Júlia Caroline Fonte

Há 10 anos chegava aos cinemas a animação que abalaria as histórias de princesas da Disney. Ao encantar tanto crianças quanto uma grande parcela do público adulto, Frozen – Uma Aventura Congelante (2013) surpreendeu os amantes dos estúdios com uma narrativa muito diferente daquelas que estávamos acostumados para suas personagens. Apesar de contar com um visual deslumbrante, o filme se destaca por abordar aspectos mais profundos de suas protagonistas mulheres e por discutir novas perspectivas sobre o amor, indo contra o felizes para sempre clássico.

A história se passa no reino de Arendelle, onde duas irmãs princesas vivem isoladas por trás dos portões de seu castelo, que são abertos no dia da coroação da primogênita, Elsa (Idina Menzel). A futura rainha esconde seus poderes mágicos ligados ao gelo, mas tem seu segredo revelado no dia da coroação, surpreendendo até mesmo sua irmã Anna (Kristen Bell). Com medo, a mais velha foge para as montanhas e, sem querer, espalha um rigoroso inverno pelo reino. Anna decide salvar a irmã e o reino e, no caminho, encontra a ajuda de Kristoff (Jonathan Groff) e sua rena Sven, além de Olaf (Josh Gad), um divertido boneco de neve que adora abraços quentinhos.

Após as grandes mudanças no papel das princesas e o abalo causado por Valente, Frozen – Uma Aventura Congelante vem para deixar claro que o Walt Disney Animation Studios toma um novo caminho para suas personagens. A animação traz mais uma vez uma nova perspectiva do papel destas personagens, que agora de fato protagonizam suas próprias histórias. O filme tem como foco a relação das duas irmãs, muito diferentes entre si, que carrega uma forte crítica aos ideais que o próprio estúdio pregou ao longo de décadas: Anna é a clássica garota que sonha em viver um grande amor à primeira vista com um príncipe encantado, enquanto Elsa foca em si mesma, sem abrir espaço para romance em sua vida.

Anna é uma personagem única e com uma personalidade divertida, mas que carrega consigo o clichê do amor romântico; sua representação entra em choque com o momento em que o filme é lançado, em uma sociedade na qual as mulheres ressignificam seu papel social e seus relacionamentos. A princesa, que passou a vida trancada em um castelo e isolada apenas com alguns funcionários, belos livros e românticas obras de arte, passa a ter uma visão idealizada e espera desesperadamente por um homem perfeito que a amará incondicionalmente e a libertará de sua solidão. É então que conhecemos Hans (Santino Fontana), um belo, carinhoso, protetor e amável príncipe, o candidato ideal para a jovem sonhadora. No entanto, para a surpresa de todos, a roteirista Jennifer Lee não poupa suas críticas ao modelo Disney e o jovem encantador se torna um perverso vilão, que ao enganá-la com promessas de amor encontra na fragilidade da princesa uma forma de destruí-la em benefício próprio, partindo seu coração iludido.

Frozen nos faz refletir sobre nosso imaginário do amor romântico que, assim como Anna, crescemos acreditando no ‘felizes para sempre’ que Branca de Neve – a primeira princesa do estúdio – nos apresentou ao receber seu beijo de amor verdadeiro. Hoje, ao compreender suas fantasias de infância, no primeiro contato com a narrativa, o público vê Anna de forma ridicularizada, principalmente quando comparada a Elsa, que tem consciência do absurdo que é querer se casar com alguém que acabou de conhecer. Porém, a princesa de Arendelle é uma personagem muito bem construída, uma vez que somos capazes de compreender suas ilusões iniciais, bem como de onde elas vieram, e vê-la amadurecer seu entendimento de mundo e do amor, principalmente em Frozen 2 (2019). Ela reflete um pouco das experiências de cada um que a assiste, merecendo nossa empatia.

No entanto, a animação ainda quer nos ensinar sobre esse sentimento em todas as suas formas, mas agora de modo mais próximo da realidade. O amor romântico não é algo para ser rejeitado e a narrativa nos comprova isso ao apresentar Kristoff, um jovem que aos poucos conquista o coração de Anna, mesmo com todos os seus defeitos. Afinal, é isso que vivemos: nos permitimos amar e sermos amados sendo quem somos, e não um modelo idealizado que deveríamos seguir. É com Kristoff e os amigos dele “especialistas em amor” que a princesa começa a entender um pouco o que esse sentimento envolve e o quanto ainda não sabia sobre isso.

Além disso, o amor da amizade também tem seu momento na história, tanto na relação entre Kristoff e sua rena Sven quanto na de Anna e Olaf. O boneco de neve aparece inicialmente como um alívio cômico, cumprindo muito bem esse papel, mas é quando Anna está em perigo que aprofundamos esse sentimento, já que ele se mostra disposto a fazer sacrifícios para salvar a amiga. Olaf não apenas sabe amar, como foi criado pelo amor de Elsa por Anna, e é essa relação fraterna que se destaca. Quebrando paradigmas dos finais felizes, a Disney inova ao criar seu desfecho neste vínculo entre as personagens, rompendo com a ideia do príncipe encantado como herói e sinônimo de felicidade para a mulher.

O encanto da história está exatamente no afeto entre as irmãs, que além de causar muitas reflexões nos fãs sobre novas formas de enxergar o amor verdadeiro, é a chave para salvar as protagonistas. Elsa, que passou a vida convivendo com o peso de seus dons, tomada pelo medo e seus traumas, vê no isolamento a única solução para manter todos em segurança. No entanto, seus métodos não foram suficientes para proteger a irmã, que acidentalmente tem o coração congelado. O filme se torna mais complexo quando acompanhamos o arco da rainha e entendemos que o afeto foi fundamental para descongelar o seu coração – e não só o de Anna -, gélido pelas inseguranças que a perseguiram e reprimidos em um castelo de gelo, que se torna perigoso e se despedaça à primeira batida nas portas.

Frozen se aprofunda ao tentar nos mostrar um outro lado de uma protagonista, e a permite ser vulnerável assim como nós. As emoções de Elsa ganham espaço na narrativa à medida que elas passa a controlar todos os seus movimentos. O alívio de seu fardo chega no momento em que consegue ver beleza em seus dons, fazendo as pazes com o que antes via com aflição e repulsa – consagrando a clássica canção Let it Go. Porém, o breve momento de paz e liberdade faz com que a rainha cegamente se perca ao recusar a ajuda para se curar e, ao invés de cuidar de suas feridas, abafa as emoções que a machucam, o que abre espaço para que cada vez mais seus poderes saiam do controle. 

Assim, entendemos que o verdadeiro vilão da narrativa é o medo que consome Elsa. Frozen traz figuras clássicas para tentar refrear suas protagonistas, como o Príncipe Hans e o desagradável Duque de Weselton, porém são apenas peças que conduzem a narrativa a olhar para o que realmente conflitua com a rainha. O confronto passa a ser interno, tirando assim a antiga dualidade entre bem e mal, e fazendo com que a personagem carregue esses dois aspectos sobre si mesma. Elsa é a causa de seus infortúnios e precisa lutar contra si mesma para vencê-los, mas não sendo a vilã que os outros personagens enxergam. 

Ela precisa superar seu inimigo, mas aprende de um jeito difícil que não conseguirá fazer isso sozinha, e que a ajuda que recebe é fundamental para acabar com seu sofrimento. Disso temos a conclusão que cativou o público e que o aproximou ainda mais das personagens, apresentando uma nova perspectiva do amor que talvez nunca tenhamos nos dado conta. Um final que permite diversas reflexões e interpretações, e conclui de forma excelente a jornada das irmãs, preparando-as para dar novos passos em suas relações. 

No que se refere ao visual, Frozen – Uma Aventura Congelante é impecável e mais cativante quando olhamos para suas raízes. Inspirado na obra A Rainha da Neve de Hans Christian Andersen, o longa teve sua história e cenários inspirados nas terras da Noruega, impulsionando impulsionando um interessante movimento da Disney (e já muito comum na Pixar) de trazer elementos étnicos e culturais com cada vez mais força em suas obras, e assim, o local se torna parte da história e não apenas um pano de fundo. O folclore norueguês se destaca nos poderes e conhecimentos dos trolls, e no segundo filme da saga das irmãs, é essencial para conduzir a narrativa com outros personagens míticos. Além disso, traz também a influência dos povos originários do país, que tem seus elementos identitários destacados do início ao fim. 

Desde sua estreia, Frozen fez sucesso não apenas entre os amantes da Disney e o público em geral, mas também pela crítica, garantindo diversos prêmios, entre eles o Globo de Ouro, BAFTA e o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2014; abrindo espaço para novas narrativas em Arendelle. A nova vida das princesas é explorada em Frozen: Febre Congelante e seus arcos são mais desenvolvidos no filme Frozen 2, que foi determinante para o amadurecimento dos personagens. Olaf também ganha seus derivados e seu carisma garantiu o especial de natal Olaf em uma Nova Aventura Congelante de Frozen e a divertida série Olaf Apresenta. Assim, deixa os fãs curiosos para descobrir quais serão as próximas histórias dessas princesas, principalmente com o anúncio de Frozen 3.

Por fim, Frozen completa 10 anos celebrando uma obra singular, capaz de gerar um forte impacto para as princesas Disney, refletidos principalmente em Raya e Último Dragão e em Wish: O Poder dos Desejos. Com uma narrativa diferente e recheada de plot twists, a animação foi capaz de surpreender ao quebrar os padrões e enfatizar a importância das histórias das personagens mulheres, essenciais para inspirar e dar força às novas gerações, empoderando garotas, que sendo princesas ou não, serão encarregadas de decidir o seu ‘felizes para sempre’.

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Nathália Mendes

Mindhunter te faz um convite: sente-se à mesa com os protagonistas da série para entrevistar uma lista de criminosos repulsivos. A década de 70 nos Estados Unidos foi uma máquina de serial killers, mas a onda de horror causada por Ted Bundy, O Filho do Sam e BTK também foi acompanhada pelo fascínio. Da abominação por esses homens, houve a curiosidade e necessidade de entendê-los. O que pensaram para escolher aquela vítima e matar daquela forma? Por que todas as suas ações seguem um padrão meticuloso, específico, premeditado, mas as vítimas são estranhas? A série mostra os pioneiros em fazer essas perguntas cujas respostas são indigestas, na busca por traçar perfis de assassinos – um trabalho da vida real que revolucionou a Unidade de Ciência Comportamental do FBI. E mesmo assim, sem cancelamento ou continuação, a série está há 2 anos no limbo da Netflix.

A maioria das pessoas acha impossível – e abominável – entender a mente de um assassino. “Se entendêssemos as aberrações, seríamos aberrações também” diz Bill Tench (Holt McCallany) para Holden Ford (Jonathan Groff) no primeiro episódio da série. Mas Mindhunter dispôs sua narrativa propositalmente de forma incômoda: ela quer que você se sinta provocado a compreender um serial killer e faz isso através de uma realidade impecável, da montagem à trilha sonora. Nessa estrutura, você é obrigado a emergir entre quatro grades de uma cela, cara a cara com personagens fiéis ao máximo aos assassinos na vida real, e assumindo a mesma função emblemática de um jovem John Douglas no FBI, movido pela ânsia de estudar a face mais vil que um ser humano pode ter.

Desde sua primeira temporada, Mindhunter montou uma obra de arte sobre a complexidade da mente ao criar um panorama entre a vida de seus personagens e as entrevistas com os serial killers, tendo como ponto central a forma como o pensamento subjetivo provoca comportamentos. Os agentes Bill e Holden foram inspirados no trabalho desafiador que Robert Ressler e John E. Douglas, respectivamente, tiveram em dar lógica para uma violência irracional na vida real. Através das entrevistas, eles foram capazes de catalogar perfis de criminosos para ajudar investigações futuras a identificar e encontrar um assassino em série. Tudo isso é contado em Mindhunter, mas o aspecto mais importante é a motivação que levou ambos e Ann Burguess – representada pela personagem de Dra. Wendy Carr (Anna Torv) – a ouvirem a narração das agressões cotidianamente: o magnetismo por uma violência além da imaginação. E como um ímã, a Arte sente atração em investigar o que é desconhecido.

Entender a mente de um psicopata é algo semelhante a montar um quebra-cabeças em que as peças só se encaixam pela dedução, pois uma mente tão perturbada não funciona além do efeito causa e consequência. Mas o produtor executivo de Mindhunter, David Fincher, já provou a sua aptidão e gosto pelo gênero, no mesmo caminho de Douglas. Em Se7en e Zodíaco, a perspectiva de Fincher mostra o controle que um serial killer tem sobre a situação, incluindo a força policial, mas é em Mindhunter que a característica é explicada de cabo a rabo, e pela versão do próprio assassino ao explicar seus comportamentos após uma história de trauma e violência. 

Por isso, a série deixa de mostrar coisas propositalmente – como as cenas dos crimes em si -, optando por manter-se até o final dando ao público a função de enxergar os crimes mais famosos da história através da narração de seus autores.  E isso é brilhantemente surrealista. Como se o cordeiro tentasse vestir a pele do lobo, o público deve se imaginar com os olhos de Charles Manson enquanto ele fala sobre a liderança de sua seita assassina, explicando algo que aparentemente não entende sobre si próprio. A entrevista com Manson acontece durante a segunda temporada de Mindhunter e é um jogo de roteiro complexo e cortes rápidos de edição, ambos elementos que dão fluidez e uma perspectiva realista para a cena.

Um raciocínio narcisista ao extremo faz parte da característica de um bom psicopata, e a carta na manga de Fincher é evidenciar o crescimento do mesmo traço de personalidade nos agentes que os estudam – e talvez, por querer, no público. O fato é que não há resposta para o debate “homens são naturalmente maus ou se tornam maus?”, então Mindhunter criou o contraste dos assassinos com seu personagem principal para perpetuar o questionamento. Holden é um nerd impecável que tem as camadas de sua personalidade descascadas como cebolas ao longo de sua trajetória com Bill pelos Estados Unidos. A posição que o agente toma diante de suas descobertas é uma mistura de ansiedade e egocentrismo, pois ele tem certeza absoluta de que seu papel é imprescindível para o FBI. Essa característica aparece principalmente nos métodos diferentes que Holden apresenta durante as entrevistas: a curiosidade, a proximidade facilmente adquirida, e, a mais repugnante de todas, o raciocínio em se colocar, com um conjunto de ações, no mesmo plano que os assassinos – ou melhor, em que como cordeirinho, veste a roupa de lobo.

O narcisismo de Holden aflora definitivamente na segunda temporada quando a pesquisa comportamental avança, inclusive ganhando um chefe novo que apoia o trabalho fervorosamente. Mas ainda que o agente seja o cerne do progresso, é impossível não associar a gradação de suas ações autoconfiantes com a sua proximidade ao frio e seguro Ed Kemper, o principal – e mais falante – assassino da 1ª temporada. O desempenho de Cameron Britton na pele do serial killer Edmund Kemper foi tão exuberante que o rendeu uma entre as 2 indicações ao Emmy que Mindhunter teve. Lembrando o personagem de Will Graham (Hugh Dancy) e sua conflitante afinidade com o canibal mais famoso do Cinema, Hannibal Lecter (Mads Mikkelsen), Holden começa a assumir parte de um orgulho compulsivo sobre seu trabalho, algo que mais ressalta sua ingenuidade com o mundo de fora do que de fato prova sua perspicácia.

Desde o início, Mindhunter força a aproximação com a história do mundo real, mesmo que muitos elementos da série sejam apenas ficção, mas isso foi feito de caso pensado para proporcionar uma imersão completa do público como Holden Ford. A curiosidade é aguçada logo de início, e junto com o protagonista, o espectador dá seus passos curtos por um fascínio culposo. O elenco de serial killers assustadoramente fiéis em aparência e trejeitos, um enredo afiado, e a atmosfera densa e amarelada que um bom suspense possui compõem a obra necessária para que ao assistir Mindhunter haja um querer insaciável em entender o incompreensível. No final, o limbo em que a série se encontra causa um tímido alívio por frear o questionamento que cada um assume sobre seus comportamentos.

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Letícia Machado e Rafaela Thimoteo  

Como um bastardo, órfão, filho de uma prostituta e pai fundador dos Estados Unidos presente na nota de dez dólares se tornou um dos maiores fenômenos na indústria dos musicais e plataformas de streaming de todos os tempos?

Hamilton: An American Musical é um musical composto, escrito e protagonizado por Lin-Manuel Miranda. Norte-americano de família porto-riquenha que nasceu em Nova York, em 1980, Miranda se inspirou na biografia de Alexander Hamilton do historiador Ron Chernow para criar essa peça.

Miranda estava férias de outro espetáculo que escreveu para a Broadway, In the Heights, em 2008, quando leu a biografia sobre Hamilton. Decidiu, então, não desperdiçar sua chance de fazer um musical totalmente inspirado na vida de um dos pais-fundadores dos Estados Unidos. 

O gênio por trás da obra já havia mencionado durante entrevistas que as pessoas subestimavam o potencial, a história e relacionamento de Alexander Hamilton com a cidade de Nova York. Foi a partir deste sentimento que o show começou a ser desenvolvido. 

Em maio de 2009, Miranda foi à Casa Branca, durante o evento Evening of Poetry, Music and the Spoken Word apresentar uma versão inicial da abertura do futuro espetáculo. Ele acabou surpreendendo e arrancando risadas dos convidados ao anunciar que faria um musical de hip hop sobre o primeiro Secretário do Tesouro dos EUA.

O musical estreou em fevereiro de 2015 off-Broadway (termo utilizado quando um musical é exibido em outros teatros profissionais menores que a Broadway), no Teatro Público de Nova York e tornou-se um sucesso de bilheteria e críticas positivas. Em agosto do mesmo ano, foi transferido para o Teatro Richard Rodgers na Broadway e os ingressos foram esgotados ainda na pré-venda. 

De acordo com a Forbes, após esta estreia a disputa por lugares foi tão acirrada que alguns ingressos chegaram a custar cerca de US$ 11 mil. Ainda em 2015, o musical rendeu a Lin-Manuel Miranda o prêmio History Makers Award pela New York Historical Society, assim como o de Melhor Música, Melhor Letra e Melhor Libreto de Musical no Drama Desk Awards. 

Em 2016, Hamilton obteve o recorde de 16 indicações ao Tony Awards, e conquistando 11 prêmios, entre eles o de Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Ator, Melhor Figurino, Melhor Direção, Melhor Coreografia e o principal da noite: Melhor Musical. Hamilton também venceu como Melhor Álbum de Teatro Musical no Grammy e Lin Manuel Miranda recebeu o aclamado Prêmio Pulitzer de Drama.

Da Broadway diretamente para o streaming 

Após o sucesso estrondoso, Lin decidiu realizar uma versão do show para o cinema com o elenco original. As filmagens foram realizadas em 3 apresentações diferentes, o que gerou alguns erros pontuais de continuidade, como a mudança de detalhes na roupa de alguns personagens, mas que não atrapalharam o êxito da obra. 

Devido à pandemia de COVID-19, o lançamento do filme que estava previsto para 15 de outubro de 2021, foi antecipado para 3 de julho de 2020, diretamente na plataforma de streaming Disney +, que chegará no Brasil somente em novembro deste ano. O trailer de Hamilton alcançou mais de 4 milhões de visualizações na data em que foi lançado. 

Influências

Se na música introdutória Alexander Hamilton afirma que “há milhões de coisas que ele ainda não fez” o show segue na direção oposta e faz o que outros musicais premiados da Broadway como O Fantasma da Ópera (1986) e Wicked (2003) não fizeram. De uma forma super contemporânea, o musical explora uma mistura gêneros usando o hip-hop, R&B, o pop e o soul. 

Com raps que chegam a alcançar a marca de 19 palavras em 3 segundos, como acontece em Guns and Ships, o ator coadjuvante Daveed Diggs (que interpreta tanto Lafayette quanto Thomas Jefferson) possui o recorde de rapper mais rápido da Broadway. Sua performance foi tão excepcional que ele recebeu o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante de Musical no Tony. O espetáculo entrega também um número difícil de ser batido: segundo o Five Thirty Eight, Hamilton apresenta uma média de 144 palavras por minuto, quando na média, musicais da Broadway apresentam de 58 a 77 palavras por minuto. 

O estilo musical de cada personagem também é individual, o que atrai ainda mais  à atenção para os mínimos detalhes. Enquanto o personagem Lafayette canta com um tom mais rouco em um rap rápido, certeiro, rimando várias palavras por estrofe em referência à rappers dos anos 90 como DMX, Ja Rule e Big Pun, Aaron Burr possui músicas com raízes no estilo musical popular jamaicano Dancehall.

Ao longo de quase 3 horas, os espectadores são capazes de se emocionarem com o R&B de Helpless e a balada romântica de Dear Theodosia, ou rirem do personagem Rei George III em You’ll Be Back e What Comes Next? no ritmo de um pop leve e divertido. 

Assim, o show apresenta músicas que atraem diversos tipos de público, que se emocionam, acredite se quiser, com a história de como o sistema econômico americano foi estabelecido. O sucesso das músicas também foi comprovado em 2016, quando o álbum The Hamilton Mixtape foi lançado e estreou em primeiro lugar na Billboard 200 com mais de 187 mil cópias vendidas.

A experiência visual

Um dos diferenciais que também garantiu pontos positivos para o filme foi a grande direção de Thomas Kail, cineasta norte-americano, também premiado com o Tony. A forma como as coreografias e o cenário foram meticulosamente montados colabora para que quem assista sinta a emoção dos atores. 

O terceiro dia de gravação do musical, que aconteceu sem a presença da platéia, garantiu cenas em planos fechados que detalham os sentimentos dos atores e até mesmo a saliva do Rei George III, interpretado por Jonathan Groff (Mindhunter), o que provoca uma experiência diferente até mesmo para quem já assistiu o musical no teatro.

O palco com o mecanismo circular móvel colabora para cenas em que as irmãs Schuyler andam pela “rua”, assim como em cenas no estilo Matrix no qual após um tiro a bala “caminha” lentamente pelo ambiente durante um monólogo.

Um dos destaques deste mecanismo está presente na música Satisfied, quando o movimento e a troca repetitiva de câmeras, combinados com as luzes e coreografia, provocam o efeito de retrospectiva e confusão de Angelica Schuyler. A personagem conta os fatos narrados na música anterior, mas desta vez do seu ponto de vista.

O palco da diversidade  

Além da inovar ao contar a história da independência dos Estados Unidos, um dos pontos mais marcantes de Hamilton é a inclusão de diversidade tanto nas letras das músicas quanto no elenco. Em alguns momentos da peça, as músicas falam sobre a questão dos imigrantes, sobre a busca por uma vida melhor e também fazem críticas à escravidão. 

Em Cabinet Battle #1, Hamilton enfrenta Thomas Jefferson em uma batalha de rap e critica o oponente dizendo que o Estado de Jefferson só possuía dinheiro suficiente para pagar as dívidas porque não distribuía salários, ou seja, seu lucro vinha da exploração de escravos.

O musical destaca atores negros, asiáticos e latinos para protagonizar os personagens da peça, quebrando paradigmas e mostrando que apesar da adaptação falar sobre figuras históricas que eram em sua maioria brancas, nada impede que sejam interpretados por pessoas de etnias diferentes.

A questão migratória também está muito atrelada a narrativa, tanto que em 2016, no lançamento de The Hamilton Mixtape, uma das músicas, intitulada Immigrants (We Get The Job Done), aborda a situação dos imigrantes, a injustiça que sofrem e critica o discurso xenofóbico.

A História está de olho em você

Mesmo recebendo prêmios e reconhecimento por contar de uma forma atual e dinâmica a história da independência dos EUA e a vida de Hamilton, é importante lembrar que o musical é uma adaptação de fatos reais, não um livro de História. Lin- Manuel Miranda alterou alguns elementos para desenvolver a narrativa. 

Em My Shot, Alexander fala sobre “um grupo de amigos abolicionistas” em referência a seus companheiros Laurens, Lafayette e Mulligan. Porém, mesmo participando de uma organização em prol da abolição e criticando Jefferson, alguns historiadores afirmam que Hamilton não tinha essa luta como prioridade. A família de sua esposa tinha escravos, assim como George Washington, de quem ele era muito próximo.

Em entrevista à Vanity Fair, Christopher Jackson, que interpreta George Washington, diz que como um homem negro, teve de conciliar estar na pele desse personagem e mostrar de alguma forma a vergonha de Washington em relação a escravidão, assunto que o personagem não cita diretamente durante a peça, mas que retorna em Who Lives, Who Dies, Who Tells Your Story.

Outro ponto de destaque é a presença das Schuyler Sisters: Angelica, Peggy e Eliza. Lin Manuel Miranda mudou pontos da história das irmãs, como ao escrever que Angelica era a mais velha e não tinha irmãos, portanto tinha que casar com um homem rico e subir socialmente ao invés de ceder à sua paixão pelo pobre Alexander.  

Registros históricos apontam que isso não é verdade. Angelica Schuyler tinha diversos irmãos, já era casada há anos e inclusive tinha filhos antes de conhecer Hamilton. Além disso, não estava presente quando ele e Eliza se encontraram. 

Miranda diz que ignorou esses fatores pois o musical seria dramaticamente mais interessante se Angelica não pudesse se casar com Hamilton por pressões sociais. Ele também buscava mostrar a personagem como uma intelectual, com visões feministas. Em The Schuyler Sisters, a atriz Renée Elise Goldsberry que interpreta Angelica, canta: “Eu tenho lido O Senso Comum de Thomas Paine e, por isso, os homens dizem que sou intensa ou louca”. 

Em Ten Duel Commandments os personagens falam sobre as dez regras que devem seguir durante os duelos armados. Apesar de pesquisas apontarem que existiam na verdade vinte, Miranda decidiu colocar apenas metade influenciado pela música Ten Crack Commandments do rapper Biggie Smalls.

Uma batalha de momentos marcantes 

É impossível falar desse musical e não destacar o trabalho do ator e cantor Leslie Odom Jr., que inclusive ganhou o Tony de Melhor Ator pelo personagem Aaron Burr. Seu papel como do rival de Hamilton evidencia a diferença na personalidade de ambos. Em Wait For It e Room Where It Happens conhecemos mais sobre o personagem, suas ambições e o porquê dele agir da forma que age.

A relação entre Alexander Hamilton e Aaron Burr ao longo da narrativa é um aspecto essencial na história. Somos apresentados aos personagens e descobrimos mais sobre a guerra, seguindo sempre um contraponto entre as opiniões de ambos. Burr é mais sucinto e contido, enquanto Hamilton sempre expõe suas opiniões.

Há sempre um paralelo entre os dois, como quando dizem que duelos são imaturos e não resolvem nada, mas no final acabam duelando entre si. Em Dear Theodosia, Burr expressa seu amor pela filha, enquanto Hamilton fala sobre seu filho. Por um momento a rivalidade entre eles dá lugar a um tom de delicadeza e emoção. 

E por falar em trechos emocionantes, a atriz de ascendência chinesa Philippa Soo, que interpreta Eliza, protagoniza um dos momentos mais marcantes do show na música Burn. Ressentida, ela canta enquanto põe fogo nas cartas que recebeu de Alexander.

Os paralelos entre as cenas continuam, a exemplo da primeira frase do musical: “como um bastardo, órfão, filho de uma prostituta…”, que surge quando Burr se refere a Hamilton. O protagonista também repete “eu imagino tanto a morte que parece mais uma memória”, pois um dos seus objetivos era deixar um legado antes de morrer. O mesmo paralelismo ocorre nas músicas mais voltadas ao desenvolvimento das batalhas, como em Right Hand Man e Yorktown. Em Non Stop trechos de várias outras músicas são cantadas ao mesmo tempo, em uma espécie de catarse. 

O fenômeno cultural Hamilton não apenas abriu portas para uma nova maneira de se contar um fato histórico, como também inovou o cenário teatral em aspectos como a construção das letras, ritmo musical, diversidade no elenco e interação com o público. Seguindo um modelo diferente das adaptações convencionais como Les Misérables (2012) e Cats (2019), Hamilton foi um dos primeiros musicais a ser disponibilizado por streaming em sua versão original, entregando para muitos fãs que ansiavam pelo lançamento e acompanhavam pelo Spotify, Twitter e Youtube, a sensação de assistirem diretamente da Broadway, da sala onde tudo aconteceu.

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