Vitória Mendes

O maior problema enfrentado pelas séries produzidas em larga escala e mantidas por décadas a fio é inovar sem perder a originalidade e a essência que as definem.  Muitas acabam com furos no roteiro, previsibilidade e narrativas inconsistentes como em Grey’s Anatomy (2005) e The Walking Dead (2010). Felizmente, Criminal Minds supera as estatísticas. Lançada em 22 de setembro de 2005, a criação de Jeff Davis, também conhecido por Teen Wolf (2011), se insere em um nicho de investigação criminal já consolidado. Ainda assim, conquista seu próprio espaço ao trazer uma nova perspectiva: a análise de perfilamento. Afinal, para capturar um criminoso, é preciso pensar como um.

A obra acompanha os agentes especiais Aaron Hotchner (Thomas Gibson), Jason Gideon (Mandy Patinkin), Derek Morgan (Shemar Moore), Spencer Reid (Matthew Gray Gubler) e Elle Greenaway (Lola Glaudini), além da coordenadora de comunicação Jennifer Jareau (A. J. Cook) e da analista técnica Penelope Garcia (Kirsten Vangsness). Eles formam uma equipe de elite da Unidade de Análise Comportamental (UAC), uma subdivisão do FBI especializada em crimes em série. Eles se apoiam na criação de perfis psicológicos que buscam entender as motivações e evitar novos ataques. A cada episódio, a equipe enfrenta o pior da natureza humana, enquanto lida com seus próprios conflitos e dilemas internos.

A abordagem de temas sombrios e a atmosfera tensa colocam o espectador em um jogo de perseguição e interpretação. O objetivo não é apenas prender o culpado, mas antecipar seus passos por meio do estudo de padrões de conduta. Apesar de seguirem uma fórmula pré-determinada, cada capitulo tem sua particularidade e reviravoltas impactantes. Além disso, a estética visual, estabelecida pelo diretor de fotografia Gregory St. Johns, intensifica a experiência e eleva a carga emocional.

Enquanto muitas séries policiais seguem o formato de um único herói para salvar o dia, como em CSI: Investigação Criminal (2000) e Bones (2005), também populares nos anos 2000, Criminal Minds aposta no trabalho coletivo. A trama evidencia as relações interpessoais, tanto familiares e platônicas quanto profissionais. Além disso, os antagonistas também se destacam por suas motivações que revelam os lados mais sombrios da mente humana. Muitos têm histórias complexas que geram desconforto e empatia simultaneamente como Megan Kane (Brianna Brown) e Sarah Jean (Jeannetta Arnette). Essa profundidade cria um equilíbrio no enredo e resulta em episódios memoráveis.

O elenco reúne nomes de peso e participações especiais marcantes como Bellamy Young, Evan Peters, Aubrey Plaza, Elle Fanning e Jane Lynch. A atuação é um dos fatores que torna o drama tão amado pelo público. A conexão dos atores no set reflete nos personagens e potencializa as emoções que transpassam a tela e assombram a narrativa.

Por outro lado, os escândalos nos bastidores deixaram marcas, principalmente a demissão de Cook e Brewster, que foram substituídas e deixaram os fãs frustrados com a saída. Ambas foram recontratadas e hoje protagonizam o revival. Além disso, há as lacunas deixadas pela demissão polêmica de Gibson, cujo personagem Aaron Hotchner não teve um final adequado, e pela saída e posterior contradição de Patinkin.

Com seus altos e baixos, o seriado construiu um legado duradouro e único no gênero policial. Para expandir o universo, foram criados os spin-offs Criminal Minds: Suspect Behavior (2011), Criminal Minds: Beyond Borders (2016), cancelados por baixa audiência. Após ser encerrada na temporada 15 com um desfecho satisfatório, a série retornou com Criminal Minds: Evolution (2022). O revival continua a trama original e acompanha a equipe enfrentando uma rede de serial killers criada durante a pandemia de covid-19. As alterações nos formatos dos episódios ainda dividem opiniões entre o público, que apesar disso, aguarda ansiosamente a produção da 19ª temporada. 

A ficção trata de temas como extrema violência, traumas psicológicos, transtornos mentais, terrorismo, fanatismo religioso e crimes de ódio de diversos tipos, alguns dos quais foram baseados em crimes reais. A produção mergulha fundo nessas questões com respeito e sensibilidade, além de explorar as nuances do comportamento humano. Ao entrar na mente de vítimas e criminosos, traz à tona discussões importantes sobre segurança, relações familiares, saúde mental e desenvolvimento psicológico.

É indispensável mencionar a evolução técnica nesses 20 anos. A cada temporada é visível o maior cuidado com as relações interpessoais, a carga emocional e os efeitos visuais, cuja maior parte foi dirigida pelo supervisor de efeitos visuais Steven Meyer. Mais do que isso, a dramaturgia se destaca ao incorporar temas contemporâneos e sociais com realismo e representatividade, sem abrir mão de sua identidade. Com encerramentos emocionantes que simbolizam a aceitação e o peso da jornada de cada personagem, a trama vai além do entretenimento. Criminal Minds deixa sua marca nas provocações e questionamentos. Afinal, compreender a mente humana é uma missão intensa e quase impossível.

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Costanza Guerriero

Há cinco anos, The Marvelous Mrs. Maisel nos conta como é ser uma mulher comediante nos anos sessenta. Não apenas uma mulher, mas uma mulher divorciada que decide trabalhar. Não apenas trabalhar, mas trabalhar com comédia. O fim da série confirma que a produção sempre tentou trazer uma mensagem para além do que é conviver com o machismo, sendo sobre a possibilidade de quebrar as regras que a sociedade nos impõe – não porque se deve, mas porque se deseja. A produção conta uma história sobre ter coragem de fazer o que deve ser feito, para chegar nos lugares que se deseja, mesmo carregando um enorme fardo: ser uma mulher ambiciosa. Vencedora de vinte Emmys, este ano a produção chegou mais uma vez na premiação concorrendo a quatorze prêmios, incluindo Melhor Série de Comédia, e tornando-se uma das preferidas pelo seu brilhante desfecho.

A quinta e última temporada é agridoce e tem seu início com a protagonista à beira da morte. Após enfrentar duras verdades ditas por Lenny Bruce (Luke Kirby) e uma nevasca que a leva a hipotermia, a jornada final de Miriam Maisel (Rachel Brosnahan), é, na verdade, aquela que determina o ponto de virada de sua carreira no stand up. Sem mais se esconder na casa de shows de strip-tease, a comediante trata de voltar a perseguir seu sonho, para dar aos fãs seu merecido final. Ao longo dos nove episódios, a produção da Amazon descarta clichês e se reinventa na maneira de conduzir a narrativa, que, apesar de possuir uma atmosfera bem diferente das anteriores, jamais perde seu charme característico.

A temporada trabalha com longos monólogos, e claro, diálogos rápidos e inteligentes, peculiaridades dos roteiros de Amy Sherman-Palladino e seu marido, Daniel Palladino. Diferentemente da conclusão que deu para as Gilmore Girls, em Gilmore Girls: Um Ano para Recordar, que além de desagradar o público deixou muitas pontas soltas, a roteirista escreve Mrs. Maisel com mais cautela, e procura amarrar o maior número de tramas possíveis. Para que todas as histórias fossem contadas a tempo, foi utilizado o recurso de salto temporal, permitindo que o público vislumbrasse, já logo no primeiro capítulo, o futuro renomado reservado à Midge Maisel. Sherman-Palladino faz questão de construir uma protagonista imperfeita e relacionável, que vive o drama da mulher que prioriza sua carreira acima dos seus relacionamentos familiares, mostrando ao público as consequências, tanto negativas quanto positivas, da escolha de tomar as rédeas da própria vida.

É claro que  diálogos tão complexos e ágeis não bastam apenas serem bem escritos, mas bem interpretados, coisa que Brosnahan continua fazendo sublimemente, rendendo sua quinta indicação ao Emmy de Melhor Atriz em Série de Comédia. A evolução de Maisel é acompanhada pelo crescimento de outros personagens. Da conturbada relação de sua agente, Susie Myerson (Alex Borstein) com a máfia e seus novos clientes até as epifanias dos pais de Maisel, os relacionamentos vão se intensificando ao longo de uma temporada que dá bastante espaço para cada ator brilhar.

Um dos personagens que mais se desenvolve ao longo da série é o pai de Maisel, Abe Wiseman, interpretado pelo carismático Tony Shalhoub (Monk: Um Detetive Diferente). Sua trajetória passa do patriarca da família judaica do Upper West Side, para o jornalista de esquerda, que compreende as injustiças da vida. Shalhoub entrega um dos monólogos mais marcantes da temporada, no episódio A princesa e o pedido, no qual entende como uma paternidade machista o impediu de reconhecer, durante tanto tempo, o talento e as conquistas de sua filha. Infelizmente, dessa vez, o ator não conseguiu o que seria sua quinta indicação ao Emmy de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia, uma arbitrariedade da Academia, já que apenas o monólogo do episódio oito em si já deveria render uma menção.

Além da forte presença do pai, é revelado que muitos homens ainda fariam parte da vida de Maisel. Por meio dos flashforwards, vemos que a vida futura de fama e sucesso da personagem também seria acompanhada por cinco divórcios e muitos namorados. Nesse quesito, a série gosta de enganar o espectador, flertando sempre com a ideia de algum possível romance em sua vida. Um relacionamento que já tinha passado do prazo de validade, mas que os roteiristas continuaram a insistir, foi o da protagonista com Joel (Michael Zegen), o ex-marido, além da constante expectativa de que algo poderia surgir entre ela e o seu chefe, Gordon Ford (Reid Scott). Essa insistência servia apenas para confundir quem assistia, passando essa falsa sensação de que o desfecho final de Maisel também deveria resolver seus relacionamentos amorosos, quando na realidade a história nunca foi sobre isso.

Dentre os casos amorosos que tentaram forçar a Maisel, um que de fato ganhou espaço no coração do telespectador foi o slowburn com Lenny Bruce (Luke Kirby). O que encantou o público com essa dinâmica é a maneira como ele sempre reconheceu que a carreira de ambos era mais importante do que qualquer eventual relacionamento que poderia florescer entre eles. O personagem de Lenny serviu sempre como uma bússola para protagonista, o talento dele a impulsionava, enquanto a sua comédia o inspirava. Com toda certeza, as poucas cenas dedicadas aos dois deixaram todos com um gostinho de quero mais, contudo, é de se admirar como uma personagem com tão pouco tempo de tela, como foi com ele na última temporada, conseguiu deixar sua presença marcada por todos os episódios. Isso é dado ao inegável magnetismo de Kirby, indicado mais uma vez ao Emmy de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia.

O tamanho da falta de importância dada à necessidade de Maisel ter o seu ‘felizes para sempre’ com um marido foi equivalente à importância atribuída à amizade entre ela e Susie. Os altos e baixos dessa relação são mais bem explorados no episódio zombenagem, inteiramente dedicado a aprofundar como seria essa amizade no futuro, e não à toa, a última cena de toda a série é reservada a apenas elas duas. A combinação explosiva de Brosnahan e Alex Borstein consegue tanto nos arrancar lágrimas quanto gargalhadas histéricas, e são juntas o núcleo da narrativa, nas suas potencialidades femininas, cada uma à sua maneira, e ‘peitos empinados’. No Emmy 2023, Borstein recebeu sua quinta indicação a Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Comédia, fato importante para o ano no qual finalmente recebemos a confirmação de que Susie é, de fato, uma personagem queer.

Dessa forma, a maioria das trajetórias são bem finalizadas. O enredo de Rose Weisman (Marin Hinkle), mãe de Maisel, já estava encaminhado nas temporadas anteriores, nas quais a personagem teve maior desenvolvimento. Com certa inspiração na filha, perseguiu seus sonhos e conquistou uma carreira que desejava no ramo das casamenteiras. O núcleo que ainda teve bastante tempo em tela foi o de Moishe (Kevin Pollak) e Shirley Maisel (Caroline Aaron), ex-sogros da protagonista, que alegram a série com suas trapalhadas na loja de tecidos e vivências matrimoniais. Contudo, enquanto tantos arcos foram tão bem pensados, outras participações não foram nem ao menos desenvolvidas, como a conclusão da comediante Sophie Lennon (Jane Lynch) e a breve e esquecida participação do personagem interpretado por Milo Ventimiglia (This is Us).

Como é perceptível, The Marvelous Mrs. Maisel coleciona indicações ao Emmy 2023 e arrebata a todos com qualidade de roteiro, atuações, design de produção, e claro, figurino. Este último ponto, assinado por Donna Zakowski, sempre foi muito potente na série, e a evolução de Maisel é espelhada nas suas vestimentas. Na temporada final, ela já abandonou há muito tempo os robes e bobs na cabeça para agradar o marido. A relação que Maisel tem com a moda sempre foi bem explícita, mostrando como seus vestidos rodados e conjuntos vibrantes são elementos fundamentais para que a comediante consiga se expressar e se sentir confiante. No episódio final são dedicados bons minutos a respeito do vestido perfeito, que ela planeja usar nos seus grandes quatro minutos no show televisivo de Gordon Ford.

Four Minutes é o último dos nove episódios e o mais bem construído de todas as temporadas – e quem sabe de toda a produção. Após tentar e tentar, Maisel finalmente consegue sua tão aguardada aparição no programa de TV que trabalha. A atmosfera do palco do The Gordon Ford Show é palpável dos sofás de nossas salas. Vemos a mesma tensão entre Maisel e o microfone que existiu no primeiro capítulo da série, quando ela fez seu primeiro show no speak easy. Cada segundo arrepia na expectativa de assistir ao último ato de stand up de Midge Maisel. Em meio às piadas inteligentes e afiadas, o monólogo fala daquilo que guiou toda narrativa da protagonista: a independência. A comediante discorre, ali nos seus quatro minutos, sobre o que isso significa para ela, para sua filha e para todas as mulheres daquele auditório. 

The Marvelous Mrs. Maisel se encerra deixando um grande legado para as produções da Amazon, não apenas pela sua presença marcada em todas as edições do Emmy desde 2018, mas pela bela mensagem que nos deixa. “Ser covarde só e fofo no Mágico de Oz”. Enquanto a sociedade, não a dos anos sessenta, mas a atual, impõe todo tipo de regras para dominar as mulheres, cabe a nós termos a ambição como estrela guia de nossas escolhas, sejam elas quais forem. A série também deixa uma difícil tarefa para suas sucessoras, ao tentarem equiparar com a qualidade da produção, em todos os aspectos. Mesmo que a última temporada não tenha sido a mais memorável, o último “thank you and good night” de Mrs. Maisel perdurará por muito tempo. 

Senhoras e senhores, fazendo sua primeira, mas não última, aparição, eu apresento a magnífica, a mágica, a maravilhosa Sra. Maisel

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Luize de Paula

A verdade é que nunca haverá nenhuma série como Glee. Desde Nashville, passando por Brilhante Victória e até mesmo novas produções como High School Musical: O Musical: A Série, Glee (criação de Ryan Murphy,  Brad Falchuk e Ian Brennan) nunca será apenas um programa de televisão, mas um fenômeno cultural.  Mesmo cinco anos após a estreia de seu último episódio, os Tik Toks,  perfis no Twitter e podcasts (inclusive dos próprios atores) zoando cenas, tramas e momentos da série fizeram com que ela saísse de núcleos específicos das redes sociais e encontrasse o público geral.

Outro motivo para a série voltar a ser tão comentada foi a morte de mais uma das atrizes mais amadas pelos fãs.  No último dia 13 de julho, depois de dias de buscas, o corpo de Naya Rivera foi encontrado em um lago da Califórnia, no mesmo dia em que a morte de Cory Monteith completou 7 anos. Além da morte dos nossos eternos Finn e Santana, o ator que interpretava o bad boy Noah Puckerman, Mark Salling, se suicidou em 2018 após ser acusado de posse de pornografia infantil. E quando parece ter acabado, a lista de escândalos envolvendo o elenco da série continua aumentando e surpreendendo, trazendo à tona novamente a chamada “Maldição de Glee”. 

Ainda esse ano, diversos integrantes acusaram a atriz Lea Michele de racismo e de tratar mal seus colegas de trabalho no set. Em 2019, a atriz Melissa Benoist (de Supergirl) denunciou a violência doméstica que sofreu de seu ex-marido, Blake Jenner, ambos novos integrantes do clube Glee na 4ª e 5ª temporada. Mas apesar de tudo que aconteceu nos bastidores e na privacidade dos atores, Glee foi uma série que marcou uma geração.

É quase impossível falar de Glee e não falar sobre representatividade. A voz dada à pessoas LGBTs na série se destaca em diversos momentos, como o coral de 300 transexuais cantando para o recém transicionado treinador Beiste (Dot-Marie Jones), liderados por Unique (Alex Newell), personagem também trans. Além disso, as trajetórias de Kurt (Chris Colfer) saindo do armário para seu pai e enfrentando o bullying de Karofsky (Max Adler), e a jornada de Santana em busca da aceitação de sua sexualidade (por ela e por sua família) foram importantes na vida de muitas pessoas, ajudando-as se entenderem e se aceitarem, assim como as personagens Blaine (Darren Criss) e Brittany (Heather Morris).

Outros personagens também fizeram os telespectadores se espelharem nas criações de Ryan Murphy, produtor e criador da série. No elenco original do clube Glee, uma aspirante a atriz da Broadway, um garoto desorientado, um cadeirante, um garoto gay, uma mulher negra e uma asiática gótica mostravam ao som de Journey que nunca devemos parar de acreditar. Eventualmente, personagens gordos, com síndrome de Down, dislexia, bulimia, transtornos psicológicos, latinos, católicos e judeus também foram introduzidos ao mundo do Mckinley High. E enfrentando suas dificuldades, ressaltaram que apesar de ser um refúgio, a música por si só não dá conta de solucionar a complexidade de seus problemas.

E, assim como na realidade, Glee não ficou ileso de ter seus momentos ruins. Através dos ásperos comentários de Sue Sylvester (Jane Lynch) sobre as coisas absurdas que a série relata em suas 6 temporadas, o próprio seriado mostra que nem sempre acerta. Desde Finn achando que um misto quente realizava seus desejos porque o pão tinha queimado com o formato do rosto de Jesus, até um episódio inteiro com fantoches.

Outro momento que aparentemente ninguém achava (ou pelo menos comentava) que era completamente fora da realidade são as cenas de anúncio dos vencedores das competições de coral. O fato de todos os corais que não eram o Nova Direções comemorarem o 2º ou 3º lugar com um sorriso no rosto, enquanto o clube de Will (Matthew Morrison) esboçava uma reação mais compreensível: a decepção de perder depois de trabalhar duro. Porém, nada se compara aos três episódios em que Quinn (Dianna Agron) tenta recuperar sua bebê, que foi adotada pela mãe de Rachel (Lea Michele), colocando livros de receitas de canibalismo infantil na casa dela como forma de incriminá-la. 

Aos olhos de todos os fãs, uma das decisões mais absurdas dos escritores foi relacionada a Rachel Berry. Desde a sua primeira aparição cantando On My Own e – de maneira levemente irritante – explicando sua ambição de se tornar uma estrela da Broadway, Rachel é uma das personagens com a personalidade mais forte do show. 

Determinada a ter o que quer e – assim como Tinker Bell – dependente de aplausos para viver, na 5ª temporada, a estrela do Novas Direções consegue o papel que sempre desejou: Fanny Brice, no elogiado musical Funny Girl. Mas para mostrar que nem sempre seus sonhos se realizam, os roteiristas fizeram com que Rachel desistisse do musical depois de algumas semanas de apresentação para trabalhar numa série de televisão sobre ela. Programa este que não passou de seu primeiro episódio, forçando Rachel a voltar para Lima.

É inegável que, a partir da quinta temporada, com a morte de Cory Monteith, a história começou a se perder. Se, em 2011, o maior problema dos escritores era decidir os destinos dos formandos e o futuro da série, após perderem o Finn em 2013, Ryan Murphy precisou fazer o possível e o impossível para que a série continuasse com os novos personagens. Mas não foi o que aconteceu.

Jake, Kitty, Marley, Ryder e Unique não foram capazes de trazer histórias novas que interessassem ao público (apesar da tentativa de engatar temas relevantes, como bulimia e um tiroteio na escola). Os fãs continuavam focados e interessados nos personagens das outras temporadas, talvez pelo carinho que foi construído por três anos ou pela monotonia do roteiro das últimas temporadas. Assim, todos – com exceção de Kitty – foram descartados no sexto ano da série, “transferidos para outras escolas” mesmo com assuntos inacabados.

Não que no sexto ano isso tenha melhorado. Diferente das outras temporadas, que têm 22 episódios, essa conta com apenas 13. Mesmo com personagens cheios de potencial mas mal explorados, poucas coisas fazem valer a pena assistir. Uma delas  – além de seu episódio final – é a voz de Jane Lynch sendo explorada  em duetos incríveis com Matthew Morrison e um episódio com dois casamentos LGBT de ships que são quase impossíveis de não gostar. 

Mas ainda mais especial é o penúltimo episódio, gravado em 2015 e ambientado em 2009. No final, ele traz uma transição de Will virando as costas para ir embora e voltando à uma cena original do episódio piloto com Finn, numa cena de aquecer o coração. Já que ele não apareceu no episódio inteiro, os roteiristas acharam uma maneira de emocionar os fãs com uma referência ao personagem.

Além dos personagens e suas histórias, outro aspecto principal da série era a música. Com alguns episódios focando em mash-ups, álbuns e/ou artistas específicos, como os especiais de Lady Gaga e Billy Joel, a variedade de estilos musicais presentes na série é um de seus pontos mais fortes. Às vezes, fazendo um link com a história (como nos episódios Jessie’s Girl, Movin’ Out, Diva e Bust your Windows) ou simplesmente sendo cantadas pelos personagens sem contexto (como em What Does The Fox Say?). 

Mas além de agradar desde os fãs de musicais clássicos da Broadway até os que gostam das músicas mais populares, as trilhas de Glee não apenas moldaram, mas também dominaram a indústria musical no início dos anos 2010. Durante seus seis anos de exibição, o programa conseguiu emplacar 207 músicas na Billboard Hot 100 (tabela musical padrão dos Estados Unidos que avalia a lista das cem músicas mais vendidas no decorrer de uma semana). Algumas até atingiram o Top 10 (Don´t Stop Believin, Teenage Dream e Loser like Me, uma de suas músicas originais), e essas conquistas da série foram superados apenas por Drake em 2020.

Não se contentando apenas com a série, o elenco ganhou uma turnê pelos Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Irlanda em 2010 e 2011, incluindo a gravação de um filme estilo show e um documentário chamado Glee: The 3D Concert Movie. Além disso, a série também conseguiu duas temporadas de um reality show chamado The Glee Project, onde os inscritos competiam entre si para um papel na série. Rory, Unique, Joe Hart e Ryder são alguns dos personagens de vencedores e participantes do programa. Outro efeito de Glee foi seu impacto na representação das artes nas escolas. Antes da série, existiam apenas cerca de 200 competições de coral nos Estados Unidos, subindo para mais de 600 após sua estreia.

Mesmo com toda essa influência, muitas bandas e cantores se recusaram a deixar que Glee usasse suas músicas, como Kings of Leon e Slash do Guns N’ Roses. Enquanto outros artistas até participaram de alguns episódios, incluindo Neil Patrick Harris, Demi Lovato, Adam Lambert, Sarah Jessica-Parker, Ricky Martin, Lindsay Lohan, Perez Hilton, Britney Spears, Kate Hudson, Jonathan Groff e muito mais, atraindo novos espectadores.

Em um tributo a Finn, regado a músicas inesquecíveis que moldam e expressam os sentimentos dos personagens, o terceiro episódio da quinta temporada consegue ser o mais marcante da série. Para os fãs, é impossível não chorar nos primeiros 10 segundos com os personagens cantando Seasons of Love para um telão estampado com a foto do quarterback. 

Mostrando o luto do elenco, o episódio conta com 6 músicas. Entre elas, está a canção I’ll Stand by You, entoada na primeira temporada por Finn no ultrassom de seu bebê, que desta é vez cantada por Mercedes (Amber Riley); Make you Feel My Love, em uma performance minimalista e impactante de Rachel; e If I Die Young, numa apresentação que nem a própria Naya, interpretando Santana, conseguiu conter as lágrimas. Estas canções e sua interpretações emocionantes foram capazes de se imortalizar e tomar outro significado para os fãs da série.

O final da série planejado por Ryan Murphy é contado por Rachel a Will no episódio tributo à morte de Finn. Sua personagem se tornaria uma estrela da Broadway, Finn teria se formado e daria as aulas no clube Glee. Rachel voltaria a Lima, andaria pelos corredores da escola, entraria no escritório de Finn e diria: “Estou em casa”. Seria o final perfeito da história, simbolizada pelas raspadinhas geladas na cara e a mão em formato de “L” na testa.

Mas com a morte de Cory, o episódio 13 da 6ª temporada, intitulado Sonhos Viram Realidade, é dividido em três momentos. Diferente de muitas séries que não mostram o futuro de seus personagens e deixam um final em aberto, a primeira parte se passa em 2015 mostra uma mistura de flashbacks e cenas ‘atuais’: Will vencendo seu campeonato nacional em 1993 como membro e atualmente como treinador junto a Rachel, Kurt e Blaine e o colégio William McKinley High se tornado um colégio focado nas artes, depois de anos de luta.

Cinco anos a frente de seu tempo real, Sue se candidata a vice-presidência dos Estados Unidos, com Becky (Lauren Potter) como sua guarda-costas. Enquanto isso, em Nova York, Kurt e Blaine viram celebridades e Artie (Kevin McHale) e Tina (Jenna Ushkowitz) tem seu filme no festival Slamdance. Já Rachel aparece grávida como barriga de aluguel para Kurt e Blaine, casada com Jesse St. James (Jonathan Groff) – que dirigiu o musical em que ela atuou. Por esse musical, Rachel ganha o Tony de melhor atriz em musical, como sempre sonhou desde que foi apresentada para o mundo em 2009. O que Ryan Murphy não previu em 2015 foi que o Tony seria adiado. E Emma (Jayma Mays) com seu TOC, provavelmente seria a pessoa mais cuidadosa de todas com a quarentena. 

Como o encerramento não de um livro, mas de um capítulo, reunidos pela última vez no auditório do Mckinley recém nomeado como Auditório Finn Hudson, a vice-presidente dos Estados Unidos Sue Sylvester sobe ao palco com uma mensagem que emocionalmente, colocou um ponto final na série:

“No meu ponto de vista, o clube Glee não passava de um lugar onde vários covardes fracassados cantavam pra esquecer os problemas e ter a ilusão de viver num mundo que se importa com suas esperanças e sonhos. O que não tem nada a ver com a dureza do mundo real, onde não há lugar para decepções, mágoas e fracassos. E querem saber? Eu tinha razão. O clube Glee é exatamente isso. Mas errei com relação à covardia. É preciso muita coragem para ver o mundo não como é, mas como deveria ser.”  

E com a última canção vista na série, afirmam que, apesar de tudo, eles viveram. Os membros do Novas Direções de todas as temporadas se juntam aos personagens que moldaram e fizeram de Glee o que é hoje: algo especial.

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