Jamily Rigonatto 

Na década de 1970, a política estadunidense foi marcada por burburinhos e manipulação. Durante a reeleição de Richard Nixon, o Partido Republicano tinha a vitória nas mãos com uma larga escala de vantagem, mas ainda assim resolveu usar de artifícios que favorecessem seu representante. A ideia era invadir os escritórios do Partido Democrata no Complexo de Edifícios de Watergate, e grampear telefones para captar informações confidenciais, além de plantar fotos e montagens comprometedoras que seriam usadas  como uma espécie de chantagem para garantir o sucesso na corrida eleitoral.

A falta de planejamento fez com que tudo fosse por água abaixo e os 5 invasores acabaram presos e marcados pela mídia como parte do “Escândalo de Watergate”. Na época, uma investigação de quase dois anos conduzida por jornalistas do Washington Post levou a história adiante e constatou a ligação entre o esquema de espionagem e Nixon, que não teve muitas escolhas e renunciou ao cargo. Desde então, a narrativa foi contada por diversas obras, sendo a principal delas a do repórter Bob Woodward, no livro Todos os Homens do Presidente.  

Em todas as versões mais populares dessa história, fica apagada a importância de Martha Mitchell e suas desconfianças antecipadas sobre o jogo sujo do Comitê de Campanha de Nixon. Chegando para um rápida e assertiva troca de protagonistas, Gaslit foi a grande aposta da emissora STARZ. A minissérie estreou em abril de 2022 e, sob o nome de um tipo de manipulação psicológica que faz uma pessoa achar que estar delirando, mostra que Martha era muita coisa, mas com certeza não beirava a loucura. 

Interpretando Martha, Julia Roberts remonta uma socialite fofoqueira com excelência e sensibilidade. Se historicamente a personagem era conhecida como a esposa do procurador John Mitchell, em Gaslit ela se mostra com muito mais complexidade. Constantemente rodeada por câmeras, repórteres e entrevistas, ela era para o mundo um poço de futilidade e é essa imagem que permite que sua sagacidade seja pouco levada a sério, e em alguns momentos vista até como inexistente pelas figuras ao seu redor. 

É na pele de Sean Penn que John Mitchell ganha vida. Vida essa tão bem construída que o ator é apresentado com uma aparência irreconhecível. O advogado, além de representar o Partido Republicano, teve participação direta no acobertamento do crime, e carrega o conservadorismo misógino a cada gesto. A narrativa faz questão de deixar claro que são esses valores e a concepção fechada do personagem que não o permitem perceber que olhos e ouvidos muitas vezes dormem ao lado. 

As atuações e a capacidade de seus intérpretes de transformar o que originalmente eram coadjuvantes em excelentes protagonistas sustentam a narrativa. É inegável que o roteiro de Robbie Pickering e Sam Esmail tem uma proposta genial, desenvolvida de forma muito coesa para os poucos 8 episódios da produção, mas acaba sendo o tipo de história com a qual nem todo público se identifica. Assim, se você não souber previamente sobre o que se trata o Escândalo de Watergate, engolir o enredo pode ser mais desgastante do que o esperado. 

Seguindo a linha de inversão de papéis, outros personagens que passam batidos em exposições mais convencionais do evento político ganham sua dose de destaque em Gaslit. Logo no primeiro episódio, Desejo, John Dean (Dan Stevens) e Mo Dean (Betty Gilpin) contracenam um dos diálogos mais importantes e significativos da série. Em um encontro inicial, os dois percebem que os valores dela, alinhados aos democratas, se contrapõem aos dele e sua relação com os republicanos. Esse conflito não se insere por acaso, mas funciona para constituir um presságio do que ancora toda a narrativa: contraste e poder. 

A exploração do controle em Gaslit é um dos seus grandes pontos altos. Colocando a ideia de domínio sempre relacionada ao autoritarismo masculino, o enredo explica o apagamento histórico de Martha sem precisar de muito. Isso se prova pela forma como John se comporta, fazendo ligações, deixando documentos e estudando a defesa de Nixon dentro de casa, sem sequer considerar a esposa como um ser capaz de entender no que ele estava envolvido. 

Quanto ao contraste, este se mostra de forma incisiva e crítica na medida certa. Toda a atmosfera demonstra a desigualdade social pelo qual o país passava, pequenos detalhes e frames curtos são capazes de entregar a invisibilidade de todos os retratos comunitários que fugiam dos parâmetros elitistas. A violência contra moradores de rua, a falta de  saneamento das ruas e o abuso de poder das autoridades policiais são alguns dos encaixes pontuais que denunciam o abismo entre os escritórios políticos e o povo. 

Nos maniqueísmos do homem, Gaslit mostra o quanto não há limites para ambição. Focando principalmente nas atitudes grotescas e absurdas nas quais John Dean e John Mitchell se apoiavam em nome da reeleição de Nixon, cada novo evento tirava todos os pequenos rastros de humanidade dos dois. Esse movimento contribuiu para que, trilhando o caminho contrário, Martha se mostrasse cada vez mais cheia de verdade, sentimento e insegurança. A caracterização do casal Mitchell é um grande bônus na construção desse contraste. Enquanto ele é envolto por grandes quantidades de maquiagem e camadas plásticas, com um ar que chega ao caricato, ela tem uma aparência marcada pela naturalidade.

As relações de violência pelas quais a dama do ministro é submetida também reforçam essa diferença entre os dois. Exposta à vulnerabilidade, agressão e ameaças, ela resiste como alguém cujos machucados são reais. Em um trabalho muito bem feito pela Fotografia, conduzida por Larkin Seiple, os minimalismos das feições e olhares da personagem ganham grandeza para que o público seja capaz de sentir um pouco do que ela sente. 

Essas questões não puderam deixar de serem notadas pela Academia de Televisão, que indicou Gaslit a quatro categorias da premiação de Artes Criativas do Emmy 2022. Entre as nominações da minissérie, estavam Melhor Maquiagem Prostética e Melhor Mixagem de Som em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, ambos pelo episódio Últimos Dias, Melhor Edição de Som em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme ou Especial, por O Ano do Rato, e Melhor Fotografia em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, para Seiple pelo capítulo Desejo. A série acabou não sendo contemplada com nenhuma estatueta das técnicas, distribuídas na cerimônia dos dias 3 e 4 de setembro, já que a caracterização de Sean Penn não foi suficiente para bater o surrealismo da quarta temporada de Stranger Things.

Pelas ruínas da América, Gaslit resiste em perspectivas. Nas novas vozes pelas quais somos guiados ao evento de Watergate, a visceralidade com certeza é uma das grandes protagonistas. Apesar disso, a série não perde em adicionar crítica e humor no ponto exato e consegue se sair bem com uma narrativa que, na medida do possível, flui bem. Afinal, às vezes sair do morno não é suficiente para alcançar a ebulição. 

Em suma, o maior feito da produção fica na sua relação com a atualidade e o grande tapa na cara é saber que, em meio século, as únicas mudanças ficam nos números de identidade. Um mundo comandado por homens brancos cisgênero, com ideais conservadores e olhos que só se abrem para dinheiro nunca foram uma novidade e ainda parecem ser o tipo de história que se renova por mais temporadas do que deveria. Bom mesmo seria se os últimos episódios políticos fossem um grande gaslighting que distorceu nossa percepção. 

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Raquel Dutra

Ao longo de quatro anos, This Is Us se encarregou de retratar as dores e delícias da vida a partir de crônicas da família Pearson. Com seus personagens profundos e reais, explorados numa história livre e sem amarras, a produção da NBC criou seu maior encanto em sua humanidade radical e melodramática, que gerava fortes relações com seu público ao passo em que criava as mais diversas catarses dentro e fora da tela. Alcançando o clamor da crítica e do público com sua fórmula completamente singular, This Is Us não escapou de viver, como qualquer outra narrativa seriada, seus altos e baixos, e com sua bagagem, chegou ao seu quinto e penúltimo ano. 

“O que resta, então, à grandiosidade narrativa de This Is Us?” era a pergunta que rondava a chegada da quinta temporada da série, que já havia trabalhado incontáveis aspectos da vida de seus personagens, com a característica fundamental de transcender até mesmo o tempo para fazer isso. Envolvendo-se em reviravoltas, reflexões sobre o que havia sido o passado e vislumbres do que viria a ser o futuro, o presente da história estava no marco dos 40 anos dos trigêmeos que nasceram de Rebecca (Mandy Moore) e Jack (Milo Ventimiglia), que acontecia ao mesmo tempo em que o núcleo familiar da série lidava, de forma individual e coletiva, com suas muitas questões, e ao mesmo tempo em que o mundo real vivia um dos momentos mais difíceis da história da humanidade em decorrência da pandemia de covid-19.

Como sempre, corajosa em assumir os rumos de sua própria narrativa e nunca receosa em compreender a vastidão de sua matéria-prima, This Is Us propôs a se envolver com o mundo de forma mais direta, abordando os aspectos da vida real de 2020. Assim, a quinta temporada da série abraça o mundo, a humanidade e sua história, continuando com a sua fórmula de traçar questões reais da vida humana sem deixar de tratar as suas tramas complexas. Agora, porém, o conjunto do trabalho apresentado causa um efeito diferente, que responde aos questionamentos sobre o rumo da produção através da conclusão que resta ao seu público ao fim do quinto ano: This Is Us é algo maior.

O novo nível de This Is Us é alcançado através de alguns elementos. O primeiro – e talvez mais importante deles – é o protagonismo de Randall (Sterling K. Brown), que direciona grande parte dos acontecimentos da nova temporada. A partir do gancho narrativo do fim do quarto ano, a trama da vez se inicia logo depois de uma discussão terrível que ele tem com Kevin (Justin Hartley), e embora a relação dos irmãos seja um dos pontos de maior destaque do quinto ano, assim como a individualidade e sonhos de Kevin, a série não se importa em ser parcial e definir Randall como centro da narrativa. E de forma alguma isso é um erro.

A decisão de concentrar a história em sua figura mais complexa, além de assegurar um desenvolvimento merecido para Randall – que reverbera no avanço de muitas outras personagens, garantindo assim roteiros primorosos para os 16 episódios -, também coloca This Is Us no alinhamento perfeito de seus objetivos no novo ano, isto é, se contextualizar de forma mais direta no mundo real. Afinal, não tem forma melhor de refletir sobre as implicações da pandemia de covid-19 e o levante anti-racista de 2020 do que através do membro da família Person que processa o fato de ter sido criado sem qualquer informação sobre seus pais biológicos, enquanto vive distante da mãe e dos irmãos, cria três adolescentes, trata seus problemas de ansiedade à distância e trabalha como vereador negro de um um distrito de maioria não-branca.

E se a inteligência de Randall administra o contexto pandêmico com maestria, a repercussão do assassinato de George Floyd é, obviamente, um assunto difícil para o personagem de Sterling K. Brown. Ao lidar com os noticiários, com as questões de suas filhas, com a relação abalada com seus irmãos e com o comportamento do resto da família – que é repleto de boas intenções, mas exaustivo para quem é colocado na posição de orientar as ações das outras pessoas -, Randall se vê diante de muita coisa e percebe, mais uma vez, que está em conflito com sua própria identidade.

É assim o primeiro episódio de This Is Us depois de um ano como 2020. Levantando debates sobre relações raciais desde Randall se entende por gente, a trama mantém seu compromisso com um dos temas mais importantes da humanidade e não foge de um dos aspectos mais importantes do último ano. O tato é medido, e sem perder seu fio narrativo, o roteiro de Forty: Part One aprofunda a verossimilhança de This Is Us na personagem machucada e cansada que existe no olhar e na fala de Sterling K. Brown. 

O que a história diz na atribulada abertura da temporada é que o filho perfeito está em um estágio avançado de seu processo de humanização. Ou seja, Randall viverá muitos momentos incômodos e o público discordará muito de suas atitudes. À medida em que ele segue seu processo terapêutico, ele mergulha em si mesmo e se distancia das outras pessoas, num movimento contrário a tudo o que conhecemos do personagem mais abnegado de This Is Us até então. 

Mas essas consequências são inevitáveis, como parte de algo muito maior e muito mais significativo para a trama e para a vida de Randall, que numa conexão direta ao que vivemos depois de tantas tragédias no último ano, diz estar “apenas muito, muito, muito triste”. Ironicamente, felizmente, ele (e nós) podemos contar com a inteligência emocional de Beth (Susan Kelechi Watson), que ancora o coração ansioso do esposo e a emoção à flor da pele do público na essência nada perfeita que une perfeitamente todas as coisas em This Is Us: o amor.

A única coisa capaz de reverter a tendência de This Is Us se transformar em This Is Randall é uma força maior do que a humanidade do personagem. Então, entre as idas e vindas e movimentações do destino sobre a história de vida e família de Randall, a trama nos coloca diante da história mítica de Laurel (Jennifer C. Holmes), sua mãe biológica, de frente com a figura mais fascinante e apaixonante do universo vasto de pessoas que já passaram ou passarão pela série. Sempre retratada um amor absurdo pela memória de William (Ron Cephas Jones), agora, ela encerra a injustiça de não se apresentar dignamente em This Is Us através do lindo roteiro de Eboni Freeman e Kay Oyegun (que também dirige o episódio).

“Você tem os meus olhos. Vejo tanta dor neles”

O encontro espiritual de Randall e Laurel cura as feridas do personagem de uma forma que subverte a tradição dos seus ciclos: se antes ele iniciava um novo ano sob uma plenitude superficial que quebrava sua pessoa ao decorrer da narrativa, agora, existe aqui um processo de reconhecer suas dores logo de início e assim ser capaz de juntar os pedaços de sua identidade. E como já é do conhecimento de quem acompanhou todos os anos de This Is Us, a dimensão da personagem de Randall no sistema da série interfere na dinâmica de todos os outros, que a partir da ligação profunda que eles mantêm uns com os outros, encontram os meios para investigarem suas perturbações e encontrarem seus caminhos.

E assim, This Is Us nos leva ao emocional conflituoso de Kate (Chrissy Metz). A segunda parte do trio de irmãos vive uma nova fase de sua vida, marcada pelo amadurecimento de sua relação com a sua mãe, a satisfação que encontrou na maternidade ao lado de Toby (Chris Sullivan), sentimento que faz o casal decidir por ter mais um filho. Entretanto, a gestação é algo arriscado para a saúde de Kate, que opta, a partir do incentivo do esposo, pela adoção. O processo os leva até Ellie (Annie Funke), que segue com uma gravidez sem o desejo de ficar com o bebê, procurando por pais adotivos para a futura criança. 

As experiências de Kate com a mãe biológica de sua futura filha são positivas, mas desatam reflexões sobre a sua adolescência difícil, quando ela viveu um relacionamento abusivo com Marc (Austin Abram), assunto introduzido na quarta temporada que ganha um encerramento aqui. Entre as conversas daquelas duas mulheres, This Is Us lembra de um aborto que Kate realizou quando o pesadelo da relação tinha chegado ao fim em pleno momento de luto por Jack. E diante dessa situação, a narrativa escolhe um caminho muito feliz, tanto na forma respeitosa como retrata essa parte da história de Kate, quanto na forma satisfatória como resolve as feridas do passado da personagem.

O processo acaba por ser um importante vetor para o desenvolvimento de Kate na penúltima temporada de This Is Us. Observando a forma como sente a situação no presente, ela percebe que as coisas não estão resolvidas e que não tem o impacto que ela imaginava, e ao dividir sua aflição com Toby, decide ir, com o apoio dele, confrontar Marc e encerrar de vez essa parte de sua história. Então, um dos maiores atos da personagem em sua longa batalha com autoestima se concretiza bem diante dos nossos olhos – e dos olhos do homem que a destruiu quando ela tinha apenas 17 anos.

Enquanto Randall conclui sua longa jornada em busca de sua identidade e Kate resolve sua difícil relação consigo mesma, a perfeição narrativa de This Is Us direciona Kevin ao início de um capítulo importante da construção de sua história. Continuando a maior surpresa da quarta temporada, o novo pai da família Pearson desfruta da realização de um sonho. Desde a fascinação com os bebês se mexendo pela primeira vez até a determinação em não perder o nascimento dos gêmeos, o irmão mais velho não decepciona e This Is Us entrega o melhor arco possível para o personagem que por tanto tempo procurou seu lugar no mundo. 

A experiência ainda permite a Kevin desenvolver uma forte conexão com Jack (Milo Ventimiglia), o alvo de toda a adoração que compõe a memória mais amada e dolorida de This Is Us. É dele que vem a mensagem mais forte do ano, que parece definir a concepção da série sobre a vida nesta etapa em que busca ir além. Quando o filho mais anseia por ser como o pai, que é cercado pelo ideal inatingível de paternidade e perfeição, Kevin entende por meio de Jack que a questão toda é muito maior do que uma existência sem defeitos. Porque o amor é muito, muito, muito maior que qualquer outra coisa.

E falando de amor, o sentimento que o astro de Cinema desenvolve por Madison (Caitlin Thompson) constrói um relacionamento repleto de aprendizados. Mesmo que a conclusão dos dois não seja de acordo com o planejado, o fim da temporada chancela um processo importante de consolidação de autoconhecimento em Kevin e de autoestima e amor próprio em Madison, que vence alguns dos monstros que enfrenta desde a primeira vez que apareceu em This Is Us.

Ao cruzar todas as suas tramas complexas, This Is Us resolve algumas delas ao mesmo tempo em que não tem medo de desenvolver outras em sua penúltima temporada. E por mais que o quinto ano da série seja significativo para a história, para seu público e para a relação que existe entre ambos, a produção não conseguiu o mesmo efeito no lugar que poderia encontrar seu reconhecimento. Preparando-se para se despedir da TV aberta norte-americana, a série chegou ao Emmy 2021 com apenas três indicações dentre as categorias principais, ainda na tentativa de se recuperar do desempenho decepcionante do ano passado.

Primeiro, o incomparável Sterling K. Brown é mais uma vez nomeado pelo seu trabalho como Randall em Melhor Ator em Drama, categoria que o viu vencer em 2017 e indicado por todos os anos de This Is Us. No âmbito das atuações coadjuvantes, apenas Chris Sullivan conseguiu chegar à disputa do Emmy, enquanto nas convidadas, Phylicia Rashad convenceu a Academia de TV com a pose irredutível de Mama C, a mãe de Beth. Sem indicações para roteiro e direção, a série da NBC conseguiu ser lembrada em Melhor Série de Drama no meio de gigantes como The Crown, Pose e The Mandalorian.

O quinto ano de This Is Us, que busca como nunca antes a forma como as coisas acontecem no mundo real, na verdade demonstra um outro significado: tratar a vida de forma geral não é o seu foco. A atenção da obra se direciona muito mais para a sua própria história e seus personagens, aprofundando, investigando e curando suas pessoas e suas narrativas. Como consequência da relação íntima que construiu com seu público, esse processo ultrapassa a tela e atinge processos catárticos e terapêuticos de quem acompanha as crônicas da família Pearson durante todos esses anos, mas This Is Us é maior que isso.

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Nathália Mendes

Live. Werk. Pose. Essas três palavras falam por si só. Sozinhas elas ganham vida, invadem os ouvidos na voz inesquecível de Pray Tell, se entranham no coração e acendem uma luz que ilumina e aquece cada parte do corpo, dos fios de cabelo aos dedões do pé. Nada mais é capaz de explicar uma série como Pose, porque ela não foi feita para ser descrita, mas para ser sentida. 

Coube à Blanca Evangelista (Mj Rodríguez) e sua família performar uma história real e sofrida de forma belíssima por 3 temporadas – uma década no tempo da trama. Até seu último episódio, a narrativa manteve o equilíbrio entre a tragédia da epidemia de AIDS dos anos 90, e o relato mais puro e belo da comunidade queer dentro dos ballrooms de Nova York. Assim, Pose contou a história da vida de pessoas que a sociedade não quer enxergar, de seus amores à suas dores, e por isso é tão forte e arrebatadora.

Para o seu final, cada personagem ganhou relevância e um desenvolvimento individual. Seus passados são contados para costurar um desfecho enfim, e merecidamente, feliz. Pose ilustra a rede de apoio que a comunidade LGBTQIA+ possui uns nos outros, elucidando o valor da família Evangelista, que nasceu no ballroom e persiste com amor e luta. Sua temporada final fala, acima de tudo, sobre amor e pertencimento, mas não marca o fim e sim uma vírgula na história lendária da série, que concorre em 5 categorias principais e outras 5 técnicas na premiação mais importante da TV.

Com Angel (Indya Moore) e Papi (Angel Bismarck Curiel) noivos e de casa nova, e o filho favorito Damon fora de cena, – pois o ator Ryan Jamaal Swain, que o interpreta, saiu da série após perder a irmã – a Mãe Blanca começa sua última temporada longe da família, mas não sozinha. A protagonista agora auxilia na ala hospitalar que cuida de pacientes com AIDS, isso após quase morrer pela doença no final da segunda temporada, enquanto mantém um namoro com  um dos médicos e começa sua caminhada rumo à se tornar enfermeira. 

O distanciamento da Casa Evangelista foi necessário para que todas as personagens caminhassem com as próprias pernas, e nessa batalha solo percebessem o quão era necessário ter sua família por perto. Também foi a partir dessa premissa que Pose fez, como sempre, uma de suas artimanhas mais brilhantes: pautar conversas necessárias e delicadas, a partir da vida e dos acontecimentos de suas personagens. Nesse caminho, Pray Tell (Billy Porter) se afunda no alcoolismo com o avanço de seu quadro soropositivo, e a família se une para intervir.

Não há atuação aqui: cada pedaço do ator naquele momento vive Pray Tell com todas as forças. Desde que revelou ter HIV, Billy Porter esteve ainda mais conectado com seu personagem. E é um prazer poder estar do outro lado assistindo. O ator já havia sido reconhecido por sua grandeza ao ganhar o Emmy de Melhor Ator em 2019, com a primeira temporada de Pose. Ele foi o primeiro homem assumidamente gay a ganhar a categoria e em seu discurso – um dos mais fortes que a premiação já viu – agradeceu poder estar ali, vivo, afirmando seu direito de também ocupar aquele palco. 

Parece óbvio que atrizes e atores sejam cotados para papéis que compartilhem de suas histórias, mas não para a Indústria que já colocou Eddie Redmayne para viver Lili Elbe – uma das pioneiras na luta trans – em A Garota Dinamarquesa. Como já dito por Viola Davis quando ganhou o Emmy em 2015: não há como ocupar papéis que não existem; e agora que existem, devem ir para artistas correspondentes. Seja com o maior elenco de pessoas trans ou pautando a exclusão familiar de mulheres da comunidade, é Pose quem monta um legado sobre representatividade.

O diferencial para a última temporada foi mostrar a representatividade longe dos holofotes, como ao construir uma família. Além disso, a série aborda em mais de um momento, a problemática da comunidade LGBTQIA+ não se sentir digna do amor. Para Elektra (Dominique Jackson), um episódio inteiro é dedicado à sua história e a pautar a exclusão do núcleo familiar.  “Você nunca irá me enxergar de verdade” grita a personagem para a mãe (Noma Dumezweni) enquanto recolhe seus pertences pelo chão e vai embora. Ela sai da casa da mãe biológica sem nada, excluída da sociedade e da única ligação familiar que possuía. 

Em meio à prostituição e aos ballrooms, Elektra sobrevive até conseguir criar sua própria e lendária Casa, e assumir para si o papel de Mãe. Sua exclusão a levou a querer ocupar o mesmo vazio familiar para outras pessoas. Quando se tornou matriarca na comunidade dos ballrooms, ela continuou lutando – até virar empreendedora e mafiosa na última temporada – para dar tudo o que podia para seus filhos. Sua reivindicação em ser enxergada é um exemplo da representatividade em Pose que contribui para a autoestima de pessoas queer.

Com Angel, a forma de abordar a exclusão foi a partir do acreditar ser indigna de se casar e ter uma família dos sonhos. No meio da terceira temporada e de casamento marcado, Papi descobre que tem um filho de 5 anos cuja mãe morreu. Ali morava o que parecia ser impossível para uma mulher trans nos anos 90, e algo que nunca havia acontecido na comunidade do ballroom: a possibilidade de uma família reconhecida pela sociedade. Logo antes da cerimônia, Angel vê Candy (Angelica Ross) – que morreu na segunda temporada – e conta seu medo em não ser digna de ter a vida dos sonhos, pois não seria justo que apenas ela, dentre tantas meninas trans, pudesse ser mãe. 

O casal ganhou uma festa luxuosa bancada por Elektra, mas através do amor de Angel e Papi que reconforta o coração, Pose vai além. O casamento possui uma representação enorme para as mulheres trans da comunidade, é uma afirmação de que elas podem ser amadas, e para transmitir essa mensagem, todas usaram vestidos de noiva na cerimônia. Por isso, a série é brilhante na forma com que faz representatividade. Sua abordagem é incomum no mundo do Drama e transcende a mera problematização. Esse caráter é um presente, pois nada melhor do que combater a exclusão mostrando que há como superá-la.

Só por existir, um marco na Indústria da TV já havia sido feito por Pose, visto que o produtor Steven Canals demorou a achar espaço para dar vida a seu roteiro.  Mas a série que afirma a existência das pessoas LGBTQIA+ não-brancas, e suas vidas como dignas de serem a pauta principal, chegou ao Emmy já na primeira temporada com a vitória de Porter. Na edição 2021, a história foi feita com Mj Rodríguez sendo a primeira mulher transexual indicada para Melhor Atriz em Série de Drama.

Michaela Jaé merecia o tapete vermelho desde a primeira temporada. Blanca Evangelista era essencial para que a série funcionasse de fato, pois é o vínculo que unia a trama de toda a série. Sua personagem é a tradução explícita do que Pose significa: todas as faces de uma pessoa complexa e contraditória, cheia de perseverança e vendo o mundo com alegria e tristeza. E Mj viveu sua protagonista com muita paixão e verdade. 

A atriz mostrou que, assim como com ela, a caminhada de Blanca para ser enxergada no mundo foi árdua, mas colorida e amorosa. O que ela criou com sua Casa foi essencial para mostrar as pessoas geniais que estão em lugares de exclusão. Desde o início, o empenho de Blanca foi trabalhar a autoestima de seus filhos, sempre lembrando-os que eles eram suficientes para conquistar um futuro. E a terceira temporada chegou para contemplá-los, inclusive a Mãe Blanca, com acontecimentos melhores.

Mesmo que a indicação de Mj ao Emmy 2021 tenha sido histórica, o fato é mais um passo de uma longa caminhada para a inserção de pessoas trans em toda a sociedade. A própria premiação não quis enxergar o elenco transexual de Pose, provando que os anos 80 da trama e 3 décadas depois não estão tão distantes quanto parecem. Mj e Indya já haviam dito à MTV em 2018, no início da série, que a trama não seria o suficiente. Se mostrar a vida sob as lentes da comunidade queer não foi o bastante para o reconhecimento, que dirá para deixar a luta. 

Steve Canals também reconheceu ao The Hollywood Reporter que esperava um cenário muito melhor na TV ao final de Pose. Para ele, a série sempre teve a função de contar o sofrimento e a resiliência dos antepassados para que a comunidade LGBTQIA+ chegasse onde está hoje. E de fato, isso se traduziu na fidelidade da trama com a realidade, a começar pelo envolvimento das personagens com a ACT UP já na segunda temporada.

Os episódios finais mostraram um dos períodos mais fortes de protestos em Nova York contra o Governo Americano e o seu desprezo pela vida das pessoas soropositivas. Nesse momento da trama, Pray Tell já está com seus dias contados pelo avanço da AIDS, e a única esperança aparente é o ensaio clínico do coquetel-HIV. A inacessibilidade de pessoas não-brancas ao estudo é pautada, e Pose mostra a luta do elenco tanto nas ruas, com a ACT UP, quanto dentro do hospital, até Blanca e Pray serem incluídos nos testes. 

Após a reconfortante melhora de Pray, a série segue seu caminho de volta para casa: os ballrooms. Com uma trilha sonora afiada de ícones pop dos anos 80 e 90, Pose manteve sua fidelidade na trajetória histórica da Música desde a primeira temporada. Em seu final, a trilha foi minuciosa para, no penúltimo episódio, ao som de Diana Ross, nos proporcionar uma das mais emocionantes cenas da TV. Ain’t No Mountain High Enough poderia ter sido escrita especialmente para Pray e Blanca declararem um ao outro sua amizade que transcende a vida.

A cena é uma performance no “Refrão Doce da Candy”, categoria de dublagem do ballroom realizada como um tributo à personagem Candy, e tem direito à coreografia com chuva, uma superprodução e muito glamour. A conexão de ambos é fortíssima para formar algo autêntico e emocional, junto à letra de Diana sobre o amor que supera todos os obstáculos. Tudo cantado por Pray nas entrelinhas – como em “apenas chame meu nome, eu estarei lá rapidamente” – para o que viria a ser o seu último, e lindo, dia de vida.

Em Pose, a morte, assim como a vida, é complexa. Não por ser dramaticamente triste, mas por se fazer presente. A morte é um lembrete. Tendo um enredo que se iniciou com a protagonista soropositiva – e mais outras personagens no decorrer – era lógico e esperado que viria uma morte. Para os espectadores, isso se traduziu em assistir suas personagens favoritas definharem, sempre à beira do precipício, entre a alegria do ballroom e uma cena seguinte dentro de um hospital.

Mas nada é de fato lógico para seu enredo complexo, fiel à realidade e semeador de esperança. E o último episódio da série veio com uma lição sobre sacrifício pela sua comunidade. Na luta contra a escassez do tratamento contra a AIDS, Pray morre para dar a Ricky (Dyllón Burnside) seus remédios e a chance de viver. Mas ele segue presente até o último momento quando Blanca olha a nova geração do ballroom e recita as palavras que um dia escutou dele: “é por eles que você continua”.

Pose aproveitou suas únicas 3 temporadas para falar sobre as mais diversas faces do mundo e das pessoas. Isso é uma série, um elenco e uma produção que faz história. Numa verdadeira tradução da vida, seu final costurou um desfecho dolorosamente feliz para suas personagens, e a mensagem de que a comunidade LGBTQIA+ merece viver seus sonhos. Como Billy Porter disse ao receber seu Emmy em 2019, a categoria é amor. Nenhuma outra coisa teria chegado até aqui.

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