Anna Clara Leandro Candido

“Minhas riquezas e tesouros? Se vocês quiserem, eu os deixo pegar. Procurem por ele, deixei tudo naquele lugar!“. Foi com essa icônica frase que uma jornada de mais de 25 anos começou. One Piece, série produzida pela Netflix, é a adaptação em live-action do mangá e do anime homônimos criados por Eiichiro Oda em 1997. Com oito episódios, a produção enfrentou grande resistência do público antes mesmo de seu lançamento em Agosto de 2023. No entanto, apesar dos cortes de conteúdo e da simplificação de algumas tramas, a adaptação do famoso pirata elástico não apenas agradou os fervorosos fãs de longa data, como também atraiu novos companheiros para essa jornada rumo à Grand Line.

One Piece conta a história de Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy), um garoto que deixou sua vila com apenas um barco furado e um sonho: encontrar o tesouro do famoso Gold D. Roger e, assim, tornar-se o Rei dos Piratas. Seu carisma, espírito aventureiro e sua autoconfiança tocam o coração de vários personagens ao longo do caminho, reunindo amigos que se juntam à sua desafiadora aventura. Entre eles, estão:  o espadachim Roronoa Zoro (J.J. Jr. Mackenyu), a ladra astuta Nami (Emily Rudd), o contador de histórias Ussop (Jacob Gibson), e o habilidoso cozinheiro e mestre dos chutes Sanji (Taz Skylar). A trama mostra o início dessa aventura, ou seja, como cada um se conheceu e como decidiram buscar seus próprios sonhos e ambições juntos.

Não se pode falar de One Piece sem, primeiro, contextualizar algumas coisas. A mais importante é a magnitude e a relevância da trama. Com 26 anos de publicação na Weekly Shōnen Jump, o mangá superou até mesmo Batman em número de cópias vendidas em todo o mundo. O anime, com mais de 1000 episódios, foi produzido pela Toei Animation e possui uma legião de fãs. Apesar do histórico de sucesso, quando a Netflix anunciou em 2015 que estava produzindo um live-action, a recepção da notícia não foi das melhores por parte dos admiradores de longa data. Porém, após sua estreia, a série foi ovacionada tanto por aqueles que acompanham o título original quanto pelo público que desconhecia a obra.

Logo nos primeiros minutos da produção, podemos perceber que os produtores Marty Adelstein e Becky Clements, ao lado do autor Eiichiro Oda, conseguiram trazer com maestria o mundo de One Piece para a nossa realidade, aproveitando-se de uma linda direção de Fotografia, feita pelas mãos de Nicole Hirsch Whitaker, que só acrescenta à beleza desse universo. Outros desafios foram: tornar os oceanos repletos de enormes monstros marinhos, usar caracóis como telefones e, até mesmo, transformar as ilhas exóticas da história em algo que parecesse real. A equipe cenográfica não apenas realiza essas tarefas com sucesso, como também respeita o material original, ou seja, evitam criar um mundo realista que perca a cor e a vivacidade dos ambientes e personagens, como ocorreu em outras adaptações, a exemplo de Death Note (2017).

O live-action se destaca notavelmente pelo respeito e cuidado com os personagens, especialmente através de atuações marcantes. Iñaki Godoy brilha como Luffy, capturando com maestria a essência carismática do protagonista, enquanto Mackenyu Arata oferece uma interpretação precisa de Zoro, demonstrando seu conhecimento e experiência. Emily Rudd entrega uma interpretação cheia de carga dramática como Nami, transmitindo habilmente as nuances da personagem. Já Jacob Gibson encarna seu papel com Usopp com leveza e diversão, e Taz Skylar se destaca ao combinar charme e carisma como Sanji. Inclusive, o comprometimento de Skylar com o papel é evidente, especialmente ao realizar todas as cenas de luta sem dublês. Dessa forma, a diversidade de talentos e a profundidade das atuações contribuem significativamente para a riqueza da adaptação.

Por falar em lutas, as coreografias de One Piece não decepcionam. Desde as batalhas de espadas de Zoro até os socos de Luffy e os chutes de Sanji, os duelos são executados com maestria e dinamismo. Isso é essencial, já que, embora o personagem principal seja um pirata que estica, não se pode depender de caros efeitos especiais o tempo todo. Estes, aliás, estão muito bem feitos, considerando a complexidade de se adaptar poderes elásticos e habilidades como a capacidade de desmembramento. Embora o CGI tenha algumas falhas e ocasionalmente leve a cenas em ambientes totalmente escuros ou com pouca luz, isso não prejudica a experiência do espectador. Pelo contrário, é tão bem executado que torna crível a existência de um homem de borracha.

O roteiro, escrito por Matt Owens, um grande fã da série, e Steven Maeda, produtor de Lost, segue os principais eventos da história original de forma notável. Eles fazem um ótimo trabalho ao adaptar 45 episódios em oito, mantendo a essência da narrativa presente em cada quadro, ao mesmo tempo em que a ajustam à linguagem seriada. Os capítulos têm um ritmo dinâmico: alternam entre o presente e o passado dos personagens. Isso cria uma história envolvente que atrai aqueles que não estão familiarizados com a cadência narrativa dos animes.

No entanto, algumas mudanças na história do live-action ocasionaram a diluição de personagens e arcos que, na obra original, possuem um peso dramático considerável. As vilas visitadas pelos Chapéus de Palha e seus habitantes se tornaram um mero plano de fundo para o vilão da vez. Dessa forma, a história progride sem explorar o sofrimento dessas pessoas e o impacto que a tripulação causa ao passar por elas. O personagem mais prejudicado por essas alterações foi Usopp. Ele teve menos tempo de tela e relevância em seu próprio arco. Dessa forma, houve uma falta de desenvolvimento adequado de seu sonho e de sua motivação para explorar os mares.

Embora em menor escala, o mesmo acontece com os arcos de Sanji e Nami, que acabam sofrendo com a narrativa hollywoodiana de pensar que o público não é capaz de interpretar as nuances e o peso de uma história mais complexa e subjetiva. No original, o restaurante e a vila onde cada um vive desempenham papéis ativos em ambos os arcos narrativos, adicionando complexidade ao inserir os sentimentos e as expectativas de mais pessoas. Contudo, no live-action, essa participação é reduzida e os personagens secundários passam a ser muito mais parte da paisagem do que do enredo. Com o anúncio da segunda temporada, só nos resta esperar que os produtores levem em conta esses pontos e adaptem os próximos arcos em toda sua complexidade, principalmente porque os novos fãs serão apresentados à Alabasta, uma das sagas mais políticas e importantes da obra original.

A dublagem brasileira é outra joia da obra e acrescenta à experiência de assistir One Piece. Com o retorno de todos os dubladores do anime – com exceção de Luffy, dublado no anime 2D por Carol Valença e, no live-action, por Vyni Takahashi – as traduções das falas para o português ajudam a caracterizar e aproximar os personagens do público, além de arrancar algumas risadas. O elenco conta com nomes de peso como Wendel Bezerra (Sanji), Adrian Tatini (Ussop), Tatiane Keplmair (Nami) e Glauco Marques (Zoro), todos executando um ótimo trabalho a cada fala. 

Por fim, One Piece: A Série é o live-action que quebrou a maldição e, apesar de ter algumas áreas a serem aprimoradas, agradou tanto os fãs quanto aqueles que nunca imaginaram que uma história sobre um pirata de borracha pudesse ser tão envolvente. É uma narrativa que proporciona diversão e emoção para qualquer pessoa, seja ela criança ou adulto. One Piece é uma série de aventura que traz em seu coração as batidas e emoções da liberdade.

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Thuani Barbosa

Em meio a lutas épicas, a busca por uma cura desconhecida e a construção de amizades improváveis, Tanjiro Kamado tece sua história repleta de coragem, bravura e sensibilidade. Assim, se cria Demon Slayer (originalmente: Kimetsu No Yaiba), anime que segue seus conterrâneos Attack on Titan e Naruto, que trabalham com narrativas recheadas de sentimentalismo fraternal e batalhas sangrentas, tudo em um só combo. O resultado é uma mistura que conquistou não só o público asiático, mas rompeu barreiras e alcançou o ocidente.

O lançamento da animação japonesa chegou às telas brasileiras em 2019 e, em 2023, alcançou a marca de três temporadas entregues ao público, sem perder a qualidade e adicionando melhorias à trama. Fazendo com que o espectador fique refém da narrativa e ansioso pela quarta temporada, já confirmada pelo diretor Haruo Sotozaki. Entretanto, o nascimento da saga aconteceu bem antes, em 2016, com a publicação do primeiro mangá.

Escrito pela mangaká Koyoharu Gotouge, a autora e ilustradora passou por poucas e boas até assumir sua criação. No Japão, é comum que artistas mulheres recebam menor atenção, por isso, Gotouge opta por manter seu gênero escondido atrás de uma persona: um crocodilo de óculos. Até o momento, a artista não publicou nada que se distanciasse do universo de Demon Slayer, mas a possibilidade anima o público.

A obra se inicia apresentando a família Kamado, composta por sete integrantes: Kie, a mãe da família, os irmãos mais novos Takeo, Hanako, Shigeru e Rokuta, a irmã Nezoku e o protagonista, Tanjiro Kamado. Tanjiro segue a profissão ancestral de carvoeiro e ajuda sua mãe nos cuidados de casa, que cria os filhos sem a presença paterna. Mas a vida tranquila dos Kamado não passa nem do primeiro episódio.

Após um dia de trabalho, Tanjiro Kamado encontra sua família brutalmente assassinada por um Oni, desde os pequenos até sua mãe, mas percebe que sua irmã Nezoku sobreviveu ao ataque. Entretanto, a vida dela não é a mesma, agora acometida por uma maldição que a transformou em um ser irracional e com sede sangue. Porém, nem a morte provável consegue afagar o amor dessa família e o protagonista parte em uma jornada de vingança e procura pela salvação dos poucos familiares que lhe resta.

Cheia de acontecimentos inteligentes e emocionais, a primeira temporada dá a base necessária para que a trama se construa em um solo firme e alicerçado. O treinamento de Tanjiro com o mestre e Hashira aposentado – o mais alto posto que um caçador de Onis pode alcançar, recebendo tratamento especial e privilégios –, Sakonji Urukodaki, é exemplo disso, pois é quando é possível conhecer a determinação ardente do protagonista. As sutilezas de sua energia espiritual também são mostradas ao se conectar com Sabito e Makomo, que o preparam para a seleção final, sequência que pode ser considerada a parte mais assustadora de todo o anime.

Após a aprovação, a jornada de trabalho é iniciada, carregando consigo a caixa de madeira resistente à luz solar com sua companheira de viagens e, no futuro, nas batalhas. O caminho deles se cruza com o de Zenitsu e Inosuke, dois caçadores de Onis excelentes, mas com personalidades um tanto quanto excêntricas. Apaixonado, sensível e medroso, Zenitsu é um caçador improvável, sempre chorando e firme na negação de seu talento, uma vez que é acometido por um sonambulismo que desconhece. Porém, forçado pela memória afetiva de seu avô que o ensinou a dominar a técnica da respiração do ar, ele permanece lutando.  

Já Inosuke, um aparente híbrido de javali com humano, foi criado em meio a selva e é o mais imprudente deles, desesperado pela batalha e para exibir seu porte atlético, grita e desafia a todos a sua volta, com sua potente técnica da respiração da besta que ele mesmo criou. No decorrer da narrativa, o inesperado acontece: Inosuke se mostra amoroso e quase dependente da amizade que construiu com os outros meninos e pela pequena Nezoku.

É na construção da amizade com os outros e no amor por sua família que nos familiarizamos com Tanjiro Kamado. Amoroso, paciente e delicado são adjetivos pequenos para descrever a personalidade de alguém tão humano e admirável. O respeito dele com os próximos se excede até para com os Onis, mesmo que esses sejam inimigos incontestáveis, e o protagonista consegue respeitar a autenticidade de cada um. Com uma memória exemplar, faz questão de agradecer a todos que o ajudaram e carrega consigo um pedaço de cada pessoa que ama. No início da trama, nem se pode imaginar o quanto a caminhada dele vai mudar lindamente.

Ao longo da produção, conhecemos os Hashiras, que são considerados os espadachins mais habilidosos e, comumente, já mataram algum dos 12 Kizuki; cada um deles possui uma técnica própria e uma história pessoal que marca a personalidade. Esses por sua vez, fazem parte dos demônios mais fortes; geralmente recebem mais sangue do mestre Muzan e são subordinados próximos dele, além de terem mais tempo de tela e maior dedicação ao desenrolar de suas vidas passadas, o que mostra o respeito do anime com todos os personagens, sejam eles bons ou ruins. 

Durante as batalhas, os Hashira utilizam técnicas de respiração derivadas das técnicas ancestrais do fogo ou da água, ou cultivam suas próprias técnicas de respiração que conversam diretamente com suas peculiaridades individuais. Já os kizuki são divididos em dois grupos: os superiores e os inferiores. Ambos são extremamente fortes, mas os superiores são praticamente uma espécie de guarda especial de Muzan Kibutsuji. 

A ancestralidade é algo essencial para o desenrolar da trama e isso se mostra mais ao longo do filme Mugen Train (2020) – que é quase uma temporada –, e da segunda temporada, intitulada Entertainment District Arc. A divisão da animação pode confundir muitos fãs, mas sem o longa a compreensão dos acontecimentos seguintes fica difícil, pois algumas lacunas só são preenchidas por cenas dele.

Em Mugen Train, um marco divide a história: a morte de Kyojuro Rengoku, o Hashira das Chamas. Com o falecimento do recente mentor do trio de amigos, Tanjiro se mostra ainda mais empenhado em vencer os Onis, influenciado por seus motivos pessoais, a morte de Rengoku e os conhecimentos acerca de seus ancestrais e as técnicas de respiração que eles dominavam. É nesse momento que um plot twist acontece: o espectador percebe que a dança que o pai do protagonista fazia estava muito além de mero lazer e esconde o poder que acompanha a família a gerações. 

A ancestralidade de cada um dos personagens tem se mostrado vital para a continuação da trama, além de ter sido lindamente introduzida com a implementação de tatuagens nos caçadores. Nas primeiras temporadas, sempre se conhecia mais dos Onis com suas mortes, mas no ponto atual, a cada batalha os mocinhos precisam de mais força e habilidades, que têm sido encontradas nas lembranças ou até fatores desconhecidos que pincelam familiaridade. Esses detalhes exalam potencial e conseguem prender o público de forma inebriante na trama, que sempre se renova, mesmo não seguindo os desejos de quem vê. Surpreendendo positivamente a cada reviravolta.

É fundamental elogiar a ótima qualidade da adaptação e o quão variados são os gráficos, diferente de muitos animes que ‘copiam e colam’ o que se passa no mangá. Em Demon Slayer, os movimentos inovam, trazendo cenas que parecem feitas para Videogame ao mesmo tempo que implementam elementos Kwai que brilham os olhos de qualquer ‘garotinha’. Isso dá uma sensação visual menos cansativa e mais bonita de se olhar, e mais uma vez mostra a atenção em cada detalhe da produção.

A quarta temporada de seriado animado já lançou uma prévia nos cinemas: um misto do último episódio da terceira temporada com o episódio inicial da seguinte, intitulado Hashira Training Arc. Seguindo o padrão de qualidade das anteriores, mas, dessa vez, os fãs esperam episódios mais tranquilos, focados no treinamento de Tanjiro para se tornar um hashira. Porém, a exibição já deixou certos receios, pois mostrou uma prévia tão mínima quanto o trailer, aumentando a ansiedade do público para a íntegra da animação.

Demon Slayer conquistou o público brasileiro de forma semelhante a clássicos como Attack on Titan e Naruto. As histórias com bravas lutas e sentimentalismo familiar pode ser considerado o ponto fraco dos brasileiros. No entanto, a autenticidade e o amor que o anime exala se mostra em cada pedaço dele, a identificação com os defeitos e qualidades de cada caçador ou Oni humaniza os personagens, fazendo deles nossos amigos, irmãos, parentes ou até nós mesmos. Tanjiro Kamado nos ensina que o amor é a melhor ferramenta para aqueles que queremos bem e, para os com que se têm problemas, compaixão é a melhor palavra.

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Flora Vieira

Pluto, anime distribuído pela Netflix e produzido pelo Studio M2, é a adaptação do mangá homônimo escrito e ilustrado por Naoki Urasawa, mangaká responsável também por outros sucessos, como Monster e 20th Century Boys. O mangá e sua adaptação escolhem recontar The Greatest Robot On Earth, uma das várias histórias de Astro Boy, escrita e publicada pelo lendário Osamu Tezuka em 1965. No anime, nós acompanhamos Gesicht, um robô detetive que passa a investigar assassinatos de robôs e cientistas que, de alguma forma, estão interligados a um conflito geopolítico global ocorrido anos antes.

Para falar sobre Pluto, é interessante entender a obra que ele adapta. Na história de Tezuka, os sete robôs com a tecnologia mais avançada do mundo são caçados um a um por Pluto, um robô criado por um sultão, que o cria para que ele se torne o Rei dos Robôs e seja decretado superior aos outros. A história de Urasawa, escrita entre 2003 e 2009, acolhe a base da história original e constrói uma trama mais complexa, explorando de forma ainda mais profunda os temas já pincelados pela obra. Outra mudança importante é a de protagonismo: enquanto na história da década de 1960 ele é de Astro Boy, em Pluto, ele é do robô detetive.

A alteração de personagem principal permite a Naoki Urasawa o desenvolvimento de uma trama de mistério, que evolui conforme acompanhamos o desenrolar da investigação, em conjunto com os dilemas pessoais do protagonista e visões estranhas que o perturbam. Enquanto The Greatest Robot On Earth tem maior foco nas lutas e na ideia clássica de derrotar o vilão principal, as oito horas de Pluto permitem que a série trabalhe mais com as nuances e pormenores daquele universo, em que robôs têm direitos quase que equivalentes aos dos seres humanos, sentem emoções e são tão capazes de atrocidades quanto nós.

Outra mudança relevante se deve ao contexto histórico de publicação do mangá. Naquele momento, acontecia no Oriente Médio a Guerra ao Terror, promovida pelos Estados Unidos em resposta aos ataques do 11 de setembro de 2001: acusado falsamente de possuir armas nucleares, o Iraque foi sumariamente atacado pelo país, que buscava por mais influência e controle na região. Na história de Urasawa, a Pérsia, comandada pelo ditador Darius XIV, é acusada pelos Estados Unidos da Trácia de possuir um robô super-inteligente de destruição em massa, o que leva ao 39º Conflito da Ásia Central, um massacre do povo persa perpetrado por robôs, incluindo os sete mais fortes e inteligentes do mundo, com a exceção do pacifista Épsilon.

Por meio dos sete robôs somos apresentados à humanidade que os cerca. Cada um deles tem características específicas que os definem, como Gesicht, o robô alemão, que é explorado no trabalho e sofre com consequências equivalentes às de um burnout. Outro exemplo é Atom, o robô japonês (o Astro Boy da história original), que tem a inteligência artificial mais avançada daquele universo e lida com a complexidade das suas emoções. Épsilon, o robô australiano e um dos mais interessantes da obra, cuida de órfãos do 39º Conflito, em seu próprio orfanato. Todos eles são alvos de Pluto, movido por vingança – porque participaram ativamente no genocídio persa.

A similaridade entre inteligências artificiais e seres humanos não é um algo novo da ficção, trabalhado antes mesmo de Eu, Robô (1950), escrito por Isaac Asimov. Tampouco são novidades no gênero temas como o ciclo de ódio ou a natureza violenta da humanidade. O que torna Pluto único, e diferente também da obra original, é a forma com que esses assuntos se entrelaçam e o quanto os dilemas de cada um dos personagens se conecta com a história, permitindo um olhar por vezes frio, mas contemplativo e profundo sobre a verdadeira origem do ódio e como é possível lidar com ele de forma mais saudável em busca da paz. A série é delicada e terna em mostrar, na perspectiva dos robôs, essa possibilidade, enquanto os seres humanos da narrativa são muitas vezes mais desprovidos, ironicamente, de humanidade. 

Enquanto Pluto triunfa na apresentação dos detalhes e na construção de mundo, seus dois episódios finais apresentam muitos problemas de ritmo: não há tempo suficiente para desatar os nós importantes da trama. Decisões são tomadas de forma muito abrupta e sem explicação, principalmente envolvendo um personagem apresentado pouco antes do fim da história, o robô ursinho de pelúcia Teddy Roosevelt, que torna as coisas mais confusas e mais clichês.

Ainda assim, BORA, um dos elementos centrais que circunda a trama até o seu final, é a perfeita representação do ódio acumulado e gerado pelo genocídio, e a decisão de fazê-lo tentar algo maior, em vez da destruição dos Estados Unidos da Trácia, por exemplo, é metaforicamente inteligente e interessante porque não cede ao erro de transformar o país em vítima no final da história. A única responsável e também vítima do ciclo do ódio é a própria humanidade, e ainda mais irônico é que o seu salvador seja justamente um robô, que renunciou ao ódio e se sacrificou para que o ser humano não fosse destruído.

Pluto é plural, complexo e, muitas vezes, óbvio em seus subtextos, mas isso não é um problema. Personagens cativantes, animação lindíssima e subtramas de fazer chorar são a especialidade dessa história, que constrói uma distopia quase perfeita, capaz de te fazer pensar por semanas nas injustiças e fragilidades do mundo real. Na ficção, somos salvos por robôs. Aqui, a humanidade tem o desafio de se salvar, antes que essas injustiças matem ainda mais inocentes em nome do poder de poucos e do sofrimento de muitos. Pluto é, afinal, um ensaio sobre o fracasso da humanidade em salvar a si mesma.

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Nathalia Tetzner e Thuani Barbosa

Inspirada no mangá de mesmo nome, Alice in Borderland retorna ainda mais brutal em sua 2ª temporada. Dirigida por Shinsuke Sato, a trama persegue os protagonistas Ryōhei Arisu (Kento Yamazaki) e Yuzuha Usagi (Tao Tsuchiya) em uma Tóquio apocalíptica e repleta de jogos mortais, criados a partir dos naipes de Reis e Rainhas de um jogo de mesa. A criatividade para executar a sequência dos desafios é surpreendente, além de muito fiel à obra original, agregando valor sentimental para os fãs que acompanham a saga dessa Alice distópica. Sem medo de jogar com quem assiste, a série da Netflix bagunça o baralho e guarda uma carta na manga. 

Se em 2020, ano em que a produção do estúdio japonês Robot Communications Inc. foi lançada, o público enxergou um grupo de personagens extremamente imaturos, confusos e perdidos, ao final de 2022, o desenvolvimento proporcionado pela vivência em meio ao caos desse universo distópico se tornou perceptível. No ápice da violência física e emocional do enredo, as atuações do elenco florescem como nunca antes visto e a assinatura caricata quase inata da Televisão asiática traz uma incoerente harmonia com a composição cinematográfica de Taro Kawazu.

Como toda sequência de produções originais, a comparação entre os diferentes formatos é inevitável, mas Alice in Borderland já está acostumada com suas adaptações do mangá para o anime e do anime para a série. Se nos quadrinhos japoneses as ilustrações adotam linhas cruas, o plano bidimensional da animação permite uma continuidade excepcional e, por fim, o live action consegue parcialmente unir tais qualidades.

Porém, tratando-se da transição de uma temporada para outra, o seriado trabalhou muito bem as mudanças, que conseguem ser perceptíveis e sofisticadas ao mesmo tempo. Em 2022, o roteiro flui com maior agilidade graças ao desenvolvimento do enredo, enquanto o tom adquire uma obscuridade que parece querer acabar com qualquer esperança de um final feliz. Os jogos mantiveram seu respeito pelos naipes, porém todos se tornaram mais psicológicos, moralistas e suscetíveis à manipulação do coração.

Pelo fato de se tratar da segunda e última temporada, a série da Netflix finalmente procura revelar a estrutura detrás desse mundo nefasto e desconhecido tanto pelos aprisionados na destruição quanto por quem assiste no conforto do sofá de casa. Uma das principais surpresas descobertas pelo protagonista Arisu é a diferenciação entre pessoas como ele, meros jogadores, e os criadores dos jogos, representantes dos naipes e classificados como cidadãos da cidade de Tóquio.

Responsáveis pela agonia das personagens e pela satisfação dos espectadores, os jogos brutais são, desta vez, exclusivamente elaborados pelos reis e rainhas do baralho, o que significa que as mortes nunca foram tão sangrentas, repugnantes e, ainda, constantes. Afinal, a presença do mercenário Rei de Espadas atirando a quase todo minuto chega a ser traumatizante até para quem está do outro lado da tela.

O romance entre Arisu e Usagi começa a ser desenvolvido ainda na primeira temporada, de um jeito costumeiro dos dramas asiáticos, ou seja, com muita sutileza e atenção aos pequenos detalhes, como respirações pesadas ao conversar, longos olhares e um bom jogo de câmera. Porém, é na continuação que esse affair se desenvolve, carregado de dúvidas e cumplicidade que beiram um amor adolescente, entregando momentos sensíveis mesmo em um universo tão mortal. 

O manejo dessas duas sensações é muito bem feito pela direção de Shinsuke Sato e pelo roteiro escrito junto a Yoshiki Watabe e Yasuko Kuramitsu, que conseguem colocar delicadeza e choque na mesma obra, sem que uma machuque a outra. A cena em que o casal se banha em águas termais no meio de destroços e são surpreendidos por elefantes é o exemplo de um timing bem feito: mesmo em um ambiente desfavorável para que o amor aconteça, o menos esperado se revela cativante.

Derivado do mangá do artista Haro Aso, a produção audiovisual é fiel às características dos quadrinhos, seja no comportamento das personagens ou nas cenas dramatizadas. Shuntarō Chishiya (Nijirō Murakami), um dos coadjuvantes, exala a personalidade de anti-herói costumeira de alguns animes: silencioso, observador e insensível, de um jeito atrativo que chega a ser justificável; tal qual Itachi Uchiha, de Naruto. 

Em contrapartida, é interessante ver a forma que a adaptação se desvencilhou do exibicionismo sexual recorrente desse gênero. Mesmo que o uso de biquínis e shorts por Hikari Kuina (Aya Asahina) e Ann Rizuna (Ayaka Miyoshi) ainda seja incoerente para a narrativa, não se equipara à sexualização corriqueira dos desenhos asiáticos. 

Em evidência na 2ª temporada, os distintos passados dos criadores dos jogos, os fatídicos cidadãos de Tóquio, trazem profundidade para os oito episódios inéditos de Alice in Borderland. Ainda que os jogos sejam divididos em naipes, nos quais as Espadas significam a exigência física, Paus necessita da união em equipe e Ouros clame por inteligência, todos parecem ter em comum a carga emocional de uma partida de Copas.

Em especial, o terceiro e sexto capítulos atingem o primor da sensibilidade do audiovisual. Neles, o imponente e confiante Rei de Paus se revela um vocalista movido pelo laço com os amigos de sua banda e, igualmente a flor-da-pele, o Rei de Ouros ensina sobre o valor da vida para Chishiya, finalmente se libertando de erros nostálgicos. 

Não recomendada para menores de 16 anos, a série da Netflix coloca em cena enormes explosões, ferimentos expostos e embates grotescos pela sobrevivência. Frente a este desafio, a equipe de caracterização e maquiagem faz um trabalho surpreendente ao conseguir trajar o realismo com fidelidade; afinal, são muitas as personagens que nasceram após horas na cadeira do camarim. 

Entre elas, o irritante e completamente desfigurado após a primeira temporada, Suguru Niragi (Dori Sakurada), renasce do fogo e está de volta para provocar o nojo e o ódio. Já Morizono Aguni (Sho Aoyagi), também retorna com rancor em excesso, mas acompanhado de Heiya (Yuri Tsunematsu), a jovem arqueira que precisou ter a perna amputada e a quem ele protege com todo o seu coração de gigante.

Dividindo opiniões e separando os espectadores em fãs e haters, a cena final, diferente de tudo que foi mostrado ao longo de duas temporadas, não tem nada de mirabolante, deixando uma série que percorreu um caminho cheio de plot twists, com um final comum até demais. O que pode parecer um problema, acaba sendo o preço pela fidelidade da adaptação ao final do mangá, que o mantém idêntico ao produzido por Aso. 

Repleto das referências mais óbvias a Alice no País das Maravilhas o jogo de críquete, as rosas brancas e a risadinha cínica da Rainha de Copas aumentam a animosidade para as últimas cenas que levam a atriz Riisa Naka ao melhor de sua atuação. Além de Arisu, a Rainha de Copas é a referência mais óbvia ao clássico de Lewis Carroll: manipuladora e bem humorada, a vilã consegue ser a favorita de muitos.

“Vida, vida, vida, que seja do jeito que for“. Inesperadamente, a canção Maravida de Gonzaguinha poderia facilmente ser a inspiração para as salas de jogos dessa temporada. Adicionando aprofundamentos morais baseados em suas trajetórias antes dos jogos, os reis, valetes e rainhas carregam algo em comum: os questionamentos sobre o valor da vida. Mesmo que rodeados pela morte, a vivência de cada um carrega significados profundos.

Sutilmente mostrado na primeira temporada com o exemplo de Chapeleiro e Aguni, os ideais sobre ela são reforçados por cada representante de jogo; carregando suas próprias peculiaridades, mas com a mesma intenção, mostrar o quão preciosa e o quanto precisa-se de fidelidade a si mesmo para conhecer sua jornada, dando a Arisu a lição mais valiosa da temporada. E quanto a você, já descobriu sua própria razão de viver?

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Anna Clara Leandro Candido

“Aquele que sobe as escadas, deve começar por baixo’’. Essa pequena frase de sabedoria dita por Ittetsu Takeda representa bem a jornada percorrida pelos personagens de Haikyuu!! desde o primeiro episódio. Agora, após terem superado a muralha de ferro, o time festeiro, o grande rei e a antes invicta águia branca, os Corvos de Miyagi alçam voo rumo a quadra laranja em Tokyo. Munidos com uma nova animação, time de produção, uma épica trilha sonora, narrativas emocionantes e muita determinação.

A história segue Hinata Shoyo, um garoto que se apaixonou pelo vôlei ao assistir uma partida do pequeno gigante da escola Karasuno no torneio nacional. Assim, inspirado pelo ídolo, ele inicia seus estudos na mesma instituição determinado a fazer parte pela primeira vez de um time de vôlei. Lá ele encontra Kageyama Tobio, um levantador talentoso e intenso que derrotou Hinata na primeira e única partida que ele pôde jogar no fundamental. Depois de alguns desentendimentos e bolas de vôlei sendo jogas um no outro, ambos se tornaram uma dupla de jogadores especializados em ataque e, juntos com seus companheiros de time, abriram espaços nas eliminatórias da província e conquistaram a vaga para o nacional.

Produzido pelo estúdio Production I.G, a 4ª temporada, intitulada Haikyuu!! To The Top, foi dividida em duas partes e narra a chegada do time ao campeonato nacional. A primeira, com 13 episódios, estreou em janeiro de 2020 e a segunda, adiada pela pandemia do novo coronavírus, chegou com os 12 episódios restantes em outubro do mesmo ano. A continuação da história trouxe consigo uma grande mudança: a tão elogiada animação e traços que davam vida ao mangá de Haruichi Furudate foram atualizados e, assim como seus personagens, o anime deu um novo passo rumo a um ciclo recheado de mudanças. 

No primeiro momento o choque é imediato. Os traços tradicionais e voltados para o realismo deram lugar ao que há de mais novo entre as técnicas de animação atual. Essas nítidas mudanças não agradaram aos fãs antigos logo de primeira. Mas, com o passar dos episódios, fica claro o quanto a qualidade superior que o novo time de animadores trouxe para o anime tem só a acrescentar na narrativa e história dos personagens. Possibilitando, assim, que o público percebesse os mínimos detalhes de cada partida, como se estivessem jogando lado a lado do time da Karasuno. 

No entanto, a produção dos episódios iniciais da segunda metade da temporada deixaram a desejar. As várias deformações de quadros e personagens, juntamente com a dificuldade em engajar o ritmo do jogo, e a baixa qualidade da animação geraram desconforto ao público que não esperava essas falhas em um anime com o histórico como o de Haikyuu. Felizmente, o problema não perdurou e a animação seguiu com seu alto padrão de qualidade até o fim.

Por falar em características marcantes e qualidade do anime, as músicas escolhidas para as openings e endings dos episódios, assim como a trilha sonora para o fundo, estavam de tirar o fôlego, como sempre. Desde a primeira temporada, Haikyuu utiliza suas composições para imergir o espectador cada vez mais para dentro da partida e fazê-lo vibrar ou gritar de frustração com cada passe, saque ou bloqueio. 

Nesse quesito, a quarta temporada não deixou a desejar e foi capaz de não só elevar os sentimentos dos espectadores durante os jogos, mas também de emocioná-los em cenas de superação e reflexões. Ambas as aberturas, Phoenix por Burnout Syndromes e Toppakou de Super Beaver, foram capazes de honrar suas predecessoras. Assim como os encerramentos, Kassen Spirit (Spirit of Decisive Battle) de CHICO with Honeyworks e One Day do SPYAIR, que utilizaram das letras e melodia para resumir a essência e história de desenvolvimento das suas respectivas metades da temporada. 

Entretanto, a maior fonte de elogios em Haikyuu!! vem do ótimo desenvolvimento dos personagens. Com narrativas cíclicas e bem definidas, as histórias de cada personagem vão se entrelaçando e desenvolvendo, sendo a 4ª temporada o início  de uma nova jornada que os levará rumo aos seus objetivos. Na adaptação, a equipe de produção e diretor Masako Satou conseguem com maestria transmitir a essência da história de Haruichi Furudate para a tela e conectá-las com o público. Abordando, com a história de cada um, diversos temas e reflexões que podem ser aplicadas em outros aspectos da vida para além dos esportes. 

Desde o princípio, Haikyuu!! disponibiliza pelo menos um episódio para desenvolver alguns de seus personagens, sejam eles oponentes, amigos, jogadores titulares da Karasuno ou reservas. Há, também, temporadas em que o foco é voltado especificamente para o crescimento de alguns deles. Dessa vez, um dos queridinhos dos fãs finalmente recebeu a atenção que merecia: Tanaka Ryunosuke foi uma das estrelas da quarta temporada, mas não por causa de sua habitual alta energia e confiança, pelo contrário. 

Em Haikyuu!! To The Top, o espectador pôde conhecer uma face da personalidade de Tanaka nunca vista antes. O sempre confiante, alegre e leal atacante da Karasuno viu sua mente pender para pensamentos negativos sobre suas habilidades durante a partida contra o time da Inarizaki. Mostrando ao público que sua personalidade e mente forte não são uma característica inabalável e que, mesmo ele, pode se sentir inferior quando colocado de frente a uma parede ou abismo que parece intransponível. Então, quando esses momentos chegam, o que podemos fazer?

“Dentre os meus companheiros de time, eu não sou o número um em nenhum aspecto agora. Mas isso não é motivo nem desculpa para desistir(…). Contudo, eu, mero mediano, tenho tempo para ficar olhando para baixo?”. Essa frase, dita por Tanaka antes de uma das suas cenas mais icônicas no anime, é um vislumbre da essência de sua força. Assim como uma mensagem de Furudate ao espectador: Não importa se você é o melhor, o pior ou alguém que apenas se mantém na média, se estiver fazendo algo que goste e quer, dedique-se até o fim. Deste modo, o antes intransponível abismo a sua frente pode não mais ser tão impossível de se superar como parecia.

Por mais que conhecer novas faces das personalidades dos jogadores queridinhos pelo público são uma novidade e tanto, a quarta temporada não parou aí. Mais uma vez, Haikyuu!! cedeu os holofotes da trama para a história de outro personagem amado pelos fãs e que até o momento não tinha recebido a atenção que merecia e, mesmo agora, ainda merece mais. Kiyoko Shimizu, a dedicada e forte assistente do time Karasuno ganha tempo de tela e um background emocionante.

Nessa temporada, ela ganha apenas um capítulo que, por mais que ainda seja pouco, revela seu histórico como um membro do time de atletismo no ensino fundamental e a motivação que a levou a se inscrever como assistente. Assim como os meninos, Shimizu entende o sentimento de se dedicar de corpo e alma a um esporte e também compreende a frustração de muitas vezes não alcançar o resultado que esperava, mesmo depois de muito treino e esforço. Sua dedicação e sentimentos providenciaram uma das melhores cenas dessa quarta temporada, deixando um gostinho de quero mais para os fãs.

No entanto, o holofote do show não foca apenas em personagens do time principal. A mais antiga rival da Karasuno, a escola Nekoma, também recebe a devida atenção. Os dois episódios dedicados a Nekoma foram o início da construção do palco para a tão aguardada batalha do lixão. A relação Neko vs. Karasu vem sendo desenvolvida desde a primeira temporada e com ela a amizade entre Hinata e Kenma. Já a quarta preparou o terreno para o futuro desses dois times.

O afeto que o público desenvolve ao conhecer mais sobre o passado do Kenma e a relação dos jogadores uns com os outros se voltará contra ele no momento em que os dois times se enfrentarem. Pois fazer os fãs torcerem por ambos durante uma partida é a especialidade do anime, e quão grande não serão as emoções quando a famosa batalha do lixão entrar em ação? Sem falar do gratificante desenvolvimento de personagem que o Kenma teve durante esses dois episódios, seu “level-up’’ para jogar contra o chefão final.

Contudo, por mais que seja importante e divertido acompanhar o desenvolvimento dos outros personagens, a trama ainda é dos protagonistas e não há como deixar de falar deles. A quarta temporada é um momento fundamental para a jornada que Kageyama vem trilhando desde o primeiro episódio.

Ao ser designado como um rei tirano e rejeitado pelo próprio time, ele passou a duvidar mais de si. Mesmo na Karasuno, onde os jogadores sabiam de sua verdadeira personalidade e ainda o aceitavam como era, ele inconscientemente se ajustava para se encaixar e evitar conflitos. 

É com a história de Kageyama que Haikyuu!! aborda temas como traumas emocionais e autoconfiança. Uma das cenas mais importantes da temporada e que marca uma grande mudança para o desenvolvimento futuro do personagem, é quando Kageyama age como o rei da quadra com seus colegas da Karasuno. 

Contudo, diferente do fundamental, ele não encontra um ambiente de exclusão ou rejeição, pelo contrário, é enfrentado. Esse ambiente que o time proporcionou a ele o ajudou a se recuperar do trauma de infância ao perceber que lá ele poderia ser quem era e que seus colegas de time o responderão com a mesma intensidade Desse modo, Kageyama supera suas memórias ruins e aceita a coroa de rei, fazendo com que a 4ª temporada entregue sua melhor performance em quadra, assim como uma bela lição de vida.

Outro fator importante que a quarta temporada traz para o desenvolvimento da trama e do Kageyama é a presença dos gêmeos Miya da Inarizaki High. Atsumo também era um levantador exigente em seu time e muitas vezes foi excluído por sua personalidade. Mas seu irmão Osamu nunca o deixou sozinho, fazendo com que ele não tivesse que mudar quem era para se encaixar. Criando, assim, um ótimo paralelo entre ambos os levantadores e atacantes dos times, ao mesmo tempo em que coloca em pauta discussões sobre amizade, pertencimento e amadurecimento.

Enquanto Kagueyama encerrava um ciclo, Hinata dava seus primeiros passos dentro de um novo. Nessa temporada, o número 10 da Karasuno teve que enfrentar muito mais obstáculos do que nas outras e, para superá-los, precisou mudar de perspectiva. Seu anseio por se tornar melhor faz com que ele se sinta preso. Como se estivesse congelado no tempo enquanto todos ao seu redor estão seguindo em frente. Quem nunca, seja nos esportes ou em outro aspecto do dia a dia, se sentiu assim? 

Sua nova jornada é o principal foco da temporada e um dos pontos em que o público mais se identifica. Hinata transforma a desvantagem em aprendizado e aproveita a oportunidade de estar fora de quadra para assistir e aprender sobre as técnicas dos outros jogadores. Mostrando, mais uma vez, a capacidade do personagem em se adaptar e cativar a audiência.

A trama do anime começa a ser ainda mais desenvolvida pelos encontros dos personagens antigos e novos no nacional, especialmente entre Hinata e Hoshiumi. Mais do que um oponente ou rival, o pequeno gigante da Kamomeday chegou na história para ser uma inspiração. O fato de que pessoas com as mesmas condições e melhores habilidades que você vão existir e podem até mesmo competir pelo mesmo objetivo é inegável. 

Mas o segredo está em como encarar essa realidade: com medo? Insegurança? Inveja? Não. Nenhuma dessas opções é a que Hinata escolhe. Ele prefere encarar seus oponentes como uma inspiração, alguém para se respeitar e almejar ser. E esse é o segredo para sua força e habilidade que impressiona todos ao seu redor. Um jeito de lidar com obstáculos que pode ser aplicada em outros aspectos da vida além do vôlei. Essa maneira de encarar um desafio é mais uma das mensagens que Furudate traz através da visão de Hinata e da relação entre os dois menores bloqueadores centrais do campeonato.

Haikyuu!! To The Top demorou mas, para a alegria dos fãs, chegou a todo vapor. A 4ª temporada pode ser considerada um sucesso por manter a essência do anime enquanto renova completamente a equipe de animação e produção. Além de ter apresentado com sucesso os novos personagens e desenvolvido com maestria a narrativa da história ao ponto de, mais uma vez, fazer com o que o espectador vibre e se emocione com as partidas como se estivesse presente nelas. Que o sucesso dessa temporada seja o suficiente para garantir que os fãs continuem a acompanhar essa longa jornada dos corvos de Miyagi rumo ao topo.  

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Flora Vieira

Boa Noite Punpun, escrito pelo mangaká Inio Asano, foi meu retorno aos mangás físicos, e liberou um gosto que até pouco tempo estava enterrado em mim — o de ler gibis. Dessa vez, um com uma história adulta e temas complexos e profundos, do gênero Slice Of Life , que também descobri ser um dos meus gêneros favoritos. O Volume Um acompanha Punpun Punyama, que, com onze anos, vive o começo de uma adolescência conturbada e solitária.

Um elemento dos mangás tão importante quanto o enredo é, sem dúvida nenhuma, a arte. E aqui, ela é muito bonita, e também bastante metafórica. Representada como pássaros, de traços simples e crus, a família Punyama se destaca entre o cenário extremamente realista e o nível de detalhes no traço dos personagens ao redor.

Ela é metafórica porque essa escolha de estilo vai contra uma das características principais do protagonista: a de ser aparentemente ordinário, sem sonhos, objetivos ou individualidade que o diferencie dos outros. A metáfora também se completa com o fato do personagem não ter balões de fala e ter seus pensamentos mediados por um narrador, que, quando precisa, apresenta as falas de Punpun entre aspas.

Essa característica é explorada logo no primeiro capítulo, que é uma preparação pra tudo que vem pela frente. Punpun, acostumado com a rotina de violência entre seus pais — que, em vez de ampararem o garoto, brigam e gritam entre si — está na escola, quando o professor pede aos alunos para que escrevam sobre seus sonhos e ele não tem a menor ideia sobre o que escrever. Mais tarde nesse dia, conversa com a aluna nova da escola, Aiko (por quem ele logo se apaixona), que diz, basicamente, que a humanidade vai acabar porque a terra vai ser destruída, e em busca de evitar a extinção, os seres humanos deveriam ir pro espaço. 

Punpun decide, então, que seu sonho é se tornar um astronauta. Isso se repete em várias situações durante o mangá, como quando um de seus amigos leva um fora e ele, mesmo apaixonado por Aiko, promete junto ao grupo nunca mais se encontrar com meninas. Punpun é um “maria vai com as outras”, e visivelmente sofre por isso, porque tem medo de decepcionar as pessoas — principalmente Aiko — ao longo da história. A relação do protagonista com a família revela ainda outras coisas, retratadas com a delicadeza e sensibilidade que a história precisa, por tratar dos assuntos que trata. 

O mangaká consegue mostrar, por meio dos diálogos (que são também crus, e ainda assim, muito reais e bem escritos), tanto como Punpun enxerga o mundo, quanto como as coisas são de verdade. Um exemplo, também do primeiro capítulo: Punpun se levanta, desce as escadas de sua casa, e vê sua mãe machucada no chão. A primeira reação do pai, que percebe o filho descendo as escadas, é lhe dizer “Um ladrão entrou em casa!”, quando, na verdade, quem lê sabe muito bem que não há ladrão algum, e que a mãe tinha acabado de sofrer violência doméstica. O pai, claro, mentiu pro garoto, que não entendeu muito bem o que aconteceu ali. 

Outro ponto importante do mangá é a representação dos adultos. Eles agem de forma estranha ao mesmo tempo que são desenhados com feições esquisitas, como se estivessem próximos de um ataque de nervos. O mangá, com elementos assim, procura discutir temas não só, mas ligados principalmente à cultura japonesa, como a padronização do indivíduo e a necessidade de adequação – que representam fortes pressões da sociedade e restringem as vivências dos japoneses, ao mesmo tempo que são um dos grandes motivos para o alto índice de suicídio do país. Punpun, mesmo sem entender, já se vê confrontado com todas essas expectativas.

Além do protagonista, o mangá não poupa esforços ao desenvolver alguns dos outros personagens da história. Alguns exemplos são o tio do garoto, Yuchi, e Aiko, sua paixão. Yuichi é o oposto dos outros adultos representados na obra, com postura imatura e acomodada diante de suas responsabilidades, enquanto é o único que eu vi se preocupar com o sobrinho.

Ao contrário do que sua postura parece revelar, ele também é retratado como vítima das pressões sociais japonesas, exibindo comportamento agressivo e pessimista para com a realidade. Aiko, por outro lado, ainda é só uma criança, e tem um desejo enorme de escapar – talvez por isso a obsessão com o espaço, no começo da história – e acaba por depositar essas expectativas em Punpun, coisa que influencia muito na relação dos dois.

Apesar da construção dramática, o mangá também acerta nos momentos de comédia. As expressões do protagonista e suas reações puras e inocentes, enquanto se descobre na adolescência, incluem boa parte desses momentos, e também evitam que a leitura fique maçante, tediosa ou muito cansativa. A habilidade de aprofundar os assuntos igualmente na comédia vale a pena ser mencionada. Ao mesmo tempo em que eu ria, me colocava no lugar do protagonista e entendia a dimensão que ele dá para coisas, por vezes naturais, por vezes absurdas, que acontecem com ele ao longo da história.

Boa Noite Punpun trata de temas como solidão, amadurecimento e negligência emocional com muita consciência e realidade, por meio de uma arte muito única que várias vezes me fez querer parar e observar os detalhes de cada quadrinho, com destaque para os desenhos que ocupam páginas duplas (e são sensacionais). Vale a pena aqui elogiar também a tradução do mangá, feita pela JBC, que ficou bem fluída e adaptada, respeitando abreviações e marcas de oralidade típicas do Brasil, valorizando a localização para o país, e acrescentando bastante na experiência. A jornada desse pássaro, mesmo assim, está só no começo.

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Anna Clara Leandro Candido

O mangá Haikyuu! publicou seu último capítulo em 20 de julho de 2020 após oito anos e meio de serialização pela Weekly Shonen Jump-Next!, revista japonesa da Shueisha Inc. A obra é escrita e desenhada por Haruichi Furudate, e pertence ao gênero Shounen. Com um total de 402 capítulos, 45 volumes e um anime com 4 temporadas confirmadas, produzido pelo estúdio Production I.G, Haikyuu! conquistou milhares de fãs ao redor do mundo, sendo considerado um dos melhores mangás de esporte.

Como todo bom Shounen, Haikyuu! possui personagens cativantes, muita ação, plot twists que fazem o leitor torcer como se estivesse no jogo e uma história emocionante, cheia de obstáculos e superação. Não precisa entender tudo sobre vôlei para acompanhar a história, o mangá intercala explicações e partidas de uma maneira que o leitor compreende as técnicas e estratégias que estão acontecendo em quadra sem quebrar a ação da cena. Os personagens e as partidas, apoiadas pelo background e motivação de cada jogador, são tão bem construídos que, ao fim de cada capítulo, a vontade de comprar uma bola de vôlei e começar a jogar será grande.

A história começa com Hinata Shoyo, um estudante do fundamental que se apaixona por vôlei ao assistir um jogador da escola Karasuno no torneio nacional, O Pequeno Gigante. Ele consegue formar um time improvisado e participar pela primeira vez das eliminatórias da província, onde é derrotado por Kageyama Tobio. Um Levantador gênio, porém arrogante,  chamado por seus colegas de O Rei da Quadra. Desde então, Hinata jura derrotar Kageyama ao se tornar um jogador melhor do que ele, se matriculando na escola Karasuno, onde seu ídolo um dia estudou. Quão grande não é a surpresa ao encontrar seu rival no mesmo time.

Hinata e Kageyama são dois lados de uma mesma moeda. Ambos são ambiciosos se tratando de vôlei e, por mais que possuam inicialmente personalidades muito diferentes, eles são o eixo principal da história, formando uma boa dupla e base para o restante do time. Furudate não comete o erro de focar a história apenas nesses dois, muito pelo contrário, todos os personagens são bem desenvolvidos. Cada um possui uma história, uma ambição e personalidades complexas, tanto os jogadores da Karasuno, o time principal, quanto os outros times que futuramente competem com eles.

São essas peculiaridades que fazem o leitor se apegar a cada um ao ponto de, no fim de cada partida, o desejo de que ambos saiam vencedores fale alto. Essa conexão deve-se também ao uso completo dos painéis. No fundo há sempre uma ação ou história paralela à narrativa principal, que complementa o cenário e distribuí a dose ideal de seriedade e comédia para cena. O estilo dos personagens são associados aos seus times, lemas e animais que cada um representa (Karasuno são os corvos, e Nekoma os gatos), ajudando a engajar o leitor e criar um sentimento de pertencimento.

A grande quantidade de personagens exigidos para compor os times proporciona também uma boa variedade de personalidades e culturas. A obra peca na representação racial e de gênero que, levando em conta a história e seus fãs, poderia contribuir muito com a narrativa e o sucesso dela. Porém, Haikyuu! acerta quando o assunto é representatividade cultural, ao ter dois personagens russos e referências a vários outros países, principalmente ao Brasil.

O Brasil foi citado desde o começo da história como referência nos painéis, mas ganhou uma atenção especial no último arco do mangá quando foi palco para a mais nova jornada do protagonista. Furudate conseguiu com êxito representar uma cultura completamente diferente da sua ao fugir dos esteriótipos, representar comportamentos típicos dos brasileiros e criar uma rica variedade de novos personagens. O Brasil ganhou não só uma boa representação e reconhecimento, como também se tornou parte importante da identidade do personagem principal, algo não tão comum nos mangás.

Mais do que um mangá de esportes, Haikyuu! consegue abordar temas como saúde física e psicológica, auto-estima, diversidade cultural, motivação, amizade e trabalho em equipe. Cada arco de desenvolvimento traz uma reflexão sobre um personagem e um assunto em específico ligado a ele. Seja o Asahi, às do time Karasuno, e sua falta de confiança ou o Kagueyama e sua dificuldade de comunicação, Haikyuu! utiliza o esporte para trazer algumas reflexões mais profundas. Permitindo que vários tipos de leitores, não só os fãs de vôlei, se identifiquem com os personagens.

Com o fim de sua história, Haikyuu! fez de seu último arco uma celebração de todo o caminho já percorrido nesses oitos anos e meio de serialização. Os estudantes de ensino médio agora são adultos, cada com seu trabalho e vida, seja relacionado ao vôlei ou não. Ao finalizar os arcos de cada personagem e mostrar o destino final de todo o esforço e perseverança deles, Furudate deu a sua obra um sentimento de dever cumprido e orgulho, com um pouquinho de quero mais. Deixando uma mensagem clara aos seus leitores. “Nada está acabado. Amanhã ou no dia seguinte. Para o resto de suas vidas, vocês poderão fazer qualquer coisa que se proponham – Takeda Sensei”, professor e orientador do time Karasuno.

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Isabela Batistella

Completando seus 30 anos em agosto deste ano, a obra de maior sucesso de Kentaro Miura, Berserk, não está mais próxima de seu desfecho quanto estava há 10 anos. Sem uma devida periodicidade de publicação, segue sua trajetória sem se aproximar de seu devido fim. Mesmo com tais nuances, a história – atualmente em seu capítulo #359 – reuniu uma legião de fãs tão grande e tão fiel que Miura tem a liberdade de exercer seus charmes e hiatos o quanto quiser: ao lançar um capítulo, todo o fandom está lá para ler. 

Ambientada durante a Idade Média, com um plano de fundo que perpassa desde a estrutura social injusta, a peste negra e até mesmo a Santa Inquisição – além de elementos fantásticos, é claro, como deuses, demônios e fadas, a obra é marcada pelo uso de violência gráfica e conteúdo sexual, batalhas sangrentas e temas sensíveis (como estupro e abuso psicológico), e apesar de tudo, vai muito além disso. Com uma narrativa sentimental e humana, o autor lida com o psicológico de cada personagem de forma muito delicada. Seus sonhos, traumas, amores e decepções, são desenvolvidos dentro de um contexto cruel, e cada atitude e diálogo possui uma consequência e importância dentro do enredo. 

De forma genérica, a trama de Berserk acompanha a trajetória de Guts, um ex-mercenário e espadachim amaldiçoado, forçado a vagar sem descanso para sobreviver e buscar vingança; e Griffith, um jovem ambicioso e inspirador que criou o Bando do Falcão, um próspero grupo de mercenários que se uniram voluntariamente a ele para ajudá-lo a alcançar seu sonho: ser um rei, e mudar as estruturas sociais injustas em que estão inseridos.

O arco introdutório de Berserk, o “Espadachim Negro” (e esse veio 20 anos antes da existência do raso protagonista de Sword Art Online, Kirito, diga-se de passagem), apresenta uma narrativa que destoa do restante da obra. Aqui, o protagonista é quase um vilão: aparenta ser apenas um bárbaro, desprovido de sentimentos e movido apenas pelo ódio e pelo desejo de se vingar. No entanto, alguns capítulos depois, a história segue quase como um gigantesco flashback, contextualizando sua infância trágica e abusiva dentro de um grupo de mercenários e acompanhando sua trajetória a partir de então. 

O arco seguinte, denominado “A Era de Ouro”, está inserido dentro desse flashback e, portanto, apresenta essa mudança brusca de contexto – que se mantém o mesmo até os capítulos atuais, com algumas (grandes) ressalvas. Essa saga também introduz o Bando do Falcão, recheada de cenas sentimentais e focada inteiramente na construção de relações humanas profundas. Centrando sua narrativa no desenvolvimento da relação dos dois personagens principais, também traz personagens secundários brilhantes e marcantes, como Caska e Judeau. 

A circunstância em que os protagonistas se encontram é importante para a relação que ambos constroem: Guts parte de uma infância conturbada e traumática, seguindo sua vida sem propósito e apenas indo de batalha em batalha; e Griffith é o “Falcão Branco”, um jovem líder que sonha em construir seu próprio reino. Dentro dessa visão superficial, Miura constrói um plano psicológico complexo, tomando o cuidado de detalhar cada interação entre os integrantes do Bando, para que cada elemento – diálogos, circunstâncias passadas, vínculos criados – justifique o final para o qual a história se encaminha. (Lembrando que o Griffith não fez nada de errado… ok, há controvérsias.)

Dilemas como a busca pelo pertencimento, respeito e até mesmo amizade surgem a partir de uma infância traumática para moldar o Espadachim Negro e suas decisões de diversas formas. Igualmente, à medida que o personagem do Falcão se desdobra aos nossos olhos, é perceptível o sentimento de culpa pela morte de seus aliados. Para além de um desejo egoísta de se reafirmar como especial no mundo, Griffith percebe que a única maneira de se redimir com os mortos é atingindo seu sonho – e este elemento leva Berserk ao ápice de sua característica trágico-épica.

Em certos pontos, a obra parece ter um desenvolvimento controverso quando comparada com outros mangás (em especial os clássicos de estilo seinen), parecendo dar mais destaque em um personagem aparentemente ‘neutro’ e, em alguns momentos, até mesmo com características de ‘vilão’, e colocar em segundo plano o ‘herói’ aparente da história – mesmo que esse conceito maniqueísta seja completamente errôneo dentro do enredo. 

Sobre isso, Kentaro Miura analisou em entrevista para o “Guia Oficial de Berserk”, que, a partir de determinado momento dentro da narrativa, as histórias se tornam paralelas. Em certo ponto, Guts é o vilão na história de Griffith e vice-versa. “Personagens de mangá tem a tendência de ser claramente divididos entre inimigos e aliados, o bem e o mal”, disse o autor. “Entretanto, estou criando Berserk sem incluir tais valores.”

Para além de seu enredo, é válido ressaltar a arte do mangá. Beirando uma cacofonia de elementos, esta característica pode ser motivo de incômodo ao leitor, inicialmente. No entanto, ao se acostumar com a narrativa visual, percebe-se que o exagero de elementos é parte da identidade da obra. É preciso ler com muita atenção nos pequenos detalhes: desde o alívio cômico até o cuidado do autor ao desenhar as expressões dos personagens em cada diálogo, que permitem uma conexão empática com cada um.

Se tratando de adaptações audiovisuais, Berserk possuí três, e apesar de possuírem pontos positivos, nem se comparam à grandiosidade do mangá. A primeira, um anime de 25 episódios lançado em 1997, engloba a “Era de Ouro”  de forma misteriosa, sombria e dramática, com uma animação admirável e com uma paleta de cores cativante. A segunda é considerada, por muitos fãs da obra, a melhor adaptação audiovisual da trama: a trilogia de filmes “Berserk: Ōgon Jidai-Hen”, que trata o mesmo arco do mangá. Apesar do uso de CGI (imagens geradas por computação gráfica) em algumas cenas de ação, os traços do desenho são impecáveis em sua maioria, e os filmes seguem o ritmo ideal para prender a atenção do espectador e cativá-lo o suficiente para procurar mais sobre a obra.

Tais adaptações, entretanto, sempre cometem o mesmo erro – e este, Gabi, só quem viveu sabe. Uma cena de estupro importantíssima para a trama é sempre representada de forma pífia, causando diversos mal-entendidos para aqueles que não consumiram o mangá de antemão. 

A adaptação mais recente, o anime lançado em 2016, é quase sempre colocada no fundo mais escuro do baú: apesar de poucas cenas bem construídas, o uso excessivo de CGI e uma aceleração imprecisa da história acabaram com toda a incrível experiência que é Berserk. Vale uma dica? Comece pelos filmes. E nunca, nunca, fale sobre o anime de 2016. 

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O japonês Junji Ito e o italiano Tiziano Sclavi produzem quadrinhos de horror de maneiras bem distintas. Enquanto um explora conceitos, o outro se destaca pelas personagens carismáticas. De qualquer forma, ambos são mestres da imagem.

Lucas Marques

Primeiro, um recente causo: na madrugada do último dia 31, Dia das Bruxas, meu vizinho de quarto bateu em minha porta para questionar se era eu que tinha visto um gatinho preto em casa. Respondi que sim e ele falou “então olha isso!”, desocultando das costas um desenho feito com traços grossos em um papel de caderno já empoeirado e rasgado. A imagem me gelou a espinha de primeira vista. Era um gatinho desenhado com giz de cera preto, as formas tão tortas que poderiam ser mesmo de autoria de uma criança, mas com alguns detalhes que só poderiam ser feitos por um jovem ou adulto que sabe o cânone de tal coisa: dentes e orelhas pontiagudas; olhos elípticos com o preto interno também elíptico, mas invertido; calda em espiral.

“Cê tá zuando, né? Foi você quem desenhou”, perguntei ainda meio sem saber o que tirar daquilo. Ele disse que não, que tinha achado na frente da porta de casa. Insisti mais, porém não fora ele quem rabiscou o gato. Não é do feitio dele e mesmo assim praticamente ninguém realmente se importa com Dia das Bruxas por aqui a ponto de conceber uma travessura dessa. Ainda mais para alguém que, se não tivesse o especial do Persona, não estaria aí para a data.

Quem é o autor? Como diabos isso foi parar em casa? De noite tratei o caso com uma pequena dose de ironia (muito para esconder o medo) misturada com especulações místicas. Na luz do dia já tomei um postura mais cética, mas não menos interessada. O que se tira de objetivo de toda essa história é a capacidade que desenhos têm de não só nos assustar, mas passar algo do mistério que pode ser sentido mas nunca completamente revelado. E isto é parte do que é a essência do bom terror nos quadrinhos – o assunto deste texto -, exemplificados por duas escolas de quadrinhos: a japonesa/mangá de Junji Ito e a italiana/europeia de Tiziano Sclavi.

Uzumaki – A Espiral do Horror

A cauda do dito gato formava uma espiral. Por um momento imagino, sem muito sucesso, o tipo de loucura que o mangaká de horror Junji Ito extrairia deste fato. Talvez a cauda em espiral passasse batido se não estivesse imerso na obsessão pela forma que é Uzumaki, mangá de Ito em 19 edições publicados na revista Big Comic Spirits entre 1998 e 1999.

A espiral possui diversos significados em diversas culturas. Os estudos matemáticos revelaram a proporção áurea, presente de forma incrível em toda natureza, algo que a arte conseguiu de certa forma captar e exprimir, mas sempre um mistério metafísico. A espiral é uma metáfora potente tanto da evolução cíclica, quanto da decadência inalterável. Junji Ito explora à exaustão esses e muitos outros conceitos sobre a forma, a ponto de uma só ideia parecer contínua: a capacidade da espiral de sugar a atenção das pessoas ou, simplesmente, sugar as pessoas.

Ito, quando escreveu Uzumaki, já estava “sugado” pela espiral, em estado obsessivo. Assim como manda um dos formatos do mangá, a obra possui uma história maior formada por capítulos com começo, meio e fim. Como constantes em toda narrativa está a protagonista, a colegial Kirie Goshima, sua família e namorado, assim como a cidade de Kurōzu-cho, onde estão acontecendo fenômenos bizarros e violentos envolvendo espirais.

O autor opta por atribuir pouca importância aos protagonistas, usando-os como fio condutor – uma mistura de observadores e vítimas – para explorar ideias tão absurdas como pessoas-caracóis, grávidas mosquitos e galáxias assassinas. O destaque dos conceitos em relação ao desenvolvimento das personagens não é nenhum demérito. Ito sempre é direto e logo quando termina um estudo em forma de horror sobre a espiral, o põe de lado e começa outra ideia. De qualquer forma, é uma alternativa mais sincera do que a baboseira sentimental travestida de desenvolvimento narrativo que é Walking Dead e outros comics estadunidenses.

Embora esses conceitos sobre espirais parecam desconexos – até mesmo de um suposto propósito maior, divino, desta forma geométrica -, eles fazem sentido numa narrativa que passa a sensação, capítulo após capítulo, de uma queda helicoidal no mistério. O horror de Ito é delicioso porque, mesmo sendo fácil decifrar o final e o ponto de virada da maioria das edições, a surpresa das melhores páginas já é uma mecânica por si própria. São aquelas páginas que você bate o olho e logo inclina o pescoço para trás, exclamando um “ooh” seguido por uma risadinha meio anasalada de incredulidade. Você achou que estava imune porque as palavras antecipam o horror, mas estamos falando de quadrinhos e Junji Ito é um mestre do terror pictórico.

Tome como exemplo a mencionada história das pessoas-caracóis que funciona em uma estrutura já bem conhecida do entretenimento, na qual a transformação se efetua lentamente a cada dia. Observar um estudante se metamorfosear em um molusco gigante tem algo de repulsivo e deleitável que só intelectos grotescos como David Cronnenberg, de A Mosca (1986), conseguem representar.

Dylan Dog – História de Ninguém

Se o mangá de Junji Ito tira o enfoque das personagens em benefício da exploração à exaustão de conceitos, Dylan Dog tem o DNA europeu que segue uma proposta diametralmente oposta: protagonista carismático com um set de peculiaridades que estampa o nome da revista (Tintim, Martin Mystére, Tex); horror dosado com humor e sensualidade; há mais explicações e investigações do que a expressão pura do mistério.

Para quem não conhece, pense Dylan Dog como um John Constantine com um teor mais leve, com menos bruxaria e menos tristeza. Ele mora em Londres e sempre está usando calça jeans com camisa vermelha e paletó preto. Tem um leque invejável de peculiaridades detetivescas, em destaque o Clarinete, que toca para se concentrar, e o ajudante Groucho, que é Groucho Marx. Sério, é a personagem do cinema simplesmente transportada para os quadrinhos. Curiosamente, o italiano Tiziano Sclavi o criou em 1986, dois anos depois da primeira aparição de Constantine nos quadrinhos e dois antes do bruxo receber uma revista própria.

Dog foi o principal produto da tradicional editora italiana Bonelli Comics no final dos anos 1980 e na década de 1990. No Brasil foi publicado por 4 editoras, hoje os direitos pertencem a pequena Lorentz. Mas o que torna Dylan Dog interessante, ainda mais nos nossos tempos nos quais a cultura dominante é formada por séries protagonizadas por personagens excêntricos, irônicos e resolvedores de problemas?

A resposta está no apurado olhar cinematográfico de Tiziano Sclavi que, mesmo nas histórias menos inspiradas, proporciona dinamismo e doses iguais de humor, mistério e desenvolvimento de personagens. Em resumo, 100 páginas perfeitas para ler em uma tacada.

Para quem quiser um exemplar de Dylan Dog em sua máxima potencialidade procure por “História de Ninguém”, revista número 35 da série da editora Mythos. A história concilia as habilidades narrativas de Sclavi com uma trama que pende mais para a ficção-científica do que horror propriamente. Em suma, é uma versão do tropo do “sonho perpétuo. A trama é fluída e não tem medo de se perder em inconscientes e mundos paralelos. Às vezes pode não fazer muito sentido cientificamente, mas quem liga? São 100 páginas de quadrinho com Q maiúsculo. Uma daquelas pequenas pérolas que você só encontra escondido em sebos.

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