Maju Rosa

“Pesquise no Google: como dar à luz?”. É assim que somos apresentados ao caótico episódio piloto da série teen do HBO Max, Genera+ion (escrita dessa forma mesmo). Lançado em março de 2021 (e em junho, no Brasil), é uma aposta para captar o público jovem LGBTQIA+, e levá-lo para a fase que todos passamos em algum momento: os dramas adolescentes sobre dificuldades adolescentes – e que apenas os adolescentes entendem. E apesar de ter conquistado um espectador que se identificou com a história de Chester, interpretado por Justice Smith (também protagonista de Detetive Pikachu e The Get Down), e seus novos amigos, a produção não foi renovada pelo streaming.

Assim como Katy Perry em 2008 e sua animação em ter beijado uma garota pela primeira vez, a ansiedade para a primeira relação, o entendimento da própria sexualidade e gravidez na adolescência são descobertas abordadas na série do HBO Max. A princípio, a fórmula de Genera+ion pode ser comparada à Sex Education (2019), da gigante Netflix. Porém, apesar das semelhanças, as duas tramas não chegam a ser concorrentes diretas. O ritmo e tom adotados nas narrativas possuem grandes diferenças quando analisadas. Enquanto encontramos uma tendência pacata e caricata na britânica, a estadunidense traz ao espectador uma visão mais real do que é ser jovem e enfrentar suas barreiras pessoais.

O elenco de Genera+ion não possui muitos nomes de peso, mas marca presença como tal. Apresentando como protagonistas um grupo de colegas que se conhece no Ensino Médio, a história mostra a importância de entender eventos a partir de outros pontos de vista. Apesar de confusa nas primeiras vezes, a técnica de repetir a mesma cena de diferentes ângulos, sob a perspectiva de vários personagens durante o episódio, se tornou uma forma de permitir o público digerir o que está acontecendo, sem precisar pausar e voltar alguns segundos.

Acompanhar os processos de cada um estabelece uma conexão direta com muitos jovens, que estão passando (ou já passaram) pelas mesmas situações. Um dos exemplos mais reais de Genera+ion é a contraposição entre o conservadorismo e o liberalismo, vista principalmente na relação entre Nathan (Uly Schlesinger), que atravessa a temporada entendendo melhor sua bissexualidade, e a mãe Megan (Martha Plimpton), extremamente religiosa e que demora alguns episódios para compreender o filho. 

A série conta com uma temporada única de 16 episódios e é um retrato claro da Geração Z. Muitas discussões, que há poucos anos eram tratadas com certo receio, são apresentadas de forma natural, permitindo o espectador acreditar se tratar de uma cópia da realidade, e não apenas um conjunto de gravações roteirizadas. Além do discurso atualizado, a diversidade refletida nos diálogos não se limita a uma temática única.

A representatividade étnica e sexual é priorizada em todos os âmbitos de Genera+ion, garantindo que o público se identifique com traços e discussões do núcleo principal da história. Um palpite para a abordagem natural da contemporaneidade na produção está relacionado à mente por trás das câmeras: Zelda Barnz, a jovem de 19 anos que idealizou a série aos 15, idade propícia o bastante para se estar inserido nos assuntos que a trama traz.

Apesar de não ter defeitos aparentes, além dos rápidos 30 minutos de duração por episódio, as narrativas de Chester, Arianna (Nathanya Alexander), Naomi (Chloe East), Delilah (Lukita Maxwell), Greta, Nathan, e Riley não parecem ter dado o lucro esperado para a plataforma. Em setembro de 2021, foi anunciado que o HBO Max não seguiria a parceria com os criadores da série, frustrando muitos fãs que estavam ansiosos para agarrar o gancho do último episódio (inclusive a autora desse texto). Aparentemente a fluidez não rendeu, principalmente quando comparada ao reboot de Gossip Girl. Apesar dos 12 episódios extremamente cíclicos, que sempre redirecionam o espectador para certa lição de moral implícita, já possui 2ª temporada confirmada.

Genera+ion permite que seus personagens errem e se reergam, sempre firmados no entendimento de seus próprios sentimentos e reações aos golpes da adolescência. A série se mostrou um respiro em meio às narrativas adolescentes irreais, com seus elencos de 30 anos vestidos com uniformes escolares hiperssexualizados, que não cabem mais ao contexto atual. E mais do que tudo, é um prato cheio de representatividade para os jovens LGBTQIA+ passando por essa fase conturbada. Ou ainda aos mais velhos, que desejavam produções como essa durante a adolescência, e agora podem ver uma representação de jovens queer, retratados como pessoas aproveitando e conhecendo a vida, e não mais da forma problemática veiculada pela mídia até poucos anos atrás.

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Maju Rosa

Números, muitos números. É assim que somos introduzidos à Anitta no primeiro episódio do documentário Anitta: Made in Honório. As visualizações, seguidores e parcerias internacionais aparecem na tela, mostrando de forma orgulhosa as conquistas da cantora durante sua carreira, praticamente um currículo.  

Depois do sucesso de Vai Anitta, a Netflix decidiu repetir a dose e apresentou para os seus assinantes mais uma série biográfica da cantora pop brasileira mais famosa da atualidade. Essa dose, assim como na primeira vez, veio batizada com algumas pitadas de autopromoção, basta saber se foi uma estratégia que se camuflou o bastante para não ser notada.

O retorno da malandra de 2017 foi promovido com peso nas redes sociais, tanto da plataforma de streaming, como da cantora, com a promessa de apresentar uma parte mais real da carioca, e assim aconteceu. Ao longo de seis episódios conhecemos a cantora, empresária de si, irmã, fã de Mariah Carey, e o lado sensível da artista. Apesar de curta, a série consegue caminhar pelas mudanças de humor de Anitta, além de mostrar seus lados mais sensíveis, como quando relata sobre um relacionamento abusivo, além de ter sido abusada sexualmente ainda adolescente. 

Em meio a lágrimas ela explica toda a situação. A revelação foi um ato de coragem, visto que a maioria dos casos de abuso não são denunciados pelas vítimas por temerem as consequências, e no caso de Anitta, abordar o assunto em uma das maiores redes de streaming do mundo demandou muito de sua audácia.

Assim como no documentário de 2018, as câmeras seguem os passos da cantora em direção às suas maiores cartadas na indústria. O trajeto do projeto Xeque-Mate, que marcou o início de sua carreira internacional, finalizou com o lançamento do hit Vai Malandra, já na produção de 2020 acompanhamos o caminho até a apresentação no bairro de Madureira no fim de 2019, localizado no subúrbio da cidade do Rio de Janeiro. O show foi gratuito e uma cópia fiel da apresentação da cantora no Rock In Rio do mesmo ano.

Líder nata ou patroa arrogante?

Assim que Made in Honório foi lançada, trechos de Anitta chamando a atenção de seus funcionários e sócios se multiplicaram rapidamente pela internet. As cenas da ex-MC Larissa dizendo aos dançarinos que ainda não tem a “capacidade de fazê-los pensar”, além do áudio de quase 40 segundos reclamando sobre a falta de figurino perto da apresentação oficial do Rock In Rio, abriram discussões sobre o abuso psicológico em ambiente profissional.

Você gostaria de ter sua ideia rasgada (no sentido literal mesmo) durante uma reunião da maior empresa de bebidas do país? Pois é isso que Anitta faz em um dos episódios, Mulher de Negócios. Houve uma grande comoção no Twitter durante a semana de lançamento, em que pautavam a arrogância da cantora com sua produção durante alguns momentos. Ela inclusive já havia avisado, em uma coletiva de imprensa, que teriam cenas polêmicas durante a série, e que estava preparada pro linchamento.

Enquanto assistimos os capítulos, é fácil notar a personalidade exigente de Anitta no âmbito profissional. Sempre com o celular na mão, ela faz questão de saber o que está acontecendo em tudo que está envolvida e, apesar de não ser mais sua própria empresária, ainda é ela quem dá a última palavra nas decisões.

A cantora abusa dos mecanismos que a deixam comandar as apresentações, e o que mais impressiona foi o canal exclusivo que ela mantém com a produção durante seus shows. Durante uma pausa entre falas, o que acreditamos ser um momento de respiro, por meio de um botão, Anitta se conecta aos pontos da equipe com observações e exigências: “Arruma a luz que está em mim”, “tem alguém subindo no palco”, são algumas das informações repassadas em segundos através do mesmo microfone que transmite sua voz para o público. 

Ivete Sangalo já revelou usar o mesmo sistema durante o carnaval. E apesar de não ser uma técnica nova, ainda é chocante o profissionalismo e a concentração dessas artistas, que se desdobram para serem membros da direção enquanto dançam e cantam durante duas horas. É inegável que Anitta sabe liderar com maestria, ela faz questão de explicitar o que, como, e quando quer algo, e Made in Honório mostra isso. Ela faz questão de mostrar isso. O tom romântico dado ao trabalho excessivo e sem pausas torna o documentário menos documental, e mais como uma grande propaganda. 

Os relatos de familiares e funcionários são sempre munidos de poucas reclamações e muito carinho, o que me fez acreditar numa grande escolha de elenco em que a regra era exaltar a protagonista. Uma das poucas críticas que recebemos é a de seu irmão (e empresário), que revela, emocionado, sobre a escassez de elogios da cantora para a equipe.

Apesar de não ser seguidora assídua da cantora, fui tomada totalmente pela imagem criada durante a série. Anitta não se esforçou em esconder seus pontos negativos – os que lhe favoreciam de certa forma, é claro, visto que suas polêmicas mais famosas com outros artistas, como com a cantora Ludmilla durante o Rock In Rio 2019,  nunca são citadas – e fez questão (até demais) de mostrar seu esforço pelo trabalho, e amor pela família, que até recebe um irmão perdido por anos. 

A produção foi certeira em mostrar uma pessoa multifacetada,  sem pudores de falar sobre a vida pessoal (menos os companheiros que foram filmados, esses continuam com o rosto censurado por emojis), e disposta o bastante para ser seguida durante meses por uma produção de filmagem enquanto viaja, trabalha, briga, dança, e chora.

Made in Honório, apesar de ser uma propaganda escancarada da cantora, consegue cativar desde a abertura do primeiro episódio, garantindo algumas lágrimas até o fim do último. Minha única ressalva foi não ter uma gravação do encontro de Anitta com Mariah Carey em Aspen, mas entendo que a rainha do falsete tem suas exigências.

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Maju Rosa

Quem é que não gosta de um amor clichê? Acompanhar em duas horas o desenvolvimento de desconhecidos que se tornam amigos e se apaixonam é uma reconfortante dose de fuga da realidade. Narrativas românticas são um coringa em qualquer obra, ela pode ser protagonista ou secundária, mas sempre conquistará seguidores que depositam suas esperanças para que o final feliz aconteça. E está enganado quem acredita que a trajetória cativante acontece apenas no universo humano! A Dama e o Vagabundo, que foi originalmente lançado pela Disney em 1955 e transformado em live action ano passado, já retratava o amor inesperado… Entre cães.

O filme conta a história de Lady, uma Cocker que foi adotada por um casal jovem e passa a ser o centro das atenções da família. Após receber sua licença (espécie de documentação que indicava um cão de família, não sendo alvo das carrocinhas da cidade que buscavam por cães vira-latas), a cachorrinha acredita ser firmada como a única fonte de felicidade da casa. Lady permanece com esse sentimento até que sua dona engravida.

Então, ela é avisada por um cachorro vira-lata malandro que passava pelo bairro sobre como os bebês tornavam a existência dos animais de estimação cada vez mais apagada. Vagabundo é um cão ligeiro, sempre fugindo de ir pro canil, ele goza de sua liberdade e defende que essa é a melhor forma de viver. Durante uma hora e dezesseis minutos de A Dama e o Vagabundo, seguimos a dupla e sua trajetória de conflitos entre o pedigree e a vida nas ruas, e como seus universos se fundem.

Os estúdios Disney começaram sua trilha de live actions em 1996, com o remake de 101 Dálmatas (1961), um dos melhores da empresa, a interpretação de Glenn Close como Cruella De Vil conseguiu marcar tanto quanto a personagem original, dublada por Betty Lou Gerson. É claro que não ficou por aí, nos últimos 24 anos fomos apresentados a filmes como Alice no País das Maravilhas (2010), Malévola (2014), Mogli – O Menino Lobo (2016), O Rei Leão (2019) e Aladdin (2019).

Em 2020, chegou ao Brasil o live action de A Dama e o Vagabundo (2019) junto ao serviço de assinatura streaming exclusivo da Disney e suas afiliadas, o Disney+. O remake do romance canino, dirigido por Charlie Bean, é um pouco mais longo em comparação ao original, mas não propõe muitas mudanças ao roteiro de 1955. Seguindo a mesma linha de A Bela e a Fera (2017), que deu uma repaginada no longa de 1991, que agradou muitos, mas também desagradou espectadores, o filme é praticamente uma cópia fiel de sua inspiração.

Na produção de 2019 houve um cuidado maior em aprofundar um pouco mais a história de Vagabundo (Justin Theroux). Enquanto somos apresentados à Lady (Tessa Thompson) da mesma forma que originalmente, o filme nos mostra uma das fugas do macho, mas diferente da animação, em que o vira-lata é amado por todos (menos pelo homem da carrocinha), ele é expulso pelo dono da oficina em que costuma dormir. 

Nessa fuga, ele acaba chegando ao bairro de classe alta em que Lady mora, e ao visualizá-la de longe, se perde admirando a cachorrinha através de uma cerca no quintal vizinho, até que ela expõe sua incerteza sobre como seus donos estão a tratando. O vira-lata aconselha ela, que não sabia que sua dona está grávida, e não com muitos gases, como cita em uma de suas lamúrias. É válido lembrar que a protagonista nunca teve contato com cães de rua, e quando descobre que é Vagabundo que a está aconselhando ao invés de seu amigo, expõe seu desagrado para com o invasor.

“Quando o bebê entra, o cachorro tem que sair”

Na animação de 1955, Vagabundo é bem específico ao explicar as dificuldades que surgem na vida de um cachorro quando a família tem um bebê, criando um dúvida sobre ele já ter tido donos ou não, porém ela nunca é sanada durante o filme, que prioriza focar na evolução de Lady. Foram precisos alguns anos para descobrirmos que o vira-lata já teve sim uma família, mas quando a esposa de seu dono deu a luz à uma criança, ele deixou de ser o centro da casa e foi abandonado. Apesar de aparentar ser um detalhe, preencher essa lacuna no remake foi um tempero a mais que o filme original precisava, uma explicação clara do porquê o cão abominar a ideia de manter-se fiel a uma família.

O romance se estende com fofura, um prato cheio para os amantes de animais, mas um prato frio pros que odeiam os falantes. É sério, se você ficou incomodado com a boca dos cachorros em Perdido pra Cachorro (2008), esteja preparado para o mesmo. As cenas foram muito bem dirigidas, e o clássico prato de macarrão com almôndegas marca presença. O live-action de A Dama e o Vagabundo não inova, mas ainda é um conforto ao coração de quem assiste.

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