Jhenifer Oliveira e Livia Queiroz

A primeira segunda de maio é um dos momentos mais aguardados quando se trata de juntar moda, cinema e luxo: o Met Gala. Ela resguarda não só a audiência de quem tem sede pelo conhecimento têxtil, mas também aqueles que são apaixonados pelo corpo como uma forma de se expressar. O dress code escolhido por Anna Wintour este ano explora justamente este conceito, a moda como arte.

Apesar de amplo, esse direcionamento trouxe mais liberdade para os convidados transmitirem sua interpretação do que é essa forma de manifestação humana e como ela se encaixa em seu corpo e história. A exposição do teatro apresentada trouxe uma vertente semelhante, com o tema Costume Fashion (Arte do Figurino, em tradução literal). Charles Frederick Worth, uma das principais figuras responsáveis por ter consolidado a ideia que moda também é uma expressão artística, provavelmente estaria orgulhoso de ver aquilo que tanto defendia ser o tema central do Met Gala este ano.

Nomes como, Hudson Williams, Hunter Schafer, Emma Chamberlain, Sabrina Carpenter, Madonna e muitos outros se destacaram ao seguirem o dress code trazendo referências criativas às suas produções. O ator de  Heated Rivalry (2025), apostou em um conjunto azul claro com detalhes pretos e uma cauda, assinado pela Balenciaga. O outfit é uma releitura de um bolero de 1947 do fundador da grife, que se inspirou no traje de toureiro espanhol – uma forma de arte performática conhecida na Espanha. Outro nome que trouxe a arte à tona foi a estrela de Euphoria (2019), vestida como a pintura Mäda Primavesi (1912) de Gustav Klimt. O visual desenvolvido pela Prada conta com um vestido de cauda longa, repleto de arranjos de flores e uma camada branca por cima, fazendo referência às características da obra.

A influencer Emma Chamberlain está cada vez mais inserida no mundo da moda e entregando looks estonteantes que a destacam na multidão de celebridades presentes. No Met Gala 2026, ela foi a estrela da noite, um holofote merecido para a obra de arte que revelou em forma de vestido. Ironicamente ou não, a referência de seu look vem da obra de Van Gogh, A Noite Estrelada (1889), e O Grito (1893), de Munch. Já a cantora de Espresso optou por revelar uma outra forma da criatividade: o cinema. Sua arte veio em forma de rolos de fita do filme Sabrina (1954), com um vestido Dior feito sob medida para a popstar, ele compõe uma saia assimétrica que já se tornou assinatura da cantora neste evento também revestido em fita.

Madonna chegou ao topo como rainha do pop por sua clara genialidade artística, e em um evento como este, ela não se faria passar despercebida. Sua composição de look não traz significado em si, mas da performance que ele compõe. Inspirado em um fragmento da obra de Leonora Carrington, A Tentação de Santo Antônio (1945), sua figura vestida em all black Saint Laurent e coberta por um véu representa, ao lado de sete mulheres em vestidos claros e blindadas com uma renda branca, o questionamento dos costumes da fé cristã, a luta contra o patriarcado e a busca por iluminação espiritual.

https://www.vogue.com/video/watch/the-run-through-inside-the-met-gala-with-chase-sui-wonders

Este ano, muitos homens também marcaram seu destaque, como Karan Johar e Jeremy Pope. O diretor apareceu com uma obra de arte em forma de vestimenta tradicional indiana completa em bordado dourado e imagens inspiradas em pinturas clássicas do seu país de origem, uma linda homenagem aos artesãos. Já o ator superou as expectativas, usando um item de arquivo de Vivienne Westwood, da coleção de outono de 1996, chamado Escravo do Amor, uma jaqueta-corset formada por centenas de pérolas em cores diferentes formando um peitoral e em suas costas pedras de rubi marcando feridas.  Alguns dos destaques da noite mostram ao público que a handmade couture é a arte, a antiguidade mais fina da moda.

Após uma década sem comparecer ao evento, Beyoncé fez um retorno memorável ao Met Gala como co-anfitriã, dividindo o posto com Anna Wintour, Venus Williams e Nicole Kidman. Para marcar a ocasião, Bey e Nicole apostaram em duas produções diferentes ao longo da noite. No tapete vermelho, Queen B surgiu com um vestido repleto de pedrarias assinado por Olivier Rousteing. No encerramento do evento, a cantora trocou o visual por uma criação de Robert Wun, peça que chamou atenção por conter mais de um milhão de cristais. 

Kidman também apostou em um visual marcante ao usar um modelo vermelho-rubi da Chanel, bordado com lantejoulas e penas por Matthieu Blazy. Mais tarde, a atriz apareceu com outro vestido da mesma grife, que transmitia um ar de conforto enquanto mantia a paleta de cores quentes. Já Williams vestiu uma peça personalizada de cristais Swarovski, que foi inspirada em sua própria obra de arte Venus Williams Double Portrait (2022), e para incrementar, um acessório metálico no pescoço, desenhado pela própria atleta.

Apesar da temática do evento ser de extrema importância e um critério geral de julgamento do público sobre cada look, é impossível negar presenças que acertaram em suas escolhas, afinal, a arte é moda e moda é arte independente do dress code. Doechii foi um dos destaques, com um look vinho assinado por Marc Jacobs, a cantora expõe seu corpo como arte ao complementá-lo com seu vestido e ornamento do cabelo. Hailey Bieber também fugiu do tema proposto, e mesmo assim, é inegável a beleza de sua apresentação, em um busto dourado que contrasta com o azul vivo, look que já foi visto nas passarelas da Balmain.

Mesmo que o tema Moda é Arte seja uma proposta flexível e dá liberdade para cada celebridade se expressar através de obras, nem todo mundo conseguiu traduzir suas ideias de acordo com o que foi proposto. Margot Robbie, por exemplo, usou uma peça da Chanel mais clássica e minimalista, o vestido de cor champagne e com uma cauda bordada de pétalas de flores não ofereceu a ousadia e a interpretação conceitual que a temática pedia. Kim Kardashian optou por usar uma produção de alta-costura que faz mais jus à sua identidade pessoal, do que ao dress code do bazar. O traje desenvolvido pelo designer Jean Paul Gaultier conta com um corset alaranjado bem acinturado e sensual, e uma saia da mesma cor.

Para além de uma tristeza por ver algumas celebridades não entendendo a temática, tem-se aquelas que decepcionaram por terem surpreendido em anos anteriores. Gigi Hadid, por exemplo, sempre apareceu ao evento com looks estonteantes, e muito conectados à temática, porém, este ano, com um vestido translúcido preto da Miu Miu e uma calcinha azul bebê, deixou a desejar com presença. Outro ponto negativo são as mesmas vestimentas all black de sempre, que, pelo bem da arte na moda, estão se mostrando cada vez menos numerosas.

Entre elogios e críticas, a edição de 2026 do Met Gala ficou sem grandes nomes da cena da moda. Segundo os rumores que circulam pelos corredores, o possível motivo estaria relacionado ao patrocínio de Jeff Bezos ao evento. As controvérsias políticas em torno do bilionário, principalmente seu apoio ao governo Trump, teriam influenciado a decisão de algumas celebridades a não aceitarem o convite. Zendaya, uma das figuras mais conhecidas por entregar looks extraordinários ao lado de seu fiel estilista, Law Roach, optou por não comparecer nesta edição. A ausência da modelo Bella Hadid também foi notada e gerou repercussão nas redes sociais, sendo interpretada como uma possível posição política e crítica à presença dos CEOs de grandes empresas de tecnologia.

Este pode ser considerado um Met Gala histórico em ausência e presença. Sempre é muito desafiador escolher um look para um evento tão grande como esse. Porém, este ano foi possível enxergar como a moda é arte em sua plena construção. E o recado que esta edição nos deixa está na handmade couture ao encontro com o conceito, e, quando os dois se juntam, a moda vive.

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Sinara Martins

A 77ª edição do Emmy Awards aconteceu no domingo (14), em Los Angeles, e a tradicional chegada das estrelas foi marcada por modelitos sofisticados e elegantes. Com produções como Ruptura, O Estúdio, Adolescência, Pinguim, The Last of Us e O Urso entre as indicadas, não faltaram celebridades desfilando. O tapete vermelho reforçou uma tendência clássica, com muitas silhuetas tradicionais e tons de destaque como vermelho, preto e rosa. 

A premiação entregou um tapete vermelho bonito, mas pouco marcante. Houve raros momentos de ousadia, que até ganharam repercussão, porém ficaram diluídos diante da predominância do clássico. O contraste entre a vontade de se manter sofisticado e a necessidade de surpreender mostra o dilema atual do evento: como preservar uma tradição sem abrir mão da relevância cultural?

A cor da paixão apareceu em peso. Britt Lower, vencedora da categoria Melhor Atriz em Drama, surgiu com um traje escarlate de corte clássico; já Hunter Schafer apostou em um modelo deslumbrante no mesmo tom, e Cristin Milioti também seguiu a paleta. Apesar da predominância de escolhas seguras, o que realmente chamou atenção foram os looks que buscaram equilibrar ousadia e harmonia entre beleza e styling, quebrando a previsibilidade.

O preto também marcou presença de maneira imponente na cerimônia. Anna Sawai apostou em um modelo minimalista e sofisticado, que ressalta sua silhueta de forma elegante, e Natasha Rothwell trouxe um toque de exuberância com um traje volumoso e cheio de movimento, contrastando com a sobriedade da cor. Já Marta Pozzan preferiu uma proposta contemporânea, com recortes modernos que deram frescor ao clássico. Para fechar, Catherine Zeta-Jones estava usando um vestido dramático, que combinava perfeitamente com sua postura marcante no tapete.

Entre os destaques da noite, a cantora Lisa, do Blackpink, encantou o público com um delicado vestido rosa da Lever Couture, digno de um conto de fadas. Jenna Ortega também brilhou com um modelo ousado e um top cheio de pedrarias da Givenchy, que combinava com modernidade, enquanto a drag queen Arrietty surpreendeu ao surgir com um traje cheio de presença e glamour.

O tapete vermelho não rendeu só bons looks, mas também momentos que deram o que falar. A drag queen Joella se vestiu de Labubu e foi uma das aparições mais inesperadas e divertidas da noite. Outro ponto alto foi a aparição das atrizes Lauren Graham e Alexis Bledel, protagonistas de Gilmore Girls, que emocionou os fãs da série, que completa 25 anos. Para fechar, Meg Salter chamou atenção ao surgir com um visual básico, carregando uma bolsa de protesto escrita “Cessar fogo”, usando a moda como forma de posicionamento político.

O predomínio de escolhas clássicas no Emmy reflete um certo conservadorismo da própria premiação. Antes palco de grandes momentos culturais, hoje o evento parece preso a fórmulas seguras em meio a um cenário em que a atenção do público se divide entre tantas outras atrações. A moda, que deveria dar brilho ao espetáculo, acaba perdendo força quando não surpreende. Enquanto o Met Gala e até o Oscar usam os figurinos para criar narrativas e marcar posição, o Emmy se mantém elegante, mas pouco memorável, e isso ajuda a explicar por que a premiação vem perdendo espaço na conversa cultural.

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Fábio Gabriel Souza

“Snow cai como a neve, sempre por cima”

– Coriolanus Snow

É difícil mergulhar em um universo novamente oito anos após conhecê-lo, ainda mais quando nos deparamos com uma realidade tão diferente da apresentada na quadrilogia original, Jogos Vorazes. Entretanto, Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes faz um bom trabalho ao representar uma nova versão de Panem de maneira tão imersiva. Se passando 64 anos antes de Katniss Everdeen, o longa acontece nos primórdios dessa sociedade totalitária e se ocupa em mostrar, de forma cruel e crua, as origens dos Jogos Vorazes, que é muito rústico e está longe de ser o espetáculo apresentado anteriormente. 

Nos momentos iniciais, conhecemos o jovem Coriolanus Snow (Tom Blyth), que após os dias escuros, a morte de seu pai e o suposto bombardeamento do Distrito 13, se encontra extremamente pobre. Com a família reduzida, a sua prima Tigris (Hunter Schafer) e a caduca Lady-Vó (Fionnula Flanagan), que se lembra apenas dos dias de glória da família Snow e da Capital – atualmente em processo de reconstrução –, são suas únicas redes de apoio. Assim, o Snow sonha com o prêmio Plinth, que começaria a restaurar a sua fortuna e seria sua porta de entrada para a universidade.

Para alcançar esse objetivo, ele e outros 23 jovens recebem a missão de serem mentores dos tributos e tornarem os jogos um espetáculo, que tomaria o lugar de uma memória da fome e miséria trazidos pela guerra. Assim, o personagem conhece a peculiar Lucy Gray (Rachel Zegler), a garota escolhida do Distrito 12. A partir desse momento, somos agraciados com uma escalada de acontecimentos que deixa qualquer um sem fôlego, desconfortável e até mesmo chocado. O filme acerta em nunca colocar Coriolanus Snow como um herói, mesmo sendo o protagonista, e entrega uma Lucy enigmática e misteriosa retratada pelos olhos do vilão.

A existência da história por si só é um tapa na cara dos fãs que estavam ansiosos para ver novamente outra edição espetacularizada dos Jogos Vorazes, muito distante do que foi entregue, mas que não deixou de agradar. A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes retrata uma versão crua, melancólica, rústica e verdadeira da punição, com cenas fortes e muito mais violentas do que estamos acostumados, mostrando o que de fato está por trás do reality: a crueldade humana. Não seriam os fãs iguais a Capital ao quererem mais um espetáculo?

Em paralelo, há histórias sendo contadas em segundo plano, como a triste e sem graça jornada de Sejanus Plinth (Josh Andres Rivera), que traz consigo uma crítica social entediante, porém necessária e sem plateia, de um garoto que se sente sufocado com a riqueza da Capital e também deslocado por ter sido do Distrito 2. Fato esse distante de representar o personagem descrito nos livros, que tem um pouco mais de profundidade. Sejanus parece estar falando com as paredes durante todo o filme. A narrativa ainda usa e abusa de teorias filosóficas já consolidadas, como a guerra de todos contra todos de Thomas Hobbes, e postula a Capital como dona de um contrato social que traz a paz.

A direção realizada por Francis Lawrence, de Eu Sou a Lenda (2007) e de outros filmes da saga Jogos Vorazes, não deixa nada a desejar. O cineasta consegue transmitir por meio de imagens e cenas primorosas a complexa cabeça de Coryo, tarefa muito difícil por sinal. É nítido a mudança de estilos com o desenrolar das cenas: ora intimista, ora distante e na maioria das vezes com takes inflamados. Assim, acompanhamos de maneira subliminar a ambiguidade do personagem principal, que navega entre a empatia e a ganância.

A Fotografia, desenvolvida por Jo Willems, desperta a curiosidade de qualquer um com imagens grandiosas da Capital que remontam aos magníficos prédios da Europa Oriental no auge da União Soviética e vão até cenas empobrecidas, impactantes e tristes que retratam a realidade dos tributos. Além disso, Willems complementa brilhantemente o trabalho de Lawrence, agregando uma ambiguidade de takes durante toda a produção.

O elenco chama atenção com nomes não tão consolidados na indústria e também com artistas de peso em Hollywood. A atuação de Tom Blyth é uma agradável experiência. Mesmo longe de ser tão magnético quanto Donald Sutherland (Jogos Vorazes), o ator performa muito bem a complexidade de um vilão que ainda não sabe ser vilão. Do outro lado, temos Rachel Zegler, que brilha e ganha um imenso destaque. A atuação e vocais emocionam e a atriz surpreendeu os fãs ao entregar uma Lucy Gray que se conecta com todos a sua volta, característica intrínseca da personagem.

Viola Davis, como sempre, dá vida com excelência à figura caricata e sádica de Dra. Gaul que, sendo totalmente descolada da realidade, nos remete a loucura e insensibilidade representada pelos Jogos Vorazes. Peter Dinklage (Game of Thrones), rouba a cena como o maior antagonista de Coriolanus Snow. Diga-se de passagem, Casca Highbottom poderia ter sido criado apenas para ter o ator como intérprete – parece que o papel foi feito para ele. Já Hunter Schafer (Euphoria), mesmo com pouco tempo de tela e mal aproveitada pela produção, brilha como Tigris Snow, ao mostrar de maneira sutil e rica, a bondade e o amor na Capital.

A trilha sonora é perfeita e trabalha de maneira síncrona com a direção e a Fotografia para realizar uma caracterização de ambientes. A música da cena final dos Jogos, por exemplo, contribui para a sequência de acontecimentos emocionantes e, juntamente ao clímax da canção, protagoniza o momento mais tenso de todo o longa-metragem. Cenas a frente, acompanhamos a explicação e a composição de The Hanging Tree, um dos principais marcos da série e que integra memória afetiva à produção. 

Com uma narrativa muito bem consolidada, o filme agrega de forma positiva ao universo construído por Suzanne Collins, mas sofre com um problema de ritmo. É fato que em mais de duas horas e meia, os dois primeiros atos são vibrantes e magnéticos. Entretanto, o terceiro e o mais importante, a narrativa sofre uma grande perda de cenas de ação e aparenta se tornar um melodrama. O que é uma pena, visto que é ali que o verdadeiro vilão da saga dá as caras. 

“São as coisas que mais amamos, que nos destroem, Srta. Everdeen”

– Coriolanus Snow em A Esperança

Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes, inspirado no livro de mesmo nome escrito por Collins, estreou no Cinema garantindo alta aprovação da audiência. O filme trouxe consigo críticas pertinentes tanto para a sociedade quanto para os impactos causados pela saga cinematográfica original, e agregou de maneira pertinente e interessante o universo de Jogos Vorazes.

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Vitória Vulcano

Dê a Sam Levinson a chance de borrar as linhas entre o drama e o escárnio humanos, e ele voltará escrachando toda e qualquer camada da vida. Da produção de X, passando pela roteirização de Malcolm & Marie e atingindo a direção de País da Violência, essa tática marca seus passos em Hollywood. E foi participando dos três pilares da Sétima Arte, conjuntamente e pela primeira vez, que o cineasta criou a singular Euphoria. Vira e mexe empilhando aclamação e burburinho nas portas dos estúdios HBO, desde sua estreia avassaladora em 2019, a série redefiniu o sucesso televisivo e cultivou expectativas de sobra para sua segunda temporada.

A continuação chegou em Janeiro deste ano, no já conhecido (e nunca exatamente familiar) clima de barbaridade juvenil. Isso porque, após elaborar episódios especiais a partir dos impasses pandêmicos para revelar transcendentalmente as jornadas individuais de Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer), e o embaralho sentimental que se transformaram uma para outra, Euphoria retorna ao macro bem mais carregada de si mesma. Nenhuma ferida exposta anteriormente cicatrizou, ninguém consegue se acostumar com tanta tragédia e esse é o terreno perfeito para banhar de sal a nova versão de uma narrativa essencialmente sentida pelas dores. 

Palco de uma caótica festa de ano novo, o episódio inicial da segunda safra faz a premissa se desenrolar em uma sequência de eventos curtos e, seguindo o pique da primeira temporada, impactantes pelos sete capítulos à frente. Inevitavelmente, Trying to Get to Heaven Before They Close the Door proclama que a provocação segue sendo o coração construtivo da fabricação de Levinson. É a sensação que enviesa as questões-chave da segunda leva de Euphoria e as configura na altura do polêmico – que quase nunca é a mesma vibração do espectador -, aproximando todos os núcleos da história na unha e na vontade de fazê-los mais expansivos do que as telas que os transmitem.

Sinestésica e ressentida com o universo em que respira, Euphoria tem um ano dois ainda mais distante do didático, graças à atividade árdua e recorrente que é viver sem enlouquecer ou se alienar no pós-pandemia. Rue recai no vício e, mesmo que decepcionados e não surpreendidos com a postura, o silêncio é nosso consentimento enquanto audiência. Sobretudo quando a garota lista seus motivos para fugir da realidade e perfura a passividade do público: não necessariamente nos drogamos, mas assistimos adolescentes serem aditivos e repulsivos em um plano paralelo. Queremos alguns minutos fugindo de atentados à democracia, negacionismo científico e outros males absurdos nem que seja acompanhando uma ficcionalização da aflição, sem paz iminente e que nunca prometeu finais felizes. Afinal, “as pessoas só querem encontrar esperança”. 

Essa ironia melancólica não sustenta apenas a dualidade contida na protagonista – que é um show a parte – mas caracteriza os ganchos agridoces da série na temporada atual. Comparada ao pioneirismo de Skins e às controvérsias escalares de 13 Reasons Why, Euphoria equilibrou seu charme, nas origens, encabeçando episódios com o yin-yang existencial de cada personagem e projetando esses arcos particulares na efervescência do coletivo. Contornando a narração onisciente e não mais única da irmã Bennett mais velha, os capítulos, agora, não possuem linha de roteiro traçada ou sugestiva para o futuro destrutivo de alguém. No entanto, a confusão faz três nomes ofuscados até então passarem a infiltrar a história, através da tratativa anterior. 

Falando em sensibilidade aproveitada, a personagem de Apatow é um verdadeiro banquete. Se antigamente a jovem seguia um caminho contrário para chegar ao mesmo fim de seus colegas de cena, blindando-se da hostilidade sem uso de alucinógenos, mas retificando a si própria como coadjuvante, a caçula das Howard vence os panos de fundo da trama pelo cansaço de seu brilhantismo. Corajosa e amistosa, da reconstituição da amizade com Rue à modelação da peça teatral despudorada e frenética – que estatelou os nervos e músculos da narrativa nos episódios finais – ela foi a motherfuckin’ G. 

A tríade que salta aos holofotes é completada pelo temeroso pai de Nate (Eric Dane). Fechando um capítulo inteiro para desmascarar sua existência forjada na tradicional família americana, a série remonta à juventude do homem, arrasada pela paixão homoafetiva não consumada e pela gravidez repentina de sua namorada na época. Por trás do emaranhado de desejos suprimidos que formam o predador sexual retratado, Euphoria tenta dizer que a agressividade compulsória e o sadismo de criar filhos à sombra de seu mais repugnante reflexo são a armadura de Cal. 

Ainda que a produção nunca tenha materializado arcos de redenção, o experimento de humanização do Jacobs mais velho nos faz perguntar quem consegue revelar a revolta por trás de suas contradições, recebendo chances de atenuação pelo júri do público. A manobra da trama traz estereótipos da mais brutal ordem, já que acusações de pedofilia e estupro, como as que rondam a trajetória do genitor, sempre foram relacionadas à comunidade LGBTQIA+. E não é errado dimensionalizar vilões desvendando o que impulsionou aqueles traços de amargura e bestialidade. Entretanto, tratar sua identidade, fruto de uma forma subjetiva e insalubre de lidar com a realidade através de um labirinto que pode se resumir a orientações sexuais é, no mínimo, problemático (especialmente para Euphoria). 

Retomando o modus operandi da história, temos a fórmula de escandalização do moralismo, que apregoa a mente de quem se pega canalizando a barra não só da exposição de Cal, mas de milhares de momentos. Infelizmente, não vivemos em um planeta evoluído o bastante para a ridicularização de nossas mazelas servir como ferramenta de conscientização ou instigar qualquer mudança. E, caramba, como Euphoria brincou incansável e assertivamente com isso em seus primórdios nada ortodoxos. Mas, com o avanço do Ensino Médio e a necessidade de um amadurecimento à altura, a progressão narrativa parece se apossar de uma ânsia de gente grande, incapaz de processar a essência que o básico dá à conjuntura.

Se na primeira leva toda a genialidade da ficção partia de um cadenciamento, em que, apesar das cenas performáticas e fugazes, o raciocínio prevalecia, o presente entrega uma Euphoria refém do ímpeto de chocar a qualquer custo. O tal realismo emocional, que antes era compartilhado não somente pelo criador da obra, mas igualmente por outros nomes vinculados ao propósito artístico, agora passa a se centralizar nas mãos de Sam Levinson em uma demonstração típica de como impérios caem pela ambição. 

Diferentemente de séries que definharam em qualidade sem seus fundadores, a presença excessiva do cineasta pode ser culpabilizada por várias deficiências e armadilhas geradas na produção do HBO. Todos os episódios da segunda temporada são unicamente dirigidos e escritos por Levinson, que obviamente não conseguiria atender às expectativas de escandalização, nem dar ritmo e coesão às múltiplas vertentes da história, sozinho. Às avessas da complexidade outrora construída, a safra se contenta em sonhar raso no desenvolvimento figurativo e psicológico, mirando em erros de principiante ao não saber adicionar rostos novatos à trama – ou mesmo trabalhar os veteranos – sem perdê-los de vista. 

Com exceção da abordagem recebida pelo trio mencionado e pela protagonista de Zendaya, as principais afetadas são as personagens femininas – que sempre corporificaram o primor do universo eufórico. Jules fica restrita a uma trilha de inconveniências alheias à sua notável evolução, dando advertências e tapinhas nas costas de Rue aqui, aleatoriamente tendo um caso com o melhor amigo de ambas ali. Abrilhantadas com a participação da escrita aguçada de Hunter Schafer em F**k Anyone Who’s Not a Sea Blob, as práticas da garota, na atual temporada, se tornam tristemente programadas para reduzirem suas nuances ao egoísmo. 

Em contrapartida, falas e ações são tudo que o plot acaba devendo para Kat (Barbie Ferreira). Ela não se sobressai no namoro, nas amizades e menos ainda na própria história, pintando como alívio cômico nos perrengues gerais do ano e martelando incapacidade em seus dramas pessoais. A desatenção é tão extrema que até os rumores supondo o que ocasionou a situação foram melhor elaborados do que a atuação obtida pela personagem.

Enquanto as suposições de desavenças e descuidos nos bastidores da temporada funcionavam como suporte externo para o apetite que Euphoria não saciava em cena, o trato omisso se consolidava com os novos intérpretes. Os arcos de Elliot (Dominic Fike) e Laurie (Martha Kelly), embora espontaneamente divertidos ou revoltantes na coletividade do drama, quando isolados das trupicadas e levantadas de Rue, não preenchem uma página de significado consistente. Apesar de similarmente limitada ao beabá das drogas, a adesão de Faye (Chloe Cherry, que aqui estreia na TV) se conecta a outros pontos de riso e tensão. Levemente do outro lado da moeda, Ali (Colman Domingo) engrandece sua performance iniciada em Trouble Don’t Last Always e dá merecido fôlego ao conforto ácido da narrativa. 

Seguindo essa eterna brincadeira de espaço e tempo no macro, a segunda leva da produção busca um encaminhamento inusitado se concentrando – aos trancos e barrancos – no eixo dividido por Cassie (Sydney Sweeney), Maddy (Alexa Demie) e Nate. O triângulo amoroso é purgatório de si mesmo em inúmeros sentidos, sobretudo para as melhores amigas que descarrilam suas respectivas individualidades em troca de um romance duvidoso, com um sujeito de caráter mais questionável ainda. Só que, no final do trauma, a verdadeira discussão não reside nos trejeitos voláteis e objetificadores de Jacobs; o que permite as idas e vindas cruéis do atleta na psique das garotas é uma fragilização sentimental predisposta que ele não criou, porém, aprendeu a controlar maliciosamente.

Nessa toada, a história acerta ao duplicar a dor de Maddy em um processo de maturação gradativo. A garota descobre plenamente a toxicidade de estar com Nate quando perde um laço afetivo tido como inabalável e baseado na confiança, sensação que ela pensava dominar tanto no namoro e na amizade quanto em si própria e, na reviravolta, passa a aprender o valor na marra. Já para Cassie, os dias de crescimento permanecem como miragem à medida em que sua combustão emocional e tendência de procura por aprovação masculina ramificam debates pontiagudos que conduzem a série.

Um dos discursos batidos de Euphoria é expor que as escolhas de seus personagens não existem em bolhas e, por isso, podem esvair para todos os núcleos da narrativa constantemente. Aspecto esse que poderia unir dramas soltos ao longo da temporada, mas não encontra respaldo para acompanhar a entrada de Rue no tráfico, a rivalidade eclodida entre Fezco e Nate, e principalmente o espiralar de Cassie no remorso de perder Maddy e na humilhação de amar quem a rejeita (tudo vivido por ela após a realização de um aborto, que não entra em pauta após a primeira season finale). Ao mesmo tempo em que alucinamos com a instabilidade da loira – fruto da dedicação excepcional de Sweeney -, pouco esforço existe para fazê-la transpor sua ruína além de rituais de beleza aflitivos e muitas cenas de nudez. 

Novamente navegando na obsessão em desfilar absurdos, corpos sem roupas são a fagulha da ficção que se volta propositalmente para a desnivelação social entre o nu masculino e feminino. Sem perder o trem, a segunda safra já começa com um pênis escancarado na tela do espectador – só não se engane, não é sexy, é só um pedaço de carne. E por que a nudez deveria ser vista de outra forma? Ninguém te dá a resposta, mas exageram na dose de pele de Cassie à mostra para, surpresa!, provocar a dúvida. Como Emilia Clarke provou no passado, obviamente a escolha pesa quando falamos das mulheres: o nu estraçalha o angelical e as vulnerabiliza na vilania, ainda que devesse passar longe disso. Nesse espectro, a consciência da atriz americana no assunto a coloca acima de todas as limitações narrativas de Euphoria ou do mundo – o que não absolve a série da prepotência de achar que nudez subversiva sobrepõe ausência ou desvirtuamento de conteúdo.

Fato é que a gama de inventividades e rebuliços da segunda leva caminha obrigatoriamente para o inigualável estrelato de Zendaya. Agora produtora executiva da série, a artista desbrava, sem qualquer melindre, profundidades cruas e hipersensíveis para a lapidação de sua personagem. Se Rue era impiedosa com seu modo de vida e os olhares externos destinados a este, ela usa os novos capítulos para assumir o máximo de cada impressão não verbalizada que experienciamos ao vê-la em cena, literalmente do amor ao ódio. As dicotomias mais arrasadoras acontecem na abstinência de Bennett em Stand Still Like the Hummingbird, em que perseguições e confissões solidificam quem protagoniza Euphoria e se projetam para a história cinematográfica. 

Com essa aspiração na ativa, a atriz merecidamente estende seu currículo no Primetime Emmy Awards. Na 74ª edição da premiação, Zendaya foi nomeada como Melhor Atriz em Série de Drama, categoria que sua Rue já venceu em 2020. Esse ano, ela é euforicamente acompanhada por Sydney Sweeney, que aparece tanto na lista de Melhor Atriz Coadjuvante em Drama, quanto se destaca nas indicações em Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme por sua performance em The White Lotus. 

Em meio às ressalvas estruturais, Euphoria preenche outra vez as nomeações em Melhor Série de Drama, competindo com a ganhadora do Globo de Ouro Succession e outras produções chamativas dos últimos meses, como Better Call Saul, Severance e Squid Game. Aguentando um roteiro débil e ainda sendo excepcionais, as interpretações gerais também foram lembradas e emplacadas em Melhor Elenco em Série de Drama. Por outro lado, Sam Levinson não conquistou nenhuma indicação nas seções especializadas em direção do Oscar da TV. 

As menções honrosas ficam para a contextualização técnica da ficção, que figura em nove categorias do Emmy 2022. Euphoria sempre se ofereceu pelos olhos, e a atmosfera que arquitetou seu princípio foi fatal para torná-la um fenômeno estético pontilhado pelo trauma. Agora, demolindo as sobrecargas de glitter e neon que climatizavam o passado da narrativa, a segunda temporada se faz pela infiltração sóbria de violência e soturnidade. Descamada em jogos de luzes, ora sólidos, ora rápidos, a fotografia engenhosamente expõe os embates e pensamentos pela brutalidade da própria existência, rendendo à série a participação na categoria Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Uma Hora). 

A crueza é estabelecida pelo enquadramento de câmeras analógicas, que captam os figurinos e as maquiagens – refletores do estado mental de cada personagem. Todos os tons obscurecem com os rumos da história, especialmente nos desdobramentos de Cassie, Jules, Lexi e Maddy. A musicalidade é outro fator dimensionante de Euphoria, atravessando temas underground, sucessos já assimilados pelo público e canções encomendadas para a série. 

Uníssono anteriormente, no ano dois, Labrinth se divide com Dominic Fike, James Blake, Lana Del Rey e Tove Lo no lançamento de catarses exclusivas. Invadindo ouvidos e corações, a visceralidade das notas está no luto de Rue, nas frustrações coreografadas de Cal e Cassie e nas aversões mais memoráveis dos episódios. Nesse ritmo, a segunda temporada da produção concorre a Melhores Músicas e Letras Originais e Melhor Supervisão Musical, esta última pelo trabalho de Jen Malone e Adam Leber.

Prestigiada pela honestidade identitária de seus visuais e dramas iniciais, Euphoria escalou o hall da fama tão rapidamente que superestimou a si mesma. Como seus personagens que são espelhos, a trama também faz tudo o que a transtorna no interior da segunda temporada se sobressair em marcas visíveis. Subjugar suas riquezas ao monopólio criativo de Sam Levinson custou rachaduras intensas, porque barbarizar demais e despreparado tem um preço. A superação positiva de tabus e nuances só existe se entendemos porquê e para onde vamos, e a insuficiência lógica pode até satisfazer ao mostrar onde perdemos nossa humanidade, mas não combina com um universo dedicado a examinar a miscelânea existencial que nos caracteriza como humanos.

Crescer na produção do HBO permanece uma revolução física e emocional, não apenas na ideologia, mas principalmente na ultrapassagem de negligências narrativas. Depois de autoafirmar seu potencial destrutivo, radicalizar sua maior anti-heroína e renovar as esperanças de sua personagem mais emblemática, a série parece ter perdido o dom da alquimia – a habilidade de unir ciência, arte e magia para transformar o comum em ouro. Ainda que pouco da geração Z retratada seja ordinário ou factual, Euphoria sempre soube abrir mão da pretensão, que agora a assola, para fascinar. E, assim como Rue toma o episódio final para ficar sóbria inesperadamente, sua ficção merece uma terceira leva surpreendentemente próspera e multifacetada. 

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O termo que significa um estado transcendental de alegria é usado para nomear uma obra que existe no nível mais profundo das dores de uma juventude autodestrutiva para nos avisar sobre algo: desde seu início, aclamado e conturbado lá em 2019, Euphoria não quer saber de nada além do radical ao construir seu caminho na companhia de jovens que lidam com muitas, muitas, mas muitas questões. A máxima se consolidou ao fim visceral daqueles 8 primeiros episódios que colocaram o drama adolescente da HBO numa evidência maior que qualquer nicho. Ali, nossas protagonistas, responsáveis por engatilhar o desenrolar dos arcos da narrativa e toda sinceridade e todos problemas que os acompanham, se encontravam num lugar perfeito de completa ausência de resolução.

A complexidade que o diretor e roteirista Sam Levinson criou ao fim do primeiro ano de Euphoria só seria compreendida mais tarde, quando os ganchos de 2019 ameaçavam se perder no meio da fenda temporal aberta pela pandemia de covid-19. Então, o criador correu para os transformar em dois episódios especiais, dedicados exclusivamente ao centro da história – Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer) -, e quando Part 1: Rue foi ao ar em dezembro de 2020, o poder da narrativa se mostraria ainda maior. Sob o título de Trouble Don’t Last Always, aconteceu o primeiro contato da produção com o mundo depois de sua estreia, e também o primeiro encontro do apreciador da série com a profundidade emocional daquela que foi o fio narrativo de tudo o que Euphoria nos apresentou.

Era, então, o momento de prestar atenção na individualidade de Rue, antes de seguir as tramas de uma história que se propõe a retratar a juventude de forma radical. E quando encontramos a personagem em Part 1: Rue, topamos com uma sobrevivente do final tempestuoso do primeiro ano de Euphoria. Abandonada por Jules, enfurecida com todos, vulnerável como nunca e machucada como sempre, a personagem é vencida pelo seu vício em drogas e tem uma recaída. A única ajuda que a teimosia envergonhada de Rue aceita é a de Ali (Colman Domingo), meio amigo e meio mentor, que estabelece uma conexão com ela no grupo de Narcóticos Anônimos. Dramático e radical o suficiente? Não para Sam Levinson, que finaliza a premissa do episódio com os dois solitários em plena véspera de Natal numa lanchonete qualquer da cidade.

O encontro desencadeia uma longa e profunda conversa que toma os 60 minutos do episódio. Adentrando a profundidade psicológica de Rue, muitas questões surgem, e a sabedoria de Ali, que já vive longe do vício há sete anos, sabe identificar todas elas, sem se preocupar em solucioná-las. O foco ali é o desabafo da personagem, e a realização da oportunidade que ela precisava para revelar seus sentimentos complexos e delicados, depois do sufocante último episódio da primeira temporada.

Esse efeito é curioso, já que a história não escapa um segundo de sua perspectiva. Rue é a narradora absoluta – mas não totalmente confiável – de todos os eventos da série, e justamente por isso, é difícil adentrar sua intimidade debaixo de toda aquela energia caótica, como batiza o próprio Ali. Mas entre as digressões de Part 1: Rue, a personagem finalmente tem a permissão de viver intensamente suas oscilações emocionais, sentir o medo que ela esconde ter de si mesma, e tentar compreender sua relação com Jules, ao mesmo tempo em que revela mais de sua própria personalidade longe de tudo o que acompanha o núcleo de Euphoria.

Os méritos da Melhor Atriz em Drama do Emmy 2020 na personagem que a fez fazer história são sempre louváveis, mas o que se destaca aqui também é, mais uma vez, o trabalho de Sam Levinson. Encarando uma base em suas experiências pessoais, o texto de Trouble Don’t Last Always se preocupa de forma quase científica com os diálogos. Tão naturalmente prolixo e propositalmente direcionado, o roteiro do episódio faz Rue e Ali pensarem sobre a vida, sobre a morte, sobre o espiritual e sobre o mundano. E em algum momento da conversa, a situação da jovem diante do mundo toca no tópico indissociável porém ainda ausente na história radical de Euphoria: revolução.

A palavra surge na conversa quando o emocional de Rue mostra suas faces mais sombrias. Ela revela sentir-se culpada pela sua própria condição, pelo que trouxe à sua família – a mãe (Nika King) e a irmã mais nova Gia (Storm Reid) -, e pelos conflitos com Jules, fazendo nascer na adolescente um sentimento de desistência e conformidade. Como alguém que já pensou sobre aqueles dilemas muitas vezes nos momentos difíceis do vício, Rue é sutilmente impaciente, mas também levemente desesperada por novas possibilidades, e ao mesmo tempo, amargamente desesperançosa. Diante da confusão sentimental de Part 1: Rue, Ali, muito provavelmente o maior revolucionário de Euphoria, responde às constatações de Rue.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

– Mas eu não estava drogada.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

É a partir daí então que o episódio mostra de vez quem realmente é Rue e qual é a sua real situação. Em meio aos sentimentos da jovem perante ao mundo, Trouble Don’t Last Always faz isso através de Ali, que percebe a complexidade da situação e identifica os efeitos da chamada “doença do vício” na sua perspectiva de vida. Mas na história de Sam Levinson, não existem moralismos nem conclusões rasas. Ainda nas palavras de Ali, existe uma crítica direta ao imediatismo das revoluções, em meio às referências a Malcolm X e Martin Luther King que o mentor prega para a adolescente. Part 1: Rue aponta para a raiz do problema, e ainda que não exista uma solução, podemos imaginar uma transformação.

Mas antes de adentrar o espaço da Revolução de Rue, o Episódio Especial de Euphoria imagina como as coisas teriam sido se o final daquela primeira temporada fosse diferente. E se Rue e Jules seguissem seu plano de fuga e construíssem uma nova vida juntas? A primeira cena responde, naquela identidade teatral magnífica, junto das cores quentes que se tomam o lugar dos tons frios à medida em que o amor de Rue por Jules preenche o ambiente. Mas não demora muito pro sonho se perder na realidade, e quando a paixão já se diluiu no ressentimento, na culpa, tristeza e dor, o visual, elemento tão fundamental de Euphoria, materializa o temperamento da personagem principal.

É exatamente quando Rue volta ao uso de drogas que aquela essência etérea do romance e do sonho que ela vive com Jules se transforma num cenário obscuro, soturno, inóspito e repelente, mas curiosamente e fidedignamente, nunca incômodo. E então, num movimento rápido da câmera de Marcell Rév que colocou Trouble Don’t Last Always no Emmy 2021, estamos naquele momento que vai mudar muita coisa que ela pensa sobre si mesma, sobre o mundo e sobre os outros. E assim também é a Revolução de Rue em nós.

Mesmo sozinha e despedaçada, Rue ainda pulsa o desejo latente de ver as coisas sendo diferentes. Ela tenta descobrir o que fazer com isso, enquanto sente a dor dos que sabem que o mundo é um lugar terrível e percebem que todos parecem aceitar isso bem demais. Rue não quer ser parte disso. Rue não quer sequer presenciar isso. Então, a obra, que já revolucionou com a sinceridade, intensidade e profundidade com que trata seus temas, usa Part 1: Rue para revolucionar sua protagonista do jeito que pode. No caos emocional de Rue, existe um conselho ousado: Problemas não duram para sempre, é a mensagem central da voz agridoce de Euphoria naqueles 60 minutos.

No meio deles, a protagonista da trama desabafa sobre sua vontade de apenas desistir e o desconforto que sente vivendo no mundo que vive. Ali vai desejar um feliz Natal para as filhas pelo telefone, enquanto Rue lê uma mensagem de Jules, que diz que sente saudades junto de uma música. A canção que marca o Episódio Especial de uma produção que leva cada aspecto tão a sério não poderia ficar de fora dos sentidos criados dentro dele. E ao som de Me In 20 Years, a radicalidade de Euphoria aponta que a maior transformação de Rue é encontrar uma forma viver.

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Vitor Evangelista

Jules é a personagem mais interessante de Euphoria. São muitos os fatores que confirmam essa máxima, e o principal deles recai no carisma de Hunter Schafer, a jovem modelo que debutou atuando na série da HBO. Podendo ser facilmente ofuscada pelo estrelato e pelo nome de Zendaya, ela construiu sua adolescente fragilizada pelas beiradas, sempre mostrada pelos olhos de Rue. Tanto é que, quando Euphoria transmitiu seu final de temporada, Jules saiu como a vilã da coisa toda.

Num mundo ideal sem a pandemia e os atrasos de gravação, o ano dois da narrativa lidaria com o pepino de prosseguir sua estreia fenomenal. Para isso, além da escrita e direção precisas de Sam Levinson, a série precisaria sair do comum e cortar sua trama na carne. Para sentirmos a ausência de Jules como Rue a sente, a produção deveria tirar Hunter de vista. O que não aconteceu, é claro que estamos longe de viver num mundo ideal. 

Tendo estreado no meio pro fim de 2019, Euphoria conseguiu se manter na boca do povo. A produção da segunda temporada tinha data marcada para março do ano seguinte, mas o coronavírus estourou uma semana antes, acabando com quaisquer planos de capítulos inéditos no futuro próximo. Meses adentro da pandemia, Zendaya ganhou o Emmy de Melhor Atriz em Drama, dando mais fôlego para o seriado da HBO. Então, Levinson anunciou que lançaria dois episódios especiais de fim de ano, esses que funcionariam como uma ponte entre os anos 1 e 2. 

Assim nasceu a melhor solução para, como dito acima, Euphoria sair do padrão comum e sangrar na carne, como já havia se acostumado na estreia. Solução essa na forma de Part 1: Rue e Part 2: Jules, opostos complementares e irmãos de alma, episódios inventivos, refrescantes, aterradores e bem bolados. Filmados na pandemia, provando que o essencial para uma história ser contada é ela ser realmente boa. Técnicas de escrita e filmagem foram usadas para driblar as limitações do isolamento, e Sam Levinson dirigiu dois domos artísticos que não poderiam ser mais distintos um do outro e, ao mesmo tempo, cruelmente similares.

Trouble Don’t Last Always, focado inteiramente na figura de Rue, surpreendeu pela clausura da dependência e da solidão. Os vícios da personagem foram estudados com lupa e microscópio numa lanchonete em pleno dia de Natal. Zendaya foi fundo na hora de canalizar a depressão de sua protagonista, atestando o talento que fez história no Oscar da TV, se tornando a mulher mais jovem a vencer a estatueta e apenas a segunda atriz negra a bater tal feito.

Mais de um mês depois do balde de água fria sentimental, Euphoria estreou Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob. Mas esse não se trata somente de uma ‘resposta’ à aventura de Rue, ou apenas um cumpre cota enquanto a pandemia continua degradando os Estados Unidos. Coescrito pela própria Hunter Schafer, o capítulo natalino de Jules é um exorcismo da primeira temporada e do julgamento com que a personagem arcava.

Tudo começou com Hunter dirigindo pelo país, exausta mental e fisicamente do isolamento social. Ela cogitou se internar numa clínica psiquiátrica, até que Sam Levinson sugeriu que eles escrevessem um roteiro de Euphoria no lugar. Ela aceitou sorrindo, como contou numa entrevista à Jimmy Fallon, dias antes da HBO exibir Part 2: Jules. Na mesma conversa, Schafer agradeceu à Shonda Rhimes e seu Grey’s Anatomy, que ajudaram-na no processo de escrita.

O título do capítulo vem de um poema que a atriz escreveu na adolescência, e toda a pegada da trama ressoa tons poéticos e latentes de uma alma desacordada e, ao mesmo tempo, enérgica. Jules está na terapia, é sua primeira consulta e ela hesita em se abrir com a mulher do outro lado da sala. Quando perguntada sobre o que a levou àquela posição, a câmera se desloca para filmar o reflexo nos olhos claros de Jules.

Vemos então, finalmente, o seu lado da história, mas com o toque gourmet de Euphoria. A cena bota Lorde pra tocar, e sua sombria Liability é que conduz os eventos do ano de estreia da série. A música é cantada na íntegra, cores nascem e morrem na íris da garota, Jules não abre a boca para falar um ‘a’ e mesmo assim entendemos tudo. Ela se considera um fardo, como a letra da neozelandesa martela, ela se vê quebrada, remendada, atropelada.

E, sem prometer nada, a série desata a nos justificar os comportamentos de Jules. Hunter Schafer se apossa dos close-ups, ela abraça a vulnerabilidade reprimida de todas as deixas que roteirizou junto de Sam Levinson. Se Part 1: Rue certificava o talento digno do Emmy de Zendaya, Part 2: Jules coloca Schafer no mapa, e ela veio para ficar. A personagem chora, grita, assente e consente com os temores que a pressionam cada vez mais para baixo. Ela só gostaria de ser o mar, esse é seu maior sonho, por mais distante que esteja.

Algo que transformou Jules num ícone instantâneo, fora as tendência de guarda-roupa e maquiagem, foi sua posição de personagens trans que não tinha um arco narrativo modelado em volta de sexualidade, aceitação ou incertezas. A questão de seu gênero ou preferência sexual quase não é verbalizada na série, o que chama atenção no aspecto narrativo e também no plano maior, reafirmando que é muito possível retratar minorias na TV sem prendê-las em labirintos limitadores.

E a vibe despojada de Jules se reflete piamente no ritmo de Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob, bloqueando a monotonia de ambientes únicos e da câmera transitando sem vigor. Assistimos flashbacks da primeira temporada sobre sua perspectiva, conhecemos momentos de seu passado antes de transicionar, suas questões com a mãe viciada e com o pai desesperado em remendar os buracos da família. Mas o melhor de tudo fica à cargo das fantasias de Jules.

Sua imaginação é a responsável por construir as sequências mais ferozes do capítulo, a fantasia do homem da internet, as cenas de intimidade e de prazer. A escalação de Jayden Marcos, ator de filmes pornográficos, apenas evidencia o caráter disruptivo da série de Sam Levinson, sempre interessada em trazer o bruto e o carnal para os holofotes, denunciando temas tabus no percurso. Ao lado das partes românticas e sexuais, as fantasias irreais de um futuro não tão próximo ao lado de Rue colocam Jules em uma posição melindrosa, de cautela e culpa.

A culpa, de fato, é o motor de Part 2: Jules. Fossilizando os medos, traumas, remorsos e atitudes da menina, ela própria se ataca involuntariamente. Algo diagnosticado logo de cara pela Dra. Mandy Weedman, papel de Lauren Weedman, que entrega todas as deixas para Schafer brilhar. O momento em que Jules admite querer parar com os hormônios e com os bloqueadores é equivalente à personagem se despir frente às câmeras. Ela não fica literalmente pelada (como faz alguns minutos depois no capítulo), mas admite que, para seguir em frente, ela precisa deixar parte da bagagem de pesar pelo caminho.

Se tratando do flamboyant de Jules, todos os aspectos construtivos do episódio despejam esse caminho para quem assiste. Os figurinos de cores lavadas são sinônimo de sobriedade e vulnerabilidade, ela não usa maquiagem e tem nos olhos uma tristeza transmissível. A câmera opera em respiros chorosos, vemos o mar de longe, vemos seus cabelos molhados, vemos-na deitada no meio de uma bagunça do quarto, vemos-na sentada com as pernas abertas. Pela primeira vez, entramos em contato com a Jules de verdade, sem camadas falsas, interpretações de mentira ou olhares moldados pelos homens. Apenas a Jules.

A trilha sonora é a vacina para o mal que assola a personagem e, se não a curar de fato, é o momento perfeito para criar seus anticorpos. Abrindo com o mais indefeso que Lorde ousou ser, somos transportados pelo vácuo sentimental de Lo Vas A Olvidar, parceria inédita de Billie Eilish e ROSALÍA, encomendada para o Especial de Euphoria. A composição é mestra em encontrar um intervalo entre pensamentos, com a voz das artistas se abraçando no exílio da felicidade. Perto do clímax, Part 2: Jules ainda dá voz à Arca e sua recém saída do forno Madre Acapella, uma graúda ópera moderna.

Euphoria está subindo pelas paredes, aguardando o momento seguro de voltar à grade de domingo à noite na HBO. Os episódios especiais mostraram ser tira gostos essenciais e muito bem cozinhados, mas ainda recheados de propósito. Se tratando de Sam Levinson, Zendaya e Hunter Schafer, nada é por acaso. Acompanhar o desenrolar de nós narrativos da primeira temporada serem corrigidos e desatados nos capítulos extras apenas atiça a curiosidade para o que está guardado para o futuro. 

Trouble Don’t Last Always e Fuck Anyone Who’s Not A Sea Blob, acima de tudo, nos deram saudades do elenco de apoio que faz a série alcançar, semana após semana, seu máximo potencial. O atrevimento de Maddy (Alexa Demie), a fúria moral de Kat (Barbie Ferreira), os olhares complacentes de Lexi (Maude Apatow) e, Deus me perdoe, fez sentir falta até dos dramas, ataques e birras do rato do Nate (Jacob Elordi). Para os próximos meses, nos resta assistir às sessões de terapia que a série escreveu no Especial, enquanto lidamos com nossos próprios demônios, sejam eles palpáveis, como o vício de Rue, ou etéreos, como a resistência de Jules. Qualquer que seja o diagnóstico, com Euphoria estamos bem acompanhados.

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