Júlia Caroline Fonte

Há 10 anos chegava aos cinemas a animação que abalaria as histórias de princesas da Disney. Ao encantar tanto crianças quanto uma grande parcela do público adulto, Frozen – Uma Aventura Congelante (2013) surpreendeu os amantes dos estúdios com uma narrativa muito diferente daquelas que estávamos acostumados para suas personagens. Apesar de contar com um visual deslumbrante, o filme se destaca por abordar aspectos mais profundos de suas protagonistas mulheres e por discutir novas perspectivas sobre o amor, indo contra o felizes para sempre clássico.

A história se passa no reino de Arendelle, onde duas irmãs princesas vivem isoladas por trás dos portões de seu castelo, que são abertos no dia da coroação da primogênita, Elsa (Idina Menzel). A futura rainha esconde seus poderes mágicos ligados ao gelo, mas tem seu segredo revelado no dia da coroação, surpreendendo até mesmo sua irmã Anna (Kristen Bell). Com medo, a mais velha foge para as montanhas e, sem querer, espalha um rigoroso inverno pelo reino. Anna decide salvar a irmã e o reino e, no caminho, encontra a ajuda de Kristoff (Jonathan Groff) e sua rena Sven, além de Olaf (Josh Gad), um divertido boneco de neve que adora abraços quentinhos.

Após as grandes mudanças no papel das princesas e o abalo causado por Valente, Frozen – Uma Aventura Congelante vem para deixar claro que o Walt Disney Animation Studios toma um novo caminho para suas personagens. A animação traz mais uma vez uma nova perspectiva do papel destas personagens, que agora de fato protagonizam suas próprias histórias. O filme tem como foco a relação das duas irmãs, muito diferentes entre si, que carrega uma forte crítica aos ideais que o próprio estúdio pregou ao longo de décadas: Anna é a clássica garota que sonha em viver um grande amor à primeira vista com um príncipe encantado, enquanto Elsa foca em si mesma, sem abrir espaço para romance em sua vida.

Anna é uma personagem única e com uma personalidade divertida, mas que carrega consigo o clichê do amor romântico; sua representação entra em choque com o momento em que o filme é lançado, em uma sociedade na qual as mulheres ressignificam seu papel social e seus relacionamentos. A princesa, que passou a vida trancada em um castelo e isolada apenas com alguns funcionários, belos livros e românticas obras de arte, passa a ter uma visão idealizada e espera desesperadamente por um homem perfeito que a amará incondicionalmente e a libertará de sua solidão. É então que conhecemos Hans (Santino Fontana), um belo, carinhoso, protetor e amável príncipe, o candidato ideal para a jovem sonhadora. No entanto, para a surpresa de todos, a roteirista Jennifer Lee não poupa suas críticas ao modelo Disney e o jovem encantador se torna um perverso vilão, que ao enganá-la com promessas de amor encontra na fragilidade da princesa uma forma de destruí-la em benefício próprio, partindo seu coração iludido.

Frozen nos faz refletir sobre nosso imaginário do amor romântico que, assim como Anna, crescemos acreditando no ‘felizes para sempre’ que Branca de Neve – a primeira princesa do estúdio – nos apresentou ao receber seu beijo de amor verdadeiro. Hoje, ao compreender suas fantasias de infância, no primeiro contato com a narrativa, o público vê Anna de forma ridicularizada, principalmente quando comparada a Elsa, que tem consciência do absurdo que é querer se casar com alguém que acabou de conhecer. Porém, a princesa de Arendelle é uma personagem muito bem construída, uma vez que somos capazes de compreender suas ilusões iniciais, bem como de onde elas vieram, e vê-la amadurecer seu entendimento de mundo e do amor, principalmente em Frozen 2 (2019). Ela reflete um pouco das experiências de cada um que a assiste, merecendo nossa empatia.

No entanto, a animação ainda quer nos ensinar sobre esse sentimento em todas as suas formas, mas agora de modo mais próximo da realidade. O amor romântico não é algo para ser rejeitado e a narrativa nos comprova isso ao apresentar Kristoff, um jovem que aos poucos conquista o coração de Anna, mesmo com todos os seus defeitos. Afinal, é isso que vivemos: nos permitimos amar e sermos amados sendo quem somos, e não um modelo idealizado que deveríamos seguir. É com Kristoff e os amigos dele “especialistas em amor” que a princesa começa a entender um pouco o que esse sentimento envolve e o quanto ainda não sabia sobre isso.

Além disso, o amor da amizade também tem seu momento na história, tanto na relação entre Kristoff e sua rena Sven quanto na de Anna e Olaf. O boneco de neve aparece inicialmente como um alívio cômico, cumprindo muito bem esse papel, mas é quando Anna está em perigo que aprofundamos esse sentimento, já que ele se mostra disposto a fazer sacrifícios para salvar a amiga. Olaf não apenas sabe amar, como foi criado pelo amor de Elsa por Anna, e é essa relação fraterna que se destaca. Quebrando paradigmas dos finais felizes, a Disney inova ao criar seu desfecho neste vínculo entre as personagens, rompendo com a ideia do príncipe encantado como herói e sinônimo de felicidade para a mulher.

O encanto da história está exatamente no afeto entre as irmãs, que além de causar muitas reflexões nos fãs sobre novas formas de enxergar o amor verdadeiro, é a chave para salvar as protagonistas. Elsa, que passou a vida convivendo com o peso de seus dons, tomada pelo medo e seus traumas, vê no isolamento a única solução para manter todos em segurança. No entanto, seus métodos não foram suficientes para proteger a irmã, que acidentalmente tem o coração congelado. O filme se torna mais complexo quando acompanhamos o arco da rainha e entendemos que o afeto foi fundamental para descongelar o seu coração – e não só o de Anna -, gélido pelas inseguranças que a perseguiram e reprimidos em um castelo de gelo, que se torna perigoso e se despedaça à primeira batida nas portas.

Frozen se aprofunda ao tentar nos mostrar um outro lado de uma protagonista, e a permite ser vulnerável assim como nós. As emoções de Elsa ganham espaço na narrativa à medida que elas passa a controlar todos os seus movimentos. O alívio de seu fardo chega no momento em que consegue ver beleza em seus dons, fazendo as pazes com o que antes via com aflição e repulsa – consagrando a clássica canção Let it Go. Porém, o breve momento de paz e liberdade faz com que a rainha cegamente se perca ao recusar a ajuda para se curar e, ao invés de cuidar de suas feridas, abafa as emoções que a machucam, o que abre espaço para que cada vez mais seus poderes saiam do controle. 

Assim, entendemos que o verdadeiro vilão da narrativa é o medo que consome Elsa. Frozen traz figuras clássicas para tentar refrear suas protagonistas, como o Príncipe Hans e o desagradável Duque de Weselton, porém são apenas peças que conduzem a narrativa a olhar para o que realmente conflitua com a rainha. O confronto passa a ser interno, tirando assim a antiga dualidade entre bem e mal, e fazendo com que a personagem carregue esses dois aspectos sobre si mesma. Elsa é a causa de seus infortúnios e precisa lutar contra si mesma para vencê-los, mas não sendo a vilã que os outros personagens enxergam. 

Ela precisa superar seu inimigo, mas aprende de um jeito difícil que não conseguirá fazer isso sozinha, e que a ajuda que recebe é fundamental para acabar com seu sofrimento. Disso temos a conclusão que cativou o público e que o aproximou ainda mais das personagens, apresentando uma nova perspectiva do amor que talvez nunca tenhamos nos dado conta. Um final que permite diversas reflexões e interpretações, e conclui de forma excelente a jornada das irmãs, preparando-as para dar novos passos em suas relações. 

No que se refere ao visual, Frozen – Uma Aventura Congelante é impecável e mais cativante quando olhamos para suas raízes. Inspirado na obra A Rainha da Neve de Hans Christian Andersen, o longa teve sua história e cenários inspirados nas terras da Noruega, impulsionando impulsionando um interessante movimento da Disney (e já muito comum na Pixar) de trazer elementos étnicos e culturais com cada vez mais força em suas obras, e assim, o local se torna parte da história e não apenas um pano de fundo. O folclore norueguês se destaca nos poderes e conhecimentos dos trolls, e no segundo filme da saga das irmãs, é essencial para conduzir a narrativa com outros personagens míticos. Além disso, traz também a influência dos povos originários do país, que tem seus elementos identitários destacados do início ao fim. 

Desde sua estreia, Frozen fez sucesso não apenas entre os amantes da Disney e o público em geral, mas também pela crítica, garantindo diversos prêmios, entre eles o Globo de Ouro, BAFTA e o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2014; abrindo espaço para novas narrativas em Arendelle. A nova vida das princesas é explorada em Frozen: Febre Congelante e seus arcos são mais desenvolvidos no filme Frozen 2, que foi determinante para o amadurecimento dos personagens. Olaf também ganha seus derivados e seu carisma garantiu o especial de natal Olaf em uma Nova Aventura Congelante de Frozen e a divertida série Olaf Apresenta. Assim, deixa os fãs curiosos para descobrir quais serão as próximas histórias dessas princesas, principalmente com o anúncio de Frozen 3.

Por fim, Frozen completa 10 anos celebrando uma obra singular, capaz de gerar um forte impacto para as princesas Disney, refletidos principalmente em Raya e Último Dragão e em Wish: O Poder dos Desejos. Com uma narrativa diferente e recheada de plot twists, a animação foi capaz de surpreender ao quebrar os padrões e enfatizar a importância das histórias das personagens mulheres, essenciais para inspirar e dar força às novas gerações, empoderando garotas, que sendo princesas ou não, serão encarregadas de decidir o seu ‘felizes para sempre’.

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“Eu sou Groot” – Groot

Júlia Caroline Fonte

A última década foi bem polêmica para a indústria cinematográfica, o boom dos filmes de heróis gerou vários conflitos entre os cinéfilos mais conservadores e os amantes da cultura pop. Os super-heróis foram os responsáveis por lotar as salas de cinema no mundo todo, principalmente devido às grandes mudanças nos Estúdios Marvel. Foi nessa década que heroínas e personagens não convencionais conquistaram seu lugar, como aconteceu com o grupo de deslocados conhecidos como Guardiões da Galáxia, que completa 5 anos de seu segundo filme.

Guardiões da Galáxia Vol. 2 apresenta uma nova fase da equipe formada pelos ex-criminosos mais perigosos – ou atrapalhados – da galáxia: Peter Quill (Chris Pratt), Gamora (Zoë Saldaña), Drax (Dave Bautista), Rocket (Bradley Cooper) e o então bebê Groot (Vin Diesel). Após derrotar Ronan, salvar Xandar e recuperar a Joia do Poder, o grupo se dedica a proteger a galáxia – e roubá-la também. Porém agora, a narrativa se volta para uma velha incógnita: o pai de Peter Quill.

Em meio a diversos conflitos e desentendimentos dentro dessa nova família formada pelo grupo, eles seguem concluindo diversas missões pelo espaço. Até que por um descuido de Rocket, se envolvem em uma grande confusão com os Soberanos e, durante uma perseguição, se encontram com Ego (Kurt Russell), um homem misterioso que diz ser o pai de Peter. É a partir daqui que o grupo se divide, Rocket e Groot ficam no planeta em que caíram para consertar a nave e manter Nebulosa (Karen Gillan) prisioneira, porém são capturados por Yondu (Michael Rooker) e os saqueadores. Enquanto isso, Peter, Gamora e Drax seguem com Ego para seu planeta, junto de Mantis (Pom Klementieff) uma extraterrestre com poderes empatas que ajudam seu mestre.

O filme traz a identidade única da série, só que agora de forma mais marcante. O que de início parecia ter sido um teste de um novo estilo de história de herói é assumido em seu segundo volume; que investe sem medo ao explorar o visual colorido e marcante, bem como o humor característico dessa narrativa que cativou o público. Tal abordagem tornou-se uma questão controversa para muitos fãs, que alegam que a obra ficou “infantil” devido a maior quantidade e frequência de piadas. No entanto, e assim como no primeiro filme, essa perspectiva cômica ocorreu na medida certa, de forma que fizesse sentido com seus personagens e com a narrativa como um todo.

A explosão de cores ganha destaque nessa obra, tanto em seus cenários quanto na caracterização das personagens. A mistura entre atual, antigo e futurista é muito bem desenvolvida em seu visual, acrescido a uma trilha sonora ideal, algo que já se tornou clássico para os Guardiões da Galáxia. Suas músicas contribuem para a construção do tempo e espaço da narrativa, além do tom proposto por ela, como também estão presentes na realidade dos personagens, com o tão amado walkman do Senhor das Estrelas, responsável por tocar os melhores clássicos das décadas de 70 e 80. 

Mas, com certeza, o destaque de Guardians of the Galaxy Vol. 2 fica para o arco das personagens que, após a apresentação no primeiro volume, são muito mais aprofundadas, e aqueles que antes estavam de passagem ganham destaque: é o caso de Nebulosa e Yondu. Os conflitos encontram seu ápice nessa inusitada família de heróis, e questões delicadas e complexas são trazidas à tona. A começar por Peter Quill, com a vida assombrada pela difícil morte da mãe e pelo fantasma do pai. Forçado a lidar com o repentino aparecimento de uma figura paterna, ele prefere fechar os olhos para sua volta – e os ouvidos para Gamora, cuja desconfiança de Ego prova-se correta – criando assim uma complicada crise em seu relacionamento com ela e os demais membros do grupo.

Simultaneamente, a guerreira mais feroz da galáxia precisa lidar com outro obstáculo intenso: a obsessão da irmã por uma vingança mal direcionada. Cansada de brigar, Gamora tenta de uma vez por todas se resolver com a irmã, que revela pela primeira vez que o pai é o motivo de seu rancor, evidenciando algo que ambas têm em comum. É nesse momento que descobrem um problema maior, e se unem para salvar os amigos, e toda a galáxia dos planos de Ego. Tal necessidade promove um princípio de mudança na relação de Nebulosa com sua irmã adotiva, e consequentemente, com toda equipe. 

Drax por outro lado, não tem um desenvolvimento tão marcante quanto no primeiro filme, que já trouxe muito a respeito da vida do ex-criminoso. Fazendo-se presente mais como um alívio cômico, não deixa de criar um vínculo com Mantis, construindo uma divertida e sincera relação (às vezes sincera até demais). Baby Groot também não ganha um aprofundamento maior nessa narrativa, uma vez que seu momento não traz muito espaço para isso, estando ali para protagonizar os momentos mais fofos e engraçadinhos do filme, o que muda na cena pós-créditos quando entra na assustadora fase adolescente.

A teia de conflitos é cada vez mais emaranhada quando paramos para pensar em Rocket Raccon: perdido em si mesmo, ele tenta a todo custo se provar para outros, principalmente o Senhor das Estrelas, escondendo-se atrás de uma máscara, que logo é descoberta por Yondu, com o qual passa a se identificar. Esse último, antes não muito querido pelos fãs, passa a arrancar lágrimas do público em situações de vulnerabilidade e sentimentalismo, como quando declara sua paternidade para Peter. Porém, nada se compara ao emocionante e colorido funeral que ele recebe após salvar o filho e se tornar um Guardião da Galáxia; uma poética redenção para a personagem.

A confusão sempre é grande quando se trata dos Guardiões da Galáxia, e sempre sobra mais espaço para outras brigas. Irritar os Soberanos não foi das melhores ideias de Rocket, e desde o início da narrativa, eles são inseridos de modo sutil e sem o foco da trama inicial, porém, de forma a não comprometer os outros conflitos da narrativa. Cria-se assim provável gancho para o terceiro e último filme, uma vez que Ayesha (Elizabeth Debicki) introduz a criação de Adam, personagem já conhecido das HQ’s da Marvel; deixando assim o mistério da aparência e papel desse personagem no universo.

Porém, sabemos que o multiverso da Marvel é extremamente extenso, e as histórias dos heróis passaram a se cruzar nos últimos anos, principalmente com os dois últimos filmes da série Vingadores. É neles que os Guardiões passam a fazer parte de algo maior – sofrendo perdas no caminho – e ganham notoriedade entre outros personagens, mesclando sua jornada com Thor e levando a história do grupo através de outros caminhos. Um presente para os fãs ansiosos por vê-los na batalha contra Thanos.

O que pode preocupar seu público é como a história será trilhada no novo volume da série. Essa mistura com outras narrativas e o suposto envolvimento dos Soberanos e Adam Warlock na continuação faz questionar quais rumos serão tomados no cinema, bem como a forma como os personagens lidarão com a ausência de Gamora, a transformação de Nebulosa após a perda da irmã e do pai, a influência da passagem de Thor e a nova fase de Groot. Guardiões da Galáxia Vol. 3 está previsto para chegar nos cinemas em 2023, mas já está gerando muitas especulações e ansiedade entre os fãs, bem como um clima de despedida.

Porém, a futura sequência passou por uma situação polêmica envolvendo seu diretor e roteirista, James Gunn. Tweets antigos contendo conteúdos ofensivos, foram revividos, incluindo piadas relacionadas principalmente à estupro e pedofilia. Resultando assim na demissão de Gunn da produção do terceiro filme, o qual já estava escrevendo. Contudo, tanto os atores do longa quanto a imprensa se posicionaram fortemente em defesa do diretor, resultando em sua recontratação um dia após entrar para a equipe de Esquadrão Suicida, dos estúdios da DC.

Guardiões da Galáxia Vol. 2 consegue ser uma sequência perfeita para uma série do gênero, deixando uma grande marca no Cinema na última década, de modo que evidenciou uma mudança bem-sucedida da imagem que tínhamos dos super-heróis, e mostrando que esse universo tem espaço para todo tipo de personagem – que podem espelhar muito de nós mesmos. O filme conseguiu fascinar seu público e trabalhar bem com toda a complexidade trazida por cada membro da equipe de ex-criminosos, assim como sua desafiadora jornada, que pode ser mais difícil e dolorosa do que qualquer batalha espacial. 

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“E que a sorte esteja sempre a seu favor”

Júlia Caroline Fonte

Obras literárias costumam trazer diversos desafios quando transportadas para as telas, tanto para fazer a adaptação funcionar nesse meio, quanto para agradar o grande fandom que a acompanha. Há 10 anos, presenciamos Jogos Vorazes (The Hunger Games) causar um alvoroço e garantir o grande sucesso que viria com suas três sequências. Inspirado no livro de Suzanne Collins, o filme foi responsável por transformar o universo das adaptações literárias no Cinema, iniciando uma nova fase do gênero e se tornando um marco para ele e para o protagonismo feminino entre o público juvenil; bem como iniciando um novo respiro para as séries de distopias.

A história acontece em uma realidade distópica, na qual a capital Panem controla 12 distritos, que subordinados, são forçados a disponibilizar trabalho e matéria-prima; além de jovens para participar de um programa de televisão, os Jogos Vorazes, onde os participantes – conhecidos como tributos – são forçados a lutar até morte para que haja apenas um vitorioso. Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), uma garota pobre do Distrito 12, se oferece como voluntária para proteger a irmã Primrose (Willow Shields), que foi escolhida para os Jogos. Assim, ela assume seu lugar e enfrenta diversos desafios para sobreviver ao lado de Peeta Mellark (Josh Hutcherson), um padeiro de seu distrito.

A narrativa explora diversas dificuldades da protagonista, que com seu gesto de coragem e amor com a irmã, vem a se tornar um símbolo para os distritos finalmente se rebelarem contra a opressão da capital. Sustentando uma narrativa de romance com Peeta (um amor encenado que depois se torna real), ambos conseguem sobreviver e desafiar o poder e soberania do Presidente Snow (Donald Sutherland), tornando-se uma ameaça que se intensifica através dos filmes seguintes. Porém, não sem sofrer diversas perdas no caminho para conquistar a liberdade do país.

Em suas sequências, vemos o caminho de Katniss se transformando e ficando cada vez mais perigoso, escancarando o arriscado jogo político no qual ela foi colocada. Os Jogos Vorazes foram apenas seu primeiro obstáculo. Assim como muitos tributos, ela vira uma estrela, e sua fama se torna um desafio delicado tanto para Snow quanto ao domínio da capital; com diversas e sutis provocações, ela desafia seus inimigos e instiga o povo a lutar nessa batalha. 

Contudo, Katniss nunca começou nada por esse objetivo, seu único foco era proteger a irmã e garantir a sobrevivência daqueles que ama, além da própria, sem deixar de lutar pelo certo e por aquilo que acredita (mesmo que isso implique tomar atitudes drásticas), características que cativaram seu público e a tornaram tão humana. Seu broche se torna um símbolo de luta, no qual ela se transforma; Katniss agora é o tordo que move a revolução, e não pode mais fugir disso. Assim, o peso de seu papel passa a custar muito: seus amigos, seu distrito (destruído em um bombardeio), sua sanidade e, principalmente, sua irmã, que morreu ajudando a causa. 

Porém, Katniss não se torna um símbolo apenas para Panem, a personagem foi responsável por balançar a indústria cinematográfica. Ela foi a primeira protagonista feminina em uma saga literária a trazer uma mulher em um papel social condizente e que esperamos há anos, mas nunca tivemos de modo marcante como ela: forte e corajosa, ao mesmo tempo que vulnerável e humana. Muito diferente foi o legado deixado por Bella Swan, que mesmo sendo um marco, ainda não apresentava a protagonista que esperávamos. Também Lúcia e Susana Pevensie, que em diversas situações do filme As Crônicas de Nárnia: o Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa ficavam à sombra dos irmãos, só puderam lutar em uma batalha no segundo filme. Assim como Katniss, elas se consagraram como grandes protagonistas, porém, de modos muito diferentes quanto ao seu simbolismo nas adaptações. Katniss pôde fazer algo maior dentro do universo em que estava, e de fato estar à frente da narrativa, assim como Frodo Baggins e Harry Potter. Sem ser rebaixada por homens e dependente deles, e nem ser reduzida a estereótipos femininos ou papéis secundários – ocorrência comum em gêneros como distopias e ação; a personagem se confirma como uma grande inspiração para as garotas que a acompanharam desafiar o sistema e ser a heroína da própria história, de modo que torna Jogos Vorazes um marco para o público jovem.

No entanto, o impacto de seu papel contribuiu para criar novos estereótipos na década de 2010, momento de ascensão feminina na cultura pop. Os questionamentos quanto aos papéis e narrativas destinados às mulheres começaram a se intensificar e se tornar exigência do público, principalmente de mulheres cansadas da falta de representatividade. Katniss se torna uma personificação de uma mulher forte: fechada, sem traços femininos marcantes, forte fisicamente e que não demonstra sentimentos aos outros. Algo que foi importante para marcar o rompimento com a representação das mulheres no passado. Porém, nos esquecemos que mulheres fortes não se resumem apenas a essas características; a própria saga traz exemplos de mulheres que demonstram força de outras formas, como Mags (Lynn Cohen), Prim, Effie Trinket (Elizabeth Banks), Rue (Amandla Stenberg), Annie Cresta (Stef Dawson) e até mesmo a presidente Alma Coin (Julianne Moore). 

Essa nova construção da personagem é muito bem trazida à tela, principalmente para o que Panem exige de Katniss. A capital é uma ótima representação da sociedade do espetáculo, que espera de suas marionetes – tributos – uma imagem desejável para o espectador, esses que o programa quer satisfazer a todo custo. Assim, nossa protagonista é forçada a viver um papel já esperado para que sobreviva, deve sorrir e ser simpática, e permanecer neutra diante de diversas situações sustentadas pela cegueira e intolerância da elite pelo seu povo. Ela protagoniza cenas icônicas desafiando a soberba da capital, e o melhor, sendo ela mesma, a Garota em Chamas que todos admiram e sentem sua força e calor emanar ao rodar um vestido e assumir sua verdadeira forma: um poderoso tordo.

Diante disso, a desigualdade social não deixa de aparecer como uma forte crítica em Jogos Vorazes, retratada pela relação entre a Capital e seus distritos. A miséria do distrito 12, ao qual somos apresentados desde o primeiro filme, faz um grande contraponto com os excessos dos luxos da capital. Essa população marginalizada só é útil para a elite quanto está ali para suas necessidades: o trabalho servil e entretenimento com suas mortes. O segundo filme, Jogos Vorazes: Em Chamas, é o que mais escancara essa problemática, quando Katniss e Peeta precisam adentrar os glamourosos palácios e conviver nesse cenário sabendo a situação do resto do país; assistindo a pessoas se empanturrar de comida e se afogando em futilidades, enquanto o povo passa fome. Isso tudo não deixa de ser reflexo direto da nossa sociedade e do pior que ela pode se tornar.

Essas críticas trazidas pela saga tiveram um papel social muito importante para o período de seu lançamento. As alegorias e metáforas presentes na história contribuíram para que o público, principalmente infanto-juvenil, tivessem contato com diversas questões problemáticas ali espelhadas e tomassem consciência de seu papel como cidadão. Como consequência, Jogos Vorazes inspirou diversas populações a se reerguerem e lutar para combater as autoridades, defendendo a democracia, como os protestos de Mianmar em 2021 e na Tailândia em 2014. Trazendo a esperança que as pessoas precisavam para mudar o mundo.

Em relação a aspectos técnicos, o filme dirigido por Gary Ross não decepciona. O roteiro muito bem feito escrito pelo diretor, junto de Billy Ray e da própria Suzanne Collins, garantiu o sucesso imediato do filme, junto é claro, de elenco de peso. Além disso, o marcante visual foi um elemento de extrema importância, dando vida a Panem e os distritos, resultado de um grande departamento de arte dirigido por John Collins, Robert Fechtman e Paul Richards, somado à excelente fotografia de Tom Stern. Porém, é possível notar um salto de qualidade entre os dois primeiros filmes e que se mantém nos dois últimos, principalmente quanto à imagem.

Jogos Vorazes se sustentou como uma importante obra audiovisual, e reforça isso com suas três continuações. Além de uma excelente adaptação, o filme também conseguiu se tornar um marco para o gênero distopia, garantindo um spin-off depois de 10 anos de seu início. E além de abrir espaço para outras grandes séries como Divergente e Maze Runner, ela foi responsável por reviver as sagas no cinema. O longa foi uma grande contribuição para modificar o papel feminino no audiovisual e estabelecer a importância da narrativa de heroínas, permitindo que jovens mulheres possam se espelhar e acreditar em seu potencial de fazer coisas grandiosas, e até mesmo começar uma revolução. 

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Júlia Caroline Fonte

“Grandes palavras são necessárias para expressar grandes ideias”. A frase de Anne Shirley Cuthbert descreve de maneira certeira o impacto que sua história causou ao longo de 5 anos desde o seu lançamento. A série canadense da Netflix, Anne with an E, teve sua estreia em 2017, e ainda hoje se destaca por ser a adaptação mais corajosa da obra de L. M. Montgomery. Essa nova versão, inspirada na série de livros Anne de Green Gables, conseguiu se adequar aos temas atuais de forma leve e encantadora, tanto em sua história quanto em seu visual.

Ao longo de três temporadas, acompanhamos a trajetória de Anne Shirley (Amybeth McNulty), uma órfã marcada por um passado sofrido, que é adotada por engano pelos irmãos Marilla (Geraldine James) e Matthew Cuthbert (R. H. Thomson), que queriam um garoto para trabalhar em sua fazenda, Green Gables, na cidade de Avonlea. Em desespero e com medo de ser devolvida, ela tem uma semana para provar que pode fazer parte do local. Em meio a reviravoltas, a garotinha encanta seus novos pais e passa a construir uma difícil jornada em meio à uma cidade que não está pronta para alguém como ela.

A série de Moira Walley-Beckett envolve o espectador com sua leveza enquanto aborda questões delicadas e significativas, principalmente aquelas que podemos enxergar em nossa época presente. É por isso que Anne with an E traz uma narrativa que se afasta em diversas questões de seu livro base, se adequando de modo incomparável em seu novo formato, cabendo discussões atuais que condizem com seu público, de modo a inserir na história personagens LGBTQIA+, negros e indígenas, bem como suas pautas. E é essa essência que assegura a obra como uma grande adaptação. 

A protagonista é um dos pontos altos da série e acompanhar toda a sua trajetória nas três temporadas pode ser tocante, principalmente para o público feminino. Anne é uma garota que não se encaixa nos papéis esperados pela sociedade em que vive e, sendo uma órfã, não é aceita por muitas pessoas em Avonlea. Não é fácil acompanhar a dor e dificuldade que tudo isso causa à ela, porém, nos confortamos com o fato de que Anne consegue se reerguer de diversas situações graças a sua fértil imaginação – sua característica marcante e principal refúgio –, que sempre está ali para confortá-la.

Também não é difícil se identificar com a personagem em diversas situações que também passamos em algum momento da vida. Para pessoas que menstruam,  não é difícil se familiarizar com o desespero da primeira menstruação – talvez menos dramático do que foi para ela. Além disso – agora nós, mulheres –, todas já tivemos muitas vezes que provar nosso valor quando rebaixadas a frágeis donzelas, reduzidas a um simples papel social que nos silencia. Anne é com certeza um símbolo e uma porta-voz de tudo o que queremos e precisamos dizer.

Anne é uma garota forte que sabe o valor de sua existência como mulher, reforçando que é capaz de fazer muitas coisas, assim como qualquer garoto. Ela está sempre questionando diversos padrões e estereótipos, e contestando condutas errôneas, quando, por exemplo, afirma que uma saia não é um convite. A protagonista planta uma sementinha em diversas figuras femininas ao seu redor, abrindo até mesmo os olhos da conservadora Marilla e dando voz às garotas da escola.

Porém, nem tudo é perfeito quando se trata da sua aparência e autoestima física. Anne cresceu acreditando que não possuía nenhum tipo de beleza, principalmente por causa de seus chamativos cabelos ruivos. A pressão estética é um peso árduo que ela carrega em sua jornada, recorrendo a atitudes drásticas em alguns momentos de desespero. Sua constante busca pela beleza faz parte da necessidade de ser aceita pelos outros, não conseguindo enxergar seu próprio valor.

Felizmente, em seus momentos finais, a série deixa claro que ao longo dos anos, Anne conseguiu resolver seus problemas – claro, não sem antes causar muita confusão –, e o amadurecimento da personagem é poeticamente muito bem construído. Sendo assim, é impossível não se emocionar quando Anne sente orgulho de seus cabelos ruivos, herdados de sua mãe que a amava muito. Porém, para chegar a momentos como esse, a garota enfrentou diversas situações e desafios necessários para construir quem ela é e fornecer muitos aprendizados, sendo a professora Stacy (Joanna Douglas) e Tia Josephine (Deborah Grover) figuras importantes para Anne neste momento.

A série, em geral, apresenta personagens incríveis e muito bem construídos, com arcos pertinentes nas três temporadas. Todos eles, de algum modo, têm um papel importante para a construção da nossa protagonista, sendo essenciais para seu amadurecimento e aprendizagem, e trazer apoio para ajudá-la a superar as dificuldades. Do mesmo modo, Anne se torna uma figura fundamental para transformar todos à sua volta. Sua melhor amiga Diana (Dalila Bela), vive uma realidade um pouco diferente; no entanto, as duas conseguem construir uma bela relação de amizade e companheirismo, com uma delicadeza que dificilmente vemos nas telas. Anne foi capaz de tirar Diana da bolha em que estava e fazê-la entender que o mundo vai muito além daquilo que somos ensinados a acreditar. 

Enquanto isso, Matthew, um dos personagens mais encantadores da série, é o pai que Anne sempre precisou e esteve ali garantindo o melhor para ela, mesmo que com seu jeitinho único e introvertido, sempre encontrava uma forma de trazer amor a ela. Já Marilla construiu com a protagonista uma das relações mais bem trabalhadas da série, muito diferente de Anne e de Matthew, a nova mãe da garota tem uma personalidade forte que muitas vezes se choca com o inventivo mundo de Anne. Ao final, Marilla não se parece com a rígida mulher que expulsou Anne da fazenda em sua chegada, agora ela reluz um brilho amável e cativante.

Além de trazer pautas relacionadas à mulher, a construção e crítica ao padrão de masculinidade não fica de fora do debate quando se trata de Anne with an E. Além de Matthew, outros personagens masculinos muito diferentes entre si se destacam: Cole (Cory Gruter-Andrew), um garoto gay e ligado às artes, e um dos melhores amigos de Anne; o apaixonante Gilbert Blythe (Lucas Jade Zumann), um garoto educado e gentil (que, vamos combinar, não deveria ser um diferencial) que se torna interesse amoroso de Anne; e Billy (Christian Martyn), um garoto repugnante e agressivo (e assediador) que sempre sai impune dos danos que causa. Colocá-los juntos nas telas contribui para expor um problema social e denuncia o tipo de masculinidade não mais tolerada atualmente.

Em relação aos aspectos técnicos, o cuidado da produção é algo de se admirar. A direção de fotografia em Anne with an E cativa o público com sua beleza e aconchego trazidos pelos tons quentes da imagem. A direção de arte também é impecável, recriando o período histórico de forma encantadora e condizente com a abordagem da série. O grande destaque fica para a abertura da obra, dirigida por Allan Williams, contou com oito pinturas de Amybeth McNulty feitas pelo artista Brad Kunkle, que foram misturadas com diversos elementos digitalmente, carregados de simbologias, acompanhadas de citações do livro de Montgomery.

Outros aspectos como a sonorização e trilha musical também se mostram fundamentais, pois quando combinadas aos aspectos visuais, criam o clima e ambientação ideais para a narrativa. Além disso, a escolha do elenco não decepciona, trazendo nomes de peso; contudo, o principal destaque fica para a protagonista: Amybeth McNulty, que já foi consagrada como Anne Shirley, e deixa difícil imaginar alguém que poderia dar vida ao papel tão bem quanto ela.

Infelizmente, para a decepção do fandom, Anne With an E foi cancelada após sua terceira temporada, devido a problemas burocráticos em sua produção. Sua última parte foi feita visando dar o final esperado pelo público e que nossa personagem sempre mereceu: descobriu o mistério por trás de seus pais biológicos, foi para a faculdade com as amigas, fez as pazes com sua autoestima e é claro, finalmente conseguiu o tão aguardado beijo (e declaração) de Gilbert Blythe. No entanto, ela deixa espaço para continuações e pontas soltas em histórias secundárias que deixam um forte incômodo e revolta em seu público que continua engajado para salvá-la.

Apesar disso, a série consegue trazer esperança de um jeito inspirador e reconfortante, seja em seus personagens e história, seja na mensagem que quer passar para seu público. Derramando muitas lágrimas e arrancando sorrisos inocentes, Anne With an E deixa uma marca em todos que a assistem. E assim como a protagonista, aprendemos a encontrar nosso valor em quem somos, e como temos força para mudar o mundo a nossa volta. A ilustre adaptação pode ter encerrado sua produção, mas continua a ressoar sua poderosa voz para mulheres de diversas gerações.

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Júlia Caroline Fonte

Uma lagarta, para se tornar borboleta, passa por uma metamorfose que irá mudar totalmente a sua vida e o mundo ao seu redor. Moxie: Quando as Garotas Vão à Luta, novo filme da Netflix que chegou no dia 3 de março, conta sobre a transformação de Vivian (Hadley Robinson), uma garota do Ensino Médio que não pôde ficar em silêncio diante das situações misóginas que aconteciam em seu colégio, e passa a enfrentá-las usando o fanzine Moxie, que foi capaz de romper o casulo de diversas meninas a sua volta.

O filme se propõe a quebrar paradigmas da grande maioria dos longas adolescentes, evidenciando que a rivalidade feminina não é necessária para contar uma boa história e chamar a atenção do seu nicho. Moxie: Quando as Garotas Vão à Luta finalmente traz a perspectiva de que o apoio mútuo entre as mulheres, muito diferentes entre si, pode ser transformador e necessário; e que quando uma garota toma uma atitude, por mais que pequena, pode encorajar e dar voz a todas as outras. O filme não é perfeito quando engloba o feminismo em sua totalidade, mas é um início muito positivo para essa mudança nos rumos do audiovisual.

Não é apenas sua narrativa que chama a atenção – por trás das câmeras as mulheres também tiveram destaque. O filme baseado no livro homônimo de Jennifer Mathieu tem direção de Amy Poehler e roteiro de Tamara Chestna e Dylan Meyer. Além disso, o departamento de arte é totalmente formado por mulheres que fizeram um trabalho perfeito, trazendo maior verossimilhança em cenários e figurinos e evitando criar uma realidade fantasiada da vida de uma adolescente. Ainda conseguiram realizar uma obra visualmente maravilhosa, cheia de detalhes, referências e significados. E por causa disso, é notável a preocupação da equipe em colocar borboletas no quarto de Vivian e no seu figurino na cena final, enfatizando sua transformação ao longo da obra.

Já a trama se destaca por trazer personagens muito importantes tanto para o público quanto para a protagonista, uma garota introvertida, que, no início da história, acha conveniente se calar para as situações erradas que ocorrem com as mulheres na escola – como assédios tratados com descaso, uma lista que classifica mulheres de modo sexista e homens saindo impunes e repressão por vestimentas. Vivian começa, aos poucos, a questionar todas essas situações, e Lucy (Alycia Pascual), a aluna nova, aparece para dar um empurrãozinho e tirá-la desse casulo em que está presa.

Lucy, uma garota negra, chega deslocada e começa a ser constantemente assediada pelo capitão do time de futebol americano, Mitchell Wilson (Patrick Schwarzenegger). Vivian a aconselha a baixar a cabeça para que ele pare de incomodá-la, porém Lucy não aceita e insiste que a questão é muito mais profunda, despertando uma série de questionamentos na protagonista. Além dela, Moxie chama a atenção pela diversidade de personagens (e de elenco), apresentando pautas relacionadas à mulheres com deficiência, trans, negras, asiáticas, atletas e até mesmo aquelas consideradas “padrão”.

Ao mesmo tempo que a representatividade existe, ela é pouco explorada quanto às suas pautas dentro do movimento, chegando a ser até mesmo superficial. Em pouco tempo, o filme consegue abordar a pauta feminista de forma sútil e clara, dialogando com o seu público alvo; nesse quesito, ele é muito bem construído – ainda que em alguns momentos traga falas um pouco forçadas. Moxie indica reconhecer que a interseccionalidade deve estar presente, porém, não deixa isso evidente. Quando debatida, ocorre de forma muito discreta, não dando espaço e nem argumentos fortes o suficiente para que o espectador de fato reflita e entenda a questão, principalmente quando levamos em conta que uma grande parte do público possa estar tendo o primeiro contato com o movimento.

Essa problemática fica nítida com a personagem Cláudia (Lauren Tsai), melhor amiga de Vivian, que sofre com as consequências das atitudes da protagonista e tenta expor isso a ela. Sendo uma mulher asiática-americana, filha de imigrantes chineses e que vive em um local conservador, encontra-se em uma realidade diferente de Vivian, uma garota branca, padrão e estadunidense. Claudia revela essas diferenças e como elas afetam ambas de modos distintos. Contudo, o filme que se propõe a dar voz às mulheres, não garantiu muita voz a Cláudia como deveria, e sua pauta é apenas mostrada rapidamente.

Apesar disso, destaco a importância da personagem tanto para a história como para o público. Desde o início da rebeldia de Vivian, Cláudia se mostra incomodada com as atitudes repentinas da protagonista e demonstra não se encaixar naquele grupo. Moxie tenta explorar esse conflito interno dela e também com a melhor amiga, revelando que Cláudia se importa com tudo isso, mas que cada uma tem seu tempo e forma de lutar pela causa, seja pela situação em que se insere no núcleo familiar, seja por questões próprias, destacando que cada uma de nós tem suas particularidades.

Outra personagem que recebeu muita atenção do público foi Lisa (Amy Poehler), a mãe de Vivian, que faz parte de uma relação clássica entre mãe e filha adolescente. O trailer do filme cria a expectativa de que esse arco vai ser não só o motivador para a personagem, como também um dos mais relevantes na trama, de modo que a relação das duas com a juventude da mãe será um forte vínculo e condutor da narrativa. Porém, temos que nos contentar apenas com os conflitos e a falta de empatia de uma adolescente em relação à própria mãe – que tem pouco espaço em tela – muito carinhosa, aberta ao diálogo e que em nenhum momento se mostrou inflexível com a filha. 

Por fim, nossa protagonista, Vivan, é a típica garota quietinha da turma, mas que pode gerar muita identificação com o público. É muito interessante notar sua metamorfose durante o enredo de Moxie e como foi importante tudo o que passou para finalmente conseguir dar o grito que desde a primeira cena está entalado, além de ver as asas que criou por causa disso (simbolizadas na última cena do filme). 

Moxie: Quando as Garotas Vão à Luta não é o filme perfeito quando o assunto é se aprofundar em questões sociais, mas consegue ser leve e, ao mesmo tempo, trazer uma mensagem forte e eficiente ao seu público, principalmente para as novas gerações, que, diferentemente da minha e das anteriores, cresceram cercada de diversas referências estereotipadas e personagens femininas sem voz. É o tipo de filme que teria sido revolucionário para qualquer garota adolescente. Moxie é como suas personagens: borboletas que saem vibrantes de seus casulos para deixar seu impacto no mundo.

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