Se não a Arte, quem é que vai ter coragem de refletir sobre o que é ser mulher em 2021? Essa foi a conclusão da nova experiência do Persona, que se dedicou a acompanhar a 6ª Mostra de Cinema Feminista. Do dia 14 de agosto ao dia 3 de setembro, a internet nos permitiu fazer parte de mais um encontro para pensar e apreciar o Cinema de forma totalmente online e gratuita. Depois de flutuar pelo que existe de mais diverso, fantástico, inventivo e maravilhoso na Sétima Arte, encaramos uma perspectiva específica e nada leviana: a da mulher.

Como sempre, o Persona se manifesta como uma iniciativa jornalística expressamente contrária a toda e qualquer forma de preconceito e discriminação. A premissa de falar sobre feminismo em 2021 é apenas uma: que este termo compreenda a mulher em sua totalidade. Assim, as colaboradoras, redatoras e editoras do Persona mergulharam na seleção vasta da 6ª Mostra de Cinema Feminista, composta por 126 filmes nacionais e internacionais, e acompanhada por 5 debates que refletiram sobre a produção cinematográfica contemporânea.

A Mostra de Cinema Feminista é realizada pela Coletiva Malva desde 2015, sob o objetivo de construir um espaço de fruição e fomento ao audiovisual realizado por mulheres cis e trans, pautando debates raciais, de gênero, histórias sobre amores e paixões, relações familiares, sociais, econômicas, históricas e culturais. E no ano de 2021, em sua sexta edição, a realização não fugiu à premissa central de sua concepção: explorar os muitos temas que nascem da combinação do Cinema com os Feminismos.

De crianças à jovens, de adultas à idosas; entre personalidades históricas e existências ordinárias; diante de mulheres reais ou inventadas; doces ou salgadas, azedas ou amargas; seja para rir ou para chorar, para sonhar ou para realizar, vivendo suas liberdades ou estudando suas prisões, Ana Júlia Trevisan, Ayra Mori, Gabriela Reimberg, Gabrielli Natividade, Júlia Paes de Arruda, Ma Ferreira, Mariana Chagas, Raquel Dutra e Vitória Lopes Gomez assistiram 34 filmes da seleção da 6ª Mostra de Cinema Feminista, para agora estudar muitos aspectos da imensidão do ser mulher.

Curtas-metragens

Rebu (Idem, Mayara Santana, Brasil, 2020)

“A minha intenção é ser um belo de um caminhãozão, com um belo de um retrovisor olhando pra frente e pra trás”. Ao longo dos 22 minutos de Rebu – A Egolombra de uma Sapatão Quase Arrependida, a diretora Mayara Santana busca a si mesma ao se apresentar e documenta seus sentimentos e vivências enquanto mulher preta e lésbica. Em primeira pessoa, o curta é uma tela em branco e a cineasta vira a musa, a protagonista e a narradora da própria história. 

De um jeito descontraído e intimista, Mayara não hesita em olhar para trás antes de olhar para frente. Reconhecer as semelhanças com o pai, por exemplo, é o ponto de partida para que ela entenda seus próprios comportamentos e como a relação a influenciou em outros relacionamentos, os quais ela recorda. Tudo isso fora o machismo, a homofobia e o racismo que não se desassociam de suas vivências. Entre erros e acertos, ela admite a culpa e se perdoa ao se entender em sua totalidade. Rebu que diga, e que difícil se entender. – Vitória Lopes Gomez

No interior de Alagoas, Laura (desgostosamente) perde uma festa com os amigos para acompanhar o pai numa viagem à cidade natal, na qual ocorrerá a missa de um ano de falecimento do tio. Chegando lá, ela é deixada sozinha pelo pai na maior parte do tempo, e quando juntos, a desavença é certa. A adolescente se mostra inquieta, questionando a relevância de sua presença na viagem, que parece ser completamente dispensável. Através dos vazios gritantes das cenas, a diretora Laís Santos Araújo acentua ainda mais a distância presente entre ambos. E sem saber se comunicar um com o outro, enfim, em silêncio, os espaços são reduzidos a partir do momento que pai e filha se compreendem, atingindo a mesma altura. – Ayra Mori

Ailin no mundo da lua (Ailin en la luna, Claudia Ruiz, Argentina, 2019)

Ailin é uma garota feliz que brinca com seu balão vermelho e se preocupa em comer deliciosos biscoitos. Sua mãe, no entanto, é uma mulher sobrecarregada: seu trabalho, o trabalho doméstico, cuidar da filha e o trabalho que leva para casa. As duas discutem e Ailin é mandada ao mundo da lua, ou melhor dizendo, seu quarto. Em 5 minutos, acompanhamos algumas horas da vida das personagens que entram em conflito, mas o que sabemos vai além do que nos é mostrado. A escolha narrativa de apresentar a história ao final do dia, demonstra a sensibilidade do curta ao discutir a pesada jornada de mulheres que criam suas filhas sozinhas e que mesmo com as adversidades familiares não deixam de dar carinho, atenção e amor aos filhos. – Ma Ferreira

Lé com Cré (Idem, Cassandra Reis, Brasil, 2018)

Leve, puro e simpático. Essas três palavras poderiam ser a tradução do curta-metragem Lé com Cré, vencedor do prêmio de Melhor Curta Infantil no Anima Mundi de 2018, o maior evento internacional de Animação da América Latina. Segundo o ditado popular, a expressão lé com cré significa não dizer “coisa com coisa”. Durante seus apenas 5 minutos, a espontaneidade e a gentileza são os marcos principais dos depoimentos das crianças que expressam suas opiniões extremamente sinceras sobre dinheiro, medo e “coisas de menino e menina”. Só pelo fato das personagens terem sido transformadas em “massinha”, a animação consegue manter o clima de inocência mesmo falando sobre tópicos complexos. – Júlia Paes de Arruda

Brasil x Holanda (Idem, Caroline Biagi, Brasil, 2018)

É a Copa do Mundo de 1994. O Brasil avança no campeonato e uma das famílias que acompanham a seleção é a de Marina, que vai dar uma festa de casamento no dia do confronto Brasil x Holanda pelas quartas de final. Então, a menina de 13 anos viaja com o pai e a mãe para celebrar o dia mais importante da vida de sua irmã, por quem ela conserva uma admiração religiosa. É quando Marina entende que as coisas no mundo dos adultos são muito mais estranhas e frustrantes do que ela imaginava.

A narrativa de Caroline Biagi se inicia de forma simples, tomando fôlego à medida em que a pequena protagonista se reconhece no ambiente. E a sensação que Marina tem durante esse processo é de uma contida inquietação, que brota da sua inteligência e sensibilidade de jovem mulher. Nesse ritmo, todas as instâncias do filme a seguem, desenvolvendo-se de forma imersiva, e amadurecendo uma narrativa de forma inversamente proporcional ao sentido da história. “Futebol é coisa de menina?” podem perguntar eles. “Você não imagina o quanto”, responde Brasil x Holanda. – Raquel Dutra

Geni (Idem, Cecilia Engels, Brasil, 2020)

“Ele é um dos maiores ídolos da Música brasileira”, “Suas composições são amadas dentro e fora do Brasil”. Era isso que Geni ouvia diariamente nas rádios quando algum clássico de Fran Lopes estava prestes a tocar. A realidade? Ela é a verdadeira artista por trás daquelas canções, Lopes é apenas o showman. Após anos de prisão numa parceria onde apenas um tinha o reconhecimento, Geni começa sua luta, não por dinheiro, mas por direito. Geni entende que não deve mais se deixar calar, que deve falar por si própria. Geni amadureceu, compreendeu que a sociedade mudou e que agora ela tem voz, que não precisa mais de um homem para falar. Bendita seja Geni! – Ana Júlia Trevisan

Cru e hiper-realista, Rua Augusta, 1029 é uma experiência imersiva que nos leva para dentro de uma ocupação por moradia em São Paulo, em especial, na noite em que os militantes da Frente de Luta por Moradia (FLM) resistem à violência policial do despejo. O uso do found footage (câmera em primeira pessoa) consegue criar a mesma atmosfera dos clássicos filmes de horror que conhecemos, despertando, no telespectador, o sentimento de angústia de parecer estar na pele dos personagens. A diferença é que, aqui, tudo é verídico e não há um final feliz quando a polícia existe para proteger o patrimônio privado, e não os protagonistas vulneráveis. Afinal, como o próprio comandante da expedição diz aos sem-teto: “Não interessa quantas famílias moram aí.” – Gabriela Reimberg

Lésbica Enrustida (Closed Lesbian, Bia Lee, Brasil, 2020)

Bia Lee explora sexualidade na obra de pequenos 6 minutos. Em cima de um fundo com duas mulheres transando, uma imagem espelhada e muitas vezes difícil de enxergar, a produtora do curta escreve suas experiências crescendo lésbica e descobrindo o prazer fantasiando sobre mulheres. Dedicado a uma antiga amiga que cometeu suicídio, Lésbica Enrustida “é uma carta de amor tardia, são desculpas tardias, é um adeus tardio”, como diz Lee nos últimos segundos do filme. – Mariana Chagas

Maré (Idem, Amaranta César, Brasil, 2018)

O curta-metragem Maré mostra sua força em diversos aspectos. Com uma narrativa calma, com poucas personagens (todas femininas), sem muitas falas e com uma fotografia impressionante, a diretora Amaranta César trabalha lindamente a história melancólica de uma mãe que tem suas duas filhas perdidas no manguezal de sua comunidade. Amaranta faz também uma bela relação entre a visão de três gerações de mulheres da região: uma senhora, uma mulher de meia idade e duas crianças. 

Maré retrata toda a ancestralidade presente na comunidade quilombola do interior da Bahia, no modo de vida das moradoras, no seu modo de vestir e na sua religião – a cena em que as mulheres fazem sua vigília clamando por Oxalá é uma das responsáveis pelo tom quase mágico que o curta toma. O filme apresenta também uma denúncia forte à herança da escravidão: “dizem que a escravidão já acabou, quem disse que acabou? Continua aí, só não vê quem não quer”, sendo um curta intenso que tem muito a dizer. – Gabrielli Natividade da Silva

Cabeça de Rua (Idem, Angélica Lourenço, 2019, Brasil)

Célia é lavadora de carros, entende das manhas do trabalho e é conhecida na região. Logo no começo de Cabeça de Rua, ela se prepara para passar o ponto do negócio para a prima ao receber uma proposta de emprego formal, mas deixar seu posto de anos para um novo desafio a enche de dúvidas e inseguranças. 

A atriz Cora Rufino, que interpreta a lavadora, não precisa verbalizar muito para transmitir a incerteza da personagem, a linguagem corporal da atriz basta para torná-la a força motriz do curta. Em um cenário dinâmico, com uma filmagem naturalista e só com duas personagens, a diretora Angélica Lourenço faz de Cabeça de Rua uma crônica, com um pouco que vira muito. – Vitória Lopes Gomez

À beira do planeta mainha soprou a gente (Idem, Bruna Barros e Bruna Castro, Brasil, 2020)

Como um poema, Bruna e Bruna exploram o amor através de recortes de uma montagem encantadora. Dirigido por duas mulheres que amam e se amam, À beira do planeta mainha soprou a gente é um autorretrato cheio de lirismo, seja pela narrativa proferida em versos, seja pelas sutilezas presentes nos detalhes do cotidiano, registrado entre descobertas de novas pintinhas uma pela outra. Como sapatonas, ambas se debruçam sobre o reconhecimento da própria identidade, sendo queer, sem receio, para as mães e para si mesmas. “Eu não sei ser resignada. Eu quero o mundo inteiro. Eu quero o orgulho. Eu quero doçura pintando meu nome. Me quero inteira nas suas palavras.” – Ayra Mori

E (Idem, Bianca de Sá e Mariana Zande, Brasil, 2020)

Neste poema performado, acompanhamos Mariana, que não quer ser mais A e também não quer ser O. De maneira sensível e crítica, as frases narradas contam a história e pensamentos de Mariana, uma “pessoa, que não quer ser homem, nem mulher, mas se quiser pode”. Todas as questões de gênero que a personagem enfrenta diariamente são a pauta da reflexão aqui proposta. Os banheiros, os pelos presentes ou não no corpo, a que margem do rio, ou mesmo qual rio quer se banhar e navegar, são parte das divagações apresentadas acerca da não-binariedade. De maneira comovente, E, em menos de 2 minutos, consegue quebrar os padrões de gênero socialmente estabelecidos e ser um grande manifesto à vida. – Ma Ferreira

Vivi Lobo e o quarto mágico (Idem, Isabelle Santos e Edu MZ Camargo, Brasil, 2019)

“[…] a absorção dos papéis de gênero pelas crianças e como elas, à sua maneira, representam a si e ao outro” foi o que Isabelle escreveu no resumo de seu Trabalho de Conclusão de Curso, que teve como projeto Vivi Lobo e o quarto mágico. De forma simples, mas bem trabalhada, o curta fala sobre autoaceitação e sobre os estereótipos de gênero. 

Vivi é alvo de chacota na escola por seus colegas de classe por seu sobrenome, Lobo, tão ligado à figura masculina. Tendo por base o livro de Clarissa Pinkola Estés e inspirações de poderosas mulheres como Frida Kahlo e a jogadora Marta Silva, a produção não falha em trazer encanto, sutileza e empoderamento para as meninas sobre um tema sensível. Ainda que seus minutos sejam reduzidos, são extremamente preciosos e carismáticos. – Júlia Paes de Arruda

Quando elas cantam (Idem, Maria Fanchin, Brasil, 2018)

Como pensar sobre liberdade quando se está presa? Essa é a pergunta que a diretora Maria Fanchin responde em Quando elas cantam, ao colocar seu curta dentro de um projeto musical realizado na penitenciária feminina da capital de São Paulo. O questionamento do documentário parte de um aspecto específico: segundo o Infopen Mulheres 2017, a população carcerária feminina do Brasil cresceu 698% entre 2000 e 2016; destas, quase 48% estão presas sem passar por um julgamento. Então, quando o filme se propõe a acompanhar parte da rotina daquelas mulheres entre maio de 2016 e agosto de 2017, só pode existir algo a ser abordado: a condição de privação de um direito fundamental ao ser humano de alguém que de já passou por uma vida de violências sistemáticas.

O filme não faz juízo de valor algum e em nenhum momento importa saber o porquê elas estão ali. A ótica de análise é outra, muito mais profunda, e se estabelece junto da realização do projeto Voz Própria, que direciona a energia daquelas mulheres encarceradas numa expressão possível de liberdade pela orientação de Carmina Juarez. Sem interferir no curso das coisas preciosas que acontecem naquela sala de aula 2h por semana, o documentário diz muito nas observações que faz daquelas pessoas que compreendem o momento como algo transcendental à sua situação. A Arte pode ser uma ferramenta poderosa de regeneração social. E a liberdade vem Quando elas cantam. – Raquel Dutra

Esmalte Vermelho Sangue (Idem, Gabriela Altaf, Brasil, 2020)

O curta chama a atenção por suas cenas de filmes dos anos oitenta, com mulheres em salões de beleza. Mas, basta poucos segundos para a produção mostrar que de boba não tem nada. As cenas são trocadas por tutoriais de beleza disponíveis no YouTube e acompanhado pela voz de mulheres vítimas de violência doméstica, dando seus depoimentos.

Infância muito difícil, passou fome, anos depois encontrou um cara bacana mas que batia nela e a ameaçava com faca. 8 anos de um casamento abusivo, abuso suxual e a primeira vez que foi no mercado após o divórcio, não sabia o que gostava de comer. Apanhou na lua de mel, o pai disse que o marido iria amadurecer, mas ele não amadureceu; continuou batendo e insinuando que ninguém acreditaria nas denúncias. Os mistos de sentimentos expressos no curta mostram a importância da rede de apoio para mulheres presas em relações abusivas. – Ana Júlia Trevisan

Minha história é outra (Mariana Campos, Brasil, 2019)

O amor entre mulheres negras é mais que uma história de amor? Essa é a pergunta que ronda o documentário dirigido por Mariana Campos. O curta carioca discute o movimento LGBTQIA+ e como este exclui a negritude de suas pautas, transformando mulheres pretas e lésbicas em marginalizadas em seu próprio movimento.

Niázia abre as portas de sua casa para nos deixar assistir uma conversa sincera que tem com outra amiga sáfica sobre precisarem forçar uma feminilidade para terem um maior espaço no mercado de trabalho. Leiane, namorada de Camila, reclama sobre o medo de demonstrar afeto na rua. As garotas conseguem, com simplicidade, trazer a tona assuntos tão delicados e importantes. – Mariana Chagas 

As flores que guardei pra você (Idem, Gabi Saegesser, Brasil, 2019)

O curta-metragem As flores que guardei pra você traz um mistério que com certeza prende o espectador. Ju, uma garota simples, que mora em um pequeno apartamento tradicional com dois gatinhos e que tem o sonho de ser bailarina, precisa se mudar e começar sua vida em outro lugar. 

A diretora Gabi Saegesser traz uma estética muito bonita, a baixa iluminação da grande maioria das cenas e o fato de ser quase impossível ver o rosto da protagonista causa um ar intrigante no curta. Além, claro, dos trechos de poesia lidos ao longo dos 18 minutos e da cena final que encerra a história de forma muito agradável. – Gabrielli Natividade da Silva

Ângela (Idem, Marília Nogueira, Brasil, 2019)

Ângela esbanja simplicidade e afeto ao refletir sobre o envelhecimento. A protagonista homônima, brilhantemente interpretada pela igualmente brilhante Teuda Bara, é uma sexagenária que vive na sua rotina de consultas e receitas médicas. Em uma casa que poderia muito bem ser a de nossas avós se não fosse a solidão que toma os dias da personagem, a diretora Marília Nogueira captura o sentimento de enclausuramento: Ângela existe entre as portas fechadas e os diagnósticos pendurados.

Quando a vizinha Sueli (Glaucia Vandeveld) começa uma aproximação, as cortinas abertas dão um respiro à sala, o afeto de uma amizade passa a iluminar não só os cômodos da casa, mas Ângela, personagem e curta-metragem. Em contato com outras mulheres da sua idade, a tímida e sensível protagonista derruba suas paredes e irradia o prazer de estar em companhia. Ângela mostra que se cuidar ao envelhecer vai além do horário marcado no médico. – Vitória Lopes Gomez

Obreiras (Idem, Ana França, Isadora Fachardo e Gabriela Albuquerque, Brasil, 2019)

Obreiras acompanha a rotina diária de quatro pedreiras residentes da região metropolitana de Belo Horizonte: Poliana, Cenir, Adriana e Rosângela. As quatro, ao mesmo tempo que lidam com os estigmas do canteiro de obras – ambiente de trabalho ainda extremamente machista –, relatam a relação delas com a família, a maternidade, estudos e sonhos. Integrando um conjunto de grupos femininos pioneiros da capacitação civil para a construção independente de residências por mulheres, elas “constroem, além de prédios e casas, novas formas de serem mulheres.” – Ayra Mori

Enraizadas (Idem, Juliana Nascimento e Gabriela Roza, Brasil, 2019)

O curta documental Enraizadas discute a importância da trança nagô e seus aspectos afetivos, sociais e culturais. Através de relatos de quatro mulheres negras, investiga-se a essência dos seus usos, passando por aspectos pessoais, de empoderamento, de suas origens, do sentimento de pertencimento e do entendimento histórico da mesma ligado à afrodiáspora. A arte de trançar é abordada em todos os seus aspectos, aprofundando seu significado, apresentando a mesma como uma forma de subsistência às mulheres, permitindo que assim possam ter meios financeiros de criarem seus filhos. Também é utilizada como instrumento de reflexão e de aproximação familiar, e até mesmo de explicação etnomatemática. – Ma Ferreira

O véu de Amani (Idem, Renata Diniz, Brasil, 2019)

Amani é uma garota do Paquistão que mora no Brasil e que um dia recebe um biquíni de presente da sua amiga. Apesar de uma sinopse extremamente convidativa, O véu da Amani falha na questão de desenvolvimento da narrativa. As expectativas eram altas para o desenrolar da história, ainda mais depois do tópico refugiado versus fugitivo. 

A princípio, tudo caminha lentamente, sem grandes saltos e sem grandes curvas. Porém, a perspectiva de uma lição de moral não acontece, ou pelo menos, não explicitamente. Quem possui o conhecimento sobre o assunto consegue captar a mensagem a passos de tartaruga. Dessa forma, faltou ao curta, também disponível no YouTube, ter um pouco de toque e de um olhar mais apurado, ainda que as intenções de Diniz tenham sido as melhores possíveis. – Júlia Paes de Arruda 

Carne (Idem, Camila Kater, Brasil, 2019)

Crua, mal passada, ao ponto, passada e bem passada são pontos de consumo da carne, mas, Camila Kater vai além, traçando paralelos com corpos femininos que vão desde a infância até a velhice. Guiadas por animações, quase sempre com muitos tons de vermelho presente, cinco mulheres relatam as fases da vida. A escola, a puberdade, o corpo negro hipersexualizado – com o agravante de que na pirâmide da tolerância, a negra transexual é a última – menopausa, ter 79 anos anos e se sentir bem após uma longa luta contra o tempo para se sentir dona do próprio corpo. Independente de questões externas, a mulher cresce sofrendo abuso. – Ana Júlia Trevisan

Meia lua Falciforme (Idem, Débora Evelyn Olimpio e Denise Kelm, Brasil, 2019)

O documentário Meia lua Falciforme aborda perfeitamente um pouco sobre a doença falciforme, uma das doenças hereditárias mais comuns no Brasil. Em pouco mais de 20 minutos, a doença é retratada não só pela visão médica e científica, mas também pelo ponto de vista de quem passa pelas dificuldades na pele, pessoas simples e comuns que vivem com a dor diária. 

A forma como os pacientes lidam com a dor e seus desafios e o modo como a doença foi ignorada por tanto tempo apenas por ser conhecida como uma “doença de negros” são alguns dos pontos importantes do documentário. Outro ponto alto é o poema Exercício dos dias de Alessandra Reis, o qual abre o projeto falando sobre a dor e o fecha com chave de ouro trabalhando a ideia de resistência à doença falciforme. – Gabrielli Natividade da Silva

A Felicidade Delas (Idem, Carol Rodrigues, Brasil, 2019)

A quebra de expectativas faz A Felicidade Delas. Sem nomes e sem palavras, as duas protagonistas se encontram após uma perseguição policial em uma manifestação na Marcha da Mulher. No caos do momento, potencializado pela fotografia sensorial e imersiva, a proximidade no espaço, os toques, a tensão, a adrenalina, o barulho… Tudo leva as duas a se permitirem amadurecer o desejo uma pela outra. E quando o desejo transborda, a enchente vem. – Vitória Lopes Gomez

Ela viu aranhas (Idem, Larissa Muniz, Brasil, 2020)

Sob a chuva, em um pequeno apartamento, várias mulheres se cruzam, falam ao telefone, fumam e cantam. Ela viu aranhas é um curta experimental que brinca criativamente com a maneira de contar histórias. Conduzindo a narrativa quase como um labirinto, a diretora Larissa Muniz põe em cena mulheres de existências diversas, que interagem casualmente entre si. Assim, imersos em um sonho lúcido, somos expostos paradoxalmente ao surreal e simultaneamente ao ordinário. – Ayra Mori

Minha Raiz (Idem, Labibe Araújo, Brasil, 2017)

O curta documental e performático Minha Raiz aponta um dos primeiros sinais do racismo: o olhar sobre os cabelos. Mesclando relatos com uma performance em uma movimentada avenida, discute como o preconceito age sobre a autoestima da mulher preta. O resgate social da questão é muito bem explorado, mostrando como as cenas cotidianas podem ser reveladoras das violências. Qual mulher negra não sofreu comentários sobre o tamanho, formato de seu cabelo? Ou mesmo reconhece o cheiro de uma prancha quente de alisamento? É por meio desta exploração das opressões vividas que as falas ressignificam a importância de assumir seu crespo, a sua herança africana e se amar. – Ma Ferreira

Corpos estrangeiros (Los cuerpos ajenos, Samanta Bianucci, Argentina, 2019)

Em 2021, o curta-metragem Los cuerpos ajenos é um sinal de vitória. Na trama, a ginecologista Valeria precisa lidar com o fato de uma paciente não querer se adaptar, como a própria personagem diz, a uma gravidez. Sendo a Argentina, na época, um dos países adeptos a proibição do aborto, Valeria vive um dilema de ir em frente ou não com a ilegalidade ao mesmo tempo que também enfrenta problemas morais em relação ao seu próprio corpo. 

É irônico ver como o título brinca dentro da narrativa quanto fora dela. Na obra, a diretora Samanta Bianucci liga o termo estrangeiro a algo fora do próprio corpo, criando um questionamento: até que ponto o que é válido para mim, é válido para o outro? Três anos depois de lançamento do curta, estrangeiro tem referência geográfica, relacionando-se com os países da América do Sul, já que nosso vizinho de disputas de futebol foi o segundo país a legalizar o aborto. Nesse caso, a situação vivida pelas personagens na trama é o que os corpos de mulheres estrangeiras passam em seus respectivos países. Ao longo de seus 12 minutos, Los cuerpos ajenos traz essas indagações de forma implícita. #QueSeaLey. É assim que se finaliza a obra de Samanta Bianucci, de maneira forte e poderosa. – Júlia Paes de Arruda

Acende a luz (Idem, Paula Sacchetta, Brasil, 2020)

Neste curta, a cineasta Paula Sacchetta acompanha a escritora Isabel Dias em sua redescoberta do corpo e da sexualidade. A trilha sonora remete aos clássicos filmes da década de 1950 e imagens que confrontam e debatem o que se espera socialmente e sexualmente de mulheres de mais de 60 anos. A escolha da personagem para narrar e discutir essa questão é extremamente assertiva, uma vez que a mesma carrega em sua trajetória a redescoberta sobre si, o prazer na terceira idade e a desconstrução da imagem da vovó. – Ma Ferreira

Médias e longas-metragens

Filhos da Puta (Idem, Santuzza Alves de Souza, Brasil, 2019)

A narrativa deste curta documental, produzido pelo Coletivo REBU, parte da premissa do que é ser um filho da puta. Brincando com o xingamento popular, o filme fala com os filhos de mulheres que foram trabalhadoras sexuais, emergindo discussões profundas das falas dessas personagens reais. O entendimento do trabalho de suas mães, o tabu acerca destas trabalhadoras, as visões sociais e familiares que permeiam essa discussão, as relações maternais e o que estas mulheres fizeram com suas vidas é o alvo de reflexão aqui. A direção de Santuzza Alves de Souza levanta ainda importantes debates sobre preconceito, ativismo e sobre o real significado de família. – Ma Ferreira

Torre das donzelas (Idem, Susanna Lira, Brasil, 2018)

Se a repressão da Ditadura Militar Brasileira já era terrível, imagine-a associada à misoginia. É neste cenário insuportável que Torre das donzelas constrói a sua história. Sem abrir as feridas em cicatrização de suas depoentes e sem criar dores em seus espectadores, o documentário é muito bem definido em sua proposta: demonstrar o que homens empoderados podem fazer com as mulheres que não aceitam submeter-se a eles.

O filme de Susanna Lira nasce do relato de algumas das mulheres perseguidas, torturadas e presas pelo regime que desgovernou o Brasil entre 1964 e 1985. Centenas delas passaram pelo Presídio Tiradentes, em São Paulo, centro de tortura que ficou conhecido como Torre das donzelas. O lugar foi demolido em 1972, mas as memórias das que ali viveram os piores dias de suas vidas resistem a toda tentativa de destruição. 

Então, numa tentativa de criar uma fisicalidade para que essas mulheres enfrentam esses traumas, o filme cria o seu principal artifício reconstruindo aquele lugar. Dentre os depoimentos das que rejeitavam o regime na época – inclusive o da ex-presidenta Dilma Rousseff – e os testemunhos violentos, o que se destaca é a capacidade que aquelas mulheres tinham de resistir. Quebrando qualquer expectativa idealista, elas relatam que a força vinha do ódio. E assim, Torre das donzelas traz suas mensagens de 40 anos atrás para os dias de hoje. – Raquel Dutra

Dia de Folga (Idem, Patrícia Antunes, Brasil, 2017)

Ser dona de casa já é, por si só, um trabalho dos mais difíceis. Unido a atividades extras e um emprego, se torna um conjunto quase impossível de se tolerar, mas que segue sendo a realidade de muitas mulheres. Em Dia de Folga, a diretora Patrícia Antunes nos leva para acompanhar a rotina cansativa de mães mineiras.

Com a fotografia simples de Paula Huven, assistir o documentário é como ter uma conversa sincera com essas mulheres. Sem precisar de muito, ele leva o telespectador a refletir sobre a jornada dupla que elas encaram todo dia e a divisão injusta de atividades domésticas – isso é, quando sequer há uma divisão. Lançado em outubro de 2017, as questões abordadas na obra continuam dolorosamente atuais. – Mariana Chagas

Hoje e não amanhã (Hoy y no mañana, Josefina Morandé, Chile, 2018)

A obra documental acompanha a emocionante história das ex-integrantes do movimento de resistência chileno Mulheres pela vida, criado em 1983 em meio à sanguinária ditadura de Augusto Pinochet. Sob o lema “A liberdade tem nome de mulher“, somos convidados a revisitar as formas de protesto curiosas que driblaram a repressão e a censura com, diríamos, um quê de criatividade: desde torcidas organizadas anti-Pinochet em estádios de futebol, até bolas de brinquedo grifadas com o nome do ditador, espalhadas pelas ruas de Santiago para que as pessoas pudessem chutá-las. 

A importância do movimento se deu pela capacidade de mobilização de mulheres das mais diferentes ideologias, em um momento no qual a oposição, de maioria masculina, estava completamente fragmentada. Foi um ponto de inflexão que permitiu que elas ocupassem espaços de poder que, historicamente, eram destinados aos homens – seja por meio da ocupação das ruas e das universidades, seja por meio da criação artística e intelectual. 

Sob uma fotografia crua e intimista, o longa usa de recursos jornalísticos – como a entrevista e a narração em voice over – e da linguagem visual – através de registros históricos e animações – para reconstruir o passado de um país que por muito tempo colocou panos quentes sob as suas feridas. Se hoje o Chile dispõe da primeira Constituição do mundo que garante paridade de gênero, há de agradecer às corajosas militantes do Mulheres pela vida, que plantaram para sempre o espírito de luta e revolução que tanto nos falta no Brasil. – Gabriela Reimberg

Eu, um outro (Idem, Silvia Godinho, Brasil, 2019)

A princípio, Eu, um outro começa de modo usual, mostrando a realidade cotidiana de três pessoas: Luca Scarpelli, Raul Capistrano e Thalles Rocha. Demora um certo tempo para o longa-metragem citar seu principal objetivo, mas isso não é uma crítica. De forma totalmente diferente das tramas de identidade de gênero, o filme de Sílvia Godinho foca na questão de afeto, construindo uma atmosfera familiar genuína – sons ambiente, legendas em certos diálogos, algumas imagens desfocalizadas, como se tratasse de uma filmagem caseira de um observador inerente ao cenário.  

É dessa forma que a diretora brinca com o título, em que podemos enxergar nós mesmos nos personagens e criar empatia. A denúncia de gigantescas burocracias em cartórios e a militância por relações mais naturais e espontâneas acabam sendo figurantes, mostradas de acordo com a vontade dos protagonistas e sem referi-las de maneira forçada. A própria sinopse já dá esse indicativo ao falar que os três têm a urgência de viver uma vida que acaba de começar. Com um final inconclusivo, a produção de Godinho termina de maneira genérica, deixando o espectador aguçado para uma continuação – ainda que isso não seja possível. – Júlia Paes de Arruda 

Meu Corpo é Mais (Idem, Susanna Lira, Brasil, 2018)

O documentário, roteirizado e dirigido por Susanna Lira, discute o impacto e a ressignificação da gordofobia, por meio do retrato da vida e de falas de mulheres que utilizam seu corpo como luta. A escolha das entrevistas conversa diretamente com as questões político-filosóficas apontadas a respeito da questão. Problematizando o quanto o corpo serve de instrumento de controle e opressão femininas na sociedade, sendo frutos do machismo e alimentados pelos padrões mercadológicos capitalistas. É na visão do outro que se encontram as permissões para ser o que é, e é esse olhar que a cineasta propõe que seja quebrado.

O belo é apenas uma construção coletiva. O corpo magro era feio somente quando a maior parte da população não tinha fácil acesso a comida. Com os produtos industrializados mais acessíveis, o contrário passou a ser odiado. Esse ódio alimenta indústrias de cirurgias, produtos de emagrecimento, farmacêuticas, academias e profissionais de saúde que ainda olham a pessoa gorda como alguém doente. É ele que permite com que pessoas sejam intolerantes a corpos gordos e que homens não assumam amar esses corpos. Mas os exemplos de vivência com estas violências, com sua superação e ressignificação é o que faz das entrevistas serem inspiração.

A falta de acesso à locais, sendo eles lugares físicos ou de ocupação de trabalho (indústria da moda e cultural) é uma pauta também apresentada aqui. A cineasta narra de maneira excepcional como é viver em um corpo gordo, como o caminho de posicionamento sobre si mesma e auto aceitação é difícil, porém possível. Exemplos como o da MC Carol, que durante a infância sofreu com vários traumas por preconceitos acerca de seu peso, e atualmente expressa seu olhar sobre seu corpo por meio de sua Arte. Essa problemática foi apresentada em suas várias perspectivas neste documentário sensível, emocionante e combativo. – Ma Ferreira

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Depois da jornada através do Cinema Fantástico que foi o Fantaspoa XVII, o Persona volta para o mundo dos festivais de Cinema, mas desta vez se aproximando ainda mais do experimental e incomum. A 5ª edição do Festival Ecrã de Experimentações Audiovisuais nos levou por caminhos dos mais abstratos, passando pelo intrigante, profundo, ou simplesmente incompreensível. De narrativas estruturadas à experiências puramente estéticas, o Ecrã foi online, gratuito e apresentou, além de longas e curtas, outras das inúmeras possibilidades proporcionadas pelo audiovisual: videoartes, performances, instalações, artes interativas e até mesmo games marcaram presença no festival que aceita tudo, menos o convencional e o conformista. 

O Festival surgiu timidamente em 2017, com apenas 10 obras ao longo de 2 dias, e cresceu a cada ano até explodir em 2020, em sua primeira edição online, quando deu a uma enorme quantidade de cinéfilos, órfãos das salas de cinema e sedentos por novidades, a chance de descobrir dezenas de obras audiovisuais inovadoras. Em sua 5ª edição, realizada de 15 a 25 de julho, o jovem festival permanece independente de patrocinadores e sem cobrar um único centavo de seus espectadores, o que significa que o evento precisa buscar meios alternativos para se manter financeiramente. Por isso, o Ecrã abriu uma campanha de financiamento coletivo para esta edição, com a qual é possível contribuir até o dia 15 de agosto. 

Através de uma plataforma própria, a quinta edição teve uma curadoria heterogênea como toda seleção de um Festival experimental deve ser. Trazendo desde obras de cineastas essenciais para o Cinema de vanguarda mundial, como James Benning e Ken Jacobs, à produções estudantis saídas diretamente das universidades brasileiras, o Ecrã ofereceu um panorama amplo de produções nacionais e internacionais das mais diversas, que buscam romper as fronteiras e arrebentar as caixinhas do tradicional e do óbvio. 

Das 120 produções presentes na programação do Festival, o Persona assistiu 40, todas comentadas a seguir por Caio Machado, Caroline Campos, Gabriel Gatti, Gabriel Oliveira F. Arruda, João Batista Signorelli e Vitor Evangelista. Nos 10 dias de Festival, vimos um pouco de tudo: filmes macabros, engraçados, surpreendentes, incômodos, ou apenas abstratos demais para serem descritos. Se você quer sair do óbvio e passar longe do previsível, pode ter certeza que logo abaixo encontrará material de sobra para se interessar. 

Longa e Média-Metragens

Canções Engarrafadas 1-4 (Bottled Songs 1-4, Chloé Galibert Lainé e Kevin B. Lee, Alemanha, França e EUA, 2020)

Canções Engarrafadas 1-4 é uma pancada das fortes. Por pouco mais de uma hora, Kevin B. Lee e Chloé Galibert-Laîné dissecam em quatro “canções” as representações do Estado Islâmico na internet feitas pela própria organização terrorista e pela mídia internacional. Os pesquisadores-artistas transformam sua investigação em ensaio, e o seu ensaio em Arte na forma de um documentário de desktop capaz de deixar qualquer um boquiaberto. 

Através de quatro e-mails trocados entre Kevin e Chloé, somos levados a questionar a veracidade e as motivações por trás de um vídeo do Estado Islâmico propagado entre os veículos de informação, a destrinchar um longa-metragem de propaganda terrorista, buscar informações a respeito de um jovem radical jihadista, e por fim especular sobre a transformação de um repórter britânico em porta-voz das mensagens do ISIS. Do poder de impacto das imagens, ao modo com elas se transformam e são ressignificadas pela internet, as canções da dupla de realizadores falam de tanta coisa, que cada uma delas mereceria um artigo inteiro por si só. Certamente, uma das melhores coisas que vi em 2021 até o momento. – João Batista Signorelli

Edição de Vídeos com Adobe Premiere Pro: Guia do Mundo Real para Configurações e Fluxo de Trabalho ( 그녀를 지우는 시간, Seong Yoon Hong, Coreia do Sul, 2020)

Em meio a uma programação de produções que buscam se aproximar do onírico, abstrato, conceitual, e por vezes incompreensível, Edição de Vídeos com Adobe Premiere Pro: Guia do Mundo Real para Configurações e Fluxo de Trabalho se torna oásis para quem busca algo acessível sem necessariamente ser convencional. É o filme-pipoca do Festival Ecrã, que mistura de maneira deliciosa o desktop-movie, o romance, a comédia, o terror, além do tradicional guia de gestão de crises para quando editores de vídeo encontram algo bem errado no material de filmagem com o qual estão trabalhando.

Um típico filme de romance é interrompido por seu diretor tentando finalizá-lo com a ajuda de uma editora experiente, e ambos acabam sendo impedidos de trabalhar devido a uma série de erros no arquivos que podem ou não arruinar o filme, e talvez a própria vida do par responsável pela pós-produção. O diretor sul-coreano Seong Yoon Hong oferece, em seu média metragem de título enorme, não apenas entretenimento puro, como também um mergulho na frustração de uma artista ao ter a sua visão arruinada por erros estúpidos e evitáveis. Mas ao final, as intenções artísticas são mais importantes do que o que é possível de ser feito com o material real? Edição de Vídeos com Adobe Premiere… nos mostra que os erros abrem brechas para experimentações, e, conforme este filme (ou seria ‘este guia’?) nos ensina, o experimento e o entretenimento são perfeitamente capazes de andar juntos. – João Batista Signorelli

Natalis (Raquel Monteiro, Brasil, 2021)

Se imagine visualizando gravações de câmeras de segurança ao redor do mundo, durante os dias 24, 25 e 26 de dezembro. É justamente essa a proposta de Raquel Monteiro no filme Natalis. A diretora já havia marcado no Festival Ecrã em 2020 por dirigir e roteirizar o curta Céu Na Terra, que conta a história dos encontros e desencontros de Patrícia e Paula durante o Carnaval carioca.

No caso de Natalis, Monteiro foi mais ambiciosa na proposta. Logo de início, somos introduzidos ao poema Lucrèce à la fenêtre, de Christian Prigent, que fala sobre o fazer das coisas a partir do vazio. No momento seguinte, a cineasta nos coloca em uma janela com vista para paisagens ao redor do mundo. O filme surge com grande imponência, se desenvolve na monotonia dos ambientes e se encerra com a incógnita do real sentido da obra. Para a caracterização dos ambientes, a diretora apresenta vídeos com uma velocidade menor de fotos por segundo e ritmo pausado. Esses recursos permitem que a cineasta faça de seu trabalho um laboratório aberto a novos experimentos sensoriais dentro do audiovisual e fazem com que cada um dos picotes de cena proporcionem uma nova experiência. – Gabriel Gatti

Toda Luz Que Podemos Ver (Toda La Luz Que Podemos Ver, Pablo Escoto Luna, México, 2020)

Em 2014, Pablo Escoto Luna fundou, junto com Salvador Amores e Jesús Núñez, a cooperativa de Cinema ríos de Nueva, para buscar novas formas de fazer Cinema no México. Com essa proposta em mente, o diretor produziu Toda Luz Que Podemos Ver, um longa bucólico que apresenta melodrama épico, aventura e, ainda, um lado psicológico  conforme a trama se desenvolve.

A narrativa se passa um dia antes da guerra entre Popocatépetl e Ixtaccihuatl, dois vulcões do Parque Nacional Izta-Popo Zoquiapan, no México. Segundo a lenda asteca, o por não conseguirem viver seu amor, uma princesa e um guerreiro foram transformados em vulcões após sua morte. No decorrer do longa, quem se destacou como protagonista foram as paisagens, repleta de montanhas, cores na vegetação e a coloração azul radiante do céu. Toda Luz Que Podemos Ver também é exitoso ao propagar a cultura no México, porém a narrativa lenta chega a ser desmotivante em certos pontos da história. Nesse espectro, o longa percorre altos e baixos durante a trama, mas entrega ao telespectador a nova forma de cinema proposta por Escoto. – Gabriel Gatti

Eu Ando Sobre a Água (IWOW: I Walk on Water, Khalik Allah, EUA, 2020)

Khalik Allah é um cineasta e fotógrafo que costuma retratar as minorias sociais em suas obras. Seu documentário Field Niggas, por exemplo, retrata a vida dos habitantes da esquina da rua 125 com a Avenida Lexington, em Nova Iorque. Todo seu trabalho é apresentado de forma real e crua, tanto que sua obra foi descrita como ópera de rua e o seu filme, Eu Ando Sobre a Água, não foge à regra.

O longa retorna à esquina da rua 125 com a Avenida Lexington para documentar o cotidiano dos haitianos em situação de rua. O documentário reflete a humanidade visceral típica dos trabalhos de Allah, que registra sua amizade com Frenchie, seus relacionamentos e seu cotidiano. Toda essa jornada se apresenta de forma similar, porém menos interessante ao filme Fome, que retrata a vida de um morador de rua na metrópole paulista. Mas apesar disso, Allah realiza um trabalho valioso em Eu Ando Sobre a Água ao dar voz aos imigrantes que vivem em situação de rua. A narrativa nada romantizada provoca no telespectador a angústia e os anseios daqueles que se encontram nessas situações. – Gabriel Gatti

O Céu Socialista (The Sky Socialist, Ken Jacobs, EUA, 1965)

O mundo é repleto de injustiça e crueldade. A Segunda Guerra Mundial, por exemplo, marcou a humanidade com o holocausto, dentre outros eventos nefastos. Pensando na ideia de um deus justo para todos, Ken Jacobs produziu O Céu Socialista. O diretor é conhecido pelo seu modo experimental de fazer Cinema, chegando a propor o termo paracinema, nos anos 1970, para definir as produções que não se encaixavam nos padrões cinematográficos.

Com esses ideais em mente, Jacobs realiza um trabalho quase como de um pintor expressionista abstrato em O Céu Socialista. O enredo se passa na rua Ferry, em Manhattan, primeiro lar do cineasta, e introduz os enredo e os personagens por meio de interlúdios, assim como nos filmes mudos. Durante a narrativa somos apresentados a uma alegoria na qual Anne Frank foi poupada da morte em Bergen-Belsen e segue sua vida até se apaixonar pelo subestimado escritor surrealista, Isadore Lhevinne. Durante as décadas seguintes à produção do longa, Jacobs apresentou sua obra em diversos formatos e durações, mas o original 8mm é o ideal para perpetuar essa trama sobre o sonho da justiça. – Gabriel Gatti

Imagem da Percepção (Image of Perception, Guli Silberstein, Reino Unido, 2021)

A Arte nem sempre precisa ser bonita. A sensação de desconforto pode estar presente em grandes obras, assim como no filme Imagem da Percepção, de Guli Silberstein. O longa faz parte do projeto VideoWords, que propõe a interpretação visual de vinte e oito palavras por diversos artistas ao redor do mundo, tendo sido oferecido o substantivo loucura para Silberstein. 

Imagem da Percepção é um tributo ao visionário Uma Página de Loucura, de Teinosuke Kinugasa, que conta a história de um marinheiro que se emprega em um manicômio para libertar sua amada lá presa. Na obra de Silberstein, a experiência do filme é mais cognitiva, já que o casal e sua filha estão presos ao passado e ao presente da mente humana. Para refletir essa sensação, o diretor recorre a técnicas de processamento e  manipulação de imagens e, com isso, consegue nos colocar no lugar de um paciente do hospício. Outro ponto positivo da obra é a trilha sonora, os acordes dissonantes são a cereja do bolo para esse longa repleto de loucura, desconforto e amor. – Gabriel Gatti

52 Filmes Curtos (52 Short Films, Frances Arpaia, EUA, 2021)

A indústria cinematográfica é preponderantemente dominada por homens. A vitória de Chloé Zhao como Melhor Diretora no Oscar 2021 é um evento raro nesse meio. Nesse ambiente inóspito para as minorias, surge Frances Arpaia, uma mulher trans queer. Seus filmes experimentais trabalham a questão da vida queer e as lutas da comunidade. No caso de 52 Filmes Curtos, a cineasta buscou produzir um diário em forma de vídeos, registrando semanalmente um evento de sua vida. A ideia de criar uma “linha do tempo aberta para experimentação” surgiu em 2019 e foi interrompido durante alguns meses devido à pandemia. 

Esse caderno audiovisual permitiu com que Arpaia explorasse novas ideias e técnicas em sua produção. Para unir as gravações a fim de criar uma narrativa coesa, por exemplo, a diretora utilizou de ferramentas de criação de imagens lo-fi para tornar as imagens pixelizadas e desfocadas. Depois de todo esse período de produção, 52 Filmes Curtos resultou em um trabalho que mostra poesia no cotidiano, não deixando de destacar a personalidade da diretora, que protagonizou toda a trama do longa. – Gabriel Gatti

Apyãwa (Tapirapé) Iraxao Rarywa (Paula Grazielle Viana dos Reis, Luis Oliveira, Koria Tapirapé, Vandimar Marques Damas, Brasil, 2020)

O Brasil é contemplado com centenas de povos indígenas espalhadas por todo seu território. Dentre eles estão os indígenas Apyãwa (Tapirapé) e Iny, que realizam a festa-rito-sazonal Iraxao Rarywa, no médio rio Araguais durante os tempos de chuva. No entanto, a seca dos córregos e das roças presentes no território Tapi’itãwa situado na Terra Indígena Urubu Branco (Amazônia) provocou a escassez dos principais alimentos típicos do festival. Essa história dos nativos brasileiros é contada no filme-ritual Apyãwa (Tapirapé) Iraxao Rarywa.

O documentário consiste em um projeto coletivo produzido pelos antropólogos Koria Yrywaxã Tapirapé e Paula Grazielle Viana dos Reis e pelos cineastas Luis Oliveira e Vandimar Marques Damas. Todo o trabalho executado em Apyãwa (Tapirapé) Iraxao Rarywa reforça a força do parentesco indígena e da cosmopolítica amazônica, o que torna o filme muito significativo, principalmente em um período em que os indígenas correm risco de perder suas terras com a PL 490. A força de um povo e suas culturas, que foram menosprezadas desde a chegada dos europeus, ganham força nesse trabalho simbólico. – Gabriel Gatti

O Céu Socialista: Arredores e Outtakes (The Sky Socialist: The Environs And Outtakes, Ken Jacobs, EUA, 2019) 

Nova Iorque é uma cidade em eterna metamorfose. O set de O Céu Socialista permanece em pé, porém repleto de renovações urbanas. Desta vez, a trama se passa durante o outono de 1964, período que permitiu o diretor explorar o crescimento de uma metrópole. Essas transformações fizeram com que a segunda parte da história de Ken Jacobs, intitulada de O Céu Socialista: Arredores e Outtakes, se mova alguns quarteirões para o oeste da Broadway. 

O longa segue o formato clássico de 8mm, utilizado em inúmeros trabalhos do veterano Jacobs. O diretor de grande renome para o Cinema independente, realiza um trabalho satisfatório em O Céu Socialista: Arredores e Outtakes, porém segue totalmente dentro de sua zona de conforto. Com o diferencial de que desta vez, o cineasta proporciona breves momentos nostálgicos com o aparecimento do elenco original de O Céu Socialista, que em seguida já retoma o zoom para enquadrar e capturar as paisagens transmorfas de Nova Iorque. – Gabriel Gatti

Com Amor: Volume 1 1987-1996 (With Love: Volume 1 1987-1996, Michael Pilz, Áustria, 2020)

O austriaco Michael Pilz iniciou sua carreira trabalhando com fotografia e filme 8mm. Com sua ascensão no Cinema, o diretor começou a desenvolver obras que abordam aspectos técnicos, materiais e mentais da cinematografia. Nesse desenvolvimento experimental, o cineasta teve a ideia de editar todos os planos que ele fez em uma ordem cronológica para apresentar uma obra filosófica do Cinema. Esse trabalho, intitulado de Cortinas, serviu como um pré-projeto para o longa Com Amor: Volume 1 1987-1996, no qual Pilz nos apresenta o que está por trás das cortinas de suas de sua mente criativa.

Nesse longa, Pilz convida os telespectadores a explorarem o mundo a partir de seus olhos e realiza um ato de liberação de memórias. Cenas, como a neve caindo e uma criança desenhando em uma vidraça embaçada, são vislumbradas pelo diretor, que demonstra o seu lado colecionador de recordações. Ao relatar essas experiências vividas, fica claro que Com Amor: Volume 1 1987-1996 se trata de um filme sobre o tempo, registrado de forma crua e verdadeira pelas lentes de um diretor. – Gabriel Gatti

Sombra (João Pedro Faro, Brasil, 2020) 

Os primeiros minutos do longa de João Pedro Faro mostram dois jovens entediados, vivendo no Rio de Janeiro enquanto bebem, fumam, escutam heavy metal e conversam.

O que poderia ser um filme sobre tédio e alienação na cidade grande se torna um exercício vazio de estilo, com alguma cena ou outra que se aproveita bem da textura da baixa qualidade de imagem e cenas tão longas que chegam a perder o sentido. Faz muito barulho e, no fim, não significa nada. – Caio Machado

Desaprender a Dormir (Gustavo Vinagre, Brasil, 2021)

O novo filme de Gustavo Vinagre traz discussões sobre vários temas, como as consequências do contato excessivo com pornografia, a existência de vida em Marte, a influência dos YouTubers sobre os inscritos e o modo como o capitalismo quer que sejamos produtivos até quando estamos dormindo. 

É surpreendente como a direção consegue abordar assuntos tão diferentes entre si de forma tão coesa e criativa. Mesmo filmado em sua maioria dentro de apartamentos, o filme consegue construir uma atmosfera misteriosa sedutora, com elementos fantásticos inesperados e impactantes. – Caio Machado

Curta-Metragens

Abutre Negro (2021, Kevin Jerome Everson) e Condor (2019, Kevin Jerome Everson)

É bastante curioso o modo como muitos filmes experimentais minimalistas, ao abrirem mão de qualquer flerte com a complexidade evidente ou a elaboração, acabam ressignificando certos elementos básicos de seu conteúdo que jamais seriam objeto de atenção em circunstâncias normais. É esse o caso dos dois curtas realizados por Kevin Jerome Everson presentes no Festival Ecrã. Em Abutre Negro, os pixels aparentes de uma captação mal iluminada se transformam em textura hipnotizante, enquanto para Condor, o tempo estendido longamente em um único plano dá a cada mínimo movimento a gravidade de um enorme evento.

Ambos têm a lua como protagonista, mas se distanciam no que se refere à forma como o satélite é abordado pela câmera. Abutre Negro aparenta ser apenas um rascunho ou um ensaio para Condor: como o pássaro, o curta parece apenas se alimentar dos restos que sobraram da carcaça da produção de Condor. Já este segundo, aborda de maneira majestosa um eclipse solar em tempo real, levando o espectador a ir e voltar da mais ofuscante claridade à escuridão abismal em menos de 8 minutos. A sensação de descoberta, de compreender o que se passa, é recompensadora, e a possibilidade de testemunhar um evento cósmico como este de uma perspectiva tão privilegiada proporcionada pela câmera dão a este pequeno filme, um caráter de grandeza. – João Batista Signorelli

Arsonista (2021, Joshua Troxler)

Como devemos agir diante de uma tragédia? Seguir pela calçada como se nada estivesse ali? Parar e observar, de fora e à distância como quem não quer nada? Ou ainda interferir, envolver-se? O artista Joshua Troxler articula diferentes imagens fazendo uma ponte entre o incêndio da Catedral de Notre-Dame com o de um carro no Harlem, da macro-destruição à micro. De um lado, a ação: o fogo. De outro, o resultado: as cinzas. O vídeo pode reverter o tempo, levar toda a fumaça de volta ao seu ponto de partida. Fora dele, algo mais pode ser feito? Nas maiores e nas menores tragédias, as cinzas são sempre irreversíveis. – João Batista Signorelli

Azul Profundo (2020, Sebastian Wiedemann)

Azul Profundo é uma experiência estética curta e doce que te imerge na solidão profunda do início da pandemia, no momento em que não haviam previsões realistas acerca de uma possível vacina e os prazos para tudo voltar ao normal continuavam se estendendo indefinidamente. Sebastian Wiedemann traduz poeticamente essa sensação na forma de um mar azul e melancólico, criando aos poucos um sentido de comunidade ao nos comparar à organismos marinhos e revelar que, mesmo à deriva no oceano tão profundamente azul, nunca estamos realmente sozinhos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Descompostura (2021, Alline Torres, Víctor Alvino, Anaduda Coutinho e Marcio Plastina)

A estrutura fragmentada do curta utiliza imagens de arquivo e manchetes de jornais para reconstruir uma parte da história do Brasil e evidenciar a presença das mulheres negras em meios compostos predominantemente por brancos. Apesar da  música colaborar para dar um peso sombrio às imagens, Descompostura se revela esquecível por não aproveitar tão bem a força e a tristeza inerente das fotografias que exibe. – Caio Machado

Febre 40° (2021, Natália Reis)

Com um visual lisérgico e frases instigantes que se distorcem na tela, o curta de Natália Reis investiga os limites entre o corpo humano e a tecnologia, entre o tesão e a eletricidade que corre dentro dos componentes eletrônicos. É uma verdadeira viagem ao som do clássico “Yes Sir, I Can Boogie”. – Caio Machado

Restos e Memórias de Filmagem (2021, Alex Cox)

Alex Cox é conhecido pela direção no clássico cult Repo Man – A Onda Punk e Sid & Nancy – O Amor Mata. Em Restos e Memórias de Filmagem, acompanhamos parte da rotina do cineasta num formato que lembra bastante um vlog. O mais interessante é poder acompanhar de perto o processo criativo artesanal dele e a forma como organiza uma cena antes de filmá-la. – Caio Machado

O Sonho de Benning (2021, Leonardo Pirondi)

No breve O Sonho de Benning, ouvimos o famoso cineasta experimental descrever um sonho que teve enquanto vemos uma animação que tenta ilustrar isso. Limitado pela própria duração, é simples, abstrato e sugere uma pequena reflexão sobre a brevidade da vida. – Caio Machado

Senhor Jean-Claude (2021, Guillaume Vallée)

A partir de fotogramas do filme The Quest, Guillaume Vallée faz diversas alterações na imagem de Jean-Claude Van Damme, na tentativa de desconstruir a noção de masculinidade que ele e outros astros do cinema de ação propagavam. O curta comove ao transformar a violência, contida num único frame, em ternura. – Caio Machado

TV a Cabo (Ou Uma Noite na Vida) (2020, Rob Feulner)

Quanto mais eu penso sobre TV a Cabo, mais eu aprecio a experiência mecânica e ritualística de surfar pelos canais de televisão (um sentimento que vem ficando cada vez mais raro com chegada da era do streaming) dos Estados Unidos dos anos 90, observando as mudanças culturais e políticas que estava começando ou terminando de acontecer. A interrupção causada por um sinal pirata fornece uma quebra desse ritual que varia do simplesmente psicodélico até o macabro hipnotizante, e que complementa belamente a experiência. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Mil e Uma Tentativas de Se Tornar um Oceano (2020, Wang Yuhan)

Logo nos primeiros minutos, dá para perceber que o curta quer mostrar a presença do fluxo e movimento das ondas na vida como um todo, desde um microrganismo  até o movimento sincronizado de soldados. Depois disso, o que ocorre é uma repetição dessa tese até a exaustão. – Caio Machado

bai gosti / eros afogado em lágrimas (2021, Vinícius Romero) 

Funcionando como o videoclipe daquela banda de rock experimental com a qual topamos sem querer no Spotify, Vinícius Romero performa a metamorfose de sensações nada palpáveis em bai gosti / eros afogado em lágrimas. Com pinta de título mitológico, o curta se estende por desconfortáveis nove minutos, queimando medos, chamuscando temores. – Vitor Evangelista

Vitrines (2021, Coletivo Olhares)

É o Coletivo Olhares que adentra um shopping do nascer do sol a seu pôr, mas são as imagens individuais das vitrines que intitula a obra as responsáveis por conversar com quem assiste os estáticos e performáticos 10 minutos. Os créditos sobem, depois do grupo, formado por João Pedro Diaz, Luã Leal, Mariana Martinelli e Sérgio Faria, vasculhar cada lata de lixo, mesa da praça de alimentação e cabide da Renner. Afinal de contas, quando o assunto é shopping, quem é a mercadoria? – Vitor Evangelista

Lucina Annulata (2021, Charlotte Clermont)

São necessários menos de 5 minutos para que Charlotte Clermont capture o mundo em seu Lucina Annulata. Produção canandense que usa de aparelhos analógicos para gravar os detalhes minuciosos de cavernas, florestas e do próprio corpo humano, o curta ainda rasga o ambiente com uma estridente trilha que conflita com o cântico marítimo e infantil que inunda nossos ouvidos. – Vitor Evangelista

O Fim do Sofrimento (2021, Jacqueline Lentzou)

Que ótimo seria se o universo interferisse cada vez que nos sentimos ocos por dentro. É assim que O Fim do Sofrimento funciona; uma solução para esse sentimento constante de deslocamento que, magicamente, encontra uma fonte intergalática no curta grego de Jacqueline Lentzou. Como se a Terra fosse uma estação para marcianos perdidos, a narrativa de 14 minutos brinca com imagens vermelhas e um diálogo marcado por metáforas e lutas por amor. Um pouco simplista no que se propõe, mas afogado em sentimentos. – Caroline Campos

Amostras de Corpos (2020, Astrid de La Chapelle)

O que Lenin, o Monte Everest e um fóssil tem em comum? Bem, quando você descobrir, me avise, porque se depender de Amostras de Corpos, a situação fica complicada. O curta de 14 minutos de Astrid de La Chapelle percorre as facetas da persistência da vida que, mesmo após a morte, encontra uma forma de se transmutar em algo novo. Através de um batalhão de imagens transpostas, a linha de raciocínio da francesa é clara ao mesclar passado e presente, apesar da trilha sonora sufocante e uma leve obsessão pelas mãos do líder comunista. – Caroline Campos

Ao Velho Mundo (Obrigado pelo Uso do seu Corpo) (2021, Mark Leckey)

Imagine gravarem sua pataquada em um ponto de ônibus e transformarem em um curta experimental. Sim, foi isso que Mark Leckey fez em Ao Velho Mundo (Obrigado pelo Uso do seu Corpo) ao repetir em looping e acrescentar diversas camadas a uma videocassetada de um cara atravessando uma vidraça. A experiência fica cada vez mais divertida conforme o inglês vai distorcendo sons e adicionando cacos de vidro e novas interpretações ao seu curta, que se transforma, como diz a própria sinopse, em uma oração ao vidro estilhaçado. – Caroline Campos

Videoarte

Além cá (Vitória Severo, 2020)

Sem sair das fronteiras que podem ser alcançadas pela vista, mas indo além do isolamento e dos limites impostos pelas circunstâncias históricas, pelas paredes e altura de um apartamento, há todo um universo de pequenas histórias que podem ser acessadas simplesmente por um olhar através da janela. A pequena obra de Vitória Severo explora através de fotografias, o cotidiano daqueles que transitam à vista de seu lar, abrindo a própria janela para quem assiste. Além cá oferece um olhar atento para os pequenos detalhes da vasta paisagem urbana que um apartamento pode oferecer. – João Batista Signorelli

As Grandes Distâncias (2020, Matheus Zenom)

Após assistir As Grandes Distâncias, minha primeira reação foi de uma leve revolta, que ganhou contornos hiperbólicos na primeira versão deste comentário sobre o filme. A insistente simplicidade do curta acendeu um pensamento que demorou a se acalmar: “Para que ver o céu em uma tela de computador se eu posso ver… o céu?” Amenizado o susto, fui levado a refletir quais teriam sido os motivos para que tal reação tomasse forma em primeiro lugar. A falta de significados explícitos? O ritmo lento? Aquela terrível afirmação (“Eu poderia ter feito isso”) da qual sempre queremos fugir, mas que sempre insiste em voltar?

A reflexão foi feita: uma obra como essa, de ritmo lento, sem significados explícitos e que eu poderia ter feito, apresenta tão poucos elementos, que estes adquirem um peso e um grau de significância muito maior do que poderia ser esperado. Água, uma árvore e seu reflexo, céu e nuvens: todos poderiam passar batido em qualquer filme com uma quantidade regular de informações, mas em As Grandes Distâncias, caso o espectador o permita, assumem o protagonismo. Sem esquecer, claro, de outros dois elementos talvez ainda mais importantes: a câmera, com sua tímida movimentação de enorme amplitude, e o tempo, que atribui um peso crescente aos elementos anteriores. As grandes distâncias entre o público e um filme como este de fato existem, mas sempre existe a possibilidade de aproximação. – João Batista Signorelli

Chorar (Crying, Maya Skye Henderson, 2021)

Filmada num close bem próximo ao rosto da realizadora, a obra é um bom exercício sobre a expressividade contida no ato de chorar e os movimentos involuntários que ele provoca no rosto. Maya Skye Henderson prova que chorar alivia mesmo, mas também cansa. – Caio Machado

Cool for the Summer (Vitória Liz, 2021)

Em março de 2020, ninguém esperava que uma pandemia chegaria ao Brasil e mataria mais de meio milhão de pessoas. Achava-se que a vida continuaria normalmente, mas tudo mudou rápido demais depois da primeira morte por coronavírus no país. Cool for the Summer traz um enfoque extremamente sensível nessa frustração abrupta, utilizando imagens da vida normal de antes e um relato tocante sobre as consequências psicológicas avassaladoras de ser obrigado a ficar em quarentena. Para quem ainda está enfurnado dentro de casa, é impossível não se identificar. – Caio Machado

Invasão (Hannah Maia, 2020)

O curta utiliza materiais que vão de imagens de livros de Biologia a cenas de filmes pornográficos antigos para propor um estudo interessante e agitado sobre como a sociedade enxerga o sexo. – Caio Machado

Sem título #2 (Verónica Valenttino) (Priscyla Bettim e Renato Coelho, 2020)  

O preto e branco bem contrastado do curta compõe um retrato misterioso e bem expressivo da artista, acentuando suas marcas no rosto e o olhar que parece carregar um peso gigantesco. – Caio Machado

Instalações e Artes Imersivas

Cine Metro (Cine Metro – Experiência Imersiva, Eduardo Calvet Correa, Brasil, 2021)

Em tempos onde a memória do Cinema brasileiro vem sendo largada às traças, uma homenagem a uma sala de cinema histórica do país é mais que bem-vinda. A experiência em realidade virtual criada por Eduardo Calvet Correa nos leva a um passeio de volta à inauguração do Cine Metro em 1936, um enorme cinema de 1800 assentos que marcou o Rio de Janeiro em sua época. Com atenção aos detalhes, Calvet Correa reconstrói digitalmente a luxuosa sala da MGM que não pode resistir ao teste do tempo: pouco sobrou do Cine Metro, que hoje é deixado ao abandono. – João Batista Signorelli

Games

Coisas que Perdemos no Fogo (Thays Pantuza & Zumbido Audiovisual, Brasil, 2021)

Coisas que Perdemos no Fogo conta a história de uma menininha que entra dentro de seu desenho animado preferido e precisa apagar um incêndio no estúdio que o produzia  para salvá-lo. 

Com um visual lúdico e gameplay que consiste em clicar para realizar as ações desejadas, não é difícil entender a mensagem que Thays Pantuza e a Zumbido Audiovisual queriam passar: cuidar das organizações que preservam as produções audiovisuais de um país é importantíssimo. Em tempos de descaso com a Cinemateca Brasileira, manter essa discussão é essencial. – Caio Machado

Bagata (Heron P. Nogueira, Brasil, 2020)

Em primeira pessoa, somos convidados por Bagata a transitar entre corredores e salas do que parece ser um estranho museu abstrato com instalações misteriosas. Teremos algum objetivo, algum objeto para encontrar, um lugar para chegar? Nada. Isso não parece ser um problema, mas somente até uma visão externa do edifício indicar que existem muitos andares para cima, e o encontro com uma escada abrir a brecha para a possibilidade de ascender até lá. Passando por caminhos complicados e armadilhas, a subida termina em… frustração. Tapeado, acabo caindo de volta ao ponto de partida. 

A frustração vem dessa brecha entre o potencial objetivo inventado por mim, jogador, e a inexistência dele na realidade do jogo de Heron P. Nogueira. A partir do momento em que surgem contratempos à livre circulação no ambiente, somos levados a crer que esses são forças antagônicas impedindo-nos de chegar ao lugar para onde deveríamos ir; mas ao final, não era para ter chegado em lugar nenhum. Talvez houvesse algum modo de subir mais por um caminho que não encontrei, mas sem tê-lo encontrado, o que fica de Bagata para mim (além de frases misteriosas e saudade de museus) é que, ainda que isso possa ser frustrante, nem sempre é preciso chegar a algum lugar. – João Batista Signorelli

Esperando Godot: Uma Simulação (Waiting For Godot: A Simulator, Nick Murray, Reino Unido, 2020)  

A ideia do jogo é curiosa: adaptar a famosa peça de Samuel Beckett para um jogo pixelado, em que dois personagens conversam entre si enquanto esperam. As únicas ações que o jogador pode realizar é esperar ou não esperar. De resto, só é possível observar as ações dos dois personagens sem rosto. 

Várias questões vêm à mente: quem são eles? Por quem estão esperando? Por que esperam? Que lugar é esse? Em um contexto de pandemia, o jogo pode ser interpretado como uma metáfora para a quarentena, onde milhões de pessoas aguardam em suas casas algo que nem sabem se chegará (a volta da normalidade). Porém, não funciona bem como jogo por retirar a interatividade por completo e deixar somente a passividade monótona. De qualquer forma, é interessante pela ousadia. – Caio Machado

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