Florence Welch sabe enganar muito bem. Quem ouve sua voz angelical ou já a escutou seus trabalhos anteriores, como Lungs e Ceremonials, de relance nem imagina que a frontwoman do Florence + The Machine reivindica todas as desgraças sentimentais existentes para si. A princípio pode até soar prepotente e egoísta uma pessoa achar que só ela detém de todo o sentimentalismo do mundo, mas é justamente na ignorância de que nenhuma experiência é única que How Big, How Blue, How Beautiful se torna tão singular.

Ao longo de sua carreira, o grupo desenvolveu suas próprias fases do luto. Em Lungs ela assumiu uma película fantasiosa, enquanto em Ceremonials a dor é tão grande que a fez ir para a igreja, porém nesse terceiro álbum ele se torna extremamente mundano. Tais fases refletem também a sonoridade de era desta trilogia inicial. Lungs é renascentista, Ceremonials é barroco/gótico e How Big, How Blue, How Beautiful é vanguarda moderna. 

Porém, há duas coisas das quais Florence não abre mão: o grandiosismo e a água, que neste registro são quase sinônimos. Quanto ao elemento aquático, a própria cantora disse que, em primeiro momento, o produtor Markus Dravs – que trabalhou com nomes como Coldplay, Bjork e Arcade Fire e que aqui substitui Paul Epworth – colocou um copo de cerveja escrito Water to drink, not write about it (água é para beber, não para compor sobre) no estúdio. No entanto, a astúcia da escrita conseguiu driblar a imposição, visto pelo próprio nome do álbum e também pela faixa de abertura, Ship to Wreck, onde a cantora diz estar construindo um navio para naufragar.

Fica evidente então que há coisas que Florence jamais vai abdicar, e uma delas é a grandiosidade. A banda sempre prezou por uma instrumentação de respeito, seu primeiro trabalho traz uma musicalidade mais crua, quase medieval, já seu sophomore é extremamente pomposo, enquanto aqui ele traz um aspecto mais modernista, que lembra um concerto de Bernstein, resultando na melhor orquestração da carreira do grupo, igualmente massiva, mas que sabe ser comedida nos momentos certos e entra em harmonia com os vocais de Welch, tendo a sonoridade mais rock da discografia.

O resultado é, sem dúvidas, o álbum mais consistente do Florence + The Machine, o que é uma pena, pois, acostumados com todo o expansionismo que a banda propôs em seu início, ele raramente é um dos mais lembrados. Mas isso, de forma alguma, tira o brilho que ele tem. De longe, How Big, How Blue, How Beautiful, em termos de produção é o mais robusto, pensado para ser catártico tanto no estúdio quanto no ao vivo.

Aqui, mais uma vez, o grupo mostra que não está preocupado em ser mainstream, e, ainda sim, conseguem imprimir uma roupagem comercial. E isso, dado às temáticas que Welch – que aqui é centrada principalmente na forma que o processo de superação da cantora afeta a vida à sua volta – aborda é uma tarefa bastante difícil, que, quando bem feita, do modo com que Florence + the Machine faz, dá muito certo.  Ao mesmo tempo em que a lírica dá a entender que a frontwoman não tem problemas em abrir seu peito, desde seu debut eles sempre mascaram tais sentimentos abusando da liberdade poética.

Queen of Peace e Delilah deixam evidente como isso é feito. A primeira, usa de um casal de monarcas que perdeu o filho para falar de feridas internas, que, apesar de cicatrizadas, marcam o eu lírico pela dor. Já a segunda, se apropria da personagem bíblica para abordar a auto descoberta após um período de dependência emocional. Mesmo sendo libertador, a música mostra que quebrar as correntes é tão doloroso quanto estar preso por elas.

Se a produção alcançou níveis não vistos anteriormente, o vocal de Welch não fica atrás. Não há tanta teatralidade quanto antes, mas nesse disco, a já autointitulada bruxa entoa seus feitiços com uma visceralidade que emana ódio e desespero, e bebe da influência de vocalistas fortes de décadas passadas que, não à toa, a deu o título de Stevie Nicks da geração Crepúsculo. Which Witch – talvez um dos melhores encerramentos de um álbum em décadas, por exemplo – vai além e pinta a intérprete realmente como a Feiticeira Escarlate, capaz de destruir todos a sua volta apenas com sua voz sofrida, moldando a realidade de quem a ouve.

A força de Florence + The Machine sempre pairou na forma como o grupo nunca teve medo de apresentar suas fraquezas ao mundo e desafiá-las. E How Big, How Blue, How Beautiful potencializa isso a enésima potência ao trazer uma carga de humanidade para a discografia. Períodos de luto e superação podem parecer apocalípticos, ainda mais os representados por Florence Welch, mas, a partir de suas obras fica claro que a dor é implacável e, com a guarda alta ou não, tem que enfrentá-la com as armas disponíveis, nesse caso, é a Música. Se o abismo, por mais lindo e gigantesco que seja, te encara, não se pode somente encará-lo de volta, mas é preciso botar medo nele e, se for o caso, mergulhar.

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Bruno Andrade

Muitos estariam mentindo se não assumissem que gritaram loucamente o refrão de Sex on Fire em alguma ocasião. Mas há tempos que o Kings of Leon se distanciou daquele som envolvente de 2008, e essa distância não ocorre somente pela medida do tempo, ficando evidente em cada novo álbum que se trata de uma escolha. Lançado em março deste ano, When You See Yourself, oitavo disco do grupo, acena para o rock alternativo de seus anos de ouro, mas, diferente dos antecessores, traz o amadurecimento como força motivadora.

Não é de hoje que os integrantes do Kings of Leon – esse projeto familiar formado pelos irmãos Followill e pelo primo, Matthew – acenam para o passado. Caleb Followill (vocalista e guitarrista base) sempre trouxe em suas letras conteúdo intimista e particular, em uma visão naturalmente nostálgica. Porém, em When You See Yourself, diferente dos álbuns anteriores que mesclavam essas referências pessoais com outros temas, encontramos o Kings of Leon construindo todo o cenário soturno e íntimo que músicas predecessoras habitaram – é quase como dar uma casa a essas canções melancólicas que vagavam isoladas. 

Segundo Caleb, When You See Yourself é o disco mais pessoal do grupo, e parece ter sido produzido para possibilitar experiências tanto nos fones de ouvido como nos alto-falantes de estádios lotados, embora essa experiência tenha sido suspensa pela covid-19. Com produção de Markus Dravs – famoso por vencer o Grammy e trabalhar com Arcade Fire, Björk e Coldplay –, o CD tem uma aura fosca, com letras enigmáticas e poéticas, encaixando-se perfeitamente na boca de seus fãs mais assíduos, mas também na dos turistas de primeira viagem.

Agora, entre nós, eu estaria mentindo se não revelasse que cheguei ao Kings of Leon através de Use Somebody. Embora já tivesse presenciado os diversos covers que algumas bandas de bar fazem de Mollys’s Chambers, e já conhecesse Sex on Fire, foi o clipe contemplativo e ao mesmo tempo transcendente de Use Somebody que me fez procurar a banda. Parecia, ao ver aquele clipe, que o grupo entregava os dois lados da moeda. Depois da bebedeira de Sex on Fire, surgia essa espécie de ressaca, na qual questionar os motivos que te levaram à noite anterior são recorrentes. As duas faixas alteravam-se na programação da MTV, e não demorei para perceber que o Only By The Night (2008) era, à sua maneira, um álbum precioso, e um marco para o quarteto.

Essa foi a obra que entregou dois Grammys ao Kings of Leon, e colocou faixas na trilha sonora de Gossip Girl. O esperado era que seguissem pelo caminho aberto nesse novo projeto, levando em conta que o grupo já estava no seu quarto trabalho, sucedendo Because Of The Times (2007), Aha Shake Heartbreak (2005) e Youth And Young Manhood (2003). Três álbuns diferentes, mas que ainda se interligavam através de uma visão mais mainstream – as faixas pareciam ser planejadas para emplacar, e emplacaram. 

Essa simples amostra da primeira metade da carreira de Kings of Leon evidencia como o quarteto largou aos poucos seu lado mais country, presente fortemente no primeiro disco – uma origem inevitável devido a cidade de Nashville, local onde os integrantes cresceram e onde esse gênero ainda é muito presente. Mas, depois do sucesso esmagador de Only By The Night, o grupo começou a explorar novas sonoridades. Canções expansivas e reflexivas dominaram Come Around Sundown (2010) – como nas faixas The End e Pyro –, o típico rock-de-arena definiu Mechanical Bull (2013), principalmente nas canções Supersoaker e Don’t Matter, e o pop melódico de WALLS (2016), com os hits Waste A Moment e Reverend, projetou a banda em um novo cenário.

Porém, em When You See Yourself – deixando o pop de lado –, o grupo evoca seu rock alternativo inicial, dando origem a um ciclo, e prioriza traços orgânicos nas canções. O CD traz as linhas de baixo de Jared Followill com poucos efeitos; oferece a bateria crua, competente e pouco barulhenta de Nathan Followill – quase como para marcar o tempo, com poucas viradas e utilizando o prato de condução como prioritário, diferente dos álbuns anteriores, onde os pratos de ataque e o hi-hat aberto marcavam a condução das músicas, a exemplo de Tonight e Four Kicks –, guitarras aconchegantes de Matthew Followill e a voz característica de Caleb.

Algumas de suas faixas foram escritas há alguns anos – Supermarket, por exemplo, foi escrita 10 anos atrás –, mas ganharam novos significados devido à pandemia e aos recentes protestos nos Estados Unidos. Como Caleb revelou, When You See Yourself é, de certa maneira, uma reflexão, e fica difícil não refletir sobre o que está acontecendo. The Bandit é a faixa que mais dialoga com trabalhos anteriores do grupo, e, se tratando de algo que pretende refletir sobre o passado, acenos a álbuns anteriores não poderiam faltar. Ela é uma das melhores do disco, ao lado de Time in Disguise e Stormy Weather, canção que novamente é protagonizada pelo baixo de Jared, com linhas interessantes que dão vazão à voz de Caleb.

O álbum se inicia com When You See Yourself, Are You Far Away, faixa que transmite o tom do CD, começando lentamente e mantendo certa brincadeira entre o baixo e a guitarra. O encerramento fica com Fairytale, mas essa canção não transmite qualquer teor de fim. Além de nos fazer verificar se essa realmente foi a última faixa, faz lembrar Walk on the Wild Side de Lou Reed, e dá a impressão de ter sido colocada no final para causar um efeito de continuidade, ou infinitude. Porém, ao deixar essa abertura no fim, também causa a impressão de ser descartável em When You See Yourself.

De algum modo, a reflexão proposta em When You See Yourself sempre acompanhou o grupo, mas nunca houve algo dedicado somente a esse olhar mais profundo e pessoal sobre a trajetória do Kings of Leon. Há tempos Caleb mencionava algo mais maduro, menos barulhento e mais concentrado em suas letras, mas não parecia haver sintonia, ou talvez não fosse a hora. 

Dessa forma, o disco é construído sob o cenário duvidoso da memória, mas ganha novos traços em tempos de isolamento social, transportando qualquer um a suas próprias lembranças. O interessante é observar que aquele grupo dos clipes da MTV amadureceu, como todos nós fazemos um dia. É nostálgico na hora certa e no lugar certo. Esse é, de fato, o grande diferencial desse álbum.

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