Isabela Nascimento

Após nove anos de O Bebê de Bridget Jones (2016), a personagem de Renée Zellweger está de volta. Agora com duas crianças, uma amizade curiosa com a sua antiga paixão, Daniel Cleaver (Hugh Grant), dois jovens apaixonados e uma indicação de Melhor Filme para Televisão na 77ª edição do Emmy Awards. Baseado no quarto livro da autora Helen Fielding de 2013, Bridget Jones: Louca pelo Garoto, retrata a jornada da volta da protagonista à sociedade após a morte traumática de seu marido, Mark Darcy (Colin Firth). 

No início do filme, vemos a loira 100% dedicada a criação de seus filhos, sem tempo para trabalho e romances, mas depois de uma conversa com seus antigos amigos, uma chave vira em sua cabeça e ela resolve voltar ao seu trabalho de produtora e conhecer esse novo mundo dos encontros. Nesse meio tempo, em um cliché bem recorrente na saga, a britânica se vê em uma situação embaraçosa no parque e conhece um jovem charmoso. Roxster (Leo Woodall), um estudante de bioquímica, após conhecer a Sra. Jones fica encantado e eles começam a conversar por mensagem. Esse mundo deixa a personagem insegura com a sua idade e com a nova forma de flerte, porém esse sentimento desaparece quando eles têm o primeiro encontro. 

O romance acende uma nova chama em Bridget, que está mais determinada no trabalho e em sua vida amorosa, porém acaba passando por uma decepção com o seu ‘namorado’, mesmo frustrada, Jones continua empolgada em sua nova jornada e parte para sua próxima aventura. Por conta das crianças e de uma excursão escolar, ela se aproxima do mal-humorado, professor de ciências, Sr. Wallaker (Chiwetel Ejiofor), que é extremamente cuidadoso e atencioso com os filhos dela. Ao final do filme, a conexão entre eles aumentam e temos uma cena bem semelhante ao No Limite da Razão de 2001.

Bridget Jones: Mad About the Boy traz de volta os elementos e personagens clássicos dos longas anteriores, mas de forma mais contida e leve. A personagem principal continua sendo aquela mulher real, doce e divertida que conhecemos há 24 anos, o cativante Daniel Cleaver ainda é charmoso e rouba a cena e o romance segue sendo encantador e emocionante. Além da presença desses aspectos tradicionais, a trilha sonora traz uma sequência de músicas perfeitas com hits de Nina Simone, Robbie Williams e David Bowie. 

Porém, durante as duas horas do longa, há o questionamento: “será que a quarta sequência era tão necessária assim?”. Desde o começo da história a protagonista passa por situações modernas que muitas mulheres se veem e, mesmo sendo uma adaptação fiel do quarto livro de Helen Fielding, parece se encaminhar para mais um drama clichê, ainda assim, a parceria entre a roteirista e direção funciona tão bem que depois de assistir, o telespectador perdoa a morte de Sr. Darcy e essa nova trama, pelo resultado final.

A produção foi indicada a categoria de Melhor filme de televisão, no EMMY de 2025, e o nome faz jus ao sentimento que o filme traz. Aquela produção feita para assistir na TV no sábado a noite, simples, sem muita maluquice, cheia de clichês e momentos previsíveis, mas feito com muito amor. Bridget Jones: Louca pelo Garoto, nos faz sentir saudade daquelas comédias românticas dos anos 2000, que não vemos mais nos cinemas. 

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Ludmila Henrique

O chocolate, dos sabores mais doces até os mais amargos que conhecemos, transitou por grandes mudanças até se tornar um símbolo gastronômico. Originário da Mesoamérica antiga, as civilizações latinoamericanas foram as primeiras a utilizarem o cacau de maneira medicinal e em rituais. Os Astecas acreditavam que o chocolate era um presente dos deuses, usufruindo de seus grãos como moeda de troca e também como uma bebida afrodisíaca. No entanto, os componentes ganham uma característica familiar após sua vinda à Europa, onde foi adocicado com açúcar e mel, garantindo um sabor mais aprazível. Em Wonka, longa dirigido por Paul King, somos apresentados à fantasia de um ‘chocolateiro’, que deseja mudar o mundo com um pedaço de cada vez.

Com uma cartola cheia de sonhos, Willy Wonka (Timothée Chalamet) tinha um objetivo em mente. Após divagar os sete mares em busca dos melhores especiarias para suas guloseimas, o jovem finalmente desembarca no centro da Galeria Gourmet, uma esfera gastronômica de suma importância na composição de novos doces. Seguindo os anseios de sua amada mãe, o plano era simples: Chamar a atenção dos fregueses, conquistar seu apreço pelo paladar e obter dinheiro para abrir a sua própria confeitaria.
Entretanto, como o mundo é assinado pelo poder dos mais fortes, Wonka percebe da pior maneira que nem sempre as coisas acontecem do jeito em que planejamos. O famigerado cartel do chocolate dispõe de uma única regra: a proibição da venda de doces sem ter um estabelecimento. Consequentemente, também é impossível conseguir uma loja sem dinheiro. Impedido pelo sistema e endividado em menos de um dia, o confeiteiro procura estratégias inventivas para se esquivar da situação na qual se encontrou.

Roteirizado por Paul King e Simon Farnaby, que desempenha uma pequena e ilustre aparição em meio às cenas de comédias, a trama antecede os eventos das películas anteriores, sendo idealizado como um prequel de A Fantástica Fábrica de Chocolate (1971), de Mel Stuart e Roald Dahl. O longa-metragem antecipa, em trinta anos, a busca pelo bilhete dourado escondido na barra de chocolate, um clássico marcante e querido no cenário pop que, de vez ou outra, ainda é referenciado em séries e filmes.
Inspirado no passado da obra setentista, o enredo regressa para a década de 1940, Era de Ouro dos musicais no Cinema. Homenageando esse panorama, King capta em tela a essência dos filmes de Frank Capra, como It’s a Wonderful Life (1946), pelo senso natalino, e Mr. Smith Goes To Washington (1939), pelo sentido de comunidade; o que uma boa alma pode fazer em um sistema marcado pela corrupção. Além disso, o cineasta também desempenha um tributo ao ator Fred Astaire em Royal Wedding (1951), durante um espetáculo de atuação realizado por Calah Lane no terraço de um edifício.

O novo musical inclui canções originais de Neil Hannon e Joby Talbot, que narram a jornada do protagonista em ritmos alegres e dançantes, transportando felicidade à audiência, mesmo que as letras não sejam tão felizes assim, como em Scrub Scrub e Sorry, Noodle. Contudo, apesar das composições serem de fácil memorização, nenhuma delas carrega o impacto e a emoção de Pure Imagination, trilha original do longa de 1971, vocalizado por Gene Wilder em sua interpretação do ‘chocolateiro’ e que ganhou uma nova roupagem performada por Chalamet.
Conversando com a musicalidade divertida do filme, a Fotografia de Chung-hoon Chung permeia o fantástico. Os cenários extravagantes remetem a uma Europa mágica, onde existe uma explosão de idiomas e uma arquitetura clássica, mas também inventiva, um lugar que saiu dos livros infantis e ganhou vida. O jogo de câmera do diretor acompanha cada detalhe em cena, não deixando nada escapar. Uma união entre cores intensas com tonalidades mais escuras, que representam o sonho e a descrença do próprio Wonka.

Transitando entre o drama, o romance e a ficção científica em menos de cinco anos, Wonka transfere um espírito de alegria distante de outras obras interpretadas por Timothée Chalamet. Se solidificando no cenário cinematográfico, o ator inova em cada papel designado a ele, apresentando uma entrega excelente e se tornando, nos últimos anos, um dos grandes nomes da nova geração de atores. Arriscando no canto e na dança, Chalamet abraça uma nova versão de um personagem peculiar e instigante.
Willy Wonka é um sonhador, uma personalidade movida pelo seu sonho, sem medo de entregar tudo e mais um pouco de si mesmo para conquistar o que deseja. Guarda consigo uma inocência inabalável, capaz de acreditar na palavra do próximo sem se questionar. Consequentemente, por causa da última característica, Wonka é facilmente enganado por outras pessoas, que o colocam em várias enrascadas difíceis de sair. Mas, por outro lado, sua pessoalidade também é imensamente acolhedora e criativa, conquistando companheiros de luta e também novos amigos.
Somando o enredo, Olivia Colman está impecável como a Mrs. Scrubbit, uma hoteleira charlatona que faz tudo pelo dinheiro. Colman presenteia o público com aquela vilania cômica e nostálgica da década de 1990, como a impiedosa diretora Agatha Trunchbull do filme Matilda (1996). Em contrapartida, Hugh Grant incorpora um Oompa Loompa ‘engomadinho’ e honesto com seus deveres, dialogando diretamente com a figura do próprio ator que, embora tenha odiado a caracterização final de seu personagem, apresentou uma entrega formidável.

Wonka é doçura transformada em Cinema. Uma história que envolve magia para lidar com emoções humanas. Sentimento capaz de atravessar gerações e comover todas as idades. Uma promessa de um filho para a sua mãe. Um lembrete de que todas as coisas boas se iniciam com um sonho e que a melhor maneira de conquistá-lo é partilhando deste sonho com outras pessoas, como um pacote de baladas, um bilhete dourado ou uma barra de chocolate.

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Raquel Freire

O que você faria se uma estrela de Hollywood entrasse em sua vida enquanto estivesse cumprindo sua simples rotina? Você se exaltaria ou agiria normalmente e até tentaria fazer uma brincadeira casual, sabendo que provavelmente nunca mais se encontrariam? Quando William Thacker (Hugh Grant), dono de uma pequena livraria em Londres, olha através da caixa registradora e vê que a superestrela do Cinema norte-americano, Anna Scott (Julia Roberts), está procurando por livros de viagem, ele não pensa duas vezes antes de escolher a segunda opção. É assim que Um Lugar Chamado Notting Hill começa a ficar interessante.

O filme se aproveita da fórmula ‘boy finds girl’, recorrendo a um encontro improvável para dar início a um relacionamento um tanto quanto problemático. No entanto, esse é um método que funciona. Afinal, como esses dois personagens, tão diferentes entre si e com realidades completamente opostas, poderiam se encontrar? Para além disso, como eles seriam capazes de descobrir uma maneira de se ajustar um ao outro? O roteiro cuidadoso de Richard Curtis deixa a resposta escancarada: suas personalidades.

Os personagens de Hugh Grant e Julia Roberts compartilham uma conexão intelectual marcada por tentativas e neuroses. Essa característica os afasta do cenário atual em que se encontram as comédias românticas, todas marcadas por um mesmo script superficial, além de ser a responsável por despertar o interesse do público no longa. De fato, há algo inefável do final da década de 1990 na noção dos protagonistas como sex symbols, especialmente em uma obra que venera tão servilmente cada detalhe do rosto da atriz. Em parte, isso está presente nos visuais, que voltaram a estar na moda – ela com óculos escuros em formato de azeitona e blusas com decote midi, e ele com camisas com babados artísticos –, mas, dessa vez, concentrado mais em suas essências.

Anna Scott é vista não apenas como uma mulher desejável, como também uma pessoa complexa, com questões pessoais que atuam como obstáculos para atingir um estado de felicidade plena. Há momentos no longa que levam o público àquele tipo de silêncio abafado que ocorre quando uma verdade é proclamada em voz alta. Um deles acontece quando ela brinca que o preço de sua beleza se resume a procedimentos estéticos, apontando silenciosamente para seu nariz e seu queixo. Ainda que aqui se trate de uma estrela do Cinema que só existe na ficção, as entrelinhas dessa cena revelam uma problemática extremamente atual, o que traz a sensação de que não há distância alguma entre os anos de 1990 e 2020.

William Thacker, por outro lado, se destaca ao incorporar o ideal britânico de masculinidade refinada da época. O personagem de Grant é sensível, gentil e acessível, mas corajoso o suficiente para tirar satisfação com um grupo que desrespeita seu par romântico na mesa ao lado em um restaurante. Ele divide a diferença entre o adorável tímido – ao continuar gaguejando mesmo após o terceiro encontro, o que chega a ser um pouco irritante – e um tipo de herói moderno, disposto a contrariar os padrões da sociedade por uma paixão.

Para além dos dois pombinhos, Um Lugar Chamado Notting Hill encanta com seu elenco composto por grandes nomes: Rhys Ifans, Gina McKee, Hugh Bonneville, Tim McInnerny e Emma Chambers. Juntos, eles formam o grupo de amigos do personagem de Hugh Grant, que, dia após dia, passam também a acompanhar a protagonista de Roberts. A relação construída por eles é uma fiel representação do que amizade e companheirismo significam, resultando em conversas profundas, jantares repletos de risadas e uma carona totalmente caótica para conquistar o final feliz – o principal ingrediente de uma boa comédia romântica.

Outro ponto positivo do longa são as belas paisagens londrinas. As locações em Notting Hill foram uma jogada astuta: tinham classe, eram elegantes e pitorescas. Em alto e bom som, essa escolha do diretor Roger Michell e do produtor Duncan Kenworthy fez com que características do bairro e da capital inglesa fossem apresentadas para o público mundial sem precisar apelar para estereótipos, permitindo o acesso a pontos turísticos conhecidos de forma natural.

Notting Hill (no original) é composto por clichês do início ao fim. Porém, esse não é um fato que incomoda. Essa é uma daquelas histórias que todos sabem como vai terminar; o que faz valer a pena é o divertido caminho até o desfecho. Julia Roberts, Hugh Grant e Richard Curtis fazem parecer que a combinação de atores competentes e de boa aparência com piadas de efeito é o segredo para o sucesso, mas sabemos que essa fórmula não vem funcionando muito bem. A comédia romântica sem rodeios e com o coração na manga se tornou uma raridade fora de moda, e é por isso que esse clássico de mais de duas décadas não falha.

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Vitória Silva

Nós nos adaptamos aos famigerados plot twists. As grandes reviravoltas, viradas de mesa e acontecimentos mais que inesperados nas histórias que assistimos. Virou até sinônimo de qualidade assistir a um filme ou uma série que saiba conduzir o dito-cujo com veemência, dando um final de nos deixar de boca aberta. Por esse motivo que obras como Dark, Seven e Donnie Darko ficaram amplamente reconhecidas. E The Undoing brinca e se diverte com esse anseio comum. 

A minissérie de David E. Kelley, mesmo criador de Big Little Lies, se ambienta na alta sociedade nova iorquina. Nicole Kidman dá luz à psicóloga Grace Fraser, que tem uma vida luxuosa e bem sucedida, ao lado de seu marido Jonathan Fraser (Hugh Grant), um renomado oncologista infantil, e seu filho Henry (Noah Jupe). Em meio a caminhadas pelo Central Park e jantares com outras mães riconas, ela se depara com um ponto fora da curva em sua rotina de regalias, a misteriosa Elena Alves (Matilda De Angelis).

Mãe de um dos colegas da escola de elite em que Henry estuda, a jovem surge de forma inesperada no cotidiano de Grace, e se aproxima dela na mesma intensidade. E não é só a presença de Kidman no elenco que se coincide com a outra produção aclamada de Kelley, mas também a narrativa de suspense. Ao final do primeiro episódio, o corpo de Elena é encontrado em uma cena de assassinato. 

Para virar a realidade rotineira de Grace de ponta cabeça, Jonathan é dado como desaparecido no dia seguinte, e se torna um dos principais suspeitos do crime. Assim, a obra caminha para um verdadeiro thriller mesclado com um drama familiar, em que a protagonista oscila entre seus conflitos internos e a constante dúvida sobre a verdade do marido, ao passo que é reprimida no meio social em que vive. 

Mas o bicho pega mesmo com o retorno do personagem de Grant, que é a grande peça-chave de toda a história. O cinismo descarado do britânico arma uma emboscada na mente da psicóloga, que se reflete em quem assiste. Não sabemos se acreditamos na versão do suspeito número 1, nas hipóteses que Grace cria ou nas milhares de evidências que a polícia traz, tornando quase impossível negar o que está bem embaixo do nosso nariz. 

A protagonista cai no conto com muita facilidade, até demais para ser verdade, apesar dos inúmeros baldes de sensatez do seu pai (Donald Sutherland). Com o início do julgamento e as milhares de idas ao tribunal, a carcaça do oncologista vai se desfazendo aos poucos, enquanto a coitada da esposa clama por sua inocência, apesar de ela mesma não acreditar no que diz, e nem nós, mas colocamos a mão no fogo sem nem pensar duas vezes. 

Nessa teimosia do público em tentar fugir do que parece ser óbvio que The Undoing constrói sua narrativa. E faz isso enquanto joga todas as pistas possíveis na nossa cara, seja com a amiga Sylvia, interpretada por Lily Rabe, afirmando no primeiro episódio que “é sempre a porra do marido”, ou pelo próprio título da série, que já indica o que não pode ser desfeito. 

Mas o objetivo da trama só é bem sucedido, de fato, pela performance de Hugh Grant, que consegue nos enrolar sem nenhum esforço. Não fosse por isso, a produção não chegaria nem perto de prender a atenção do público até o último episódio. Tentar fugir do óbvio dizendo o óbvio é inovador em um primeiro momento, mas não se sustenta pela falta de desenvolvimento de outros possíveis suspeitos, como o marido de Elena Alves (Ismael Cruz Cordova), deixando uma única resposta lógica nas mãos do enredo. 

A própria protagonista não tem a devida evolução, e passa todos os episódios apenas revirando suas milhares de incertezas. Como uma psicóloga reconhecida e craque em identificar as dores e conflitos do outro, seria mais do que ideal elaborar as camadas e camadas dessa contradição. Mas a direção pareceu querer focar mais em aproximar a câmera do olhar desesperador de Kidman e a tornar extremamente cansativa e sem motivação. 

Tais lacunas da série são completamente preenchidas na também aclamada Mare of Easttown. Mesmo se aproveitando das manjadas reviravoltas em trama policial, a produção protagonizada por Kate Winslet consegue criar ganchos e personagens ardilosos, ao passo que, ao final da narrativa, não sabemos mais de quem duvidar. Um tempero que seria muito bem-vindo em Undoing.

No entanto, o charme de Hugh Grant foi suficiente para conquistar a Academia de Televisão. Não só isso, como conseguiu a única indicação em atuação para a série no Emmy 2021, em Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, e a sua segunda na categoria. O galã também vem com força nas previsões para levar a estatueta, podendo desbancar o favoritismo de Paul Bettany, realizando feito semelhante ao de Mark Ruffalo na edição anterior. 

A outra indicação foi para Design de Produção em Programa de Narrativa Contemporânea (Uma Hora ou Mais), com Lester Cohen, Doug Huszti e Keri Lederman na disputa. Só deu para sentir falta do nome de Donald Sutherland em alguma categoria, por ter sido indicado pelo papel no Globo de Ouro e vencido no Critics Choice Awards, além de resgatar seu impecável semblante intimidador de Presidente Snow na narrativa. 

The Undoing foge dos clichês com maestria, mas esquece de cumprir alguns requisitos principais de obras de suspense. Repetindo o ato de Big Little Lies, David E. Kelley se perde na condução final da trama. Mas, dessa vez, sem chances de recompensar o erro em uma próxima tentativa.

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Carol Dalla Vecchia

Depois dos anos oitenta, a onda de comédias românticas inundou a Sétima Arte, conquistando milhares de corações e expandindo seus horizontes para outras formas de entretenimento. Com tanto sucesso, em 1996, a autora britânica Helen Fielding levava esse gênero para a literatura e criava uma das personagens mais icônicas de rom-com. Bridget Jones nasceu como uma ávida escritora em seu diário, viciada em contar calorias e criar listas, e ansiosa para organizar sua vida, movimentar seus relacionamentos e abafar os comentários desagradáveis da família.

Como uma boa leitora, tenho o costume de apreciar mais as obras literárias do que suas adaptações cinematográficas, mas O Diário de Bridget Jones é um daqueles casos raros nos quais o filme é melhor que o livro. Exatamente por isso, é válido comemorar o aniversário de vinte anos desse clássico longa-metragem lançado em 2001, que foi responsável por levar um brilho especial a nossa protagonista, vivida na pele de Renée Zellweger. Enquanto a Bridget das páginas contava suas histórias de forma morna e às vezes problemática, a personagem das telas é dramática e sincera do modo mais engraçado possível.

O romance de Fielding é um reconto moderno de Orgulho e Preconceito, que fez a história original quase desaparecer quando colocada no contexto do final dos anos 90 e começo dos anos 2000. Alguns traços dos personagens e passagens de Jane Austen ainda são reconhecíveis, mas é preciso ser perspicaz e observador para encontrar uma trama dentro da outra. De certa maneira, a autora merece grande apreço por conseguir apenas se inspirar em um clássico sem reproduzi-lo. 

“É uma verdade conhecida universalmente: no momento em que uma área da sua vida começa a dar certo, outra parte desaba espetacularmente em pedaços.”

O enredo começa numa festa de fim de ano quando Bridget Jones conhece Mark Darcy – e existe Mr. Darcy melhor do que o ator Colin Firth? – e sua mãe tenta unir o casal. De cara, eles não se dão bem, Bridget sente uma repulsa por ele, e os pais e colegas de sua família dizem que, na verdade, seus costumes e aparência são o motivo de seu “fracasso amoroso”. Há uma constante afirmação de que ela não se encaixa nos padrões vigentes de beleza e comportamento, desse modo ela compra um diário para organizar suas ações, registrando cada caloria, cigarro ou gota de álcool que consome, pois acredita que o único meio para alcançar a realização afetiva e profissional é mudar sua forma.

No meio dessa luta, Bridget nutre uma paixão por seu chefe Daniel Cleaver – interpretado por Hugh Grant -, que percebe seu interesse e começa a retribuir os olhares e cantadas. Mas é claro que não para por aí: a proposta do filme é acompanhar um ano da vida da personagem principal, com seus altos e baixos cheios de cenas divertidas que acontecem pela tendência desastrosa de Bridget e pelos encontros entre ela, Daniel e Mark. Antes de a maioria das personagens femininas de comédias românticas assumirem esse clichê de estabanadas, O Diário de Bridget Jones estreava essas características de modo natural.

Por se tratar de um filme do começo do século, as mensagens levadas por ele ainda carregam um ponto de vista machista apesar de ser dirigido por uma mulher. O fato é que o livro já era cheio de passagens retrógradas e, como a própria autora fazia parte da equipe de roteiro, elas se mantiveram. A direção estreante de Sharon Maguire fez sucesso e o produto final ficou no meio termo entre os romances mais ou menos feministas, ganhando pontos positivos pela desconstrução do padrão inalcançável que a protagonista objetivava no começo da história.

Na primeira vez que assisti O Diário de Bridget Jones, não tinha o conhecimento do quão pioneiro era esse filme: depois dele, milhares de autores copiaram o formato e transformaram aquela personagem cômica e ao mesmo tempo realista no padrão das diversas narrativas que viriam a seguir. Por isso, eu achava que veria mais do mesmo, que o final seria óbvio e que a protagonista não me faria vibrar por sua jornada. Eu me enganei; me vi presa numa produção extremamente cativante e cheia de reviravoltas, me vi na pele da própria Bridget Jones e percebi que ainda há espaço para os amados clichês se destacarem.

Uma das peças fortes desse enredo é o modo como a autora abusa das coisas cotidianas, transformando-as em extraordinárias. Esse é um mecanismo que torna a narrativa complexa, porque os fatos em si não geram interesse no espectador, mas sim a forma como são contados. A vergonha alheia de ver uma mulher desastrada em seu primeiro dia de trabalho na TV, em geral, traria angústia se mostrada por outra personagem, mas Bridget a torna pitoresca e, com isso, icônica. Para levar esse teor às telas, Renée Zellweger deu o melhor de si, mesmo sendo criticada por não ter as características descritas no livro: ela se transfigurou para ser a protagonista perfeita – ou imperfeita, se preferirem.

De alguma forma, esse quebra-cabeça de acontecimentos comuns se une para construir algo maior que é a evolução da personagem. Aos poucos ela percebe que esse crescimento deve acontecer sem mudar a si mesma: ela pode ser feliz solteira, ela já é querida por seus pais e amigos e esse carinho não exige alterações na sua aparência nem na sua forma de falar sem pensar. Bridget Jones abre o caminho para a felicidade quando nota que amar a si mesma, com seu jeitinho de ser, é a chave para suas realizações e seu bem estar, além de ser o primeiro passo para ser amada por outras pessoas.

No fim, O Diário de Bridget Jones é responsável por trazer pequenas reflexões que deveriam ser aderidas por todos ao longo de cada jornada pessoal. Suas mensagens principais estão enraizadas em pontos que não mudam, e, mesmo sendo um filme de vinte anos atrás, ainda é tempo de se conectar com a sua essência e jamais deixar de lado sua alegria pelos comentários alheios. Sentimentos nascem de lugares inusitados e quando você menos espera, dois deles podem estar batendo à sua porta enquanto você cozinha uma sopa azul. 

Bridget pôs ordem em sua vida assim que começou a terapia de externalizar suas emoções através das palavras que colocava no papel. Nessa metáfora, ela ainda nos lembra de uma das grandes lições sobre a arte da evolução e da resiliência: às vezes, quando nossos desejos soam inatingíveis e as coisas parecem bagunçadas, só precisamos virar a página. Afinal, é apenas um diário.

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Vitor Evangelista

Alguns anos atrás, quando as tramoias de Frank Underwood não chocavam tanto quanto as de Donald Trump, percebemos que a modernidade não deve nada aos roteiros de Hollywood. São muitos os fatores que colocam 2020 num radar dramático e narrativo para a ficção se esbaldar. No contexto da pandemia e das eleições norte-americanas, Charlie Brooker e Annabel Jones decidiram que não liberariam uma temporada nova de Black Mirror no momento, mas eles fizeram melhor: optaram por lançar um especial de comédia recapitulando o ano. Eis que surge 2020 Nunca Mais.

É fato que a tradução do ‘especial de comédia da Netflix’ reduz um pouco a carga de sua mensagem. No original, Death to 2020 exprime com mais exatidão o caráter emergencial e execrador do filme. O que, a princípio, já levanta a maior questão de todas: 2020 realmente demandava uma retrospectiva cômica tão cedo assim? Não existe resposta certa. O roteiro, escrito por muita gente, categoriza os acontecimentos do ano e segue numa linha do tempo simples, onde quem é acostumado à Retrospectiva da Globo pode estranhar o pessimismo dos entrevistados, mas, certamente, estará acostumado ao formato adotado.

E, então, somos apresentados às figuras fictícias que nos guiarão ao longo dos 12 meses do ano. Samuel L. Jackson é um jornalista da paródia do NYT e tem as referências pop mais afiadas do filme, chegando no auge criativo de Brooker e companhia quando compara o status de popstar de Greta Thunberg à Billie Eilish. Na verdade, 2020 Nunca Mais pouco se esforça na hora de temperar seu texto com acidez e sarcasmo. Nesses tempos de notícias falsas, com presidentes pedindo para que supremacistas brancos deem um passo para trás, e outros ainda duvidando da eficácia da vacina, a ficção não tira riso fácil de ninguém.

O que já tinha sido colocado a teste quando Borat voltou 14 anos depois. Em 2006, o personagem de Sacha Baron Cohen conseguia fazer rir pelo absurdo e por revelar camadas nojentas de quem entrevistava. Agora, em 2020, acompanhado da formidável Maria Bakalova, Cohen não atira tão alto quanto no passado. Já virou rotina encontrar o abominável no canal de notícias ao invés da Netflix. Não à toa, a personagem de Diane Morgan, a cidadã comum, satiriza esse fato, chegando a interpretar a eleição de Joe Biden como o final de temporada da América. “Eu me surpreendi quando o país continuou indo em frente”, ela condecora em seu sotaque britânico. 

Qualquer tirada sacana ou ridicularização da estupidez cai por terra, sem qualquer peso cômico ou mesmo de estranhamento. Hugh Grant interpreta um historiador que jura de pé junto que os Caminhantes Brancos fazem parte da História americana, e Cristin Milioti personifica sua própria versão da Karen, a Kathy. Os atores se estendem em longos diálogos, com cenas de reconstituição visual e muita noção do ridículo, mas nada se sustenta como peça de comédia ou mesmo como partes de um filme. O Saturday Night Live faz isso desde 1975 e mesmo eles tem ciência do quão complicado é concorrer com os absurdos do mundo real. 

Usando o roteiro copiado e colado da realidade, e sem necessidade de inventar firulas espaciais ou uma Miley Cyrus Alexa, Charlie Brooker segue o caminho mais fácil que poderia seguir: ele envelopa as loucuras do ano num agasalho de sua marca maior, a do espelho preto. 2020 Nunca Mais em momento algum se identifica como algo derivado de Black Mirror, mas tampouco se afasta desse guarda-chuva. Dessa vez, não tem vergonha na cara de tentar soar original ou escrever tramas cheias de ganchos e viradas, nem o mínimo esforço para sair do senso comum, e não há nada mais ‘Black Mirror’ que isso.

O filme leva na brincadeira os terrores do ano, mas encontra em maio seu momento mais poderoso e com vigor. Na hora de falar sobre George Floyd e o movimento Black Lives Matter, a direção de Al Campbell e Alice Mathias é terna e resiliente, fazendo brilhar os personagens de Samuel L. Jackson e Leslie Jones (uma terapeuta que está de saco cheio), reiterando que as figuras negras de 2020 Nunca Mais são os únicos seres pensantes desse microuniverso. De resto, o elenco é estelar mas demasiado estressante. Kumail Nanjiani é irritante, Joe Keery é burro e Lisa Kudrow dá nos nervos. São estereótipos que assistimos e acompanhamos diariamente na mídia, e revê-los em suas versões banais é mais problemático do que benéfico.

Isso pois 2020 Nunca Mais é uma piada interna. Seus 70 minutos esbanjam a babaquice de quem sabe que está certo e vê, por esse meio e formato, a maneira mais certeira de escrachar a outra parcela da população. Parcela essa que pode assistir ao especial e não enxergar para além do véu do sarcasmo, como muitas vezes vemos acontecer no mundo real. As Karens abraçam esse princípio, e ser chamado de racista ou fascista não pesa os ouvidos que recebe as palavras. O filme é emergencial, apressado e empunha a má fé, rir de assuntos do gênero de forma tão imediata não é só errado, como também é deselegante. Mas, vejam o lado bom, pelo menos não teve Black Mirror este ano.

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