Caio Machado

A premissa de Zoey e sua Fantástica Playlist chama atenção pela originalidade. Depois de um evento atípico, uma jovem programadora passa a presenciar números musicais em seu cotidiano, performados por conhecidos ou não. Porém, somente ela consegue ver essas apresentações, onde as pessoas utilizam as músicas para expressarem o que estão sentindo naquele momento. 

Em uma entrevista dada ao The Hollywood Reporter, o criador da série, Austin Winsberg, conta que a ideia surgiu como forma de lidar com o luto pela morte de seu pai, que tinha a mesma doença do pai de Zoey na série. Por causa da doença, não sabia o que se passava dentro da cabeça do pai e começou a pensar “e se ele estivesse vendo o mundo através de grandes números musicais?”. Segundo Winsberg, essa ideia o deixou feliz, mais esperançoso.

Saber disso torna o segundo ano da série ainda mais emocionante e pessoal. Na nova temporada, Zoey também precisa aprender a lidar com o luto enquanto encontra novos dramas e vê apresentações musicais dignas da Broadway, graças ao poder extraordinário que adquiriu no primeiro episódio. No Emmy 2021, a série recebeu 5 indicações nas categorias Melhor Coreografia em Programa Roteirizado, Melhor Direção Musical pelo episódio Zoey’s Extraordinary Goodbye, Melhores Músicas e Letras Originais e Melhor Atriz Convidada em Comédia, para Bernadette Peters.

A segunda temporada da comédia dramática da NBC aproveita que tem um episódio a mais – 13 no total, em comparação com os 12 da primeira – e introduz diversas tramas novas. Dentre elas, vemos a mãe de Zoey, Maggie (Mary Steenburgen), tentando seguir com a vida depois do falecimento do marido, torcemos para que o restaurante de Mo (Alex Newell) e Max (Skylar Astin) dê certo, entendemos o estresse vivido por David (Andrew Leeds) e Emily (Alice Lee) como pais de primeira viagem, observamos o caos interior da própria Zoey… Isso sem mencionar as subtramas.

Pode parecer bastante coisa para uma temporada só, mas a série lida bem com cada um dos personagens que recebem a ajuda de Zoey no decorrer dos episódios; desenvolve os dramas e relacionamentos deles com uma sensibilidade rara, fazendo com que nos importemos com todos na mesma medida, não importa o tempo de tela que tenham. Assim como a protagonista, nós, espectadores, exercitamos nossa empatia pelos dilemas dessa galeria de personagens tão diversos.  

A empatia também está presente na forma como a série incorpora a representatividade LGBTQIA+ na narrativa, especialmente através de Mo, artista incrível, de gênero fluído e grande amiga da protagonista. Em Zoey e sua Fantástica Playlist, a diversidade é celebrada e tratada com naturalidade, como algo capaz de nos fazer melhorar como seres humanos. Aqui, há uma celebração das diferenças que ainda está em falta na TV. Uma das locações da temporada, o restaurante inovador de Mo e Max, MaxiMo, simboliza bem esse acolhimento: além de ter uma equipe formada por pessoas da comunidade LGBTQIA+, o local também é divulgado como um ambiente seguro para aqueles que fazem parte dessa e de outras minorias. 

A temporada também aborda outros temas, como o racismo na indústria da tecnologia e o cuidado com a saúde mental. Os roteiristas reconhecem a complexidade desses assuntos e tratam-os de forma respeitosa e cuidadosa, sem propor soluções simplistas ou alienadas. Traz um olhar que reconhece os problemas da sociedade atual, mas sem perder o otimismo e a esperança. É uma visão apaixonante de se acompanhar, principalmente em tempos de pandemia. 

A pandemia, aliás, não conseguiu abalar os números musicais da série. Mesmo com restrições na produção por causa do coronavírus, as performances estão melhores e mais elaboradas. Os gêneros variam, indo do soul de Black Man in a White World ao rock de Need You Tonight, e o escopo também – há números individuais e outros exigem dezenas de figurantes –, mas todos impressionam pela expressividade das coreografias e pela emotividade que os atores inserem nas músicas. É catártico e emocionante de um jeito que só os grandes musicais conseguem ser. 

Zoey’s Extraordinary Playlist fez bem ao não inserir a pandemia na trama da segunda temporada mas, infelizmente, sofreu bastante com os números da audiência e foi cancelada em junho. Depois de uma movimentação na internet, tanto dos envolvidos na série quanto de fãs apaixonados, foi noticiado que o serviço de streaming norte-americano Roku salvou a série e fará um filme natalino para continuar a história.  

Isso mostra o quanto o caminho esperançoso, otimista e empático da série conseguiu impactar as pessoas. Através de Zoey, sempre disposta a ajudar, vemos o quanto nossos relacionamentos, sejam eles românticos, familiares ou de pura amizade, nos dão força para continuar vivendo nos períodos de grande dificuldade. No fim, depois que os bens materiais desaparecem, o que temos de mais importante é um ao outro. Num contexto tão incerto e amedrontador quanto o atual, uma mensagem como essa é um conforto necessário. Por mais que pareça difícil de enxergar, há sempre uma luz no fim do túnel. Sempre.

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João Batista Signorelli

Quem precisa de cabos? Eles enrolam, estragam, dão nó, e não te deixam sair do lugar. Se isso já é um pesadelo pra mim, que tenho que lidar com um computador que não funciona com internet sem fio e precisa ficar ligado na tomada pra não morrer, imagina para um grupo musical que precisa enfrentar todo dia uma teia de aranha no palco? David Byrne também se questionou, e chegou à conclusão de que dividir o palco com um emaranhado de cabos definitivamente não estaria mais em seus planos.

O resultado dessa simples decisão foi o gigantesco David Byrne’s American Utopia, um show que lotou teatros em 2018 e 2019, em uma aclamada turnê ovacionada pela crítica e pelo público, e que marcou passagem inclusive pelo Brasil, com apresentações em Porto Alegre, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, e no Lollapalooza de 2018 em São Paulo. Paralisada pela pandemia, a performance já tem data marcada para voltar aos palcos da Broadway.

Impelido a registrar a performance, Byrne contatou outro nome de peso para transformar em filme o espetáculo: Spike Lee. A então parceria produzida pela HBO entre o ex-vocalista do Talking Heads e o diretor de Destacamento Blood rendeu seis indicações ao Emmy 2021. American Utopia marca presença ao lado de Bo Burnham, Hamilton e Friends na concorrida categoria de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado),  além de Melhor Direção em Especial de Variedades para Spike Lee, Direção Musical e mais quatro categorias técnicas em Especial de Variedades: Iluminação, Mixagem de Som, e Direção Técnica/Trabalho de Câmera.

Não é a primeira vez que David Byrne é destaque em um filme de um diretor consagrado documentando um concerto seu. Stop Making Sense, de 1986, considerado um dos mais importantes filmes-concerto da história, trazia Byrne à frente dos Talking Heads vestindo o icônico terno gigante, com direção de Jonathan Demme, que alguns anos mais tarde subiria a um outro palco para receber o Oscar de Melhor Direção por O Silêncio dos Inocentes. Spike Lee, por sua vez, já é um veterano dos videoclipes, tendo trabalhado com artistas como Stevie Wonder, Public Enemy, e até Michael Jackson no icônico clipe de They Don’t Care About Us, gravado no Brasil. O encontro destas duas mentes brilhantes resulta em uma das mais expressivas realizações artísticas do passado recente. 

O espetáculo se inicia com Byrne sozinho no palco, sentado à uma carteira escolar, trocando uma caveira por um cérebro e cantando o seu próprio “To be or not to be” em Here. Mas ao invés de refletir sobre o propósito do existir aos moldes de Shakespeare, ele faz uma descrição da geografia do órgão principal do sistema nervoso. O que parece a princípio uma aula de biologia logo aponta para seus desdobramentos mais humanos: através do telencéfalo, nós entendemos o mundo, sentimos, amamos, vivemos. A partir daí, o artista nos leva a uma jornada através da experiência humana, buscando entender aquilo que nos conecta uns aos outros como semelhantes.

Pouco se passa até que ele não se encontre mais sozinho no palco, agora acompanhado por uma legião de músicos e uma dupla de dançarinos-cantores, todos descalços, vestindo ternos cinzas, e sempre ocupando o palco à frente de um único cenário. Em contraponto aos concertos de rock tradicionais, com a tentativa de compensar o tédio de ver os músicos em uma mesma disposição por duas horas com telões cheios de projeções com imagens pra lá de óbvias, Byrne se esvazia de todos os elementos distrativos, e chama a atenção para aquilo que importa até mais do que a própria música: as pessoas. Pois afinal, se existe a música para ser tocada e ouvida, é porque também há, inevitavelmente, seres humanos com o impulso criativo de comunicá-la para seus semelhantes.

As músicas escolhidas são uma mistura de uma seleção de clássicos do Talking Heads como Burning Down the House e This Must Be the Place (Naive Melody), com canções de seu mais recente álbum solo, que também leva o título de American Utopia. Ainda que carreguem conteúdos tão variados em suas letras, elas ainda parecem se encaixar com certa coerência, representando a longa busca que é fruto da tentativa de entender quem somos, como nos relacionamos, ou o que é de fato um lar. Muitas das canções parecem funcionar ainda melhor ao vivo, como é o caso das perguntas retóricas de Once in a Lifetime, que ganham um novo sentido ao ter a plateia como interlocutora.

Não por acaso, o possível desconhecimento do repertório de canções do cantor pouco interfere no aproveitamento da experiência. Voltando ao formato de show convencional, este tende a funcionar com suas limitações em grande parte devido ao engajamento do público com a setlist. A relação entre os artistas e a plateia é intermediada pela música, luzes e pirotecnia, mas Byrne nos mostra que não precisa ser assim. Ele nos pega pela mão, e convida a participar daquela sua Utopia junto com sua trupe, cuja humanidade nunca sai do foco. Mesmo o elaborado jogo de luzes, merecedor de sua indicação ao Emmy, mantém-se fiel à sua missão de dar destaque às pessoas, nunca roubando seu protagonismo. 

Outro aspecto que colabora para enriquecer o aspecto humano de David Byrne’s American Utopia é a abolição dos cabos, substituídos por tecnologias sem fio, o que se torna o maior catalisador de possibilidades criativas para o espetáculo. Livrando-se das amarras limitadoras impostas pelo sistema de som, os músicos têm agora a possibilidade de movimentar-se por todas as direções. As coreografias desenhadas por Annie-B Parson exploram todo o espaço do palco, dando uma unidade àquele grupo de indivíduos tão diversos, e que mesmo vestindo um mesmo uniforme e marchando em conjunto ordenadamente, não deixam de transparecer suas cores e modo de ser, em um raro contexto onde a homogeneidade de um coletivo não ofusca as identidades individuais.

Entre o elenco oriundo de diversos países, em David Byrne’s American Utopia figuram dois brasileiros: o baiano Gustavo Di Dalva e Mauro Refosco de Santa Catarina. Com eles, berimbaus, atabaques, e outros instrumentos nacionais marcam presença no palco. O carinho de Byrne com o Brasil é antigo, já tendo gravado um disco ao vivo com Caetano Veloso, além de ser um dos principais responsáveis pela popularização de Os Mutantes fora do Brasil através do seu selo Luaka Bop, e de ter levado para o exterior diversos nomes da música brasileira como Tim Maia e Tom Zé. Reunindo diferentes culturas através de seu elenco diverso, David Byrne nos dá um gostinho do como seria essa sua utopia.

Tornar o mundo um lugar para todos viverem é um dos principais ideais que movem a performance. E do mesmo modo que a simples rejeição aos fios possibilita uma infinitude de novas perspectivas para a expressão artística no palco, é nas pequenas coisas que fazem grande diferença que Byrne alicerça sua utopia. Exemplo disso é o segmento onde ele, educadamente, demonstra o quão importante é a participação de todos nas eleições, determinantes para o futuro daquele e de todos os países. O engajamento social também se faz presente na canção Hell You Talmbout, uma homenagem respeitosa e solene à Eric Garner, Freddie Gray, Marielle Franco, e às tantas outras vidas negras perdidas para o sistema que deveria protegê-las.

Tal posicionamento justifica ainda mais a escolha de Spike Lee para a direção do projeto. Lee, que vem chacoalhando o status quo desde que Faça a Coisa Certa estreou em Cannes em 1989, oferece sempre um olhar certeiro para os conflitos sociais. O diretor enriquece através de sua lente um show que por si já era espetacular, transportando toda a sua vivacidade para as telas daqueles que não tiveram a oportunidade de testemunhar este evento ao vivo, e eternizando a utopia que, caso não fosse registrada, seria apenas um acontecimento passageiro. O encontro entre David Byrne e Spike Lee, duas vozes tão marcantes de uma mesma geração, não poderia ter sido tão bem-sucedido. 

David Byrne’s American Utopia nos mostra que é possível fazer muito com pouco, e que certos excessos podem se tornar elementos limitadores para a liberdade criativa. Sem cabos e sem amarras, testemunhamos a enormidade de coisas que podem ser feitas em um palco, ou mais do que isso, a enormidade de coisas que podem ser feitas em um palco por pessoas. Pois no final, o que buscamos em uma obra de arte, nos relacionamentos, ou na própria vida, vai muito além de meras emoções ou sensações satisfatórias. Buscamos aquilo que é humano em si mesmo, e que nos revela que também o somos.

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Bruno Azevedo

Após 5 anos longe dos palcos e da internet, Bo Burnham retorna com Inside, seu novo Especial lançado pela Netflix. A produção foi escrita, dirigida e estrelada por ele mesmo no ano de 2020, trancado no espaço de uma única sala e feita especialmente para ser assistida pela tela da sua TV ou celular. Com vídeos de react, cantoria em volta da fogueira, debates sociais com um fantoche de meia e diversos desabafos, o filme é uma grande bagunça organizada na forma de comédia dividida entre músicas e stand-up.

Burnham é conhecido na internet desde que seus shows ao vivo começaram a ser lançados no seu canal do YouTube. Suas músicas em tom sarcástico, piadas ácidas e humor muitas vezes depressivo ganharam popularidade rapidamente e influenciam criadores de conteúdo até hoje. E mesmo que seu portfólio antes desse Especial se resumisse a apresentações diante de grandes plateias, essa experiência se traduziu muito bem no lançamento da Netflix.

O espetáculo é, em essência, um reflexo do estado de saúde mental do comediante no momento da gravação da cena. As primeiras músicas são claramente muito mais animadas, – ele faz diversas canções com críticas ao mundo externo e piadas com o próprio privilégio branco. 

A quarta faixa, How the World Works, é o exemplo perfeito de tudo isso. Ela dá a impressão de ser direcionada à crianças e até conta com a participação de Socko, um fantoche de meia fofo, mas que canta sobre genocídio e dinâmicas de trabalho abusivas.

Outras músicas dessa primeira parte focam muito na rotina do isolamento, como em FaceTime with my Mom (Tonight) ou Sexting. Mas isso muda a partir do momento em que o músico completa 30 anos, na sua sala, sentado ao lado do relógio. É a partir daí que sua depressão, insegurança e loucura ficam mais evidentes.

Toda a insanidade culmina em Welcome to the Internet, onde Burnham canta num ritmo desconcertante sobre o grande caos que é a internet, sobre todas as coisas úteis, macabras, aleatórias, nojentas e interessantes que são feitas para despertar qualquer sentimento em quem vê. “Um pouco de tudo o tempo todo” e “Apatia é tragédia e tédio é crime” são trechos da letra que resumem perfeitamente todo o sentimento da música, feita pra deixar quem assiste levemente desconfortável.

Já a depressão prevalece em All Time Low e Shit, que mesmo tratando da doença e da ansiedade no isolamento em suas letras, têm ritmos animados e acontecem em ambientes coloridos que contrastam completamente com o momento. A troca de um momento sério por uma piada de uma hora para a outra acontece mais de uma vez durante o show, e a iluminação é quase sempre a responsável por esse efeito.

Inside foi produzido como se fosse mais um dos shows ao vivo que popularizaram o comediante. Com tudo sendo filmado no espaço limitado de uma sala, é como se ele andasse de lá para cá sobre um palco em constante mudança. E assim como num show, a iluminação é essencial, utilizada na maioria das músicas e cenas de uma forma diferente e criativa, contando com projetores, globos espelhados, lâmpadas coloridas, holofotes dramáticos e até o celular, que em alguns momentos ganha um papel importante. Não só isso, mas o uso de adereços faz com que o pequeno cenário esteja constantemente mudando a cada cena, complementando as luzes. Até a bagunça dos equipamentos de gravação compõe a fotografia quando a intenção é ilustrar o caos do ambiente.

Mas mesmo que a ideia seja passar a impressão do ‘ao vivo’, isso não quer dizer que a edição não tenha seus momentos de brilhar. O filme tem a consciência de que fala com quem é acostumado com a internet, e isso leva a momentos em que uma música é objeto de um vídeo de react, que se torna objeto de um vídeo de react num loop, ou quando Burnham simula uma live jogando um jogo encenado por ele mesmo. Há momentos também em que a proporção da tela muda seja para simular uma videochamada no celular ou o clássico formato quadrado das fotos do Instagram em White Woman’s Instagram.

Sendo engraçado quando quer, intenso quando precisa e constantemente misturando as duas coisas, Inside parece ter sido feito com o objetivo de falar com aqueles que estão em isolamento há mais de 1 ano. Tratando de assuntos de grande seriedade com muita leveza e bom humor, o show de Bo Burnham é uma brisa de ar fresco necessária em meio ao caos do mundo externo e da bagunça interna da vida de cada um.

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Laís David

Foi impossível sair de 2019 sem escutar sobre Billie Eilish. A jovem dominou todas as paradas com seu álbum de estreia e conquistou uma legião de fãs em todo o mundo. Sua personalidade misteriosa, letras obscuras e energia magnética a colocaram como uma das maiores artistas dos últimos anos. Como um glorioso coming of age de Greta Gerwig, o documentário The World’s A Little Blurry detalha a ascensão de Billie Eilish de forma minuciosa e emocionante.

Sob as lentes precisas do premiado diretor americano R. J. Cutler, Billie revela suas principais dificuldades na própria carreira, entre performances explosivas e transformações que vieram com sua maioridade. Durante os anos de 2018 a 2020, o cineasta acompanhou a artista durante a criação de seu álbum de estreia WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? e a turnê homônima, além de reunir gravações do arquivo pessoal da família.  

Billie Eilish nasceu em um ambiente liberal e criativo. Livre das rédeas do sistema educacional americano, ela conseguiu desenvolver uma personalidade artística e cultural sendo educada em casa. Ela então se aventurou dentro da laboriosa dança competitiva, e, a pedido de seu instrutor, gravou uma música autoral para uma aula e a disponibilizou no Soundcloud. Organicamente viral, Ocean Eyes foi o sleeper hit que deu início à trajetória de Billie. Após uma ruptura em seu quadril cessar a curta carreira na dança, ela percebeu que os palcos eram seu verdadeiro lar.

Longe de grandes estúdios musicais, foi num quarto apertado nos subúrbios de Los Angeles que Finneas produziu a discografia completa da irmã. Sob microfones de qualidade discutível e synths gratuitos, eles conseguiram produzir um álbum completo em menos de um ano. A batalha entre a autenticidade de Billie e a necessidade de um hit mainstream dentro do futuro disco entram em choque no longa. Apesar de autêntica, Billie parece discordar das necessidades da indústria e é assertiva em sua escolha de produzir um álbum que transpareça sua individualidade.

Isso é provado quando um diretor tenta podar suas decisões: o conceito do videoclipe de when the party’s over foi totalmente desenvolvido pela jovem, mas não foi bem traduzido pelo diretor escolhido pela gravadora. Dali em diante, ela decide: ela mesmo produzirá os próprios videoclipes (e aconteceu, já que ela assina a direção de everything i wanted, xanny e Therefore I Am). É incrível enxergar tanta vontade em uma artista tão jovem – geralmente, cantoras da idade de Billie mal assinam composições, quem dirá produções audiovisuais. Seu controle criativo é impressionante.

A fama repentina pode ser perigosa. Artistas muito jovens geralmente não têm a maturidade emocional necessária para lidar com o sucesso de forma saudável, como ocorreu com Lindsay Lohan ou Demi Lovato. Com Billie, é o contrário: o ambiente de suporte familiar que ela se encontra é muito importante e decisivo para sua saúde mental. Cutler mostra isso ao destacar o monólogo de Maggie Bird, mãe de Billie, que destrincha a vulnerabilidade que ela enxerga em sua filha e como a depressão em jovens e crianças não deve ser menosprezada.

A influência da cultura da internet também é muito bem transmitida em The World’s A Little Blurry. A jovem parece planejar seus passos metricamente para evitar repercussões negativas de sua imagem na rede – é quase um olhar crítico sobre o impacto da cultura do cancelamento. Ela se questiona sobre não poder ter momentos ruins, já que sempre está sendo observada – um erro, como ser rude, cantar desafinado ou ignorar alguém na hora errada pode ser terrivelmente fatal para sua carreira.

O documentário também revela o lado menos conhecido da artista – sua pacata vida adolescente. Quando Billie não está cantando em shows esgotados ao redor do mundo, é quase estranho assisti-la agindo como uma jovem comum: chorando por causa de namorados, limpando o próprio quarto ou jantando junto a seus pais. Uma das cenas mais tocantes do longa é a crise de tiques que ela tem na frente das câmeras. Eilish é diagnosticada com a Síndrome de Tourette, um distúrbio neuropsiquiátrico que causa tiques e movimentos involuntários. 

O que mais encanta é que, mesmo depois de anos de carreira e fama admirável, ela continua vivendo com seus pais na mesma casa que aprendeu a tocar violão. Sua independência iminente não conta com o distanciamento de sua família – pelo contrário – eles estão ali para comemorar todas as suas conquistas. A imagem célebre é desconstruída durante toda a obra, principalmente no momento em que a artista explode em lágrimas ao conhecer seu grande ídolo Justin Bieber.

A música de Eilish representa muito mais do que apenas tristeza ou obscuridade. Ela traduz a sua própria geração de forma magnífica – uma geração onde ansiedade, depressão e honestidade não são mais tabus e podem sim ser discutidos normalmente. Em tão pouco tempo, ela se tornou parte da própria cultura e soube administrar tudo de forma saudável e coesa. Billie se conecta com sua audiência de um jeito único e The World’s a Little Blurry é a prova que o futuro guarda ainda mais sucesso para a sua carreira.

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