Vitória Borges

Remake do longa original dirigido por Steven Spielberg e transformado em musical da Broadway, o filme A Cor Púrpura (2023) conta a trajetória perturbada e comovente de Celie Harris, interpretada por Fantasia Barrino, como uma mulher negra vivenciando experiências reais e violentas nos Estados Unidos do século XX. A produção explora o desenvolvimento da protagonista em busca de sua liberdade e autorrealização de maneira clara e envolvente.

Com cores vibrantes e elenco que encanta o público, o longa produzido por Oprah Winfrey, Quincy Jones e Spielberg e dirigido por Blitz Bazawule se diferencia muito do primeiro, lançado em 1985. A versão musical da produção suaviza temas pesados abordados na história original de Alice Walker, como machismo, racismo, abusos e até mesmo misoginia. Além disso, o toque especial dado por Bazawule foi de manter a estruturação da mesma forma que foi apresentado anos atrás na Broadway, adaptando somente o ritmo da narrativa ao gênero e utilizando números musicais para fazer quebras em determinados pontos da história.

Apesar de performances cativantes e uma direção sensível, que mergulha nas vidas dos protagonistas, dando-lhes voz e dimensão, algumas sequências da obra parecem muito apressadas, carecendo o desenvolvimento detalhado de certos aspectos da trama em favor de um ritmo mais acelerado. Isso deixa o público desejando uma exploração mais profunda de certos temas e relacionamentos entre os personagens.

Acompanhar a jornada de Celie rumo à liberdade e triunfo é, de certa forma, comovente e emocionante. A capacidade da união e amizade entre a personagem com Sofia (Danielle Brooks) e Shug Avery (Taraji P. Henson) faz com que ela parta em busca de sua independência, mostrando o poder da resistência feminina diante de um sistema opressor. É dessa forma que a protagonista encontra sua voz e se sente encorajada para enfrentar todos os seus problemas e finalmente sentir-se viva novamente para poder desfrutar de sua autonomia.

A maneira como a produção foi adequada para os dias atuais é de se impressionar: o melodrama vivido por Barrino durante o filme é marcado por uma mistura cativante de vulnerabilidade e força, capturando a essência da luta e da resiliência que define a jornada de sua personagem. A cantora não apenas se destaca em cenas dramáticas, mas também demonstra um talento surpreendente em momentos de leveza e humor, adicionando camadas ricas à complexidade de sua persona.

Em 1986, o longa original, produzido e dirigido por Spielberg, concorreu a onze categorias do Oscar, sendo uma delas a de Melhor Atriz Coadjuvante – com Oprah Winfrey no papel de Sofia Johnson. Esnobado mais uma vez pela bancada da premiação, a trama que carrega de The Color Purple parece estar amaldiçoada. Dessa vez, a versão de 2023 foi indicada a uma única categoria, a de Melhor Atriz Coadjuvante, destacando o talento excepcional de Danielle Brooks.

Revivendo o mesmo papel da Broadway nas telas do cinema, a atriz  compete com America Ferrera (Barbie), Da’Vine Joy Randolph (Os Rejeitados), Emily Blunt (Oppenheimer) e Jodie Foster (Nyad). É a primeira vez que a artista é indicada à premiação e é esperado que ela esteja entre as favoritas para levar a estatueta para casa. A estrondosa habilidade de Brooks em cena é de tirar o fôlego, sua indicação é mais do que merecida e serve como um lembrete do poder duradouro do Cinema para inspirar, provocar reflexão e promover a empatia.

Embora se mantenha fiel à trama original em muitos aspectos, a história de The Color Purple poderia ter sido rejuvenescida através de uma experimentação mais audaciosa com a forma e o estilo cinematográfico. Da mesma maneira que a produção acompanha a capacidade de superação dos protagonistas, ela acaba perdendo parte de sua complexidade e da crueza do material original. Além disso, as canções mereciam mostrar mais ousadia e profundidade nas cenas.

Por fim, A Cor Púrpura é uma poderosa celebração da resiliência humana, da força feminina e da busca pela redenção. Sua direção ousada e abordagem honesta sobre questões sociais cumpre muito bem o papel de captar a atenção do público e mantém uma experiência cinematográfica extremamente imersiva e emocionalmente poderosa, além de ser considerado como uma contribuição importante para o cenário cultural contemporâneo.

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Guilherme Machado Leal

Em 2019, foi anunciado o elenco do live-action de A Pequena Sereia, tendo a atriz Halle Bailey como a protagonista Ariel, o que incomodou diversos fãs da animação original. Possíveis argumentos que poderiam ser levantados – mesmo sem um material promocional da obra sequer ter sido divulgado até aquele momento – deram lugar a uma enxurrada de comentários racistas pela internet. A cantora, da dupla Chloe x Halle, sofreu ataques desumanos devido a sua cor de pele: o primeiro teaser do filme foi bombardeado por um alto número de dislikes, o que mostra uma certa resistência – no caso, puramente racismo – do público para sua versão da Ariel. Agora, após a estreia, finalmente podemos avaliar de uma forma justa: Bailey fez jus à icônica sereia conhecida em 1989?

Essa pergunta não poderia ser respondida de outra forma: a artista é, de fato, a Ariel que precisávamos. Com a sua voz angelical e única, ela confere à personagem um traço de identificação ainda maior do que o presenciado na animação. A escolha da promissora atriz mostra que, quando quer, os estúdios Disney entregam ao público uma adaptação digna e que não compromete de forma alguma o seu material base. 

O retrato da icônica sereia é feito de uma forma extremamente cuidadosa, uma vez que a personagem, pelo seu carisma, precisava ter a sua história contada de uma maneira que transpusesse da animação para o real a sua singularidade, a qual captou fãs pelo mundo inteiro. Com a escalação da artista para o elenco, esse legado foi levado adiante, ainda mais ao se observar o número de garotas pretas que puderam se sentir, pela primeira vez em um live-action, uma princesa de um conto de fantasias.

Dirigido por Rob Marshall (Chicago), A Pequena Sereia demonstra todo o cuidado do cineasta na construção do projeto: com o objetivo de colocar em tela a realidade, ele optou pela técnica fotorrealista na hora de retratar o fundo do mar. Certamente, em algumas cenas específicas em que apenas o cenário abaixo da terra é mostrado, pode-se perceber que o distanciamento da fotografia do filme de 1989 foi colocado em prática pela equipe de produção, uma vez que é notável a forma como o lar de Ariel é retratado. Além disso, com os designs criados para o próprio longa, o trabalho de John Myhre evidencia um frescor no que se relaciona ao CGI de adaptações live-action – diferentemente do de O Rei Leão, já que o público, ao ver o resultado final do filme, consegue acreditar que aquele cenário existe na vida real.

Um ponto que deve ser ressaltado e elogiado em A Pequena Sereia são os atores. Devido a sua excelente bagagem como comediante, Melissa McCarthy expressa uma Úrsula, a vilã, ao mesmo tempo assustadora e divertida. A maquiagem da personagem, que na animação é inspirada na arte da cultura das drag queens, no live-action não possui esse fator, o que pode ser um problema para os fãs mais apegados. No entanto, a caracterização de McCarthy não atrapalha o andamento da personagem e muito menos a afasta dos espectadores. Outro acerto é Javier Bardem, como o temido Rei Tritão. A roupagem dada pelo ator humaniza o pai de Ariel, que é extremamente protetor com a sua família e respeitado como o líder dos mares.

Aliás, a vontade da protagonista aqui é mostrada de uma forma bem clara: ela quer ser humana porque quer a sua liberdade. Antes mesmo de conhecer Eric (Jonah Hauer-King), a adolescente já possui o sonho de se aventurar pelo mundo terrestre. Com a canção Part of Your World, solo poderoso da princesa, o público entende o porquê o fundo do mar não ser seu único lar, além de se emocionar com os vocais tocantes de Halle Bailey que, nesse número, mostra a capacidade e a facilidade com que domina o papel. Por outro lado, o melhor amigo da sereia, Linguado (Jacob Tremblay), é um dos pontos fracos: todo o carisma do personagem não é captado e colocado no live-action, tirando o interesse acerca do seu arco. Isso é algo que não acontece com Sebastião (Daveed Diggs), que serve como alívio cômico e obtém na versão de 2023 um maior tempo de tela, sendo assim o mais importante companheiro de Ariel.

Quando o live-action foi anunciado, a seguinte pergunta foi feita: “Quem seria capaz de interpretar o príncipe Eric?”. O cantor Harry Styles, inclusive, quase pegou o papel do par romântico de Ariel, mas foi Hauer-King quem levou a melhor. Entretanto, no momento em que se compara a atuação de King com o nível entregado por sua co-protagonista, percebe-se que a adaptação de Eric não foi um dos acertos do filme, visto que o seu solo, a música Wild Uncharted Waters, é completamente desnecessária dentro das 2 horas e 20 minutos pelas quais o longa caminha, além de não acrescentar camadas para o personagem.

Por esse lado, a trilha sonora composta por Alan Menken, que participou da curadoria e produção da animação de 1989 e da adaptação, consegue fazer com que o fã saia da sala de cinema correndo para os agregadores de música a fim de ouvir o álbum completo. Com a adição de quatro novas canções, dentre elas um novo solo da protagonista, chamado For The First Time, e a engraçada The Scuttlebutt – ambas escritas por Lin Manuel Miranda (Em Um Bairro de Nova York) em parceria com Menken – a trilha sonora é, com toda certeza, um dos pontos altos dessa nova versão. As faixas originais, como Kiss The Girl e Under The Sea, continuam tão divertidas de se assistir e, com exceção do design do personagem Linguado, todo o resto é representado de uma forma crível e real. 

A Pequena Sereia apresenta problemas de narrativa: mesmo com um tempo gigantesco, se comparado aos 83 minutos da animação, o filme não sabe se prioriza o desenvolvimento de personagem ou se prefere recriar cenas idênticas às do longa de 1989. Todo o terceiro ato é corrido e resolvido rapidamente, o que afasta seu público, dado que, pelo fato de as resoluções terem sido resolvidas em questão de segundos, o medo e o pânico são inúteis devido à falta de seriedade dos problemas gerados. Talvez se o solo de Eric e as outras duas músicas novas fossem cortadas, teria mais tempo para focar estritamente no desenvolvimento dos enredos que a trama apresenta.

Ao final, no geral o saldo de A Pequena Sereia é mais positivo do que negativo. Com a ótima direção de Marshall, alinhada ao comprometimento dos atores de entregarem um excelente trabalho, é possível se emocionar com o mais novo (não por muito tempo) live-action da Disney. Embora o filme tenha seus acertos, mais uma vez é preciso reforçar: a guinada de adaptações de obras que já existem para o Cinema evidenciam a crise que esse setor está passando, porque a existência de longas adaptados de animações é desnecessária. Até o momento, Aladdin é considerado pelo público geral o melhor filme adaptado da Disney, mas a história de Ariel vem logo atrás e, mais precisamente, por conta da belíssima atuação que Bailey entregou.

Por isso, é necessário o reconhecimento da atriz novata nesse papel. Ela interpretou uma personagem muito querida pelos fãs aficionados, o que não justifica de forma alguma todo o preconceito sofrido pela artista. Espera-se, aliás, que a internet aprenda duas coisas: primeiro, deixar de criticar o filme antes do lançamento e, segundo, parar de cometer crimes e disfarçá-los como opiniões. A protagonista é uma mulher forte e determinada, algo que transparece na intérprete no momento em que você a vê em cena. Dito isso, é importante exaltar A Pequena Sereia de 2023, pois é esse o projeto que apresenta ao mundo o talento incomparável de Halle Bailey.

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Mariana Chagas

Sair da casa dos pais não é fácil. Apesar de muitos jovens crescerem sonhando com a tão desejada liberdade, ela vem com obstáculos que nos fazem ter vontade de correr de volta para nossa cidade natal constantemente. A verdade é que não importa o quanto planejamos e tentamos manter uma estabilidade, em algum momento tudo desmorona. E é nesse momento de muita confusão que a irmã mais velha dos Johnson se encontra.

Zoey cresceu sendo mimada pelo pai, obedecida pelos caçulas e popular na escola. Acompanhamos a personagem de Yara Shahidi durante as temporadas iniciais de black-ish sendo um grande destaque da história. Passando de uma adolescente dramática para uma jovem mais dramática ainda, quando entra na faculdade a menina tem um brusco choque de realidade.

Acostumada a ter tudo de mão beijada e ser sempre queridinha, é assustador quando a universitária percebe que terá de lutar não apenas para conquistar sucesso, mas até mesmo para fazer amigos. Aos trancos e barrancos, unida a um grupo de pessoas tão perdidas quanto ela, Zoey vai descobrindo mais sobre a vida e, principalmente, sobre si mesmo.

A série foi criada pelos especialistas em sitcoms: Kenya Barris, criador de black-ish, e Larry Wilmore, creditado em roteiros de The Office e Um Maluco no Pedaço. Ambos arriscaram desviar da comédia do programa original para seguir um caminho diferente. Quebrando a quarta parede, os episódios são cheios de comentários sarcásticos e uma quantidade não-saudável de reclamações da protagonista para a câmera.

A verdade é que o crescimento fácil de Zoey a transformou em tão egocêntrica que fica difícil da menina conseguir enxergar o outro. Ela falha não com um ou dois, mas os três namorados que tem. Muito se diz que pessoas mal resolvidas machucam pessoas que sabem o que querem, e isso define cada relacionamento que a estudante viveu.

Cash Mooney foi o primeiro e talvez maior amor da jovem. O personagem, que ganha vida pela atuação de Da’Vinchi, surgiu na vida de Zoey em uma situação tirada de fanfic: para se manter no time de basquete, precisava de ajuda com os estudos. Sutilmente os sentimentos de ambos foram mudando, mas a meta do atleta de seguir jogando pelo país se manteve.

Dividida entre seguir o menino ou continuar na faculdade, a estudante recebe uma visita que vem para auxiliar: Rainbow. A mamãe, papel da talentosa Tracee Ellis Ross, lembra a filha de suas metas originais e a importância de se escolher acima de qualquer garoto. Quando o namoro finalmente acaba, Zoey passa por um ritual de passagem para qualquer pessoa: seu primeiro coração partido.

Assim como toda recente solteira, a menina promete focar nos estudos e ficar longe de qualquer romance por um tempo. Mas como o universo ama desafiar sua palavra, as coisas esquentam com Luca (Luka Hall) e a dupla vive o mais lindo friends to lovers. Como não ser #TeamZuca?

Parceiro de Zoey nos estudos de moda, Luca é um verdadeiro artista: talentoso, misterioso e sempre chapado. O ator dá vida ao seu personagem carregando extrema naturalidade, de forma a ser difícil lembrar que o estudante da Cal U, infelizmente, não existe na vida real.

A faculdade onde a mágica acontece é, também, fictícia. A California University of Liberal Arts é gravada nos estúdios Walt Disney em Burbank, que foi fechada temporariamente por conta da pandemia. “Existem diversos protocolos e, infelizmente, L.A. não está realmente fazendo um trabalho ótimo com o covid, em geral”, comentou Yara sobre o porquê do programa precisar ter um tempo em hiatus.

Além do amor romântico, a caloura também não é lá uma ótima amiga também. Quando descobre que Nomi (Emily Arlook) está grávida, seus julgamentos sobressaem o apoio emocional que sua colega precisava. Ao ver o namorado de Jazz saindo escondido, esconde o segredo da personagem de Chloe Bailey. 

Apesar da lista enorme de vezes em que falhou com as pessoas ao seu redor, Zoey se esforça o dobro para melhorar a situação. No fundo, não há maldade nenhuma por trás dos seus erros, apenas a mais pura ingenuidade e um tanto de individualismo. 

As gêmeas que estão com a universitária no caminho ao diploma são Sky e Jazz Foster. Multifuncionais, Halle Bailey e Chloe Bailey também cantam a música de abertura. As irmãs, além de ótimas atrizes, têm entrado muito bem na indústria musical. Com os álbuns The Kids Are Alright e Ungodly Hour, a dupla já coleciona 5 merecidas indicações no Grammy.

Agora, as personagens de Francia Raisa e Emily Arlook são controversas. Ana Torres é uma latina republicana que já causou muito alvoroço no grupo – imagina ter coragem de dizer que pessoas conservadoras sofrem tanta opressão quanto pessoas negras – e constantemente faz comentários de caráter duvidoso. Nomi é uma garota bissexual que terminou com seu namorado por… Bom, por ele ser bissexual. Continuo tentando entender.

A discussão a respeito da comunidade LGBTQIA+, porém, não se limita na personagem que é uma péssima representatividade da letra B da sigla. Vivek (Jordan Buhat), o traficante de drogas no grupo, vive uma noite de festa onde beija um garoto e leva seus amigos à loucura. O desrespeito que Aaron (Trevor Jackson) e Douglas (Diggy Simmons) tratam o menino após saber do acontecimento leva a um dos episódios mais intensos.

Know Yourself, da terceira temporada, aborda homofobia e sua ligação com a masculinidade tóxica. O episódio recebeu a primeira e única indicação da sitcom ao Emmy. Concorrendo na categoria de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Meia-Hora), o cineasta Mark Doering-Powell, que já é reconhecido por seu trabalho em Todo Mundo Odeia o Chris, agora representa grown-ish na competição.

Com cada temporada se passando durante um ano universitário, na terceira Zoey já é oficialmente uma veterana e legalmente adulta. “Sabe como você nunca quer chegar em uma festa sóbria? Na vida adulta, você nunca quer chegar despreparada. Nem sóbria”, é como a personagem inicia a nova etapa de sua vida.

Depois de ignorar todos os seus problemas e viajar para Londres em busca de seu emprego dos sonhos, a Johnson volta e precisa arrumar a bagunça deixada. Dividida entre os sentimentos que tem pelo ex e por Aaron, ela se sente mais perdida do que nunca.

Mas com o apoio que tem de suas amigas desde o primeiro episódio, ela segue sua jornada. Juntos, o grupo encara todos os monstros da Geração Z – do cancelamento na internet até a depressão. Nenhum dos personagens é perfeito. Pelo contrário, todos erram, nos irritam e são completamente humanos.

Na cena final da temporada 3, os estudantes da Cal U se unem em um protesto contra o racismo na faculdade que é majoritariamente branca. E lutando para encontrar sua identidade sendo mulher e negra, Zoey não poderia ser de outro jeito. 

A protagonista é daquelas que ocasionalmente te faz querer jogar o computador longe, mas também te envolve em seus dramas e problemas juvenis. No fundo, saber que até mesmo a prodígio da família preta mais querida e bem sucedida das sitcoms se encontra em crise, é estranhamente tranquilizante. Sair da casa dos nossos pais não é fácil. Nem mesmo para Zoey Johnson.

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Caio Savedra

Surgindo a partir de uma carreira nativa da internet, o álbum Ungodly Hour, da dupla Chloe X Halle, entrega diversos pontos positivos de se admirar, mas, acima de tudo, serve como uma emancipação artística das irmãs para além do papel de protegidas e apadrinhadas por Beyoncé. Crescidas no meio artístico, é notável a desenvoltura que as artistas têm, basta assistir qualquer uma das várias apresentações recentes. Com uma carreira que conta com aparições em filmes e apresentações musicais desde crianças, foi através de covers no YouTube que começaram a se destacar na música.

Assim como diversos outros artistas que surgiram por volta dos anos de 2010, a internet foi essencial para que as irmãs fossem descobertas no mundo da música. Passível de uma pesquisa acadêmica sobre, as artistas sempre exploraram recursos dos mais contemporâneos, como vídeos com realidade virtual em 180º e, mais recentemente, tendências do aplicativo TikTok, que vêm moldando o mercado musical bruscamente.

Após entregarem alguns trabalhos prévios (EP, mixtape e álbum de estreia) que renderam um pouco de visibilidade e até nomeações em premiações, é com o Ungodly Hour que Chloe e Halle buscam se consolidar como artistas além do apadrinhamento de Bey. No trabalho, elas mostram como conseguem ser versáteis e apresentar uma sonoridade mais comercial sem deixar de lado suas personalidades. Isso sem citar o talento das duas que, após serem reconhecidas e contratadas pela Queen B, entregaram trabalhos onde assinam a autoria e produção de todas as faixas.

A introdução do álbum diz respeito exatamente sobre isso, sendo majoritariamente instrumental e com apenas um verso: “Nunca peça por permissão, peça por perdão”. E, seguindo um gosto adquirido recentemente pela internet, a introdução se conecta com Forgive Me, a música seguinte, através de uma transição instrumental que apresenta continuidade – o interesse por essa característica entre uma faixa e a outra ganhou bastante notoriedade com o álbum Chromatica, de Lady Gaga, nas faixas Chromatica II e 911.

O conceito do álbum segue muito bem aquilo que foi proposto. Forgive Me se torna um destaque, tanto pela letra, que aborda o término de relacionamento com erros e mentiras, mas de forma bastante autoral; quanto pela melodia que apresenta elementos que nos remetem à corais e outras simbologias religiosas e contém, novamente, uma harmonia única entre as cantoras.

“Então me perdoe porque não estou chorando, melhor acreditar que vou passar por coisas melhores”

Passando por Baby Girl, Ungodly Hour apresenta a posição de empoderamento sem remorso das cantoras. Nela podemos interpretar que elas cantam para elas mesmas e tantas outras garotas negras que enfrentam dificuldades mas que ainda sim assumem um papel de representação muito importante e o verso “faça isso pelas garotas ao redor do mundo” reflete isso muito bem.

Do It é a música com maior destaque comercial até então, trabalhando com sonoridade, letra, visual e até mesmo coreografia mais comerciais do que em outros momentos do álbum. A faixa é um dos ápices da obra por demonstrar exatamente como as irmãs se apresentam nesse trabalho: autênticas, detentoras de poder sobre suas próprias vidas, mas sem esquecer que são jovens.

E a canção consegue ser o caldo de toda a carreira da dupla, seja através da viralização da coreografia no TikTok,  ou pela letra que tem como objetivo mostrar como elas são imperfeitas, assim como todas as outras pessoas do mundo. Não deixando de lado um conteúdo muito jovem e realmente nativo da internet, a produção entrega uma das faixas mais pop do álbum.

O álbum segue entregando produções muito contagiantes que não deixam de lado o papel inicial que as cantoras assumiram. Ungodly Hour, faixa-título, reúne diversas características apresentadas até agora, porém com um diferencial muito relevante para a nossa geração: as irmãs Bailey apresentam através da letra, uma certa maturidade emocional ao não caírem nos jogos bobos e apontar que seus parceiros precisam gostar de si mesmos antes de se relacionar com elas.

Essa maturidade emocional também aparece em Catch Up (parceria com Swae Lee e Mike WiLL Made-It), “Eu tenho um futuro com coisas a perder”; Lonely, “Não precisa ser solitário estar só”; e em Don’t Make It Harder on Me elas reconhecem que ainda não superaram um relacionamento mas que sabem o que é preciso. E sem esquecer aquilo que elas consideram suas imperfeições, como em Overwhelmed, um relato sobre ansiedade e se sentirem sobrecarregadas e em Wonder What She Thinks of Me, onde elas contam como é estar no papel de amantes de alguém infiel.

O álbum termina com ROYL (“Rest of Your Life” ou “Resto da Sua Vida”), que conclui muito bem a jornada, conciliando todos os pontos falados até agora, porém com uma energia da máxima ‘só se vive uma vez’, o que justifica, ainda mais para nossa geração que pode se identificar tanto com o trabalho, basicamente qualquer coisa. Particularmente, o único problema que vejo é o fato de, embora essa seja uma faixa com conteúdo ótimo para concluir Ungodly Hour, o fato de estar posicionada após algumas músicas que desaceleram a obra faz com que ROYL dificilmente tenha todo o seu potencial explorado.

O segundo álbum de estúdio das irmãs Chloe e Halle Bailey nos entrega uma experiência que pode ser bastante intensa e necessária, uma vez que é muito importante reconhecer nossos erros, pontos fracos e imperfeições e aprender a viver com eles. É um passo essencial para ter maturidade emocional, um assunto que atualmente é tão apontado como em falta.

Conceitualmente, o CD segue uma linha muito visível, onde as cantoras se colocam em uma posição, através das composições, de que sabem quem são e que estão no controle de suas próprias vidas, um aspecto que se mantém vivo durante a experiência do contemporâneo Ungodly Hour do primeiro ao último verso. Um ponto de destaque para essa posição que elas interpretam nas músicas é a honestidade, já que podemos ver, ao acompanhar a vida e carreira das irmãs, que elas realmente são assim.

Ungodly Hour passa uma mensagem de amadurecimento: as artistas querem se livrar do posto de anjos perfeitos como dito e, para isso, elas produzem um álbum que oferece maturidade em conciliação com autenticidade de forma excelente. Elementos que juntos se tornam essenciais para que elas consigam transmitir quem são, algo que nós dos 20 e tantos anos ainda almejamos descobrir.

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