Livia Queiroz 

Quem nunca teve uma paixão forte por alguém que terminou em uma decepção ainda maior? Ou uma queda de autoestima por se comparar com outras pessoas que enxergamos como mais bonitas? Uma obsessão por uma ex do seu atual, por inveja, talvez? E a vontade de entrar em uma aventura de um amor errado? São esses tipos de situações, recorrentes na vida de uma jovem, que Olivia Rodrigo trata em seu último álbum, GUTS (2023), e em sua versão extendida, GUTS (spilled) (2024): a controversa ‘girlhood’. Percebendo o tremendo sucesso da morena, a Netflix fez um filme-documentário de uma de suas performances da sua primeira turnê mundial, a GUTS World Tour, para os fãs sentirem a vibe sem sair de casa.

Em um descontraído pop rock, a cantora encantou todos que se identificavam com suas músicas tão significativas. Mas não é com esse álbum que a descrição de momentos da juventude começou; temos que voltar a Maio de 2021, quando seu primeiro álbum, SOUR, foi lançado e abalou todas as plataformas e premiações musicais. Nele, a canção drivers licence mostrou seu potencial como compositora, narrando a história melancólica de seu último relacionamento e o sentimento amargo de perceber que seu antigo parceiro superou o término, e ela não. 

Depois do ‘estouro’ de SOUR, com três Grammys, GUTS coloca em pauta situações de sua juventude agitada depois de se tornar uma adulta. Nessa onda de repercussões e sucesso, Rodrigo anunciou a GUTS World Tour, que iniciou em Fevereiro de 2024, em Palm Springs, EUA. Mesmo com a agenda repleta de shows, ela surpreendeu com uma versão deluxe, que trouxe cinco novas canções: obsessed, girl i’ve always been, scared of my guitar, stranger e so american. 

Vivenciando um dos momentos mais mágicos e importantes da carreira de Rodrigo, a equipe da Netflix produziu um especial de um dos shows da GUTS World Tour, em sua cidade natal, Los Angeles. Trata-se de uma gravação profissional da performance, para que os fãs que não puderam estar presentes sintam-se dentro desse dia especial. O filme foi lançado em Outubro de 2024, com o título Olivia Rodrigo: GUTS World Tour e direção de James B. Merryman. “Estou muito animada para compartilhar a turnê mundial GUTS com meus fãs“, disse a artista no post de anunciamento do filme-documentário. “Para aqueles que não tiveram a chance de curtir ao vivo, agora vocês podem garantir os melhores lugares de casa!“. 

O primeiro aspecto a ser notado dentro do longa é a presença somente de mulheres, tanto na banda quanto no conjunto de dançarinas no palco, junto da jovem norte-americana. A participação de um convidado também destaca esse evento, em LA quem participou foi a nova sensação do mundo da música: Chappel Roan, com o hit HOT TO GO!. Outra surpresa agradável do espetáculo é a produção e atenção que sua equipe recebe, com vários figurinos e a interação entre a artista, suas dançarinas, banda e fãs.

Por um lado, é um show único e criativo, que junta os hits de seus álbuns. Com uma produção linda e cheia de elementos de seus dois discos, como os cinco atos com trocas de figurino, dois solos da banda ao som de brutal e get him back!, um convidado para cantar no palco, entre outros. Convém mencionar a presença de palco de Olivia Rodrigo, com um ânimo invejável: atuação conforme letras das músicas, conversas com seus fãs e coreografias junto de suas bailarinas – quando não dançava, ela pulava. 

Por outro, fica notável a semelhança com as turnês de Taylor Swift, The Eras Tour, e de Beyoncé, Renaissance. Com performances que contam histórias; a grande quantidade de interações; uma plataforma diferente com aspectos de seu álbum; momentos a capella; solos no piano e violão. Apesar das claras inspirações, a artista continua inovando e se dedicando, com uma melhora perceptível em seu vocal ao vivo.  

No início do filme e nos créditos somos apresentados aos bastidores. Com cenas das rotinas de alongamento, aquecimento de voz, abraço com a equipe e demais preparações, desejamos mais desses momentos, mesmo que não seja esse o objetivo da obra. Além disso, após o fim do espetáculo, a câmera filma alguns fãs presentes, com elementos da loja oficial e outros caracterizados em roupas parecidas com as usadas pela compositora nos videoclipes de seus álbuns anteriores.

Diante dos assuntos abordados em suas músicas, como girlhood, amor, raiva, inveja e teenage dreams, o público alvo de Rodrigo e seus shows é muito bem definido e isso fica claro até mesmo no documentário. Sabendo disso, a compositora e cantora norte-americana criou uma iniciativa mundial de arrecadação para um futuro justo e com equidade para mulheres e garotas, chamado Fund 4 Good, dentro de seu site. A cada continente, ela escolhe um instituto para ajudar com as doações.

Por fim, diante do filme-documentário é possível sentir a paixão da artista pela música e performances ao vivo junto de seu elenco e fãs. Com uma presença de palco e carisma fora do comum, Olivia Rodrigo consegue cativar o público por completo e emocionar qualquer um com suas letras cheias de storytelling tristes e identificáveis. Para além, a cantora mostra-se como uma mulher vulnerável, empática e política, com manifestações dentro e fora de seu ambiente de trabalho.  

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Jamily Rigonatto 

A narrativa do modo de vida americano presente em comerciais, produtos culturais e campanhas estadunidenses nos mostram uma realidade brilhante – moldada pela visão liberal do que isso significa. A ideia de desenvolvimento e sucesso escondem realidades nas quais o luxo e a tecnologia não estão presentes. Em A Saída Está À Nossa Frente, do diretor Rob Rice, o valor das pessoas que não vivem sob os holofotes de Hollywood caminha em linhas retas, sem possibilidades de pontos de fuga. A produção independente fez parte da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo na Competição Novos Diretores, e com imagens tremidas e baixo orçamento, invade um horizonte tão real quanto cruel. 

A apresentação dos personagens expõe um núcleo familiar – por mais que isso seja feito de maneira pouco clara. Mark e Tracy Staggs são um casal, interpretado por pessoas comuns que cedem seus nomes aos personagens, e juntos tem uma filha chamada Cassie (Nikki DeParis). Os três viveram a vida toda em um vilarejo de beira de estrada distante dos vislumbres da modernidade, mas a jovem recebe a chance de se mudar para Los Angeles e ganhar um novo destino. Ali, em uma garota tomada por otimismo e esperança, vive a saída. 

O cenário é real, quase um registro documental guardado por uma só lente – já que Alexey Kurbatov trabalhou com a fotografia assim. As imagens, visivelmente francas, se misturam aos entulhos e espaços improvisados para construir um universo em que o Estado é um pai ausente. Ainda assim, entre as marcas da pobreza, o afeto e a cumplicidade são capazes de alimentar sentimentos genuinamente doces. Uma pena o amor não ser capaz de passar por cima da crueldade de um sistema que prioriza acumular desigualdades. 

Ao longo do enredo, também roteirizado por Rice, Cassie acumula despedidas. Passando pelos lugares e pessoas que marcaram sua vida, ela acomoda as lembranças com carinho, enquanto se prepara para ganhar novas possibilidades. Os moradores com os quais conversa revelam o quanto a negligência é a residente mais antiga daquele lugar arenoso e deserto. Um primo com histórico de dependência química, um senhor que passou anos no sistema carcerário e usa a religiosidade como uma maneira de seguir em frente e o próprio pai escondendo uma doença terminal são reflexos disso. 

Por mais que esteja debruçada sobre as margens dos Estados Unidos, Way Out Ahead of Us – nome original da obra – não nos prepara em momento algum para caminhos pouco acesos. Por mais aflitivos que Mark e Tracy estejam com a evolução da condição do personagem, a vontade de fazer a filha sair daquele lugar move todos os seus passos com leveza. A sutileza acaba contagiando o espectador, que por muitos momentos se vê acreditando em futuros iluminados pela boa vontade e esforço. 

O filme conquista seu clímax com uma reviravolta moldada por um misto muito bem feito de surpresa e obviedade. Depois que Cassie já chegou na cidade grande, seu pai, dentro de um carro, a liga e deixa um recado trajado de adeus, pega uma arma e não precisamos ver mais nada para saber o que aconteceu. A tal saída não parece mais uma luz no fim do túnel, mas uma ilusão construída em tons crus. 

A Saída Está À Nossa Frente é um sopro: rápido, leve e capaz de derrubar coisas. O suicídio de Mark não precisa tomar muitos frames para causar impacto em quem assiste a produção, mas deixa para traz questionamentos silenciosos. Em um mundo que dá muito a poucos e pouco a muitos, a saúde mental é um adereço pouco acessível. Afinal, os direitos humanos são para quantos? 

Rob Rice trabalha com pouco e isso é o suficiente para o propósito do filme. Atrás da fotografia distante da perfeição e dos atores improvisados, existe tanta verdade e provocação que o resultado é admirável. Um espetáculo que não se assume como tal, mas é baseado em fatos tão reais quanto eu e você. O grito silencioso e melancólico das vidas que existem atrás das cortinas.

Quando os ratos de laboratório são colocados para realizar um percurso de teste, seguem o cheiro do queijo em busca do momento premiado sem saber que estão presos por paredes de acrílico. Assim também acontece com as pessoas: buscam os resultados da meritocracia sem saber das barreiras ao seu redor. Nos destroços do capitalismo, a saída não leva a lugar algum. 

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Vinícius Rodrigues

Shh… Silêncio! Adele começou a cantar e o mundo inteiro está afim de ouvir. Exibido em novembro de 2021, no canal estadunidense CBS, e transmitido simultaneamente no Paramount+, Adele One Night Only contou com a interpretação de clássicos da cantora londrina e canções inéditas de seu quarto álbum de estúdio, 30. A apresentação musical ocorreu em outubro do mesmo ano, no Observatório Griffith, localizado em Los Angeles. Ao mesmo tempo, uma entrevista conduzida por Oprah Winfrey abriu as cortinas para o que seria o show de Adele.

O lançamento da obra aconteceu na sexta-feira após o especial, em 19 de novembro, e contou com a produção de artistas como Greg Kurstin, Inflo, Max Martin, Shellback, Ludwig Göransson e Tobias Jesso Jr. Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transforma as dores e desgostos do seu coração partido em um disco de busca, gracioso e incrivelmente comovente. Porém, desta vez, Adele parece querer mostrar mais de si mesma, estar por completo dentro de cada palavra que canta. 

O programa atraiu 10,33 milhões de espectadores e foi o especial de televisão mais assistido desde o Oscar, em abril de 2021. Não é à toa que o show foi indicado em 5 categorias do Emmy Awards 2022, sendo elas: Melhor Direção em Especial de Variedades; Melhor Design de Iluminação/Direção de Iluminação em Especial de Variedades; Melhor Mixagem de Som em Série ou Especial de Variedades; Melhor Técnica de Direção Trabalho de Câmera e Controle de Vídeo em Especial e Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado). 

Nessa última, inclusive, Adele concorre com grandes nomes da cultura mundial. One Last Time: An Evening With Tony Bennett & Lady Gaga parece ter ganho o apreço do público e trouxe de volta o nome de Lady Gaga para o cenário musical, além de proporcionar faixas extraordinárias e reunir duas lendas do pop estadunidense. Todavia, nem mesmo esse encontro formidável parece ser um fator decisivo que nos faça apostar em sua vitória. 

Já o especial de 20 anos do mundo mágico de Harry Potter, outro dos concorrentes de One Night Only, conseguiu saciar a fome que os fãs da saga guardavam por todos esses anos, conquistando boas críticas. Harry Potter — 20 anos de Magia: De Volta a Hogwarts uniu grande parte das estrelas dos 8 filmes, tornando a experiência dos potterheads ainda mais mágica. Será bem difícil para Adele competir com os fãs do bruxinho mais popular do mundo. 

A entrevista revisitou as histórias por trás das novas canções, da vida após o divórcio do seu ex-marido, Simon Konecki, a perda de peso e a criação de seu filho Angelo. O impressionante é que, em meio a um jardim de rosas impecáveis, Oprah conseguiu estabelecer uma conexão entre os telespectadores e Adele de forma íntima e sincera, como se fossemos não só seus fãs, mas amigos de longa data. “Ela é tão real e tão realista quanto todos nós acreditamos que ela é”, confessou a apresentadora. 

Nem mesmo o fato de que o Observatório Griffith estava lotado de celebridades na noite em que o especial foi gravado conseguiu romper com essa relação. Em uma tentativa de desfazer essa noção, Adele declarou que queria se “sentir segura em meu primeiro pequeno regresso”, depois de apresentar sua primeira canção da noite, Hello. “Então, eu queria fazer uma mistura de pessoas que eu conheço e amo, pessoas que conheci algumas vezes, e algumas de vocês que não conheço de jeito nenhum. Mas, oi”.

Inclusive, é um jogo divertido tentar descobrir quem ali presente se encaixava em qual categoria. Leonardo DiCaprio, que aplaudiu de pé com um boné de beisebol e um capuz, seria alguém que ela já conheceu algumas vezes? Lizzo, vestindo um poncho-coat, aparentemente feito inteiramente de flores, é também alguém que ela está familiarizada? Ou, possivelmente, alguém que ela conhece e ama? Gordon Ramsay? Ellen DeGeneres? Jesse Tyler Ferguson? Olha, eu não sei, mas adoraria descobrir. 

Ok, Adele já provou ser uma vocalista de enorme poder e uma escritora cujas canções soam como desgostos pessoais, isso não podemos negar. Entretanto, o que nos ganha em Adele One Night Only é que Adele sempre pareceu do mais alto glamour, mas nunca deixou de ser humilde. Dicotomia essa que aprofundou o amor do público por ela. É difícil não se romper em lágrimas quando, de surpresa, todos descobrimos que um simples rapaz, Quentin, iria pedir sua namorada, Ashley, em casamento ao vivo. Ali, de frente ao palco, ao som da sagrada Make You Feel My Love.

Durante grande parte do concerto e de sua conversa com Winfrey, a cantora britânica parecia estar consciente de si mesma, discutindo tudo desde seu divórcio. Em meio às brincadeiras, ela não soou diferente da Adele que conhecemos ou pensamos ter conhecido. Chega a ser engraçado ver como ela se relaciona com os convidados, o que faz esquecer que são todos famosos — mais uma vez, seria Aaron Paul alguém que Adele conhece e ama ou alguém que ela já encontrou algumas vezes?  

A questão é que não é difícil se sentir emocionado por suas atuações sinceras. Sua voz é como uma memória e um gatilho emocional, um copo robusto de chocolate quente que aquece suas entranhas no final do outono, e isso parece absolutamente certo, porque é aí que seu calor é mais necessário. Mas como alegria de pobre dura pouco, Adkins nos prepara para o final de sua ‘Única Noite’, em tradução livre, e nos entrega o máximo de si em uma performance de Love Is a Game, finalizando em meio a transições do anoitecer de Los Angeles. 

Por fim, era de se esperar que quando juntássemos Adele e Oprah em um só espaço, o resultado seria estrondoso. E muitas são as palavras que podem representar o que foi Adele One Night Only. Até mesmo a perfeição fica longe de definir os noventa minutos que ficarão para sempre na memória dos fãs e convidados presentes. Não sei bem o que acontece depois do apagar dos holofotes, mas uma coisa é certa: os céus abençoaram Adele e todos ali presentes.

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Vitória Silva

O céu não é o limite para Billie Eilish. Aos 20 anos, a jovem californiana já coleciona 7 gramofones dourados, incluindo o da almejada categoria de Álbum do Ano, por seu disco de estreia. Mais recentemente, ainda celebrou um prêmio da Academia para a sua prateleira, sendo a primeira artista nascida nos anos 2000 a conseguir esse feito. No show business desde 2016, tudo que Billie Eilish Pirate Baird O’Connell toca vira ouro – e não é nem brincadeira. Sua grande máquina de sucessos, movimentada em conjunto com seu irmão FINNEAS, foi a responsável por lhe render a aclamação de WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?. 

Após percorrer o lado mais sombrio de seus próprios pensamentos e sonhos perturbadores, Billie finalmente aterrissa em terra firme. Se emancipando dos delírios da juventude e a pose irreverente da adolescência, a cantora de fato assimilou a entrada da vida adulta em Happier Than Ever. E o ponto de partida do novo disco já apresenta essa comprovação: “Estou ficando mais velha, acho que estou bem/Gostaria que alguém tivesse me dito que estaria fazendo isso sozinha”. 

Em meio a essa realização, a jovem artista também se depara com uma realidade em que, agora, aquilo que ela costumava gostar de fazer se tornou apenas um simples ofício. Caindo a mesma grande ficha de toda uma juventude obrigada a crescer em meio a sociedade do cansaço do século 21, Billie entende em Getting Older que a constante cobrança por produtividade e alcance do sucesso nos leva ao esgotamento completo, tanto fisicamente quanto no âmbito de nossas motivações pessoais. 

Acompanhar a jornada da artista pela concretude que a maturidade apresenta é mergulhar em uma imersão de pensamentos, dominados pela geração Z que precisa lidar com uma avalanche de mudanças sem nem ser avisada previamente. Em meio aos tapas na cara do mundo moderno, uma decepção amorosa é a força motriz para a conquista de sua libertação. Outra loirinha já havia ditado a máxima: quebre o coração de uma jovem estrela do pop, e veja as músicas de sucesso que ela é capaz de fazer. E, aqui, Eilish segue o ensinamento à risca. 

No documentário Billie Eilish: The World’s a Little Blurry, lançado em 2020, seu frustrante relacionamento com o rapper Brandon Adams havia sido apresentado como um fator desolador para suas vivências durante a turnê do disco anterior. Em Happier Than Ever, todo esse desapontamento acaba sendo transformado em força, mostrando uma Billie muito mais segura de si. Se em party favor a jovem cantora ainda precisava deixar mensagens na caixa postal implorando por um retorno de seu interesse amoroso, agora ela já assume o poder de simplesmente escolher quem deseja responder ou não.

Exalando uma confiança provocativa, a ex-loirinha escreve praticamente uma carta aberta ao antigo namorado em Lost Cause, apontando cada uma das quebras de expectativas que teve com ele, enquanto tira sarro de sua pose durona, fruto de uma masculinidade frágil cravada. “Eu costumava pensar que você era tímido/Mas talvez você não tivesse nada em mente/Talvez você estivesse pensando em si mesmo o tempo todo”. Isso ainda aproveitando o videoclipe da faixa para, talvez pela primeira vez, largar de seus surrealismos em troca de se divertir com as suas amigas numa típica festa do pijama. 

Poucas coisas no mundo conseguem declarar melhor a dor da assimilação e a felicidade do livramento do que a faixa que também dá nome ao álbum. Se as pontadas anteriores não foram suficientes, Billie Eilish usa Happier Than Ever para aplicar o seu devido golpe fatal. A postura passiva no início da música vai minuciosamente abrindo espaço para uma explosão de sentimentos entalados na garganta. Assim, ela vocifera da forma mais honesta possível todas as dores decorrentes de uma paixão mal acabada, com o suporte de guitarras estridentes que fazem jus a artistas anteriores a ela que não tinham medo de mostrar a fragilidade de um coração partido. 

Para se redimir com a cidade que ela clamou em alto e bom som que passou a odiar, Eilish lançou pelo Disney+ o documentário Happier Than Ever: Uma Carta de Amor para Los Angeles. Por meio de uma apresentação no teatro histórico do Hollywood Bowl, a artista passeia intimamente pelas faixas do disco, com apresentações que prestam uma homenagem ao local que a abriga desde sua infância. Relação essa que ex nenhum seria capaz de acabar por completo. 

Ela pode tentar afirmar isso por diversas vezes ao longo do disco, mas talvez a cantora não esteja tão mais feliz do que nunca. A emancipação fantabulosa de Billie Eilish não é repleta apenas de autoconfiança, levando em consideração que encarar essa realidade em meio a uma indústria extremamente destrutiva são outros quinhentos. A Billie mais angelical e menos sombria do que vimos anteriormente presente na capa disco é denunciada pelas lágrimas que molham suas bochechas, mostrando o caráter dual de que o princípio que permeia seu novo trabalho ainda parece distante. Aquela felicidade que antes estava diretamente relacionada ao sucesso, agora encontra-se mais próxima de uma vontade de ter as luzes apagadas por um breve instante. 

A perda de sua pureza interior é trazida à tona nos delicados versos de GOLDWING, apontando como o universo midiático usa das jovens celebridades em ascensão para depois descartá-las como meros objetos: “Eles vão reivindicar você como um souvenir/Apenas para te vender em um ano”. Provando que realmente saiu dos pesadelos de sua mente para confrontar os da vida real, a cantora ainda se aprofunda nos fantasmas que tanto tememos ter que confrontar, e que são dissecados em faixas como o single Your Power. Tem algo mais condizente com a realidade do que crises existenciais, abusos de poder, distorções sobre o prazer feminino e a ansiedade em relação a um futuro que parece nunca chegar?

O fato de se tornar uma mulher adulta quando todos os olhares do mundo estão voltados para você é um buraco bem mais embaixo do que qualquer uma pode estar acostumada, e o fatídico destino de outras artistas ainda não foi suficiente para servir como lição ao grande público. Not My Responsibility é inteira dedicada ao desabafo de Eilish diante das opiniões formadas especialmente em relação ao seu corpo. Em um monólogo questionador às diversas críticas que sofreu nesse aspecto ao longo de sua carreira, Billie ainda atinge o amadurecimento ao tirar de seus ombros a responsabilidade diante da opinião dos outros. 

Em um comercial da Calvin Klein de 2019, ela já tinha afirmado que costuma usar roupas largas para que ninguém pudesse opinar sobre seus aspectos corporais já que não poderiam ver o que estava por baixo delas, provocando inúmeras críticas ao seu estilo. Colocando em prática o que assume no interlúdio, a artista se entregou a vestidos bem apertados e pouca roupa para um ensaio da revista Vogue UK. Como uma bomba-relógio, conseguiu acionar a falsa simetria da internet de que o realce de suas curvas teriam um caráter apelativo, diferente de quando ela optava por se esconder pela vergonha do próprio corpo a que era condicionada. 

E sensualidade não poderia faltar para que Eilish cravasse de fato sua libertação interior. Assim, caminha desde uma poética bossa nova em direção aos sintetizadores explosivos enquanto clama a necessidade de ocitocina, ainda sem perder a irreverência que foi seu ponto de equilíbrio durante o período da adolescência. Uma nova Billie Eilish domina o espaço, mas sem deixar de lado as muitas realizações que fizeram parte de sua essência e crescimento perante o resto do globo terrestre.

O passeio nessa transição da juventude não seria o mesmo sem a produção de seu irmão FINNEAS. A união da dupla consegue fortalecer o lirismo das letras com a sonoridade que percorre diferentes gêneros e até mesmo compõe elementos da realidade, conforme ilustra o rosnado de seu pitbull Shark no início de I Didn’t Change My Number. Como se já não fosse suficiente, a cantora faz questão de retratar os sentimentos com clareza a partir das situações limite a que se coloca em seus videoclipes, honrando não só o seu talento musical como também a brilhante execução no audiovisual. Nada melhor para demonstrar a sensação de estar condenada às amarras provenientes da fama do que – literalmente – se colocar andando em meio a uma estrada com carros em alta velocidade. 

Já se consagrando como a nova favorita do pedaço, era mais do que óbvio que seu novo projeto fosse fazer a limpa nas indicações ao Grammy 2022. No caso, ela conquistou 7 nomeações, incluindo categorias principais como Álbum e Canção do Ano. O mérito das conquistas de Billie Eilish não há de ser contestado, enquanto os questionamentos deveriam passar a serem voltados aos responsáveis por insistir em sempre colocá-la à frente de qualquer outro artista, sem mais nem menos. Essa ignorância da branquitude por trás das principais premiações até mesmo provocou o constrangimento da própria, quando ela dedicou seu gramofone de Gravação do Ano, em 2021, à cantora Megan Thee Stallion, justificando que ela era quem realmente merecia o prêmio, pela faixa Savage. 

Em Happier Than Ever, Billie Eilish desce do pedestal a que tanto foi colocada, assim como é desarmada de todas as munições que havia usado para se blindar da perversa indústria musical – a mesma que atreveu-se a fazer parte e já não aguenta mais. O mundo que antes parecia um pouco embaçado, agora é enxergado com mais nitidez, lhe dando a ousadia de se abrir em um relato sincero que nos faz passear pelas profundezas de seu interior, e nos leva a nós mesmos. Se a ancoração na fria realidade do mundo moderno é sinônimo de satisfação, só poderíamos estar mais felizes do que nunca. 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Ao escolher contar a história de origem do famoso advogado da literatura e televisão americana, de investigador deprimido até advogado de defesa altruísta, a versão da HBO de Perry Mason acabou com a difícil missão de construir um mistério noir clássico e transformá-lo num drama jurídico. Infelizmente, na mudança de um gênero para outro, a primeira temporada da produção nunca acha um ritmo certeiro para o desenvolvimento do caso e de seus personagens, apesar de ter garantido quatro indicações no Emmy 2021.

Desenvolvida por Ron Fitzgerald e Rolin Jones, a trama investigativa começa em 1931, quando o cadáver do bebê Charlie Dodson é achado por seus pais após o pagamento de um resgate pela sua volta. A natureza brutal do crime coloca a cidade de Los Angeles em polvorosa, com a população pressionando a polícia e o promotor para achar logo um culpado. O investigador divorciado e deprimido Perry Mason (Matthew Rhys) acaba se metendo no meio disso tudo quando um benfeitor misterioso pede ao seu mentor, E.B. Jonathan (John Lithgow), que ajude os Dodsons, que são cada vez mais os principais suspeitos na morte de seu próprio filho.

O Perry Mason de Matthew Rhys chega quase a ser uma caricatura de um detetive noir: das noites de bebedeira até sua antipatia por praticamente todas as figuras de autoridade que encontra, ele é um veterano tentando lidar com os traumas da guerra e um pai ausente se esforçando para reconectar-se com o filho pequeno. O ator encarna muito bem as qualidades e, mais importante, os defeitos do personagem. Por mais que sua fúria mal-direcionada se torne um pouco enfadonha na reta final, ainda ansiamos pela redenção de toda a raiva que carrega.

Criado por Erle Stanley Gardner em 1933, o personagem já foi o protagonista de dezenas de livros e centenas de episódios de televisão, o que faz a tarefa de modernizá-lo para uma audiência contemporânea ser complicada, para dizer o mínimo. O Mason vivido por Rhys carrega consigo uma amargura que a princípio destoa de versões anteriores, mas que familiariza a audiência com suas virtudes e falhas, preparando o terreno para as mudanças que virão.

Infelizmente o retrato dessa mudança não oferece novas inflexões sobre o arquétipo do detetive noir, suas motivações ou seu caráter. Indicado a Ator em Drama no Emmy 2021 pelo episódio final da temporada, em que o personagem encara sua transformação mais profunda, Matthew Rhys provavelmente não levará a estatueta para casa, mas talvez em temporadas futuras o desenvolvimento de seu personagem titular ofereça mais espaço para que ele exerça seu trabalho meticuloso que já lhe garantiu a mesma estatueta por seu papel em The Americans.

Os antagonistas de sua trama são, previsivelmente, homens perversos e arrogantes, inteiramente convencidos de que estão acima de todos os outros, e a narrativa nunca nega essa noção: por mais que os heróis improváveis tenham a verdade do seu lado, ela é sempre retratada como a coisa que menos importa no tribunal. Perry Mason parece sempre travar uma batalha entre a civilidade e a barbárie que nunca é ganha por completo por nenhum dos lados.

No início vemos Mason trabalhando por migalhas, fotografando os escândalos sujos de estrelas de Hollywood e extorquindo seus empregadores por mais alguns dólares e, mais para frente, pisando sobre um mar de corpos pútridos para obter evidências que dificilmente seriam aceitas num tribunal. A violência tão importante do gênero noir encontra aqui uma versão moderna e explícita que recusa a si mesma do debate, retratando um mundo que simplesmente é violento por si só, apesar dos melhores impulsos de seus poucos heróis.

Além dele, a releitura da personagem Della Street, secretária de E.B., também merece destaque pela ousadia da performance de Juliet Rylance, que transforma o que poderia ter sido apenas uma “strong female lead” em um papel com agência e propósito que vão muito além de suas relações com os homens da trama. Apesar de ter ficado de fora das indicações desse ano, seu papel crescente nas investigações de Mason nos dá esperança que em temporadas futuras seu trabalho não será esquecido.

A progressão do caso dos Dodsons leva seus intrépidos investigadores até uma conspiração financeira que é entediante demais para descrever, mas que acaba tocando sobre algumas das facetas mais interessantes da Los Angeles em meio à Grande Depressão: o coração de um culto religioso liderado pela febril Irmã Alice (Tatiana Maslany), que promete ressuscitar Charlie e provar a inocência de seus pais; a departamento de polícia corrupto, desesperado para achar um culpado a qualquer custo, onde encontramos Paul Drake (Chris Chalk), um jovem policial negro tentando conciliar sua consciência com as ordens de seus superiores.

Apesar da Irmã Alice encarnar muito bem o carisma cru de líderes religiosos, sua personagem só funciona pelo calibre de Maslany como atriz, já que a mesma parece nunca engatar de vez com a trama, por mais que alguns de seus diálogos com Mason sejam instigantes. A performance de Chris Chalk como Drake é esquecida no churrasco, por mais que seja outra das reinvenções do texto original que mais adicione à personalidade da série e ajude a construir sua própria identidade além do legado de seu material.

Os caminhos pelos quais Drake navega suas diferentes posições na sociedade, como policial e homem negro, ajudam a delinear o contorno nocivo e perverso da metrópole, que toma vida não por sua vivacidade, mas por sua decadência. As decisões de Perry Mason são feitas na frente de um juiz, e esse juiz é o personagem coletivo formado pela cidade de Los Angeles, nos becos insalubres e mal iluminados, na textura de suas ruas sujas e na fé que seus habitantes têm na ilusão de justiça.

Não há dúvidas de que a versão da HBO seja uma superprodução: a recriação da Cidade dos Anjos nos anos 30 é exímia, usando um misto de VFX com design de produção que tira o fôlego e reflete a natureza sombria e decadente da maioria de seus habitantes, capturados em toda sua glória noir indulgente, mas nem por isso menos sedutora. Apesar de ter perdido nas categorias de Design de Produção e Fotografia para O Gambito da Rainha e The Crown, respectivamente, é impossível diminuir o nível da criação técnica e artística realizada aqui.

Ao final de sua primeira temporada, vemos que Perry Mason ainda não sabe com o que se comprometer: às vezes apresenta revisões modernas e instigantes  de sua narrativa detetivesca e judicial, enquanto outras afunda de cabeça nas estéticas e tramas mais batidas delas, tirando o foco de seus aspectos mais cativantes. Por mais que seja frustrante, seu final acaba fazendo as pazes com esses contrastes, criando expectativa para que sua próxima temporada se aventure por caminhos mais interessantes.

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Jordana A. Pironti

Já se perguntou por que o anjo caído decidiu começar uma revolução no Paraíso que o levou a ser castigado e a comandar o Inferno pela eternidade? A segunda parte da 5ª temporada de Lucifer, série da Netflix desenvolvida por Tom Kapinos e comandada por Joe Henderson, coloca o Diabo à frente de seus problemas com seu pai, Deus (Dennis Haysbert), e mostra que na verdade a família celestial é tão desconfigurada e problemática como qualquer outra.

A 5ª temporada aflorou o romance entre o Diabo (Tom Ellis) e a Detetive Decker (Lauren German), mas não por muito tempo. Os novos episódios, embalados por uma trilha sonora carregada de rock alternativo, retomam a briga entre Lucifer, seu irmão gêmeo invejoso Miguel, e Amenidial (D. B. Woodside). Ao que os três estão prestes a encerrar a vida um do outro em meio ao cenário congelado da delegacia de Los Angeles, uma luz branca forte aparece e então Deus, pela primeira vez na série, pisa na Terra.

A psicologia explica que boa parte dos traumas de uma pessoa são decorrentes do tratamento que receberam dos seus pais, e com o Rei do Inferno não foi diferente. Lucifer Morningstar amadureceu muito ao decorrer das temporadas, demonstrando mais autonomia e responsabilidade por suas ações e conhecendo melhor as emoções dele e das pessoas que ama. Mas o grande feito dessa nova parte foi mostrar com ênfase os motivos familiares das inseguranças profundas dele, que são metaforizadas em um comportamento narcisista e autodepreciativo.

Quando Deus tenta uma reconciliação e reaproximação da família, Lucifer, que costumava não reconhecer suas feridas e a justificar os motivos de suas falhas no comportamento dos outros, reage evidenciando os traumas familiares antigos e reativando esses comportamentos. Como consequência, ele passa a duvidar novamente se é merecedor do amor da Detetive.

A série sempre nos leva pelas viagens psicológicas de autoconhecimento do Rei do Inferno, baseadas em sua visão irônica e auto destrutiva, com um leve toque de personalidade intensa. Mas a apresentação de Deus, o ser mais poderoso do universo, como uma figura de pai controlar e ao mesmo tempo negligente, traz o olhar fora do convencional que qualifica Lucifer. 

Caindo em inúmeras contradições, Deus, carregado de frases vagas e indiretas, justifica sua postura distante e fria pela vontade de proporcionar aos filhos livre escolha. No entanto, ele constantemente controla e julga os comportamentos deles, depositando altas expectativas, situação muito bem ironizada no episódio musical em que Lucifer canta e dança com seus colegas de trabalho, durante momentos extremamente delicados, e contra sua vontade.

Lucifer não se entrega ao esperado maniqueísmo de histórias de bem e mal. O andar das temporadas traz constantes quebras de perspectiva, sendo a grande virada de chave relativizar a maldade intrínseca e a bondade absoluta. As pessoas com quem o Diabo se relaciona na vida terrena são capazes de enxergar o melhor nele, isso o impulsiona a crescer e, consequentemente, reconhecer e evidenciar os erros de seu pai, desmistificando a perfeição angelical.

É surpreendente o grande sucesso da série em se conectar com o público. A humanização do divino foi capaz de criar uma conexão inesperada entre o personagem principal, o Diabo, e o telespectador. Acompanhar o crescimento psicológico de Lucifer coloca quem assiste em posição de análise, não apenas sobre os próprios comportamentos mas também sobre a humanidade, evidenciando que nem tudo é preto e branco. Muitas vezes, a realidade pode ser pintada em cinquenta tons de cinza. 

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Beatriz Luna

Em tempos de Oscar, é preciso conhecer os candidatos, até mesmo os inexistentes. Em meio ao drama da Hollywood do século 20, Evelyn Hugo veio para ficar. Escrito por Taylor Jenkins Reid, autora de Daisy Jones & The Six e Amor(es) Verdadeiro(s), o romance histórico Os sete maridos de Evelyn Hugo traz 360 páginas de uma envolvente trama LGBTQIA+, e emoções são o que não faltam. E alerta de gatilhos: o livro aborda assuntos como violência doméstica, abuso psicológico, homofobia, suicídio e alcoolismo, além de contar as dificuldades e preconceitos vivenciados pela jovem atriz latina. 

Depois de uma vida de quase 80 anos sob os holofotes, porém sem revelar um único detalhe sobre seus mistérios, como seus sete repentinos casamentos, Evelyn Hugo decide produzir um livro com as respostas tão desejadas pela mídia a ser publicado após sua morte. A única condição é que uma pessoa específica o escreva: a acompanhando no decorrer do livro, a jornalista iniciante Monique Grant descobre segredos do seu próprio passado na narrativa da estrela protagonista de sucessos indicados ao Oscar. 

Apesar de ser importante para a história, Monique é ofuscada pela força de Evelyn. Os sete maridos de Evelyn Hugo é praticamente uma autobiografia, considerando que a maior parte dele é narrada no ponto de vista da atriz em sua juventude, mas, quando voltamos ao presente, os capítulos da jovem jornalista só servem para mostrar o quanto a vida dela é entediante. Passando por um divórcio conturbado e lidando com inseguranças quanto a sua profissão, acompanhar a rotina de Grant pode ser um desafio para o leitor. Mesmo Evelyn parece não ter paciência com ela, que repetidamente trata sua bissexualidade de maneira superficial.

O drama da história de Evelyn começa na sua adolescência. Após perder sua mãe, ela vive uma infância pobre com seu pai abusivo. Cansada dessa realidade e buscando uma vida melhor, ela se casa pela primeira vez ainda menor de idade e foge para a cidade dos anjos, cada vez mais perto de seu sonho hollywoodiano. O custo? Sua identidade. Evelyn Herrera se torna Evelyn Hugo e abandona seus aspectos latinos – ela muda a cor do cabelo, emagrece, perde seu sotaque e não fala mais espanhol. 

A personagem de Hugo é apresentada como uma mulher forte, que, passando por todas as fases da sua vida, continua determinada a fazer sucesso no Cinema e está disposta a tudo para alcançar o seu sonho, mesmo que tenha que usar seu corpo para isso. Com uma personalidade que cativa o leitor a cada página por todas as suas qualidades e defeitos, ela consegue surpreender a todos com sua complexidade, sinceridade e a maneira que enxerga suas atitudes do passado, assume os seus erros e está pronta para pagar o preço por eles. 

Introduzindo o verdadeiro romance, as emoções não param. Durante seu segundo casamento, um relacionamento abusivo com um homem agressivo que possui um ego com as dimensões da cidade de Los Angeles, a atriz conhece seu verdadeiro amor, Celia St. James. Apesar de ter sentido paixão por Don Adler, é com ela que Evelyn conhece a si mesma verdadeiramente, se descobrindo uma bissexual muito segura de sua sexualidade.

A partir daí, seus casamentos posteriores serviam apenas para encobrir o romance com sua amiga e companheira de profissão. Passando por turbulências em seu relacionamento e vivendo uma conturbada vida juntas, as duas lidam com os preconceitos da época e de seu meio de trabalho da única maneira que conseguiram encontrar: não lidando. 

Já a personagem de Celia é contraditória. A insegurança dela com a bissexualidade de Evelyn é palpável, e é impossível não notar os momentos em que ela se sente em desvantagem em relação aos homens. É compreensível que ela não queira viver uma vida secreta – ela queria que Evelyn a assumisse e que elas lutassem pelo seu relacionamento juntas -, mas Evelyn faz de tudo para proteger a carreira das duas, e Celia, por muitas vezes, pode parecer ingrata por isso. 

Seu amor foi Celia, mas sua alma gêmea foi Harry Cameron. Amigo de longa data de Evelyn, ele viu sua carreira nascer, acompanhou seu processo de descobrimento e o relacionamento das atrizes. A conexão entre os dois é sem dúvidas o ponto do amor verdadeiro de Os sete maridos de Evelyn Hugo, não é romântico, mas tão profundo que é de tirar o fôlego. “Foi mais ou menos nessa época que passei a acreditar que amizades poderiam estar escritas nas estrelas. ‘Se existirem outros tipos de almas gêmeas’, eu disse para ele numa tarde, enquanto nós dois estávamos no terraço com Connor, ‘então você é a minha.’”

Harry também foi um dos maridos, e é nesse momento em que o maior relacionamento quádruplo que a Hollywood fictícia do século passado já viu é introduzido. Evelyn se casa com Harry, Celia se casa com John Braverman, um famoso jogador de futebol americano. Harry e John formam um casal, Evelyn e Celia, outro. 

A carreira de Evelyn Hugo é repleta de sucessos, dentre eles Mulherzinhas, o clássico de Louisa May Alcott que virou filme em 2019. Ela faz o papel de Jo March, uma mulher branca, diferente de Hugo, que é uma mulher latina e de pele escura. “Eu sabia o que significava interpretar Jo. Sabia que ela era uma mulher branca. E mesmo assim era isso o que eu queria. Não abri as pernas para ficar pensando pequeno. ‘Jo’, respondi. ‘Pode me dar o papel de Jo.’”

Sete maridos, sete casamentos, tudo para encontrar a felicidade com seu verdadeiro amor em meio ao caos do preconceituoso mundo da fama. A protagonista de Os sete maridos de Evelyn Hugo é maior do que todas as dificuldades, ela conquista tudo, é imparável. Uma história de vida emocionante, uma carreira brilhante e um romance de cortar corações, Evelyn Hugo supera tudo na avassaladora obra que pode ser adaptada para as telas em breve. “Porque eles são só maridos. A Evelyn Hugo sou eu.” 

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Caroline Campos

O mundo nunca foi tão caótico e subversivo quanto nas ruas e bares de Los Angeles em plenos anos 70. Se você estivesse procurando um bom lugar para curtir um som, se drogar ou tentar virar uma estrela internacional, era para lá que você se dirigia. E foi na cidade das estrelas que nasceu uma das maiores bandas de rock ‘n roll que o mundo já havia conhecido: Daisy Jones & The Six. Apesar do premiado e polêmico grupo só poder ser encontrado nas 360 páginas escritas por Taylor Jenkins Reid e traduzidas por Alexandre Boide, sua música e trajetória ecoam por um bom tempo na cabeça dos leitores, e passamos a desejar que tudo não fosse apenas ficção.

As histórias começam separadas. Através de entrevistas com os personagens – sejam eles amigos, familiares ou os próprios músicos – conhecemos primeiro a jovem Daisy Jones, nascida e criada em Los Angeles. Filha de uma modelo francesa e um pintor britânico, Daisy sofreu desde cedo com o abandono familiar, o que a fez se jogar no mundo ainda na menoridade para tentar preencher o vazio no coração carente. A personagem é descrita sempre de forma quase mística, tanto pela personalidade ingênua e desafiadora quanto pela beleza absurda que faz com que todos a sua volta fiquem hipnotizados.

Olhos azuis profundos, maçãs do rosto protuberantes e cabelos cheios e acobreados. Não demorou muito para a garota passar a frequentar bares e casas noturnas da Sunset Strip, e logo se enturmar com outras groupies para adentrar em um mundo sórdido repleto de sexo, drogas e rock ‘n roll que nem de perto foi simpático com ela. “Nós adoramos gente linda e destruída por dentro. E não dá para ser mais claramente destruída por dentro e ter uma beleza mais clássica que a de Daisy Jones”.

E foi no meio dessa bagunça de experimentações e carreirinhas de cocaína que Daisy finalmente encontra o mais próximo de um ponto de equilíbrio: Simone Jackson. A estrela da era disco é uma das únicas personagens ajuizadas da narrativa, parecendo a babá de Daisy em muitas ocasiões. No entanto, a amizade das duas funciona perfeitamente entre os trancos e barrancos, deixando claro o amor genuíno que uma sente pela outra. Simone foi a primeira pessoa a perceber a voz incrível e o potencial de estrelato que Daisy Jones possuía, e a incentivou até o limite para a garota se dar uma chance.

Do outro lado do território estadunidense, na cidade de Pittsburgh, Pensilvânia, dois irmãos abandonados pelo pai e apaixonados pelo rock decidem formar uma banda que, eventualmente, viria a se tornar o The Six. Quando Billy e Graham Dunne conseguiram suas primeiras guitarras, formaram os Dunne Brothers  – mas logo conseguiram companhia. Warren Rhodes foi o escolhido para bateria e Pete Loving se tornou o baixista. Chuck Williams foi o responsável pela guitarra base por um curto período de tempo, mas ser um homem nos anos 70, vivendo no antro do imperialismo, era sinônimo de ir ao Vietnã e não demorou muito para receberem a notícia que Chuck havia morrido. 

No seu lugar entrou Eddie Loving, irmão mais novo de Pete e, assim, os Dunne Brothers seguiram fazendo shows onde quer que fossem chamados. Cruzando com outra banda no caminho, o sexto membro do grupo surgiu – a talentosa tecladista Karen Sirko optou por chutar o grupo antigo e se juntar ao futuro fenômeno da cena musical dos Estados Unidos. Com um novo (e melhor) nome, o The Six estava oficialmente formado.

A banda foi crescendo ainda mais com apresentações cada vez maiores, e quando conseguiram Rod Reyes como empresário, estavam certos de que chegariam na Lua. Enquanto todos curtiam as noitadas com o máximo de amantes que podiam, o coração de Billy Dunne estava fechado: sua parceira, Camila Martinez, é talvez a grande protagonista do livro. A maioria das ações que trespassam os personagens-base da história de Taylor Jenkins Reid envolve ou passa por Camila, futura senhora Dunne, e o que ela representa para Billy. 

A narrativa de Daisy Jones & The Six é tão fluida que, mesmo com a grande quantidade de informação que os entrevistados vão despejando, nós não nos sentimos sobrecarregados, muito menos confusos. Os depoimentos funcionam extremamente bem nas mãos de Taylor e de sua narradora fictícia que se propõe a recriar a ascensão e queda da parceria mais quente dos anos 70 – do seu sucesso estrondoso até o fim infame. A história detalhadíssima envolve hilários confrontos de opiniões e discordância de fatos sobre um acontecido, o que deixa tudo ainda mais cativante de ser lido. 

A ida à Califórnia finalmente aconteceu e o The Six, através da Runner Records e do conhecido Teddy Price, gravaram seus dois primeiros discos – The Six e SevenEightNine. Pelas mãos da mesma gravadora, Daisy Jones lançou seu First, e é aí que a história fica interessante. Os pontos de vista, até então separados entre a it girl e a banda, finalmente passam a compartilhar da mesma experiência, já que Daisy é convidada a participar dos shows e dividir o vocal com Billy em uma das músicas. O sucesso foi estrondoso e o público passou a presenciar a química sobrenatural que os cantores possuem.

O relacionamento de Billy e Daisy começa elétrico de cara. Ambos têm muitas opiniões, muito talento e muito ego. No entanto, quando começam a cantar, a multidão não se segura e, rapidamente, a gravadora planeja um disco em conjunto. Daisy Jones & The Six se tornou realidade e seu álbum, Aurora, é, até hoje, um dos maiores feitos da história do rock no universo fictício de Taylor Jenkins Reid. Os bastidores do CD são o foco do livro. Se até esse ponto Reid nos apresenta seus personagens e suas características, agora ela passa a desenvolvê-los como seres humanos tridimensionais perdidos num mundo de excessos. 

E não há nada mais abusivo do que o uso de drogas. Billy caiu nas garras da heroína logo na primeira turnê e para continuar casado, precisou se internar. Camila vibra em outra frequência dos demais protagonistas do livro, criando sozinha seus filhos com o rockstar e engolindo todos os problemas que Billy joga em seu caminho. Mas engana-se quem pensa que isso é sinônimo de passividade, pois essa palavra está longe de existir em sua trajetória. Camila luta por seu casamento, por seu direito de ser feliz ao lado do homem que ama e pela sua dignidade o tempo todo. Ela exige de Billy respeito e participação, assim como de todos que se envolvem em seu relacionamento.

Obviamente Daisy está envolvida. A garota tem problemas com remédios e drogas desde a adolescência na Sunset Strip e, quando atinge o auge da carreira, passa as noites acordada na base de alucinógenos e companhia. Taylor Jenkins Reid não esconde ou romantiza as crises ou momentos de desespero causados pelas substâncias. É tudo muito real e extremamente triste – cada vez que Billy luta contra um copo de tequila ou cada “não” que Daisy não consegue dizer para o pó na sua frente. 

Não é surpresa que os personagens mais trabalhados sejam Billy e Daisy. Eddie, Pete e Warren são pobres coitados acometidos pela maldição da falta-de-singularidade. Mesmo Karen e Graham, que ganham um arco envolvente para chamar de seu, não chegam na dramaticidade da conturbada relação dos dois. Daisy é uma mulher perdida, esperando alguém que a ame por quem ela é. E quando Billy a entende verdadeiramente e não corresponde seu desejo, tudo rui. A banda protagonizou seu último show em 12 de julho de 1979. Desde aquele dia, nada mais se ouviu falar de Daisy Jones & The Six.

O mundo todo parou para ouvir Aurora. E, décadas depois, uma pessoa parou para ouvir a história por trás. A revelação da nossa autora misteriosa foi a chave perfeita que fecha o trabalho autêntico e documental de Taylor Jenkins Reid. A autora conquistou Reese Whiterspoon, que produzirá uma série exclusiva na Amazon Prime Video sobre os sete astros do rock. Por enquanto, apenas sonhamos com a ideia de uma estrela como Rita Lee interpretando a selvagem Daisy – talvez um pouco menos icônica que a ovelha negra. 

A mágica de Daisy Jones & The Six: uma história de amor e música está na vontade de ouvir suas músicas, comprar seus pôsteres e participar de seus shows históricos. O final do livro ainda conta com as letras de todas as faixas de Aurora, mas criar a melodia cabe a cada um – não é à toa que as pesquisas do Google estão lotadas de “Daisy Jones & The Six foi uma banda real?”. A resposta é sim. A partir do momento que iniciamos a viagem pela criatividade de Reid, tudo se torna real. Cada briga, cada lágrima, cada verso. “Nossas músicas eram ótimas. Eram ótimas mesmo”.

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