão sentimental e majestosa que está claro que a cantora criou um santuário de liberdade e alegria para os membros da BeyHive – sua comunidade de fãs. As filmagens dos bastidores e do material de entrevista expõem seu processo de produção e convidam o espectador a mergulhar profundamente na mente e na alma da artista.

O documentário não é somente uma obra visual: a trilha sonora é também uma experiência transcendental. Bey preocupou-se em expandir sua expressão artística em uma mistura vibrante de ritmos, juntamente com letras poderosas que revelam a profundidade e dão significado à história do álbum homônimo, o que contribui para a criação de uma experiência sensorial completa. Assim como numa sinfonia, cada música completa perfeitamente a estética visual do longa e mantém a autenticidade da produção.

É palpável dizer que Beyoncé está vivendo o auge de sua carreira. É possível notar isso em diversas cenas do longa, sendo ela mesma natural e mostrando um pouco de sua originalidade e de jornada pessoal. Em Renaissance, ela conecta elementos tão complexos da própria vida e personalidade que nos fazem lembrar sempre do nosso poder de moldar nosso próprio destino e narrativa. A cantora prova por A + B que toda a sua espera vale a pena.

Ao desafiar todas as normas estabelecidas e abraçar a sua verdadeira voz, Renaissance: A Film by Beyoncé é, sem dúvida, uma celebração de sua extraordinária carreira. É impossível não pensar em como a famosa Queen B poderá superar a si mesma depois desse trabalho. O triunfo do documentário eleva todos os padrões do que é possível ser feito na arte e na expressão criativa e prova mais uma vez que a cantora é uma das artistas mais influentes de sua geração.

Por fim, o que torna Renaissance: A Film by Beyoncé uma obra cinematográfica envolvente e magnética é a forma como não somente trata Beyoncé como a estrela da produção, mas como a artista também preza pela dedicação e preocupação com os bastidores e controle criativo da turnê. O filme por si só busca transcender as fronteiras do convencional e convida o espectador a uma experiência visual e emocional muito intimista, sendo considerado como uma conquista monumental no mundo do Cinema e da cultura pop.

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Gustavo Capellari

Em 23 de Junho de 2013, o selo e coletivo Personal Computer Music, mais conhecido por seu nome encurtado PC Music, disponibilizava seu primeiro lançamento musical, o single Bobby, da cantora GFOTY. A empresa foi fundada pelo produtor britânico A.G. Cook, que um ano antes já testava um protótipo de selo independente, a Gamsonite.

Embora Cook tenha sido essencial para a sua construção, quando ouvimos falar de PC Music, mais do que uma história linear ou um conceito fechado em uma empresa do Reino Unido, é aberta uma multiplicidade de significados, auras artísticas, gêneros musicais e estéticas (im)possíveis da pós-modernidade tecnocapitalista. O decênio do selo não pressupõe que as histórias das mais variadas subversões da música pop mainstream tenham começado apenas em 2013. A construção da PC Music e, juntamente, de gêneros musicais recentes como o hyperpop e o bubblegum bass, é produto direto e indireto da música que os antecede e da que é criada no mesmo período.

Dentre as influências, poderíamos citar a ascensão do uso de sintetizadores, a popularização do electropop, a plasticidade tecnológica do art pop de Björk, a idiossincrasia eletrônica de Aphex Twin e o ecletismo alternativo da indietronica. Já na EDM, é possível pontuar a mistura de estilos do UK bass, ou a forma pela qual o house passou de estilo de nicho das comunidades negras e casas noturnas de Chicago para se tornar um dos gêneros mais comercialmente relevantes da música eletrônica mundial.

Para entendermos o hyperpop, o digicore, o glitch pop e outras cenas e microgêneros relacionados, é interessante refletirmos sobre temporalidades: do mesmo modo que o passado é complexo, o presente também é, pois ambos são compostos por múltiplos eventos que se relacionam dialeticamente. Eventos concomitantes se interconectam e, ao mesmo tempo em que o passado influencia o presente, os eventos contemporâneos também moldam a forma como entendemos e concebemos nossa noção de pretérito (e de futuro). A música é influenciada pelo tempo social, mas ela também o influencia.

A noção de pop futurista poderia ser interessante para pensarmos sobre essas manifestações, mas seria facilmente confundida com o futurepop, um gênero específico que mistura a positividade do synthpop com a sonoridade industrial e visão gótica-apocalíptica da EBM (electronic body music). Embora a ideia de PC Music enquanto um gênero seja instigante, já que há de fato estéticas e sonoridades que são comuns à maioria de seus artistas, ela pode ser tratada como uma central de múltiplos gêneros e expressões artísticas que ultrapassam as fronteiras do pop comercial, o que se demonstra pela variedade de perspectivas que ela comporta.

Nesse sentido, o conceito de pós-pop poderia nos servir para refletir sobre as transformações da Música, dos gêneros e das ciberculturas ao longo do tempo, especialmente durante a década de 2010. O pós-pop não seria uma negação do pop, mas sim uma outra maneira de enxergá-lo, tanto que esses atos ainda são considerados, no geral, música pop. A PC Music não é a única a atuar nesse nicho, já que uma gama importante de artistas com grande relevância na cena experimental, como Arca, 100 gecs e FKA Twigs, não possuem vínculo direto com ela.

É interessante notar que, muitas vezes, mesmo quem não está dentro da PC Music também passa por ela de alguma forma. SOPHIE, cantora e produtora escocesa falecida em 2021, não era vinculada formalmente à produtora, mas colaborava frequentemente com A.G. Cook e GFOTY, por exemplo. Charli XCX, vinculada à Asylum Records, teve múltiplas faixas produzidas por EASYFUN, A.G. Cook e pela própria SOPHIE, além de ter colaborado com Hannah Diamond na música Paradise, do Vroom Vroom EP.

O caráter anglocêntrico da PC também deve ser levado em conta, já que há artistas de outros países e de outros idiomas que não têm a mesma visibilidade. Trata-se de um circuito técnico-artístico que se origina em um dos grandes centros do capitalismo, Londres, e não necessariamente questiona explicitamente o status quo – poderíamos dizer que a gravadora enquanto entidade artística e econômica dá luz a um pop aceleracionista e pós-irônico.

No senso comum, o uso exagerado do autotune na música pop é visto com maus olhos, pois sugeriria falta de talento vocal. No hyperpop, por outro lado, ele é uma das bases de construção sonora das composições. É um gênero pautado fortemente no exagero, na performatividade, no feminino e no andrógino – tanto que vê-se cada vez mais pessoas queer inseridas em suas próprias produções independentes de pós-pop.

Evidentemente, a PC Music não deve ser vista como a única grande impulsionadora dos processos de transmutação da música pop e eletrônica. Ainda assim, é necessário reconhecer o seu pioneirismo, especialmente na cena britânica e norte-americana, e as portas que foram abertas para que os artistas continuem exercendo a sua criatividade e o seu criar, seja dentro ou fora da gravadora.

A popularidade atingida pela PC, mesmo que não se dê no mesmo nível das grandes gravadoras, demonstra que projetos independentes, alternativos, avant-garde e/ou experimentais podem e devem ter seu espaço no mercado fonográfico. A Arte em sua era de reprodutibilidade técnica não é necessariamente uma mera massa homogênea de conteúdo facilmente digerível, amorfo ou sem personalidade, mas tem o potencial de transformar-se, deformar-se, reformar-se.

A criação musical, quando tem um caráter autocrítico, permite provocar e trazer novas experiências e visões por meio de ondas sonoras, que são o meio e também a mensagem. O impacto da PC Music vai além da Música em si – atinge casas noturnas, clubes, shows, instalações musicais, comunidades e até a forma como as produtoras e distribuidoras musicais se organizam e interpretam o processo de criar, promover e entregar a música a seus ouvintes.

Esse arcabouço ciberartístico desestabiliza nossas próprias construções conceituais sobre o mundo da Música. Afinal, o que é o pop? É o gênero que faz sucesso? O que vende? O que tem um apelo comercial, então mesmo se não fizesse sucesso ainda seria considerado pop? E onde entra o pós-pop da PC Music nisso? Talvez nem existam respostas definitivas para essas perguntas. O que chamamos de pop é uma construção abstrata, um conjunto vasto e heterogêneo de diferentes sonoridades e composições, que variam ao longo do tempo – o que é popular hoje é diferente do que era popular 10, 20 ou 50 anos atrás.

Tentar colocar a gravadora em um molde, seja pop ou eletrônico, seria retirar o potencial de inovação, diferenciação e diversidade que se observa em coletâneas como Month of Mayhem e PC Music, Vol. 3. Longe de estar morta, a PC Music, ao se renovar e testar outras possibilidades e artisticidades, com projetos como o de Hyd – parceira de SOPHIE que é o rosto do projeto QT e estreou sua carreira solo em 2021 –, pôde demonstrar que o seu encerramento marca apenas o presságio para novas iniciativas de inovação musical que estão por vir.

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Vitória Vulcano

O ano de 2017 foi marcado pelo início da mais recente reviravolta a atingir o berço de Lady Gaga em cheio. Dialogando com uma crise de identidade, ou surfando na onda de reinvenções prostradas, o gênero que aprendeu a fazer história dominando o topo das paradas vivia uma representação insossa, desmedidamente guiada pelo instantâneo e fragilmente centrada no sucesso de personalidades masculinas. Então, quando o rap assumidamente superou o pop, todos sabiam que não era questão de longevidade; mas, sim, de poder popular.

Manifestada como frescor musical, Dua Lipa foi um dos dezenas de nomes designados para aguar o tal deserto criativo. Os primeiros singles da inglesa já agitavam as rádios europeias um ano antes, investindo em experimentações que uniam metáfora à melodia. Só que mudar – ainda que minimamente – as rédeas da derrocada do ritmo chiclete exigia se colocar para jogo além do compromisso de nivelar sua estreia na indústria sonora. A típica exploração visual e lírica do pertencimento, responsável por estruturar personas novatas nos acordes, dependia da precisão tomada no processo. Curiosamente, entre formas e testemunhas, a caloura Lipa decidiu pela coragem de se autointitular a nova via do pop.

O desenvolvimento artístico surgiu inspirado na instabilidade do contexto, da humanidade e da própria cantora. Independente e multidisciplinar, a filha do rockeiro Dukagjin reverberava Música desde a flor da idade, e não tinha papas na ambição de projetar uma fluidez de arromba, abrangendo de J. Cole a Nelly Furtado. Nesse avançar deslumbrado, o plano custou um repertório relevante e bem ardiloso: ao todo, 160 canções nasceram para o primeiro álbum da artista, Dua Lipa, e seu lançamento sofreu penosos adiamentos no fuzuê de moldar uma tracklist coesa, próspera e original.

Transitando no espaço igualmente desafiado pela pressão interna da Warner Bros. Records, que fincava o pé na urgência de possuir uma estrela feminina global, Lipa revisitou os calos e as delícias de suas composições repetidas vezes. Além da euforia de se fidelizar nos rascunhos e demos, a britânica tentava vingar seu talento frente a um leque de 40 produtores, até então desconhecidos por ela. Escancarada no minidocumentário See In Blue, a ambientação se blinda da hostilidade quando encontramos o empenho caloroso da leonina e passamos a sonhar com ela.

Nesse clima agridoce, restaurando a sede performática que a colocou no radar, a artista transformou os indícios de perdição em sua própria resistência. Pela carne e pelos ossos, a nostálgica futurista permaneceu se desarmando para sentir as incontáveis camadas do cotidiano. Mais do que lidar com o mundano, ela escolheu seus dogmas. Inadmissível seria não chorar por redenção, restituir sua autoconfiança, ter fé no divino, volta e meia dançar com o diabo. Assimilando o perverso – e por que não o angelical? – do além-túmulo, Lipa, enfim, expurgou o fracasso do estúdio se sagrando onipotência de um universo nada maniqueísta e completamente honesto.

“No princípio, Deus criou o céu e a Terra”, e a Genesis inglesa pretende fazer o esforço servir. Longe de se limitar às referências bíblicas, a introdução usa a simbologia intensa para conduzir um aguardado recomeço: a adolescente temporariamente garçonete e modelo morreu; vida se forma para a presente artista. Aquele empurrão para tornar a premonição, profecia. Tanta energia traz dimensões largas de tato e ritmo, constantes na aura do CD e que ajudam no despontar, em sequência, de Lost In Your Light, Hotter Than Hell e Be The One.

A salada emocional da tríade, integrante do compilado de oito singles da era, denuncia, sobretudo, a interessante translação de sonoridade que Dua lutou para construir ao lado de Axident, Digital Farm Animals e Ian Kirkpatrick – contribuintes chaves da produção. O lirismo de Lipa se desenha pela atmosfera astral de um pop cunhado na progressão de melodias, fonte intimamente guiada pelo timbre único da britânica. Inversa às imitações frágeis e caixinhas, até nos tropeços como iniciante a cantora pretende apagar qualquer camuflagem de si mesma.

Combinadas à exploração de variantes musicais, as alegorias feitas para noites, porres e amantes se refugiam em um diário não-linear e revelam o importante caráter do disco homônimo. Agraciada na montanha russa da fama repentina, a co-autora de 21 das 25 faixas do projeto administrava o auge de seus vinte e primeiros anos. Ninguém se prepara para viver no alcance mundial, e ela só queria aprender a crescer (traço notável, principalmente, na evolução de sua filmografia). Na distribuição sazonal de suas mid-tempos, Dua, então, usa o palco para incorporar o destino, se entendendo pessoa pública, jovem e enérgica. Em Dua Lipa, no amor e na tragédia: o que vale, afinal, é extravasar.

A técnica narrativa da cantora se materializa em cada gancho da obra, refletindo uma alma que ora teme, ora escolhe se ancorar na consciência. Dramaticamente dançantes em Begging e destinando batidas amargas à pungente No Goodbyes, os pensamentos recaem na disposição para juntar as tralhas e arruaçar em Bad Together: “Porque, querido, eu tenho sido má, mas os céus me perdoaram”. E é ousando nesse persistente embalo místico que a transparência de Dua se vicia em esbarrar nas alegrias e feridas da realidade, aproximando o conflito entre o contraditório e o vulnerável.

New Rules, Blow Your Mind (Mwah) e IDGAF, hits explosivos da era, investigam justamente o potencial passional do dilema. De carona nas boas e velhas canções de superação romântica, o marketing tramado foi estratégico: enquanto os arrozes de festa pop estendiam a visibilidade e o impacto da inglesa nos charts, versões Deluxe e Complete Edition de seu disco eram criadas. Em sua maioria pontos reluzentes do trabalho, as faixas adicionais de Dua Lipa investem ainda mais no dinamismo como marca da estreia da artista.

Compartilhando da identidade de BLACKPINK, Martin Garrix e Sean Paul, a inglesa balanceou com destreza a sonoridade dark predominante em suas b-sides e os feats promissores alçados nos horizontes eletrônicos. Foi, inclusive, com a sutileza da variação tropical house que a consolidação internacional de Dua continuou forte. One Kiss, produção de Calvin Harris, pegou firme no gosto mundial e anda rendendo, na atualidade, como hino alternativo do Liverpool. No mesmo espectro, o destaque ficou com a irmã mais velha Electricity, que garantiu a vitória da cantora, ao lado de Silk City, em Melhor Gravação Dance do Grammy 2019.

Versando do caos à integridade e desenrolando-se por quatro anos nos holofotes, o nascimento oficial de Dua Lipa na Música não foi revolucionário. Nada na ascensão da britânica era realmente estranho aos olhos e ouvidos de um consumidor ávido, ou ainda casual do pop. E o maior trunfo do processo é não precisar bater nenhuma dessas pretensões. Em uma época recheada de quases, as novas regras da declarada Artista Revelação foram parte do êxito que salvou as boas intenções que norteavam o inferno musical de 2017. A perspicácia de revitalizar o passado com o ritmo de um futuro só seu. Por fim, ela é coroada a cantora mais reproduzida daquele ano.

Meia década depois, o pop voltou a morar nos pódios junto de muitos nomes profissionais e harmônicos, e Dua continua figurando entre eles; agora, com o saudosismo audaz de Future Nostalgia. Seguindo a linha de sonorizar de cabo a rabo múltiplos mundos e sensações, munida de conceitos implícitos e escancarados, a inglesa conserva o dom da inquietude e da reinvenção lúcida que desejamos cada vez mais nos alto-falantes. Simplesmente porque provar de quem sabe a que veio é especial. Passe o tempo que for, do purgatório ao paraíso, sempre é um prazer cantar Dua Lipa.

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Júlia Paes de Arruda

Depois de um impetuoso começo na carreira solo, Joe Jonas decidiu tentar outra forma de permanecer nos holofotes da Música. Com o término dos Jonas Brothers ainda recente, ele se uniu com seu amigo de longa data Jack Lawless para formar o DNCE, junto com a guitarrista JinJoo Lee e o tecladista Cole Whittle. Ainda que seu primeiro lançamento tenha sido uma incógnita, somente em 2016 que o quarteto sentiu seu deleite com a chegada de um álbum autointitulado. 

Embora muita coisa de DNCE possa ser esquecível e, muitas vezes, reciclada, toda a sua aura pende para um lado festivo. Nesse caso, toda a construção imagética e sonora se embasa em cores mais vibrantes, ritmos mais demarcados com a percussão e notas mais agudas. Não há dúvidas que as músicas foram feitas com um só objetivo: dar aquele ânimo em festas para, principalmente, não parar de dançar. 

O álbum começa com uma música de mesmo nome, que serve como uma ponte para o estilo predominante do disco. A vibe divertida não solta a mão do projeto e DNCE introduz esse sentimento com muita energia, especialmente porque tem o funk pop como seu principal gênero. Não é mera ironia que o nome da própria banda, de certa forma, é um anagrama para dance. 

Blown poderia fazer parte da trilha sonora de qualquer filme adolescente, particularmente nas cenas em que o personagem realiza muitas atividades ao mesmo tempo e só temos acesso a uma música ambiente. Isso também pode ser aplicado a Good Day, com uma atmosfera de renovação e positividade. Os arranjos de violão transmitem uma energia otimista e, aliado ao compasso coreografado, torna-a algo gostoso de ouvir. 

Fazendo uma contraposição com essas faixas mais serenas, nos deparamos com Naked. Com versos aglutinantes, simples e repetitivos, a música produz uma sensação meio robotizada. Tons extremamente agudos transmitem uma euforia esquisita e angustiante, de forma a preparar o público para qualquer surpresa. É nesse momento que somos arrebatados com batidas eletrônicas características do álbum, em uma transposição de ânimos repentinos que, no final, se encaixam. 

Contudo, a obra-prima de DNCE é a que tornou a banda conhecida pelo público, ainda que seu nome não seja associado a quem a canta. Cake By The Ocean consegue atingir em cheio qualquer pessoa que a escute com sua batida chiclete e versos mais constantes. Pessoalmente, é a música que consegue ser hit em qualquer verão e a mais difícil de se enjoar devido ao seu caráter dinâmico e sociável. Mesmo que muito tempo tenha se passado, é difícil não se animar com seu refrão viciante. Por causa disso, a faixa chegou no Top 10 em em várias paradas, incluindo na Billboard Hot 100, embora tenha um significado um pouco diferente do literal. 

Apesar dessa construção festiva, o disco também consegue trazer certos graus de equilíbrio com Truthfully e Almost, as faixas mais destoantes de todo o projeto. Com uma entonação de calmaria, as duas canções se assemelham aos trabalhos de Happiness Begins, dos Jonas Brothers. Possivelmente, isso se deve ao fato da presença de Joe Jonas nas composições de todas as músicas de DNCE. Dessa forma, podemos apreciar a demonstração de seus alcances vocais sem estar presos a acordes de guitarras e batidas de percussão extremamente altas, algo que ele desempenha com maestria. 

Mesmo com esse sucesso meio repentino, DNCE não decolou nada muito sólido além de uma excelente música com Nicki Minaj, um single disco solto e um EP desconhecido. Com a volta dos Jonas Brothers, as atividades do quarteto estão temporariamente em pausa. Porém, o próprio vocalista já afirmou que tem total liberdade para trabalhar com os dois projetos em paralelo. Se até mesmo seu próprio irmão preferiu um álbum DNCE ao invés de um solo de Nick Jonas, quem somos nós para recusar o que a banda de Joe Jonas tem para oferecer? Só nos resta celebrar todo o sucesso de DNCE com veludo vermelho, baunilha e chocolate na minha vida.

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Monique Marquesini 

Uma mudança para a cidade grande, encontros e desencontros, cultura nordestina, amizades, música pop, autoconhecimento e protagonistas LGBTQIA+: essas são algumas características do livro de estreia de Pedro Rhuas. Lançado em julho de 2021 pela Editora Seguinte, o título curioso Enquanto eu não te encontro guarda a simplicidade de um romance adolescente junto da amplitude de novas descobertas para um garoto gay, nordestino e calouro na universidade.

A comédia romântica foi publicada pela primeira vez em 2019 de maneira independente pelo próprio autor. Até que, no ano de 2020, Pedro Rhuas foi vencedor da Clipop – um concurso da Editora Seguinte na busca de novos autores no cenário nacional – e assim o livro foi lançado oficialmente no mercado editorial. Após apenas dois meses de lançamento, a obra atingiu a marca de dez mil cópias vendidas e entrou na lista dos mais vendidos da revista Veja. 

Em um livro sobre primeiros amores e descobertas, o autor decide introduzir-nos a história cheia de referências do ano de 2015 – com os sucessos pop de Taylor Swift em 1989 e Katy Perry em Prism e até mesmo os memes de Inês Brasil. Lucas, o cativante protagonista, está em um momento delicado e inconstante da vida: a primeira vez morando sozinho e longe do interior, em Natal, a capital do Rio Grande do Norte. Após a mudança, Lucas tem planos de aproveitar a cidade e a universidade ao lado de seu amigo Eric, mas tudo dá errado quando o amigo começa a namorar, e ele se vê sozinho em um lugar completamente novo. 

Então, para afastar a solidão, Lucas decide ir à inauguração de uma boate, a Titanic, e em meio a um esbarrão sua vida vira de ponta cabeça. Ao resolver ir a essa abertura com Eric e seu namorado Raul, Lucas espera ficar de vela durante a noite toda. Mas, eles vão até lá ao som de algo que consegue unir os dois amigos, música e divas pop. Ao chegar ouvindo Team da Lorde, Lucas está decidido a aproveitar a festa e fazer dela a melhor para si mesmo, sem se preocupar com o fato de estar solteiro e acreditar que o amor não é pra ele, mal sabe o que a noite lhe reserva.

Na boate, um acidente que suja completamente sua roupa de bebida acontece, e o que poderia ser um possível desencontro para acabar com a festa, se torna o melhor encontro de sua vida. Então, o maravilhoso jovem francês Pierre que acidentalmente o sujou, está na sua frente para se desculpar e chamá-lo para tomar um drink. Pierre é como um galã ou aquele sonho de pessoa mas, além do papel tradicional, ele se mostra ao longo da história a ser mais do que um rosto bonito. Fazendo o romance mais real, já que não só a beleza importa para o amor. O encontro dele com Lucas parece ser improvável, mas em meio a um desastre acontece. “Se soubesse que uma calça estragada traria tanta sorte, teria tentado antes.”

Nesse momento, a narrativa de Lucas e Pierre é de dar borboletas no estômago até no leitor. Conversas, risadas, identificação, paquera e diferenças culturais são assuntos da primeira e mais apaixonante noite dos dois jovens. Porém, como nada na vida de Lucas é fácil, mais um desastre acontece, e logo, o naufrágio de suas novas descobertas acontece na Titanic. Por acaso, essa instabilidade no romance e também nos personagens, faz com que o livro seja um refúgio para o leitor, mostrando que grande parte das histórias de amor perfeitas tem espaço apenas dentro da ficção, a trajetória da obra faz com que o real se torne bonito e apaixonante.

A história então, passa a retratar os desencontros da vida de Lucas, e o primeiro deles é não saber se ele voltará a encontrar Pierre. As agressões homofóbicas e as expectativas de gênero projetadas nele durante sua infância, uma briga com seu amigo Eric, suas inseguranças e principalmente os momentos de autoconhecimento de Lucas, fazem a história de Pedro Rhuas única em meio a tantos romances LGBTQIA+, já que acompanhar essa jornada faz com que os leitores se identifiquem com as dificuldades da vida e do amor. “Uma das minhas descobertas foi realmente chocante. A razão pela qual não conseguia me apaixonar era delicada: eu não gostava de mim.”

A escrita do autor faz com que o leitor se apaixone pelo casal desde a primeira troca de olhar deles, e vê-los juntos se conhecendo e se apaixonando é especial. A história se faz necessária, não apenas pelo romance, mas pela importância de relações saudáveis e leves frente à uma realidade muitas vezes dolorida, mostrando que somos dignos de amar e sermos amados. 

Talvez essa seja a maior singularidade dessa história de amor, a improbabilidade, já que mesmo tendo a noite mais perfeita da vida, eles se perderam, e ao se acharem mais uma vez, agora estão distantes. O livro termina com gostinho de “quero mais”, e por isso o autor deixa uma cena extra, na qual uma carta pode mostrar mais uma vez que nenhum encontro é por acaso. Além da carta, o livro conta com uma trilha sonora oficial com músicas autorais do escritor e também cantor Pedro Rhuas. 

A comédia romântica escrita por Pedro Rhuas é absolutamente mais do que esperamos de um romance, é um espaço de celebração para pessoas nordestinas e LGBTQIA+. A história mostra a importância de incentivar a literatura nacional e a necessidade de diversidade nesse espaço. O livro dá visibilidade e realidade a uma narrativa que é sempre colocada em um lugar de inexistência, e assim como a improbabilidade do amor de Lucas e Pierre, Enquanto eu não te encontro é um encontro à possibilidade de representatividade e espaço para quem nunca o teve. 

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