Gustavo Capellari

Em 23 de Junho de 2013, o selo e coletivo Personal Computer Music, mais conhecido por seu nome encurtado PC Music, disponibilizava seu primeiro lançamento musical, o single Bobby, da cantora GFOTY. A empresa foi fundada pelo produtor britânico A.G. Cook, que um ano antes já testava um protótipo de selo independente, a Gamsonite.

Embora Cook tenha sido essencial para a sua construção, quando ouvimos falar de PC Music, mais do que uma história linear ou um conceito fechado em uma empresa do Reino Unido, é aberta uma multiplicidade de significados, auras artísticas, gêneros musicais e estéticas (im)possíveis da pós-modernidade tecnocapitalista. O decênio do selo não pressupõe que as histórias das mais variadas subversões da música pop mainstream tenham começado apenas em 2013. A construção da PC Music e, juntamente, de gêneros musicais recentes como o hyperpop e o bubblegum bass, é produto direto e indireto da música que os antecede e da que é criada no mesmo período.

Dentre as influências, poderíamos citar a ascensão do uso de sintetizadores, a popularização do electropop, a plasticidade tecnológica do art pop de Björk, a idiossincrasia eletrônica de Aphex Twin e o ecletismo alternativo da indietronica. Já na EDM, é possível pontuar a mistura de estilos do UK bass, ou a forma pela qual o house passou de estilo de nicho das comunidades negras e casas noturnas de Chicago para se tornar um dos gêneros mais comercialmente relevantes da música eletrônica mundial.

Para entendermos o hyperpop, o digicore, o glitch pop e outras cenas e microgêneros relacionados, é interessante refletirmos sobre temporalidades: do mesmo modo que o passado é complexo, o presente também é, pois ambos são compostos por múltiplos eventos que se relacionam dialeticamente. Eventos concomitantes se interconectam e, ao mesmo tempo em que o passado influencia o presente, os eventos contemporâneos também moldam a forma como entendemos e concebemos nossa noção de pretérito (e de futuro). A música é influenciada pelo tempo social, mas ela também o influencia.

A noção de pop futurista poderia ser interessante para pensarmos sobre essas manifestações, mas seria facilmente confundida com o futurepop, um gênero específico que mistura a positividade do synthpop com a sonoridade industrial e visão gótica-apocalíptica da EBM (electronic body music). Embora a ideia de PC Music enquanto um gênero seja instigante, já que há de fato estéticas e sonoridades que são comuns à maioria de seus artistas, ela pode ser tratada como uma central de múltiplos gêneros e expressões artísticas que ultrapassam as fronteiras do pop comercial, o que se demonstra pela variedade de perspectivas que ela comporta.

Nesse sentido, o conceito de pós-pop poderia nos servir para refletir sobre as transformações da Música, dos gêneros e das ciberculturas ao longo do tempo, especialmente durante a década de 2010. O pós-pop não seria uma negação do pop, mas sim uma outra maneira de enxergá-lo, tanto que esses atos ainda são considerados, no geral, música pop. A PC Music não é a única a atuar nesse nicho, já que uma gama importante de artistas com grande relevância na cena experimental, como Arca, 100 gecs e FKA Twigs, não possuem vínculo direto com ela.

É interessante notar que, muitas vezes, mesmo quem não está dentro da PC Music também passa por ela de alguma forma. SOPHIE, cantora e produtora escocesa falecida em 2021, não era vinculada formalmente à produtora, mas colaborava frequentemente com A.G. Cook e GFOTY, por exemplo. Charli XCX, vinculada à Asylum Records, teve múltiplas faixas produzidas por EASYFUN, A.G. Cook e pela própria SOPHIE, além de ter colaborado com Hannah Diamond na música Paradise, do Vroom Vroom EP.

O caráter anglocêntrico da PC também deve ser levado em conta, já que há artistas de outros países e de outros idiomas que não têm a mesma visibilidade. Trata-se de um circuito técnico-artístico que se origina em um dos grandes centros do capitalismo, Londres, e não necessariamente questiona explicitamente o status quo – poderíamos dizer que a gravadora enquanto entidade artística e econômica dá luz a um pop aceleracionista e pós-irônico.

No senso comum, o uso exagerado do autotune na música pop é visto com maus olhos, pois sugeriria falta de talento vocal. No hyperpop, por outro lado, ele é uma das bases de construção sonora das composições. É um gênero pautado fortemente no exagero, na performatividade, no feminino e no andrógino – tanto que vê-se cada vez mais pessoas queer inseridas em suas próprias produções independentes de pós-pop.

Evidentemente, a PC Music não deve ser vista como a única grande impulsionadora dos processos de transmutação da música pop e eletrônica. Ainda assim, é necessário reconhecer o seu pioneirismo, especialmente na cena britânica e norte-americana, e as portas que foram abertas para que os artistas continuem exercendo a sua criatividade e o seu criar, seja dentro ou fora da gravadora.

A popularidade atingida pela PC, mesmo que não se dê no mesmo nível das grandes gravadoras, demonstra que projetos independentes, alternativos, avant-garde e/ou experimentais podem e devem ter seu espaço no mercado fonográfico. A Arte em sua era de reprodutibilidade técnica não é necessariamente uma mera massa homogênea de conteúdo facilmente digerível, amorfo ou sem personalidade, mas tem o potencial de transformar-se, deformar-se, reformar-se.

A criação musical, quando tem um caráter autocrítico, permite provocar e trazer novas experiências e visões por meio de ondas sonoras, que são o meio e também a mensagem. O impacto da PC Music vai além da Música em si – atinge casas noturnas, clubes, shows, instalações musicais, comunidades e até a forma como as produtoras e distribuidoras musicais se organizam e interpretam o processo de criar, promover e entregar a música a seus ouvintes.

Esse arcabouço ciberartístico desestabiliza nossas próprias construções conceituais sobre o mundo da Música. Afinal, o que é o pop? É o gênero que faz sucesso? O que vende? O que tem um apelo comercial, então mesmo se não fizesse sucesso ainda seria considerado pop? E onde entra o pós-pop da PC Music nisso? Talvez nem existam respostas definitivas para essas perguntas. O que chamamos de pop é uma construção abstrata, um conjunto vasto e heterogêneo de diferentes sonoridades e composições, que variam ao longo do tempo – o que é popular hoje é diferente do que era popular 10, 20 ou 50 anos atrás.

Tentar colocar a gravadora em um molde, seja pop ou eletrônico, seria retirar o potencial de inovação, diferenciação e diversidade que se observa em coletâneas como Month of Mayhem e PC Music, Vol. 3. Longe de estar morta, a PC Music, ao se renovar e testar outras possibilidades e artisticidades, com projetos como o de Hyd – parceira de SOPHIE que é o rosto do projeto QT e estreou sua carreira solo em 2021 –, pôde demonstrar que o seu encerramento marca apenas o presságio para novas iniciativas de inovação musical que estão por vir.

O post PC Music (2013-2023): o pós-pop reencarnado e virtualizado apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Mariana Chagas

Se hoje já não é fácil ser negro, latino e parte da comunidade LGBTQIA+, era muito pior nas ruas dos Estados Unidos nos anos 80. Desrespeitados e segregados, a solidão atormentava o dia a dia desses grupos. Então, de forma política, mas ao mesmo tempo divertida, foi no peito dolorido de um povo tentando transformar sua exclusão em união que surgiu a cultura do ballroom.

Foram nos subúrbios nova-iorquinos que, pela primeira vez, pessoas trans, pretas, latinas e homossexuais tiveram sua existência celebrada em forma de dança. Aos poucos foi se estabelecendo um cenário constituído por regras, estilos e características tão ricas e próprias que até hoje fazem parte desses bailes.

Conhecer a cultura do ballroom é ser apresentado às Casas, formadas por grupos tão unidos quanto uma família de sangue pode ser. É conhecer o voguing, popularizado por Madonna em 1990 quando lançou Vogue, o catwalk, as categorias, as gírias e tudo que constrói esse universo gigante. 

Gerações se passaram e o ballroom resistiu. Celebrando a livre expressão e ainda servindo como grande acolhimento, por todo o mundo, Casas ainda disputam entre si por dinheiro, reconhecimento e, é claro, muita diversão. Então, para os que querem se exibir aos olhos de milhares de pessoas e jurados especialistas, Legendary nasceu.

Recém-chegada no Brasil, a plataforma do HBO Max trouxe em seu catálogo as duas primeiras temporadas do reality apresentado pelo cativante Dashaun Wesley. Gravado no mundo pré-pandemia, os primeiros episódios contam com um público tão carismático que formava um personagem por si só. Mas, por conta das medidas de segurança e saúde tomadas, a segunda temporada de Legendary veio mais sozinha. 

Quem não abandonou o show foram os – quase sempre –  queridinhos jurados. Jameela Jamil, atriz da famosa sitcom The Good Place, e Megan Thee Stallion, cantora colecionadora de Grammys, se juntam ao grupo mais caloroso. Ambas não desperdiçam suas plaquinhas de nota 10 para enaltecer as casas.

Por outro lado, Leiomy Maldonado, grande nome no Vogue, e Law Roach, estilista de artistas como Zendaya e Ariana Grande, são mais difíceis de agradar. Os dois não escondem o descontentamento quando uma apresentação não os agrada. E, sinceramente, receber uma nota máxima do Law é tão difícil quanto as provas de Física do ITA.

Além dos rostos de sempre, cada programa conta também com a participação de diferentes celebridades que são convidadas para assistir e julgar as apresentações. Normani, Demi Lovato e outros famosos se juntaram ao cast e trouxeram ainda mais avaliações técnicas, além de muita risada, para a temporada dois.

Diferente da temporada inicial, a segunda volta mais organizada. O método de avaliação agora é baseado na soma das notas que as Casas recebem. Com uma apresentação em grupo e outras que são feitas individualmente, em dupla ou trio, as notas mais altas definem que Casas serão salvas, e quais vão precisar batalhar uma última vez para permanecer na corrida pelo prêmio de 100 mil dólares.

Outro ponto a ser analisado sobre os jurados são as maquiagens e vestimentas usadas. Seguindo a proposta da semana, os looks usados são de tirar o fôlego. As ideias devem partir das Casas, e serem construídas com a equipe liderada pelo figurinista Johnny Wujek,  talentosíssimo artista que já trabalhou com grandes figuras como Katy Perry e Mariah Carey.

Todo esforço por trás do vestuário dos participantes rendeu duas indicações ao Emmy 2021. A HBO (com auxílio do catálogo do HBO Max) se tornou a plataforma com o maior número de indicações do ano, ultrapassando a recordista Netflix. Na sua longa lista de categorias estão Melhor Penteado Contemporâneo em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção e Melhor Maquiagem Contemporânea em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção (Não-Prostética), onde Legendary concorre pelo episódio Pop Tart.

Nos dois episódios iniciais, foram apresentadas as 10 Casas que entraram na competição: Miyake-Mugler, Balenciaga, Comme des Garçon, Oricci, Icon, Milan, Luxe, Prodigy e Chanel. Cada uma com suas singularidades, o palco era onde precisavam conquistar os jurados – e nos fazer se apaixonar por cada integrante.

Os primeiros a deixar a competição foram Chanel e Prodigy que, tadinhos, mal tiveram tempo de mostrar para o que vieram. Se tinham ou não potencial para chegar em uma possível final, é algo que nunca saberemos. Logo foram seguidos pela House of Milan que, na semana onde precisaram se apresentar como um dos Sete Pecados Capitais, foram expulsos do Céu como Adão e Eva.

O destaque da primeira metade da temporada não poderia ser outro além dela: Tisci. A Casa que foi uma das mais talentosas a passar pelo programa constantemente era favorita, graças ao esforço inesgotável da Mother Gia Tisci e seus filhos. Ao serem os primeiros a receberem 10 de todos os jurados, era impossível negar seu dom. É uma pena que a eliminação do grupo tenha sido tão dramática, graças a um bate-boca de um membro da casa e, sem surpresas, Law. Ai, ai, esse Law. 

Com a saída dos icônicos, sobrou para o resto dividir os momentos de brilhar. Comme des Garçon realmente serviram muito bem, deixando os telespectadores bem alimentados. Mas como ninguém escapa das batalhas, se despediram na reta final. No episódio onde tiveram que apresentar três dos elementos do Vogue (hair whips, spins and dips, e floor performance), perderam para a Balenciaga, ficando em terceiro lugar. A derrota foi triste, mas quando Honey está do outro lado, tem como não esperar que ela vença? 

A grande final foi composta, além da Casa que se salvou no penúltimo programa, pela House of Miyake-Mugler. A equipe que iniciou o programa tão mal, teve a maior das evoluções. Passando pela quase-eliminação, os membros tiveram a força que precisavam para dar a volta por cima e se tornarem lendários. Ganhando os últimos Bailes, foi com um prêmio de 100 mil dólares que a Casa finalizou a competição, além da felicidade contagiante.   

A produção ficou na mão de David Collins, Rob Eric e Michael Williams. O trio também responsável por Queer Eye já ganhou o Emmy pelo programa da plataforma vizinha, a Netflix. Juntos construíram Legendary de forma tão convidativa que dá para se perder nos capítulos e fingir, por um tempo, que estamos dentro dos calorosos balls.

Entre todas as reviravoltas, discussões e muita dança, o que continua mais marcando cada episódio são as mensagens transmitidas nas performances. Na disputa de corpos, quando todos os tamanhos são valorizados e apreciados, o que ganha é a confiança. Nas batalhas, após o duelo os oponentes se abraçam, o que se destaca é o respeito. Antes de adversários, cada membro de cada grupo é parte de algo maior.

No meio dos treinos e apresentações, muitas histórias de vida são compartilhadas. Prostituição, racismo, transfobia, abandono, e tantos tipos de violência são traumas coletivos pela comunidade em um todo. Fazer parte do ballroom, então, é escapar da triste realidade de onde muitos vem. 

Em sua última performance, a Casa Balenciaga encantou ao subir no palco cobertos de rosa e dourado para falarem sobre amor. Love is the message, comenta Mother Shannon no seu discurso final. E ao acabar de assistir o décimo episódio, Ballroom 5000, ficamos com o resto do amor derramado pelas Casas em nossos corações. 

Já renovada para uma terceira temporada, o seriado ainda promete continuar trazendo a cena do ballroom para dentro de nossas casas. Te fazendo rir com os shades trocados pelas Casas, te fazendo chorar com os emocionantes relatos dos participantes, te fazendo ter raiva ocasionalmente dos jurados e te deixando com muita, mas muita vontade de sair dançando por aí, a segunda temporada de Legendary fez o que precisava ser feito.

O post A segunda temporada de Legendary fez o que precisava ser feito apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Leonardo Teixeira

Uma sirene corta a noite, enquanto carros buzinam no que parece ser uma rua movimentada. Mas não é só o ruído urbano que se ouve. Vem vindo um compasso, seco e sintetizado, que se aproxima aos poucos. Logo, a cidade é engolida pela batida eletrônica. Estamos na pista de dança. É assim que é introduzida I Love New York, faixa 5 do décimo disco de estúdio de Madonna, Confessions on a Dance Floor (2005). A música homenageia não só a cidade que acolheu a aspirante a dançarina, quando ali ela desembarcou – com apenas 35 dólares no bolso, reza a lenda -, mas também o tipo de estado de espírito noturno e eufórico que resiste nas ruas e explode sob a luz de estrobo. 

Madonna nasceu na pista. A boate Danceteria, onde ela se lançou como cantora solo, era um palácio underground no início dos anos 80, em Nova York. Lá, sob o globo de espelhos, ela dançava noite adentro ao som de disco, hip-hop, ritmos latinos e mais uma mistureba de estilos, numa bolha de arte e diversidade que inspiraria toda sua carreira. A noite como esse lugar seguro, de autoafirmação, é ponto de partida do disco, que completa hoje 15 anos na cena. 

Logo de cara, fica claro que o álbum foi pensado como um set de DJ, pelo desembocar em cascata das faixas umas sobre as outras. E que forma melhor de abrir a pista do que Hung Up? Seu conceito nasceu de um projeto de Madonna com o diretor Luc Besson, que pedia um som que lembrasse “ABBA on drugs”. O roteiro foi engavetado, mas a música era boa demais para ser descartada. Stuart Price, jovem produtor que a cantora já conhecia, ficou encarregado da produção, que é construída sobre uma base de sintetizador, brilhantemente sampleada de Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight), do grupo sueco ABBA. 

Price, que assina com dona Ciccone grande parte do LP, alterou o tom, picotou e brincou com o trecho, incluindo também uma linha de baixo que trouxe a faixa para o século XXI. Nascia ali uma das pérolas da carreira tetragenária de Madonna.

Com direito a collant cor-de-rosa, cabelo à Farrah Fawcett e rádio boombox no ombro, a canção talvez seja a maior referência direta à discoteca setentista do registro. Outro destaque, a hipnotizante Future Lovers, reaproveita um clássico de Donna Summer (ou a melhor canção pop já feita), mas o olhar  aqui é futurístico. “Não controlados pelo tempo/Amantes do futuro brilham/Pela eternidade/Num mundo livre”, Madonna idealiza, evocando a mesmo sentimento utópico de comunidade e inclusão que nomes como a própria Summer, Sylvester e Earth, Wind & Fire proporcionaram a toda uma geração. 

A tracklist segue, bebendo muito mais da ebulição libertadora dessa era, do que o som propriamente dito. Na verdade, o que mais parece orientar a sonoridade do registro são os movimentos pós-disco, como a house music e o synthpop. 

Get Together, por exemplo, remonta a trabalhos da dupla de DJs Daft Punk. A vibração aqui ganha aura ritualística, quase religiosa. Como uma bíblia, Confessions está aberto a diversas interpretações, e a faixa exemplifica isso com brilhantismo. A letra pode ser sobre um amor profundo, uma paixão que perece ao amanhecer, solidão ou tudo junto. É essa a graça da pista de dança. Entre os corpos em movimento, não cabem longos diálogos, fica difícil da gente se ouvir. Confissões flutuam no ar, num universo em que certezas nem são necessárias. 

Mas nem só de escapismo é feita a noite. A Rainha nos lembra que espaços como a Danceteria eram, principalmente para pessoas LGBTQIA+ e não-brancas, os únicos onde se podia viver plenamente seus conflitos emocionais e afetivos. Então chorar as pitangas faz parte da experiência também. Triste e elegantérrima, Forbidden Love questiona as barreiras invisíveis que nos impedem de amar alguém em força total.  A versão da faixa para a turnê mundial do disco – que merece um texto por si só – vai mais fundo, iniciando um conversa pesada e necessária sobre o conflito israelo-palestino. É de arrepiar.

Outro momento de confissão, Jump relembra a chegada de Madonna em Nova York em 1978, e sua procura por independência. “Eu consigo sozinha, minhas irmãs e eu”, ela repete sob camadas e camadas de sintetizadores, reforçando a importância da família que a gente escolhe nesse processo de crescimento. A vastidão eletrônica faz referência a trabalhos de outra dupla, os Pet Shop Boys.

Em abril de 2006, a cantora foi uma das headliners da sétima edição do Coachella. Mas a surpresa é que, apesar de ser o principal nome da edição, ela não ocupou o palco principal do evento. Seu show aconteceu na tenda eletrônica, que quase veio abaixo com os primeiros tic tacs de Hung Up. Por sua vez, a canção que Madonna estreou em sua primeira performance solo lá na boate Danceteria, Everybody, fechou a apresentação, numa versão remixada por Stuart Price. É o culto à pista de dança atravessando gerações, amém.

Discoteca e suas adjacências seriam revisitadas por mais um monte de gente nos anos seguintes. Em 2020, por exemplo, o espírito da época parece pedir pelo tipo de música que une as pessoas num lugar de acolhimento, e muitos hits recentes adotam essa referência. Sonoramente, quem mais se banhou em águas madônnicas é Dua Lipa, com o bem-sucedido Future Nostalgia. Mas o impacto vai mais longe.

Temos aqui o disco com o qual todos os novos trabalhos de Madonna sempre serão comparados. Apesar disso, Confessions on a Dance Floor não tem intenção alguma de reinventar uma época. O que acontece aqui é uma conversa sendo passada para frente, referências em renovação, já que a utopia da discoteca não pode morrer. 15 anos depois, esse álbum ainda recria um espaço seguro, de vivência e amadurecimento para quem quiser dançar junto. Esse lugar nunca perderá seu brilho. 

O post 15 anos de Confessions: o lar que Madonna construiu apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Capa da versão deluxe (Foto: Norbert Schoerner/Interscope Records)

Jho Brunhara

Lady Gaga é uma ótima contadora de histórias. Desde seu primeiro projeto, quando sua persona foi construída através de uma imagem bizarra, instigante e quase mística, a nova-iorquina não estava ali só pelas músicas. Estava pelos visuais, conceitos pretensiosos que funcionam, e principalmente, sua narrativa. Uma jovem seduzida e engolida pelo monstro da fama; depois uma alien-mãe lutando pela liberdade de seus monstrinhos; um híbrido metade-Warhol metade-Gaga nascido de um ovo azul botado por Jeff Koons; uma grande homenagem póstuma meio country; e agora, Chromatica. 

Nem sempre é possível entender exatamente o que a artista quer contar em todos os universos que cria, como no controverso ARTPOP, mas dessa vez a mensagem chega clara ao ouvido deste planeta: Chromatica soa como uma celebração. O primeiro disco de Gaga sem nenhuma balada para desacelerar o caminho de suas 16 faixas incorpora o house e o dance dos anos 90, luta pelo seu espaço nas pistas de dança do presente, e relembra o mundo que às vezes você só precisa dançar, mesmo que sozinho em seu quarto, e tudo vai ficar bem. 

As interludes I, II e III foram escritas pela produtora White Sea e Lady Gaga (Foto: Norbert Schoerner)

Apesar da atmosfera dançante e lotada de energia, o quinto álbum de Gaga é muito mais pessoal do que sua estética e sonoridade aparentam. Para quem cantou sobre um amor destrutivo e a psicose de Hitchcock em um dos hinos pop mais famosos da história, não é difícil incorporar temas mais densos em uma embalagem chiclete e plástica. “Your monsters torture me”, “My biggest enemy is me”, “I feel like I’m in a prison hell”. Esse dualismo é evidenciado por letras que vasculham os horrores da consciência em embalos frenéticos, te colocando para dançar enquanto a artista canta suas confissões íntimas, como se a música fosse sua terapia.

Mergulhada em um high-concept, a narrativa se apoia em tudo que tem direito, desde imersão estética até participações de peso, como o girl group BLACKPINK, gigantes do kpop. E mesmo com o risco de ressuscitar os batidões dos anos 90 para as gerações mais novas, o que chama a atenção é a necessidade de distrair o ouvinte de suas repetições e excessos.

Em entrevista, Gaga revelou ter enfrentado dores crônicas e depressão durante o processo de gravar e produzir o álbum, mas que utilizou as próprias músicas para canalizar a tristeza e encontrar força (Foto: Frederik Heyman)

As faixas propositalmente mais curtas no álbum não são apenas efeito do streaming, e tem a mesma intenção das interludes, tornar o uso das batidas 4×4 da house music menos maçantes. Jogada de mestre de Gaga e BloodPop®, o principal produtor do disco, mas que também mostra certa malandragem para mascarar as estruturas mais simples das músicas. 

Em canções como Stupid Love, Fun Tonight e 1000 Doves, os recursos sonoros caem em um clichê já esperado, se distanciando da qualidade consistente do resto do CD, mas nada muito grave. E mesmo com 16 tracks e o constante bate-estaca do house, o álbum utiliza muito bem suas maracutaias e respiros, e a sonoridade se estende coesa sem parecer pesada, amarrando perfeitamente a experiência.

O britânico BURNS também assina diversas faixas de Chromatica, mas é em Replay que sua produção brilha mais forte. Gaga canta sobre suas cicatrizes e um sentimento crônico de dor, acompanhada de um instrumental explosivo e absolutamente dançante. O contraste não poderia ser mais evidente, e essa combinação tão conhecida na música pop ganha mais uma camada, e mostra uma artista sem medo de escancarar seus fantasmas, convertendo a tristeza em refrões poderosos.

O desabafo de Gaga não para por aí: Sine From Above, parceria com o lendário Elton John, fala sobre fé e superação em versos enérgicos. A colaboração com Ariana Grande, Rain On Me, também utiliza de seu momento para cantar sobre traumas e como encontrar um caminho para seguir em frente, “eu preferia estar seca mas pelo menos estou viva”.

A nostalgia se manifesta em Chromatica, não apenas nas batidas da música house, mas também nas temáticas presentes no LP. Com um instrumental assinado por BloodPop® e Skrillex, Plastic Doll evoca o lirismo sarcástico e a estrutura das músicas do The Fame, e os “oh ma ma ma” de Alice parecem nos transportar diretamente para Poker Face. Aos que passaram os últimos anos implorando para que Lady Gaga ‘voltasse ao pop’ (de onde nunca saiu exatamente), parece que a cantora atendeu aos pedidos, mas mostra em seus versos que nunca mais será a mesma pessoa que o mundo conheceu 12 anos atrás. 

“Música é o que me curou durante a minha vida, e me curou novamente gravando esse álbum”, via Zane Lowe (Foto: Norbert Schoerner)

Não há outra forma de encerrar a história do disco que não seja com Babylon. Besuntada pela sonoridade dos anos 80 e 90, canta uma analogia envolvendo fofoca, pecado e a torre de Babel, sob pianos, coros e trompetes. À la Vogue de Madonna, o refrão transforma qualquer chão em um desfile, e crava suas palavras faladas em viciantes hooks. Esse universo idealizado por Gaga é sua própria Babilônia, mas ao contrário da imponente cidade, suas fragilidades são expostas para sua própria fortificação. 

Chromatica é essencialmente positivo em quase todas as decisões que toma. É meticuloso como experiência, sendo uma óbvia coletânea dançante, mas nunca se esquece do seu propósito narrativo. E mesmo manifestando um rebuliço interno de tristezas e angústias, sabe processar cada uma delas, como se Gaga estivesse cantando diretamente de um divã, para curar a si mesma. Como arquiteta de mais um mundo que criou, dessa vez os tijolos parecem ser mais fortes. E se o processo de elaboração do disco foi a reabilitação, seu lançamento e recepção são um atestado de alta.

O post Chromatica é um divã na pista de dança apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.