Sinara Martins

Há 20 anos, Kanye West lançou seu primeiro álbum: The College Dropout. Visto, até então, apenas como um produtor, o cantor teve seu projeto negado por vários caça talentos, como foi mostrado em seu documentário Jeen-Yuhs (2022), até ser aprovado pela produtora Roc-A-Fella, em um ato de egoísmo de Damon Dash, para que o rapper não procurasse outras gravadoras.

Quando finalmente lançado, em 2004, o disco foi responsável por consolidar a carreira musical de Ye e debutou em segundo lugar nos charts da parada musical estadunidense Billboard Hot 200. Além disso, venceu as categorias de Melhor Álbum de Rap e Melhor Canção de Rap com Jesus Walks no Grammy do ano seguinte. Somado a suas vitórias, o álbum ainda coleciona outras dez indicações na premiação.

Em um ambiente impossível de separar o artista da obra, vale ressaltar: Kanye West é genial somente no âmbito musical. É inadmissível defender suas falas e atitudes completamente imorais, que ferem direitos humanos e praticam discursos de ódio com diversos grupos sociais, tornando necessário a conscientização de que suas ações individuais não devem ser defendidas e propagadas.

Focando apenas em West na cena da Música, uma coisa é inegável: ele contribuiu imensamente para a renovação do cenário. Suas composições do álbum mudaram os parâmetros da abordagem de temas nas faixas dos discos de hip-hop, uma vez que saiu do convencional da época e serviu de inspiração para diversos artistas, inclusive Travis Scott. Foi uma grande inovação.

Digno de prêmios, o disco contém 21 faixas, dentre elas All Falls Down, Spaceship, Jesus Walks, Two Words, Family Business, Through The Wire e Slow Jamz.  Produzido exclusivamente por Kanye West, há uma mistura bem executada de samples de outros gêneros musicais, como soul e gospel, que combinam com as suas colaborações musicais: de Jamie Foxx até Jay-Z e Ludacris.

A respeito do conceito da obra, o título fala por si só: retrata a saída de Kanye West da faculdade em uma tentativa de priorizar seus sonhos para se tornar músico, com sua intenção de promover uma mensagem sobre acreditar em si mesmo. Sob essa estética, na capa do álbum, West usa uma emblemática fantasia de urso, que remete à ideia dos mascotes de times escolares. 

Com produções em um estilo que faz alusão ao ambiente escolar e uma abordagem de assuntos que saíam completamente das concepções padrões do hip–hop, o músico incorporou uma perfeita combinação do tradicional rap que está presente nas ruas aos inovadores temas que o álbum também retrata. No conjunto da obra, o artista retrata a família moderna em Family Business, o consumismo e materialismo em All Falls Down, o falido sistema de educação norte-americano na canção School Spirit e critica o mundo profissional em Spaceship.

Ainda sobre as letras, ao escrever Jesus Walks, o artista desafia todo modelo padronizado do estilo musical que canta e mostra que é, sim, possível fazer um rap sobre Jesus, em uma atmosfera onde parecia proibido misturar hip–hop e religião. No ano seguinte, a canção de Ye é simultaneamente indicada ao Grammy, nas categorias Melhor Canção de Rap e Música do Ano, mostrando que veio para triunfar.

O ponto alto do álbum, marcado por Through The Wire, retrata a grande e devastadora reviravolta na vida do cantor: um acidente de carro quase fatal, responsável pela quebra de sua mandíbula. Ao gravar a faixa, ainda com sua mandíbula entre ferros, na cama do hospital, o músico aborda inúmeros temas; do amor até sua aspiração pelo sucesso, determinação e vontade de superar a dor.

Kanye West alcançou um marco na indústria musical e é isso que o torna tão distinto. Ao ser precursor da inovação da cena do hip-hop quebrando os padrões dos temas de composições da época, inspirou inúmeros artistas. De Travis Scott a Paul McCartney, passando por Kid Cudi, J. Cole e Childish Gambino, o músico recebe um enorme grau de admiração no mundo da Música e influência em álbuns de diversos artistas, como Utopia (2023), Be (2020), Views (2016), At.Long.Last.A$AP (2015), Get Lifted (2005).

Ao alcançar notoriedade com o lançamento de The College Dropout, West se tornou uma promessa musical. Depois do sucesso, a indústria nunca mais foi a mesma, uma vez que o disco mostrou a possibilidade da abordagem de outras temáticas nas canções de rap, outros artistas seguiram os passos dele e trouxeram mais pautas à cena, como é possível observar nos dias atuais. Mesmo após 20 anos, a influência de The College Dropout na cena da música é nítida, única e crucial para toda a nova geração de artistas do hip-hop.

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Nathalia Tetzner

Quando Beyoncé idealiza um projeto, dá adeus aos limites e insiste até funcionar. Em sua nova empreitada, COWBOY CARTER, ela definitivamente não chega de ‘mansinho’ para cavalgar pelo country. Diante de um gênero musical financiado por uma indústria conservadora que já a alertou para ‘tirar o cavalinho da chuva’, a texana se aventura enquanto, pelo bem e mal, deixa a sua marca registrada em todas as 27 faixas. 

O oitavo disco da artista mais culturalmente relevante do século – segunda peça de uma trilogia idealizada durante a pandemia da covid-19 –, é um estudo sobre as raízes do country estadunidense que atravessa a história de um país fadado ao fracasso, mas que sempre soube se reerguer através de simbologias libertárias. Assim como na arte de capa do álbum, dessa vez, Beyoncé Giselle Knowles-Carter deseja subverter conceitos.

Com uma mão carregando a bandeira, ou melhor, o fardo de uma nação erguida a custas do sofrimento do povo negro, e com a outra conduzindo o cavalo, a artista mostra que o controle de sua trajetória sonora está em suas mãos. Para isso, nosso amigo prateado queer ‘Reny’ dá lugar a Chardonneigh; ao contrário do anterior, um pouco menos coeso nas passadas, porém, imponente e concebido ao mundo como clássico instantâneo. 

Além de marcar território a respeito da sonoridade, a posição grandiosa da ex-vocalista do Destiny’s Child denota uma nova era para a cultura como um todo: o cowboy core. Inspirada em filmes estilo faroeste que variam desde Cowboys do Espaço (2000) até Assassinos da Lua das Flores (2023), ela percorre uma atmosfera lendária através da perspectiva de uma mulher negra, desafiando o saudosismo e colocando o cavalo na chuva no maior estilo COWBOY CARTER.

Não será de se espantar que os cantores passem a rejeitar os instrumentos programados por softwares ou que a moda seja tomada por chapéus, fivelas e franjas – afinal, tudo que Beyoncé toca vira tendência, sendo praticamente o Midas do universo do entretenimento. Sem desistir das mudanças bruscas de sonoridade que questionam a ideia de gênero musical, a obra explora os versos tradicionais do country com aquele aspecto selvagem que só ela sabe acrescentar.

Transitando entre narrativas líricas que traduzem o cotidiano do perfil padrão dos homens brancos que passam tempo demais na estrada longe da família e a vida superficialmente luxuosa de uma diva pop, a ‘Queen B’ flerta com a estética sem soar tão irônica quanto Madonna em sua época de movimentar “no beat do tuts, tuts” com Music (2000). Ela também não se insere tão naturalmente quanto Bob Dylan, no entanto, oferece uma latência energeticamente perfeita para um rodeio.

Os dois primeiros singles retratam essa espécie de dicotomia existente em COWBOY CARTER. De um lado, produções complexas que valorizam os vocais e contam histórias, do outro, batidas dançantes trabalhadas com frases de afirmação à la Beyoncé. Se 16 CARRIAGES já é um destaque de sua discografia, TEXAS HOLD’EM reúne todos os clichês do country, o que funciona para virais nas redes sociais ao passo em que soa quase como uma paródia.

Entretanto, é inegável a presença de uma representatividade potente nas duas formas de cantar. Ambas as canções trazem instrumentistas negros que atuam no gênero, entre eles, Robert Randolph, guitarrista de pedal steel e Rhiannon Giddens, tocadora de banjo. Essa colaboração com artistas renomados em suas áreas, mas não tão conhecidos pelo mainstream, os concedeu a chance de aparecer nas paradas musicais da Billboard, catapultando por tabela os ouvintes nos streamings. 

Com um excesso questionável de “Yeehaw”, que permanece nas composições menos inspiradas do ACT II, a música antecipou a vontade da texana em retratar o country, porém, revelou uma certa imaturidade à época. Agora, experiente e disposta a fazer os haters morderem a língua, ela reformula a narrativa sobre comportamentos patriarcais com maestria em DAUGHTER, de longe, a melhor produção do disco que conta com a aria Caro Mio Ben.

“Diziam que eu era country demais/Então veio a rejeição, disseram que eu não era country o bastante/Disseram que eu não ia subir na sela, mas/Se isso não é country, me diga, o que é?” – AMERIICAN REQUIEM

Fazendo jus ao conceito de partição que diferencia as faixas do álbum, a cantora também se divide entre a fumaça das ruas e os corais da igreja, em um misto de religiosidade e ambições mundanas. Nas parcerias, essa transição fica nítida com as participações no mínimo inusitadas de Post Malone na sensual LEVIIS’S JEANS e Miley Cyrus – junto de sua voz ríspida que causa um conflito entre texturas vocais transcendentes –, na redenção de II MOST WANTED.

Nesse caldeirão de sonoridades, Dolly Parton enfrenta um perigo iminente: uma composição se tornar mais popular na voz de outra pessoa, novamente. Isso porque a interpretação de JOLENE ganha uma nova dimensão com a entonação dramática de Beyoncé, uma vez que a história sobre traição casa perfeitamente com os problemas familiares da família Carter, resultados da infidelidade do marido, o rapper Jay-Z.

Do mesmo modo que I Will Always Love You foi eternizada por Whitney Houston no longa O Guarda-Costas (1993), o aviso à mulher jovem de cabelo castanho-avermelhado que remonta a “Becky with the good hair” pode se sobressair em relação a gravação original de 1974, ao menos para a audiência não familiarizada com a lenda da Música country. Outro cover presente em COWBOY CARTER é BLACKBIIRD dos The Beatles que, ao contrário, não desperta tantas emoções.

Ao repetir a lista longa de colaboradores do antecessor, o primeiro ato Renaissance (2022), a intérprete de Crazy In Love parece entender que significa algo maior do que ela mesma. Ao longo de duas décadas de atividade, Beyoncé passou a simbolizar muitas comunidades, compreendendo a sua artisticidade como um grande trabalho em grupo; até porque esses dois últimos ensaios de expressões culturais tão distintas só poderiam ser feitas a muitas mãos.

Na produção do disco, D.A Got That Dope, Ryan Tedder e Pharrell Williams formam o trio principal que exemplifica os elementos do rap, pop e R&B, sempre interpolados na discografia da cantora. Entre os poucos momentos abaixo do esperado – como a cansativa SWEET ★ HONEY ★ BUCKIIN’ –, as interludes surpreendem: intituladas como SMOKE HOUR, elas trazem narrações dos ícones Willie Nelson e Linda Martell.

Durante o aprofundamento a respeito do gênero musical, até mesmo sample de funk brasileiro foi utilizado; logo após uma breve introdução de Martell, SPAGHETTII atinge o clímax através do ‘batidão’ de Aquecimento Das Danadas, autoria dos DJs Mandrake e Xaropinho. A faixa BODYGUARD também despertou a atenção do país para além da qualidade, sendo acusada de supostamente soar como plágio de um certo hit do ‘aplicativo de dancinhas’, o que não procede.

Por vezes, as guitarras animadas de COWBOY CARTER possuem mais afinidade musical com Born to Run (1975) de Bruce Springsteen do que qualquer outra obra atual. Justamente por referenciar tantos clássicos da Música, é difícil imaginar como o Grammy irá contornar as indicações de 2025 para premiar, pela quinta vez, alguém que não seja Beyoncé com o gramofone mais cobiçado da noite, o de Álbum do Ano.

“Com quinze anos, a inocência havia se perdido/Tive que sair de casa ainda muito jovem//Eu vi minha mãe orar, eu vi meu pai batalhar/Tive que deixar para trás todos os meus doces problemas.” – 16 CARRIAGES

Ainda sem visuais, nessa altura do campeonato, é de se acreditar que Beyoncé quer o foco inteiramente na Música e, seja essa técnica reproduzida ou não no ACT III, a expectativa está alta como nunca antes. Se superar Renaissance soava quase impossível, COWBOY CARTER não facilita para o terceiro ato. Fato é que, qualquer direção que a artista e seu cavalo tomem, certamente a indústria musical irá querer cavalgar junto.

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Giovanna Freisinger

“Esta não é uma obra de ficção. Qualquer semelhança com pessoas reais, vivas ou mortas, ou eventos reais, é intencional.”. É com esse recado que se iniciam todos os episódios de Enxame, o novo acerto do Prime Video. Das mentes de Janine Nabers e Donald Glover, que trabalharam juntos na aclamada Atlanta, o curto seriado com sete episódios é mais um projeto ousado e provocante para o par, que decidiu explorar uma temática que pisa no calo de muitas pessoas, com assassinato, sexo, música e… Beyoncé?

A narrativa acompanha a distorção da realidade na mente de uma fã obsessiva, a jovem Dre, interpretada pela excepcional Dominique Fishback. A obra discute a organização e atividade de fandoms (grupos de fãs), sobretudo na internet, e as relações parassociais nocivas que podem se formar a partir desse engajamento com alguém, essencialmente, desconhecido. 

Não é incomum a dedicação extrema a um ídolo se desdobrar em um superprotecionismo, que impulsiona essas pessoas a atacarem qualquer hater que critique o objeto de seu afeto, por mais vaga que seja a definição para esse termo. Quem ousar dizer publicamente que não gostou do mais novo lançamento de um artista muito famoso, por exemplo, pode se preparar para receber mensagens no mínimo desagradáveis e no máximo violentas.

Em Enxame, essa obsessão escala e toma conta por completo da vida da protagonista, que não consegue separar a sua realidade da admiração pela sua idolatrada diva pop Ni`jah (Nirine Brown) – não tão sutilmente inspirada na figura da Beyoncé. O conjunto dos fãs da cantora, na série, se denominam como ‘o enxame’. Fora da ficção, os fãs da Queen Bey (Bey, que tem uma pronúncia em inglês muito parecida com bee, tradução de abelha) se identificam como beyhive, ou “colmeia da Bey”. Como já sabemos, qualquer semelhança é intencional. 

O episódio piloto, Ferroada, garantiu a indicação da dupla criadora ao Emmy 2023, concorrendo ao prêmio de Melhor Roteiro em Série Limitada, Antológica ou Telefilme. Assim como Atlanta, a produção constrói sátiras sociais através de um humor ácido, por vezes absurdo, que alivia um pouco o peso do assunto central. Isso com piadas sagazes como, por exemplo, a personagem interpretada por Paris Jackson (sim, a filha do Michael Jackson) se identificando como preta porque tem um pai birracial e diz que, por isso, seu nome artístico é Halsey – tirando sarro da cantora que já fez declarações polêmicas sobre sua autoidentificação. Ou a personagem de Billie Eilish (cuja atuação é uma agradável surpresa) que lidera uma seita de garotas brancas com discursos caricatos sobre positividade e auto-ajuda. 

A realidade se mistura com a ficção em Enxame. Além das óbvias referências à Beyoncé e sua base de fãs, a série se inspira em diversos eventos reais para construir esse mundo. A irmã de Dre, Marissa  Jackson (Chloe Bailey), é inspirada em um rumor envolvendo uma garota de mesmo nome, com um destino supostamente parecido com o da personagem. Esses limites são nebulosos. Mesmo dentro do universo fictício, é difícil definir o que é real e o que são projeções da narradora nada confiável. A audiência acompanha os acontecimentos a partir da perspectiva da protagonista, culminando em um final que fica aberto à interpretações.

Apesar da obra não tentar disfarçar os instintos mais selvagens de Dre, rapidamente fica claro que o que nós vemos não é necessariamente o que acontece, e isso não importa. O roteiro de Nabers e Glover se desenvolve em torno do estudo dessa personagem, interessante e conflituosa o suficiente para sustentar a trama. Toda a apresentação audiovisual forja uma atmosfera fantasiosa, parecida com um sonho, que apoia a narração subjetiva. A gravação é toda feita em película, com cores saturadas e a textura dos grãos do filme na imagem, além de elementos como o barulho de zumbidos sempre que algo ruim está para acontecer… ou o enxame está prestes a mostrar o seu ferrão. 

A narrativa não segue um padrão de storytelling tradicional. Ao final de Enxame, o espectador é deixado com mais perguntas do que respostas. Não há preocupação da série em apresentar conclusões definitivas. No entanto, temos alguns recursos que nos ajudam a compreender melhor a protagonista, que, ao longo do enredo, segue seus instintos e impulsos sem parar para processá-los. O primeiro episódio acompanha o que parece a sua perda de inocência e o começo da violência. Mais para frente, descobrimos informações sobre o seu passado, que explicam muito suas relações e  algumas peças começam a se encaixar. 

Dre projeta na Ni`jah tudo aquilo que não é ou não tem, mas gostaria. A cantora representa a aceitação e o acolhimento desconhecidos por ela e é essa questão que fomenta a sua crença de que conhecer a ídola vai resolver os seus problemas. No último episódio, Só Deus cria finais felizes, podemos ver que ela passa a projetar a sua irmã na estrela pop, talvez porque esse era o interesse que as aproximou e elas dividiam, unindo em uma só figura tudo aquilo que mais importa em sua vida.

Ainda assim, não sabemos porque ela age como age. Um exemplo disso é sua relação com a comida, que apresenta uma clara compulsividade, mas não é tratada para além da exposição. A série não se interessa em despir a fã de todos os seus traumas para torná-la mais digerível para o público. Com isso, fica nas mãos da atuação de Fishback elevar a personagem e comunicar a história de maneira profunda. Ela não só dá conta do recado, como entrega uma das performances mais cruas e sinceras do ano, que a colocou na corrida do Emmy 2023, pelo troféu de Melhor Atriz em Série Limitada, Antológica ou Telefilme.

A série não busca um desfecho otimista, muito pelo contrário. Nabers e Glover provaram com essa história que não têm medo de cutucar o enxame da cultura de fandoms e apontar as suas problemáticas, coisa que é pouco abordada na mídia. Enquanto ainda não há registros de casos extremos, como o representado, as características que firmam a relação da protagonista com a cantora são comuns, na internet e fora dela. Se a experiência de Enxame não agregar em mais nada, pelo menos agora você sabe: a próxima vez que te perguntarem “quem é o seu artista favorito?”, pense duas vezes antes de responder. 

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Aryadne Xavier

Que Beyoncé se consolidou como uma das mais importantes figuras do cenário pop nas últimas duas décadas, todo mundo já sabe. Citar o nome da cantora é a porta de entrada para conversas sobre singles que marcaram épocas e provaram como a Música pode ir além de qualquer fronteira física, se espalhando pelo globo. Seu trabalho artístico, que começou com o grupo Destiny’s Child e progrediu para uma carreira solo no início dos anos 2000, evoluiu a cada novo lançamento, criando a expectativa da mídia e dos fãs ao redor de todo novo passo da vocalista. Em Renaissance, Beyoncé alcança o seu próprio renascimento, provando como uma artista que vivenciou todas as mudanças da indústria fonográfica nos últimos 30 anos consegue se manter relevante, atual e soar ainda mais potente em suas criações.

Beyoncé Giselle Knowles-Carter, amplamente conhecida apenas pelo seu primeiro nome, já era vencedora do Grammy quando lançou seu primeiro disco solo, Dangerously in Love (2003), e, dentro dele, uma de suas faixas mais memoráveis: Crazy in Love. A canção, feita em parceria com seu esposo, o rapper Jay-Z, ficou oito semanas no topo das paradas norte-americanas e rendeu outros dois gramofones à cantora. Porém, seus feitos na indústria musical são muitos e ultrapassam o topo dos charts com a versatilidade de suas canções que vão do pop ao R&B, a inovação em clipes, o posicionamento político, a propagação de toda uma cultura e a revolução na forma de lançar e consumir Música que se iniciou com o lançamento de sua obra homônima. Seis anos depois de seu último álbum, Lemonade, ela retorna com um projeto novo, “uma jornada linda de exploração” visual, lírica e sonora. 

Lavando-se de seus pecados e transicionando sem medo pelo rap e soul, I’M THAT GIRL ostenta que não são os diamantes, nem as pérolas, nem o nome de seu esposo, Queen Bey é a melhor no que faz e quer transpor esse orgulho para quem a escuta. Nesse momento de abertura do disco, é interessante notar como a estruturação da obra passa por tríades, a combinação perfeita para contar, em partes, uma narrativa. O primeiro agrupamento ainda conta com uma linha de baixo marcante e agitada em COZY, sendo um manifesto de como ela se sente confortável em sua própria pele. Ao interpolar trechos do vídeo de Ts Madison, “B**ch I’m Black”, Beyoncé reivindica e afirma sua identidade como uma mulher negra, discurso que permeia a obra como um todo. 

E Renaissance se mostra muito maior do que qualquer expectativa com ALIEN SUPERSTAR: uma experiência auditiva que guia o ouvinte por diferentes atmosferas em um espaço temporal curto, mas libertador. A canção que se inicia com trechos de “Moonraker”, sucesso nas noites de 1998 de Nova Iorque, utiliza com originalidade o conceito de “Unique” ao afirmar que ela é a número um e deságua em um refrão que interpola “I’m too sexy”, de Right Said Fred, resgatando seu conteúdo para a negritude e caráter queer da dance music. A presença do voguing é quase palpável a cada batida marcada. 

Outra tríade do disco que merece atenção é enérgica e capaz de colocar o ouvinte no ritmo marcante dos baixos e sintetizadores. Com um trabalho vocal fenomenal que se expande em várias faixas de gravação, CUFF IT aparece desinibida e simpática. A presença sensual e marcante da voz, trabalhada em diferentes nuances, torna esta uma das, se não, a canção de maior sucesso no álbum. Suas batidas finais nos guiam a ENERGY e a familiaridade com o refrão não é por acaso. A utilização do sample de “Milkshake”, da cantora Kelis, pode ser mais fácil de ser reconhecida, mas a interpolação com “Oh La La La”, de Teena Marie, e a finalização com “Explode”, de Big Freedia, tornam a transição para BREAK MY SOUL uma experiência explosiva. Com as batidas de “Show Me Love”, esse é o ápice do bloco, uma celebração ao house music dos anos 90 e à vida.

Em meio as composições de HEATED e THIQUE, o destaque aqui é direcionado a faixa MOVE. Beyoncé nos apresenta um encontro interessante: ela mesma como representante do presente, Grace Jones, ícone da cultura negra e queer do passado e a jovem Tems, como uma promessa desse legado para o futuro. Com batidas bem marcadas, a composição das rimas dita seu próprio ritmo a quem escuta, transitando entre três vozes e deixando ao espectador o papel de alguém presente em uma roda urbana, ouvindo essa apresentação. Ao citar o Bruk Up, Jones escancara as referências da cultura jamaicana e integra o propósito de resgate histórico, dando nome a mais uma fonte de inspiração.

Em um dos blocos que mais criou divisões nos sentimentos de quem escuta, Bey expõe um lado mais sentimental e menos agitado, como se ela afirmasse que o momento agora é apenas escutar o lado dela e sentir. Em CHURCH GIRL, a cantora se liberta das amarras de sua culpa cristã e afirma como ninguém, além dela, pode a julgar. Já em PLASTIC OFF THE SOFA, um R&B leve e gostoso de ouvir, ela se declara ao homem com o qual divide a vida, revelando que toda especulação envolvendo “Becky with a good hair” já foi superada por ela. Na maior faixa do álbum, VIRGO’S GROOVE, um disco-funk cria uma atmosfera de romance a partir de texturas, nuances e batidas que a tornam única. Eleita a melhor canção do álbum pela crítica especializada, seu fluxo continua agradável e dançante por incríveis seis minutos, não caindo na mesmice ao seguir em improvisos.

Quebrando a sequência de trios e apostando em duas peças únicas, o disco introduz ALL UP IN YOUR MIND, que se caracteriza como uma faixa experimental. Com a participação de A. G. Cook, a expectativa em descobrir qual gênero musical a cantora mergulharia aumentou, e o resultado foi uma canção com raízes no passado em suas batidas e uma experimentação que mira o futuro. Com a irreverente AMERICA HAS A PROBLEM, é notável o transporte para as décadas de 80 e 90, que remonta aos brasileiros batidas do tradicional funk carioca. É automático querer a resposta para problema americano apontado pela letra, especialmente, considerando lançamentos anteriores de cunho político, mas a surpresa é encontrar um motivo ímpar em seus versos: uma música auto-referencial, com uma batida contagiante que reafirma a grandiosidade de quem a interpreta.

Com PURE/HONEY, sua referência à Ballroom fica ainda mais exposta com a junção de três samples em sua construção: “Feels Like”, “Cunty” e “Miss Honey”. A inclusão de pessoas da cena que formaram o escopo de quem a artista é hoje pode ser percebida em diferentes trechos de praticamente todas as músicas, mas o maior fica para o final. Em SUMMER RENAISSANCE, a presença de Donna Summer é palpável com “I Feel Love”, não diluída em outras batidas, reverenciando a grandeza desse clássico. O encerramento do disco, no entanto, não é o seu fim: Renaissance nasce como um primeiro ato de três planejados nesse novo projeto da cantora. Sua estreia estrondosa não poderia ser ignorada: alcançando um bilhão de streamings no Spotify e primeiro lugar em 100 países no Apple Music no dia de seu lançamento, o álbum rendeu a intérprete mais nove indicações ao Grammy.

Mesmo tornando-se a mulher mais premiada dentre todas as edições com 32 gramofones, Beyoncé não alcançou o patamar desejado aos requisitos da premiação, o que ressoa como uma afirmação de que, para a Academia de Gravação estadunidense, ela é boa, mas não o suficiente para o Álbum do Ano. Essa, no entanto, não foi a primeira vez que isso aconteceu com a cantora, que já perdeu a categoria anteriormente com os álbuns I Am… Sasha Fierce (2008), Beyoncé (2013) e Lemonade (2017). Em uma análise até mesmo rápida, é possível notar algo em comum entre todos os ganhadores, que diz além da qualidade de suas produções e transcende a própria Bey. Em uma indústria racista, para chegar ao ato de Lauryn Hill de 1999, torna-se necessário ser três vezes (ou mais) melhor em tudo, mesmo 24 anos depois.

Contudo, por mais apurada e cuidadosa que possa ter sido sua seleção, Beyoncé não estava ilesa aos erros. Durante o ato de lançamento, a quinta faixa de Renaissance, ENERGY, ficou entre os assuntos mais comentados não apenas pela sua qualidade, como também pelos comentários da cantora da gravação original que foi interpolada na música. Após o pronunciamento público de Kelis (e aqui vale dizer que Beyoncé havia comprado os direitos da música com seus produtores, logo não constava nenhum problema legal em seu uso), uma reviravolta interessante aconteceu. 20 anos depois do lançamento de Milkshake, ela finalmente foi creditada como compositora, fortalecendo, mesmo que indiretamente, o exercício de resgate histórico do trabalho como um todo.

Outra questão de aguardo e dúvidas gira em torno dos visuais desse novo trabalho. Após lançar o vídeo intitulado como teaser oficial, oferecendo um gostinho aos fãs do que poderia estar por vir, e um segundo trailer repleto de diferentes figurinos e cenários, estimulando o pensamento de muitas adições a sua videografia, Bey pareceu esquecer de lançá-los. Ao se tornar referência e reestruturar a indústria pop como algo que se apoia no pilar de videoclipes bem planejados e que caminham lado a lado do resultado sonoro, a expectativa de ter algo para se deslumbrar visualmente foi colocada lá para cima. E, talvez comprovando que nem tudo é como se espera, os fãs continuam aguardando, há meses, por um produto que nem sabem se existirá mesmo.

Independente de sua performance em premiações, o trabalho de resgate histórico e reconhecimento realizado no disco é seu maior triunfo: utilizando sua visibilidade, Beyoncé aponta e certifica a influência de quem a precedeu. O uso de samples para a construção da identidade sonora do álbum (e a devida creditação) utiliza da nostalgia de batidas já conhecidas do público para criação de algo novo, que é aceito sem muitas dificuldades pelo sentimento de familiaridade. A referência a cultura Ballroom em suas fotos promocionais, utilizando de sua vestimenta e maquiagem inspiradas em ícones como Crystal LaBeija e Moi Renee, é uma esforço consciente de trazer o enfoque a quem fundou algo muito maior. É reconhecer e engrandecer diversos nomes da cultura negra e LGBTQIA+ que foram apagados, esquecidos e marginalizados por tanto tempo. 

Em Renaissance, a artista demonstra, mais uma vez, seu talento e genialidade, proporcionando um passeio de quase uma hora de duração por diferentes gêneros e estilos, e ilustrando a engenhosidade ao encadear as músicas. A celebração proposta no álbum vai muito além da exaltação ao passado: Beyoncé convida o ouvinte a celebrar quem ele é, a se divertir em uma dança, a reconhecer suas raízes e sua importância no mundo que o permeia. Em um trabalho detalhista, o álbum comprova que muitas mãos, em sintonia e unidas em um propósito, podem construir trabalhos enormes, que vão além de uma experiência sonora. 

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Enrico Souto

Em discussões sobre Kanye West, normalmente encontram-se dois tipos de pessoas: aquelas que o consideram um gênio e visionário incompreendido, quase uma figura divina, e que suas atitudes questionáveis são na realidade apenas parte de sua eterna performance artística; e aquelas que acham sua arte irrelevante, superestimada, e que ele não passa de uma pessoa abominável que depende de suas ações reprováveis para se manter em alta. Nenhum dos dois discursos são verdadeiros, ao mesmo tempo que também o são. De todo modo, o cenário que rodeia o artista é bem mais complexo do que categorizações reducionistas.

Seu talento e o valor artístico de sua obra são inquestionáveis, e o jeito com que ele transformou a produção musical no rap e em gêneros derivados prova que ele é, de fato, um dos maiores e mais importantes artistas contemporâneos. Além de também ser uma das figuras cruciais para como a cultura pop se moldou no século XXI. O que não legitima seu endeusamento e a constante banalização de suas atitudes extra-música por fãs. Discutir sobre Kanye West é discutir sobre indústria musical, racismo, saúde mental, a função social de celebridades e a responsabilidade que ela carrega. E Donda trouxe intensamente todos esses temas à tona, de uma só vez.

A história de seu 10º álbum solo até o lançamento é longa e controversa. O projeto tem sido antecipado desde 2020, em meio a uma problemática campanha presidencial, controvérsias pesadas envolvendo Kim Kardashian e sua família, e crises de bipolaridade manifestadas em tweets polêmicos. Antes nomeado God’s Country, o álbum recebeu dois singles naquele ano, Wash Us In The Blood e Nah Nah Nah – nenhum deles entrando na sua versão final – e chegou a ter, pelo menos, três versões de capas diferentes.

Depois dessa onda frenética de eventos problemáticos envolvendo Kanye, o rapper sumiu por um longo período. Apenas voltamos a ouvir falar do álbum em julho de 2021, quando um trecho da faixa No Child Left Behind foi utilizada na propaganda de um fone de ouvido da Beats Electronics com a velocista Sha’Carri Richardson. No final do anúncio, era anexada uma data, referente à primeira audição do álbum transmitida pela Apple Music, que se tornaria, mais tarde, um ponto crucial na divulgação de Donda e também no conceito, visual e estética do disco.

Ocorreram, ao todo, três audições – ou listening parties – de Donda até que ele fosse oficialmente liberado. Cada uma delas trazia versões diferentes do disco, com as faixas agrupadas em ordens distintas, músicas inéditas, colaborações incluídas e retiradas, novas mixes e elementos adicionados; como se o álbum se moldasse à demanda e proposta de cada performance, e nós, como público, pudéssemos acompanhá-lo tomando corpo de perto, até chegar à sua forma final. 

Kanye West parecia testar os limites da arte performática, com cada uma das audições contando uma história particular que, em conjunto, transformavam-se em uma narrativa única. Enquanto, durante a primeira apresentação no Mercedes-Benz Stadium, em Atlanta, o artista ocupou sozinho o gigantesco e vazio estádio por todos os 60 minutos de duração, a segunda e terceira apresentação tinham não só estruturas físicas mais planejadas, como também incluíam um coral ao vivo e um elenco de dançarinos que figuravam com ele e reagiam às músicas junto ao público. 

No entanto, as imagens que realmente tornaram-se icônicas e tomaram conta da cabeça de todo mundo foram seus looks e, principalmente, as máscaras que ele usava nesses eventos. Sim, quem acompanha o trabalho do Kanye há mais tempo já estava acostumado com as balaclavas – seu uso foi marcante, em especial, durante a Yeezus Tour –, porém, dessa vez, elas atingiram um papel crucial na construção da persona de Yeezy nesta nova era. Além de, também, intensificar a conversa e o mistério que Donda estava gerando, já que o cantor não apareceu à público sem vesti-las até o lançamento do disco.

Além disso, as balaclavas também carregam uma mensagem forte que evoca uma tradição que vem desde a moda. Popularizada pela Maison Margiela e voltando às tendências depois de ser aderida por marcas como Calvin Klein, Gucci e Balenciaga, essas máscaras comunicam mistério, anonimato e impessoalidade. Martin Margiela adotou as balaclavas em seus desfiles para transportar a atenção que o público dava às modelos para as peças e a mensagem que elas traziam. Da mesma forma, ao esconder o rosto, Kanye convida o ouvinte a abandonar suas concepções a ele como pessoa e dar foco a sua arte e ao que ele está, de fato, dizendo. Isso também justifica a escolha de uma capa inteiramente preta: sem a distração de um design espalhafatoso, tudo que resta é atentar-se às músicas e ao que elas comunicam.

Porém, essa questão não é tão simples assim. Arte não se encontra em um limbo no tempo, alienada de sua realidade, de seu contexto histórico e, em particular, dos pensamentos e opiniões de quem a produz. O exercício de separar a arte do artista é materialmente impossível, sobretudo na obra de uma pessoa egocêntrica e narcisista como Kanye West, que tem na sua discografia uma música cuja premissa é repetir seu próprio nome inúmeras vezes, e um álbum cujo título é um neologismo que mistura o seu apelido com o nome de Jesus Cristo. E, assim como o novo projeto traz o que Ye tem de melhor como artista, também revela algumas de suas facetas mais sórdidas.

Na terceira audição de Donda, ocorrida no estádio Soldier Field, em Chicago, Kanye trouxe consigo grande parte dos artistas que integraram o grupo que colaborou com ele na produção do disco. Entre eles, surgindo juntos no início do show, estavam DaBaby e Marilyn Manson. A presença deles foi uma surpresa, já que nenhum dos dois estavam presentes nas outras versões apresentadas do disco. Naquela ocasião, ambos substituíram a marcante colaboração de JAY-Z em Jail, porém, posteriormente, as duas versões da faixa seriam disponibilizadas digitalmente. No entanto, não é esse o ponto. 

A escolha de trazer aos holofotes, além de DaBaby, autor de graves comentários LGBTfóbicos, e Chris Brown, que dispensa comentários, alguém odioso como Marilyn Manson, indiciado por inúmeras acusações de abuso sexual e estupro por diferentes mulheres, é não só irresponsável e leviano, como beira o cinismo. O impacto que colocar um criminoso como esse em evidência tem na vida de cada uma das vítimas desses atos é imensurável. Quando o caso ocorreu, alguns fãs tentaram justificar isso como parte da mensagem sobre ‘perdão’ do disco. Porém, francamente, não há visionarismo ou genialidade artística que legitime uma ação dessas. E admitir isso é o mínimo que alguém que admira o Kanye e o seu trabalho em Donda deve fazer.

Avançando nessa questão, embora o esquema de listening parties parecesse, a princípio, uma ótima estratégia de marketing – que teria o potencial de revolucionar o jeito com que a indústria musical lida com divulgação da mesma forma que Beyoncé fez com seus magnânimos álbuns visuais –, cada vez mais parecia que o tiro sairia pela culatra. Conforme Donda era adiado, a opinião de que dificilmente o disco conseguiria suprir as expectativas que estava gerando tornava-se unânime. Mesmo esse perfeccionismo exacerbado e tantos adiamentos sendo comuns na carreira de Kanye, gradualmente crescia o receio dos fãs de que Donda poderia sequer ser lançado.

Todavia, apesar de sua divulgação desorganizada e caótica, Donda finalmente veio ao mundo no domingo do dia 29 de agosto; não sem ressalvas. Após o lançamento surpresa do disco de manhã, Kanye postou uma publicação em seu Instagram, denunciando que a sua gravadora, Universal Music Group, havia publicado o álbum sem o seu consentimento. Sendo a acusação verdadeira ou falsa, essa não é a primeira vez que Yeezy tem discordâncias com a Universal. Em setembro do ano passado, o artista expôs em seu Twitter diversos abusos da empresa, liberando as cláusulas de todos os seus contratos, e convocando outros artistas, sobretudo aqueles com quem ele tem histórico de tretas, para uma mobilização.

Apesar da sua ação impulsiva, responsável pelo vídeo icônico do rapper mijando em um de seus gramofones, não ter surtido o efeito desejado, ela levantou debates importantíssimos sobre a relação artista-gravadora na indústria fonográfica: sobre como os artistas não têm direitos sobre suas próprias masters, e sobre como as gravadoras se apropriam da música e arte de pessoas negras, concentrando todos os lucros para si, enquanto essa população continua marginalizada e miserável. Kanye está certo e, independente da frustração do público, ele deveria ter o direito de lançar seu álbum quando e como quisesse.

De qualquer forma, esse lançamento abrupto e sem planejamento reflete na qualidade de algumas faixas, que parecem mal lapidadas e muitas vezes soam como demos ou b-sides inacabados. A expectativa é que, com o álbum liberado fora de seu ideal, Donda continue passando por mais mudanças, e que problemas sejam futuramente corrigidos e melhorados. Isso parece insano (porque é), mas essa está longe de ser a primeira vez que Kanye muda elementos de um disco depois de lançado. O mesmo ocorreu com o bagunçado The Life Of Pablo, que sofreu diversos remixes por meses, tendo timbres, letras e vocais alterados. De todo modo, a única certeza que temos é: essa não é a versão final de Donda.

Além do lançamento conturbado e de suas inúmeras versões, Donda compartilha algumas outras semelhanças com TLOP. Um método que Kanye explora desde 808’s & Heartbreak, mas que alcança seu ápice nesses dois trabalhos, é o de ‘CEO criativo’: em que Ye recruta uma quantidade massiva de compositores, vocalistas, produtores, engenheiros de áudio e beatmakers, atribuindo a si o papel de curador e mediador do projeto. Praticamente uma versão musical do papel de showrunner em séries de TV, que nem sempre é a peça de destaque, mas o elo que une todos esses artistas de origens e abordagens absolutamente distintas, e torna todas as suas contribuições em um produto único.

Sendo assim, o mesmo método é explorado em Donda, porém levando-o a um grau ainda mais ensandecido do que em TLOP. Das 27 faixas presentes na tracklist final, apenas 3 não apresentam nenhuma colaboração vocal. E, em algumas das outras 24, Kanye sequer é o protagonista. Baby Keem entrega uma presença incrível e ocupa mais da metade de Praise God; Lil Baby e The Weeknd roubam a cena no prenunciado hit Hurricane; JAY-Z abala todas as estribeiras ao domar com esplendor os riffs hipnotizantes de Jail; e Moon é totalmente dominada pelas vozes angelicais de Don Toliver e Kid Cudi, com Kanye contribuindo somente através de vocais de apoio. Na produção, houve o envolvimento de pelo menos 44 nomes, entre eles gigantes como MIKE DEAN, Wheezy, Gesaffelstein, CuBeatz e 30 Roc.

Outra característica forte em discos do Kanye que se potencializa aqui é a extensão. The Life Of Pablo, My Beautiful Dark Twisted Fantasy e outros trabalhos fantásticos de sua discografia também apresentam longuíssima duração, e esse aspecto não afeta negativamente o produto final em nenhum dos casos. Mas, mesmo assim, as absurdas 1 hora e 48 minutos do novo álbum podem, compreensivelmente, assustar. Porém, o resultado que Donda entrega é surpreendentemente sólido e conciso. O seguimento das faixas flui de forma absolutamente natural e, ouvindo em uma primeira sentada, dificilmente percebe-se as quase 2 horas que se passam.

Contudo, com uma duração tão extensa, seria improvável que não houvesse momentos aqui e ali que pudessem ser descartados. E realmente há. Faixas como Pure Souls, por exemplo, se estendem desnecessariamente. Ao passo que Tell The Vision, apesar da boa intenção de uma homenagem póstuma a Pop Smoke, apresenta uma mix pobre e acrescenta pouquíssimo à obra em um todo, além de ter sido uma das músicas mais afetadas pela censura de conteúdo explícito feita para a versão de estúdio. O final do disco ainda reúne quatro versões alternativas das faixas Jail, Ok Ok, Junya e Jesus Lord, mas que não fazem parte de sua composição principal e, no fim, são redundantes.

Aproveitando a deixa, a escolha criativa de liberar apenas a versão ‘limpa’ do disco é prejudicial e confusa. Ainda que as listening parties tenham reproduzido as canções com todo o seu conteúdo, dando a entender que, mesmo convertido, Kanye deu total liberdade para seus colaboradores se expressarem da forma que achassem melhor, quando o álbum foi lançado oficialmente, todos os palavrões foram cortados. Mesmo que soe irrelevante, isso acabou por afetar a dinâmica da maioria das faixas, fazendo com que elas pareçam estranhas e incompletas, e por sedar, em certa medida, parte da energia que sustenta a experiência de Donda.

Mas, afinal de contas, depois de tudo o que foi dito: sobre o que é Donda? O título do álbum responde essa pergunta, sendo batizado com o nome da mãe de Kanye, Donda West. Professora e, desde o início da carreira do filho, uma figura muito próxima, profissional e afetivamente, ela faleceu aos 58 anos, em 2007. Donda já fora homenageada em músicas anteriores do artista, como Hey Mama e Coldest Winter, porém é com esse disco que Ye faz o tributo definitivo à sua mãe, enquanto procura uma redenção, tanto de seu passado controverso e complicado, quanto da culpa pela sua morte, decorrente de complicações de uma cirurgia plástica que o próprio Kanye havia bancado. 

A voz de Donda intervém em algumas faixas, retirada de trechos de seu discurso feito na 17ª Conferência de Escritores Negros Gwendolyn Brooks, durante a divulgação de seu livro Raising Kanye, um mês antes da sua morte. Porém, a grande maioria das canções sequer têm Donda como foco principal. Na realidade, ela é um elemento muito mais passivo, observador, sem grande agência na narrativa do disco. Kanye, em seu momento de maior crise, na vida pessoal e profissional, procura respostas na figura da sua mãe, caracterizada aqui de maneira quase divina, como se ela, diretamente do Céu, o guiasse por suas tribulações.

Durante seu período de vida, também não era segredo para ninguém como Donda era uma pessoa religiosa. Da mesma forma, todos sabemos que, nos últimos anos, Kanye se converteu e se reaproximou do cristianismo. Isso moldou também a sonoridade de sua música que, apesar de já dialogar com o gospel antes, agora tem a religião como principal foco. Desse modo, não é difícil pensar em Donda como um álbum gospel. A distinção aqui é que, enquanto JESUS IS KING – apesar de ser um disco sólido e cheio de méritos – soa muito mais como Kanye explorando diferentes ângulos do gênero, Donda é o resultado concreto desse experimento. Ao invés de se limitar ao puro e simples gospel, Kanye busca, na sua identidade musical já estabelecida e em diferentes referências, um manifesto cristão íntimo e genuíno.  

Isso influencia a sonoridade do álbum em todos os âmbitos. Donda bebe não só de seus trabalhos anteriores – com os timbres eletrônicos e radiantes do EDM de New Again remetendo à era Graduation, ou a sonoridade industrial e suja de God Breathed nos transportando aos takes mais memoráveis de Yeezus –, como também de estéticas e gêneros contemporâneos do hip-hop. Kanye, no auge dos seus 40, rima ao lado de jovens emergentes do rap, como Playboi Carti, Vory, Roddy Ricch e Lil Durk, com a mesma energia e disposição dos melhores momentos de The College Dropout. Porém, dessa vez, soando mais refrescante do que nunca ao brincar com beats que vão do trap, seja pela estética soturna de Ok Ok ou vibrante de Junya, até o drill, no auge da fantástica Off The Grid.

O denominador comum dessa salada colorida de sons é o gospel, que se manifesta tanto em musicalidade quanto em temática. À princípio, de maneira mais sutil e indireta, ocultado pelos instrumentais modernos embalados em autotune e ad-libs. Porém, conforme a tracklist avança e o artista expõe mais de suas fraquezas, feridas e vulnerabilidades, os elementos do gênero começam a se revelar mais presentes e, ao mesmo tempo, temas como Deus, família, e paternidade se tornam predominantes. Nesse sentido, Kanye encontra na religião uma maneira de não só se redimir de seus (inúmeros) erros, mas também de poder se reconectar com sua mãe, a partir de uma crença que ambos compartilham.

O resultado é uma sequência das canções mais emocionantes e íntimas de sua carreira na segunda metade do álbum. Quem acompanhou os trabalhos recentes de Kanye sabe que ele já tem abandonado sua máscara ufânica para permitir-se ser mais aberto e franco quanto suas inseguranças – ye mergulha fundo em sua condição mental e em seu diagnóstico de transtorno bipolar, e JESUS IS KING retoma essas questões a partir da perspectiva religiosa –, no entanto, em Donda, esses temas encontram o terreno ideal para fertilizar e dar frutos.

Em Come To Life, por exemplo, Kanye, com medo de ser deixado sozinho, admite os muitos erros que cometeu, lamentando não ter escutado sua esposa quando pôde e questionando se não teria sido melhor ter vivido outra vida. Em Lord I Need You, ele aborda mais abertamente sua relação com Kim Kardashian e os bons e maus momentos que viveram juntos. Essa faixa em questão substitui a trágica Never Abandon Your Family, apresentada na primeira audição de Donda e que não entrou na versão final, em que o cantor relacionava o divórcio do casal com a falta de presença de seu pai na vida dele e de sua mãe. 

Entre as músicas mais assumidamente gospel da tracklist, Jesus Lord, a mais longa do álbum, traz o rapper Jay Eletronica para uma tocante reafirmação de fé e uma ode a Deus; 24 oferece uma mensagem esperança, convocando o coral Sunday Service para fazer uma homenagem potente ao jogador de basquete Kobe Bryant, que faleceu em 2020; e No Child Left Behind – a faixa que tocou quando Kanye foi ‘arrebatado’ na segunda audição de Donda – parece nos transportar diretamente para o Céu ao entonar repetidas vezes o refrão “Ele fez milagres em mim” sobre a simples e suave, mas poderosa, melodia tocada pelo órgão.

Donda mostrou que Kanye West continua em grande evidência, talvez como nunca antes. O lançamento se tornou o segundo maior da história do Spotify, totalizando 775 milhões de streams na primeira semana. Bem como o sucesso comercial, Yeezy optou por entregar uma obra única, valorizando a experiência sonora e indo na contramão da atual dependência dos artistas à produção audiovisual, como videoclipes. Além disso, as listening parties desafiaram de forma genial a maneira com que a indústria enxerga a Música, não só virando do avesso o jeito com que divulgação funciona, como também driblando as burocracias de sua gravadora, inclusive de modo a agregar, através dos eventos, a maior parte dos lucros para si.

A mensagem do disco também é muito positiva. Kanye parece amadurecer e reconhecer muitas das falhas que cometeu, abordando-as abertamente e buscando, tanto o perdão na imagem de Deus, quanto uma maneira de redenção através de sua mãe, usando as balaclavas como um símbolo de renascimento e uma tentativa autêntica de deixar o passado para trás. Contudo, à medida que se seguia a divulgação de Donda, mais esse conceito deturpava-se e se virava contra ele mesmo.

A forma irresponsável com que Kanye lida com seus tratamentos psicológicos, o seu recente apoio a governos e políticos de extrema-direita, seus discursos perigosos de revisionismo histórico; hoje, a inconsequência de conceder um palco para Marilyn Manson, seu desentendimento com Drake e a imprudência que demonstrou ao se manifestar publicamente. Donda criou novas polêmicas e trouxe à tona outras antigas, tomando uma proporção tão grande que é possível dizer que elas tornaram-se maiores que o próprio projeto em si. Ainda que um ótimo álbum, sua mensagem entra em contradição com os comportamentos questionáveis do autor, que, como foi mostrado, perduram. Kanye diz que mudou tanto, mas continua insistindo nos erros de sempre.

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Felipe Bascope

Em 2016, Beyoncé lançou o álbum visual Lemonade, trazendo para o topo grandes discussões sobre questões raciais, e revolucionando a indústria da música de muitas formas. Em sua nova obra visual, Black is King, ela cria uma linda ponte entre a cultura pop e o continente africano, entre as gerações anteriores e as novas. E mostra um lado do continente antes desconhecido, cheio de cores, vida, bem vibrante, como podemos ver nos primeiros minutos do filme, onde são mostradas diversas regiões da África. A narrativa de O Rei Leão serviu como inspiração para uma linda e repaginada história tão marcante em nossas vidas.

A produção se inicia apresentando ao espectador as diferentes partes do continente e mostrando que não há apenas uma África, e sim muitas, com mesclas de paisagens e pessoas de diversas nações africanas, suas diferentes cores, penteados e formas de viver. Daqui em diante, a voz poderosa e cheia de força de Beyoncé nos carrega dentro dessa nova história dos grandes reinados de pessoas negras. A primeira música é uma nova versão de Circle Of Life, voltada para vidas negras. Bigger traz uma narrativa sobre se reconhecer como parte de algo grande, algo maior que nós mesmos, fala sobre se conectar, nesse caso, com sua essência, ou seja, para pessoas negras com o continente-mãe. “Você é parte de algo muito maior, maior do que você, maior do que nós. Maior do que a imagem que eles pintaram para vermos”, diz um trecho da faixa. 

Em muitos momentos são apresentadas diferentes lideranças de povos africanos. Por anos, fomos contados e retratados apenas como escravos em grandes telenovelas, livros e séries normalmente protagonizados por personagens brancos. Um dos grandes exemplos dessa perspectiva é a telenovela e livro A Escrava Isaura, que tem como protagonista uma escrava branca, a história reforça o estereótipo de que mulheres negras são irracionais e sem consciência. Em Black is King podemos nos enxergar em grandes líderes e reis. É lindo como o filme serve de espelho para pessoas negras, como podemos nos ver em tantas cenas. Dentro da narrativa do filme é construída uma identidade bem fundada em tribos importantes e grandes na África. Por não termos aprendido muito sobre culturas africanas em nossas vidas, devido a uma estrutura claramente racista dos currículos escolares, o longa aparenta, em muitos momentos, ser difícil de entender, por todo o conceito que ele carrega. Porém, cada nova imagem nos leva a uma viagem dentro desse continente tão lindo que é a África.

Diferente da decepção que foi o remake de O Rei Leão, Black is King traz uma narrativa muito mais forte em relação ao empoderamento negro. Simba é mostrado como um menino que já nasce príncipe e acaba se afastando de suas origens e de sua tribo. Ele caminha dentro da jornada do herói, com uma história de superação e de reencontro de pessoas negras com sua ancestralidade. De forma fantástica, músicas de diversos artistas africanos, como o rapper nigeriano Burna Boy, que se misturam com vozes já conhecidas, como o grande  cantor, compositor e produtor musical Pharrell Williams, transformando o filme em um espetáculo à parte, que merece ser saboreado em cada palavra e cena. 

Os figurinos são obras-primas feitas especialmente para a produção, mesclando diferentes influências de diversas partes do continente. Eles trazem consigo o poder da ancestralidade negra e deixam evidente em cada cena qual a principal missão da obra, que é exibir a negritude linda e exuberante como ela é. Em um dos momentos do filme, Beyoncé pode ser vista usando um vestido rosa, segundo algumas interpretações ela representa Obá, orixá das águas revoltas, trazendo consigo a ideia de força da mulher negra, abrangendo mais um tópico importante: o feminismo negro. Em outra cena, podemos ver o casamento de Nala e Simba, e os trajes dela remetem aos vestidos tradicionais da cultura Zulu. 

O momento mais lindo de Black is King é protagonizado por ninguém menos que Blue Ivy Carter. A filha de Beyoncé e Jay-Z faz parte da faixa Brown Skin Girl, que, inclusive, foi indicada ao Grammy 2021 e, se vencer, a primogênita será a artista mais jovem a ganhar um gramofone. A música apresenta diferentes mulheres negras, falando um pouco mais sobre colorismo e mostrando a quantidade de cores que as pessoas pretas têm em diferentes locais. Algumas das citadas na letra são, inclusive, amigas de Beyoncé e muito conhecidas pelo grande público, como: Kelly Rowland, a modelo Naomi Campbell e a atriz Lupita Nyong’o. “Posa como um troféu quando a Naomi chega, ela precisa de um Oscar por aquela pele negra. Bonita como a Lupita, quando a câmera se aproxima. A represa arrebentou quando minhas Kellys chegaram”. A homenagem é um dos momentos que mais aquece o coração. 

Mais uma faixa excepcional do musical é My Power. A cena é cheia de dança e mostra muita energia. O ritmo te pega e faz com que você tenha vontade de dançar conforme a melodia. A letra carrega muita força e empoderamento, e é cantada apenas por figuras femininas:  Nija, Busiswa, Yemi Alade, Tierra Whack e Moonchild Sanelly. Essa sequência representa as mulheres (no caso da animação, as leoas) indo à guerra contra o reinado de Scar. A parte do rap é toda em Zulu, um dos 11 idiomas oficiais da África do Sul, glorificando e mostrando mais uma referência à diversidade do continente. Uma curiosidade sobre a música é que ela foi usada por manifestantes afro-americanos durante a contagem dos votos na eleição presidencial de 2020 nos Estados Unidos. 

O filme termina com uma mensagem muito forte sobre ancestralidade, reinado e força das pessoas negras. Beyoncé claramente representa a Mãe África e uma divindade que nos guia diretamente aos nossos ancestrais, nos trazendo a um continente rico, poderoso, diversificado e forte, diferente do continente pobre que sempre nos foi mostrado, reforçando toda a consequência de atos colonialistas cometidos por europeus. 

A obra vem em um momento forte, onde a pauta antirracista está no topo de discussões em todo o mundo, é muito importante o quanto ela faz por todas as lutas travadas por pessoas negras desde os primórdios. O filme chega a todas as pessoas e usa uma linguagem muito clara, que é a música, levando a discussão para fora de bolhas sociais. Black is King é um marco necessário, não somente para a indústria musical como para o cinema. 

A cantora é a artista com mais nomeações ao Grammy 2021, levando com ela grandes artistas negros africanos para a maior premiação da música mundial. Black is King é uma potência de referência a histórias um dia apagadas por uma sociedade racista, é um filme poderoso que ressalta a necessidade de se falar sobre pessoas negras e sua importância.

“Nós sempre fomos maravilhosos. Eu nos vejo refletidos nas coisas mais sublimes do mundo. O negro é rei. Éramos beleza antes que soubessem o que era beleza.” – Beyoncé

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