Gustavo Alexandreli

No meio cinematográfico, adaptar ou recontar uma história já existente no mundo real pode ser uma tarefa árdua. Em Bohemian Rhapsody, lançado em Novembro de 2018, a dupla direção de Bryan Singer – demitido próximo ao fim da produção – e Dexter Fletcher teve o desafio elevado a um patamar extremamente alto: contar a trajetória de Freddie Mercury, um dos maiores nomes do rock, e da banda Queen, responsável por inúmeros clássicos e números expressivos no cenário musical.

Em pouco mais de duas horas de produção, Rami Malek, intérprete do astro, e o trio restante da banda conseguem permear pontos de extrema sensibilidade da vida real de Mercury e seu entorno. A interpretação, que acompanha também a agitação do cantor, não esquece a dramaticidade necessária para encantar aqueles que foram ao cinema e somaram mais de 910 milhões de dólares na bilheteria, ou os que ainda hoje acompanham a jornada no streaming.

Não à toa, no caso de Malek, a atuação lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator no ano de 2019. Contudo, este não é o único ponto alto a se destacar no filme: sem dúvidas, a trilha sonora fala por si só. Produzida por Brian May e Roger Taylor, as faixas presentes no longa incluem a banda Smile, formada pelos artistas antes do Queen, além de apresentar versões nunca antes lançadas.

Também contemplada no Oscar, com os prêmios de Melhor Edição de Som e Melhor Mixagem de Som, os diversos sucessos e a forma como são introduzidos animam os espectadores, que podem acompanhar com palmas e batidas o ritmo de produção de Will We Rock You. Ou até mesmo, interagir com o astro em sua triunfal apresentação no Live Aid – desfecho do longa.

Porém, as escolhas, tão acertadas, também revelam um ajuste aparentemente improvisado dentro da produção. Considerando a adaptação, é fato que o livre rearranjo do enredo, assinado por Anthony McCarten, deve ser usado, mas o desencontro de datas e outras desconexões entre o mundo real e o cinematográfico, evidenciam uma escolha controversa na abordagem dos fatos – e desapontam fãs metódicos da banda.

Os encaixes na linha temporal de Bohemian Rhapsody são variados. A confusão cronológica pode ser percebida desde a época em que Freddie descobre o diagnóstico de HIV, no ano de 1987, assim como em datas simples, vide lançamentos de músicas, ou até mesmo na forma como a produção distancia eventos próximos como o Live Aid e o Rock In Rio. Ambos os shows ocorreram no mesmo ano, mas são retratados, respectivamente, como o desfecho e um evento médio na narrativa.

Contudo, nenhum dos pontos citados causa grande prejuízo. Levando em conta a opção de liberdade temporal exercida, as alterações contribuem para a chegada no forte desfecho de Bohemian Rhapsody: o imenso espetáculo Live Aid com uma performance forte de Freddie expõe um final animado e intenso ao grupo musical. No entanto, ainda assim, são evidentes as escolhas controversas em uma das maiores cinebiografias da história do Cinema – em suma, o enredo não segue fielmente a cronologia dos fatos.

Acompanhada deste elemento, ainda é necessário destacar que a obra também falha em aspectos relacionados à profundidade do conjunto musical e da própria narrativa de Freddie Mercury. Tratando-se de grandes compositores, a produção das canções no filme ocorre, em sua maioria, de maneira rápida e espontânea, haja vista que na realidade a tarefa era mais complexa.

Ainda focado nas escolhas narrativas, a forma com que a sexualidade de Freddie Mercury é abordada causa desgastes. Isto porque a trama foca na relação com Mary Austin e suprime a presença de Jim Hutton na vida do popstar. Além disso, a afirmação trazida de que o cantor não era bissexual, mas gay, também oculta uma terceira relação do vocalista – impondo um curso menos abrangente na construção da história.

Porém, um empecilho ainda maior deixa um sentido ambíguo na história: a separação do Queen. Este movimento nunca ocorreu. Partindo deste marco, é necessário ressaltar que a banda teve, sim, um período de férias em suas composições e gravações, justamente para a realização do disco solo de Mercury. No entanto, não uma ruptura culposa do artista principal como induz a abordagem utilizada no longa-metragem.

No entanto, isso não torna o filme dispensável. Assim como se traduzem nos números de bilheteria, o interesse por uma das maiores bandas da história e a sequência de destaques positivos em aspectos ligados essencialmente à Sétima Arte, Bohemian Rhapsody ainda se mantém com uma história forte com momentos emocionantes e apresentações nostálgicas após anos de seu lançamento.

Aos fãs das performances de Mercury e de sua voz marcante, Malek cumpre com maestria seu papel e entrega um tributo à altura do astro. Àqueles que buscam o fenômeno de Queen e poder se arrepiar com uma história marcante da banda, a narrativa também atende o esperado. Contudo, a consciência de receber uma trama rearranjada ao encarar as duas horas de Bohemian Rhapsody garante uma melhor experiência e, até mesmo, interpretação do que realmente ocorreu com o quarteto do icônico grupo musical.

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Gustavo Alexandreli

“Amor às cegas dá casamento?” – a gente espera que sim. É com este questionamento e o coro entoado na sequência que a dupla de apresentadores e um dos casais mais amados das telinhas, Camila Queiroz e Klebber Toledo, instiga o público a acompanhar a trajetória dos candidatos à união eterna na terceira temporada do reality Casamento às Cegas Brasil, da Netflix.

Adaptada da atração estrangeira Love Is Blind, também da plataforma de streaming estadunidense, o experimento virou sucesso no Brasil desde a sua estreia, em Outubro de 2021. Dominando pautas nas redes sociais nos primeiros anos e dando visibilidade aos aventureiros no experimento, a atual temporada parece já estar sendo compreendida também pelos participantes.

Tendo como proposta inicial criar conexão e realizar o pedido de casamento antes mesmo de conhecer a aparência física do cônjuge, a intenção de Casamento às Cegas é encarar o completo desconhecido. No entanto, pouco tempo após a exibição no streaming, especulações que apontam o desmonte da dinâmica pipocaram nas redes, levantando suspeitas de quebra da proposta e evidenciando desconfiança do público.

Embora os questionamentos de possível trapaça tenham sido negados pelos participantes posteriormente, a artificialidade presente na terceira temporada salta aos olhos antes mesmo da liberação dos episódios finais. É fato que o confinamento, a exposição e a realidade imposta pelo experimento gera uma diferença no que temos como vida real.

Contudo, na atual temporada, a maioria dos participantes repete fórmulas, como abraçar a fina parede e passar conversas parecidas, independente do momento. A sensação de estar em um VT repetitivo, apenas com diferença nos rostos presentes, tornam a primeira fase do reality a mesma sensação de estar na cabine do experimento: em um espaço pequeno e com vontade de sair para gritar quando finalmente algo dá certo.

Apesar das constantes repetições nos ideias de conversa levadas nos boxes, é necessário destacar a avidez para exercer competição em busca de um parceiro. Em um ambiente controlado, é comum despertar o interesse simultâneo em uma mesma pessoa, mas a disputa partindo do acesso apenas às opiniões dos confinados e às táticas realizadas deixam todos de olhos bem abertos.

Com as garras à mostra, o resultado gera um mal-estar contínuo nos lounges de homens e mulheres no reality. Assim, elevando a proposta de encontrar um amor para uma batalha por um parceiro, as inúmeras brigas instauradas tornam Casamento às Cegas 3, ainda na fase inicial, pertencer a um nicho de realities show de proposta distinta.

Encontros e Lua de Mel

Apesar do cansaço na primeira fase e uma avidez que parece fugir da proposta de Casamento às Cegas, a essência romântica retorna nos encontros entre os recém-noivos. O ponto alto da etapa inicial fica com a emoção tomando conta dos participantes no beijo entre os decididos e na colocação da aliança. O sentimento segue quente com a ida à lua de mel. Após as aventuras amazônicas na segunda temporada, o litoral nordestino de Pipa, no Rio Grande do Norte, se mostra um local com menos possibilidades para perrengues.

No entanto, o que deveria ser apenas curtição parece ter sido retirado de uma esquete de humor grosseiro com uivos vindos dos homens ao se relacionarem sexualmente com suas parceiras, algo ainda mais vergonhoso que o repetitivo “better together” da temporada anterior. Tendo a possibilidade de retirar os sons, que trazem exposição desnecessária e uma escolha errônea do elenco masculino, a lua de mel segue com leveza – após ter que suportar uma fase dura de início.

Contudo, o castigo segue, tendo que ver – e ouvir – aquele vizinho incômodo no quarto ao lado. Embora os diversos encontros durante a viagem romântica em Pipa, pouca especulação sobre o futuro dos casais é exibido nos episódios. Desta forma, para o público, a descoberta maior se dá de volta à convivência – uma maneira de manter a expectativa futura e manter a visibilidade dada a tantos incômodos.

Ainda tendo que lidar com aquele vizinho incessantemente desagradável, de nome Valmir Reis, a maioria dos casais se mostram decididos ao casamento, algo alheio à primeira fase. Trabalho, rotina, filhos e o temido celular surgem como alívio às cabines. Em paralelo, assim como no reality De Férias Com o Ex, em que o tablet precede um movimento não tão agradável, em Casamento às Cegas, a notificação do celular pessoal vem como um estridente agudo aos ouvidos de alguns dos noivos.

Apesar dos contatos externos, inclusive de ex-participantes que buscaram redes fora das cabines, a tensão é bem superada e não se torna repetitiva, apenas dando uma prévia dos atritos dos casais. Dos mais bem resolvidos aos que sabem a existência de um passado antes do noivado, àqueles que demoram a se entender e até mesmo revelar o que trazem consigo pré-reality show, o suspense na convivência segue, porém, prendendo a atenção do espectador de maneira a acompanhar com leveza.

O ponto alto na segunda etapa é entender, de fato, o quão dispostos a prosseguir até o altar cada um está, assim dando um alívio ao ocorrido nos diálogos às cegas. Com o mundo aberto, a conexão física ocorrida em Pipa e maiores análises sobre mudanças como local de moradia e união entre famílias cada vez mais perto, acompanhar a trajetória dos casais rumo ao desfecho desprende do passado ávido das cabines.

Apesar dos dias difíceis enfrentados pelo público e por certos participantes no início do reality, Casamento às Cegas 3 possui um desfecho surpreendente: todos os casais decidiram pelo ‘sim’. Embora nenhuma desistência e um final constante de cinco picos de felicidade, o reencontro revela surpresas que denotam a parte incômoda de uma temporada finalizada, até então de maneira positiva, mas recheada de momentos pontualmente desagradáveis.

O Reencontro

Embora o encerramento positivo da terceira temporada tenha garantido o recorde de casamentos – cinco –, o real rumo dos casais reacendeu com o reencontro, realizado ao vivo. Com a desconfiança do público pautando discussões nas redes, muito foi reforçado sobre a veracidade do experimento na reunião de condomínio. Tentando salvar a imagem arranhada do que realmente é um experimento e do tamanho da imersão por parte dos participantes, o bate-papo desta temporada focou nesse aspecto. Assim sendo, os discursos se deram em respostas rasas dos participantes, bem como uma condução semelhante.

Diferentemente da boa condução de Queiroz e Toledo no reality, com discursos pertinentes, a entrevista com os participantes ao vivo foi menos instigante. Igualmente a interação com o público da internet, Amanda Souza, ex-participante da segunda temporada do experimento e responsável por essa troca, pouco questionou e não sintonizou com a profundidade de participação da web.

Para mudar o cenário de peso, as inserções de ‘prêmios’ por ciúme, por exemplo, reacendem os pontos de esquete, presentes no meio do experimento de Casamento às Cegas. A presença de ex-participantes do atual elenco retirou possíveis picuinhas, mas também de forma rasa. Apesar disso, o embate entre Ítalo e Valmir – que fez fortes revelações sobre a continuidade de sua relação – levou o público à euforia. Embora o desenrolar alheio à Netflix não tenha colocado nenhum dos dois em posição de comentar algo relativo ao reality positivamente.

No encerramento, ainda no retorno aos atos questionáveis da terceira temporada de Casamento às Cegas, um momento final poderia ter sido deixado de lado, mas culminou para mais uma brecha à desconfiança do experimento. No apagar das luzes do reencontro ao vivo, Ítalo Antonelli tomou uma atitude impressionante com uma ex-participante que, de momento, gerou alvoroço, mas não acabou bem.

Com tantos questionamentos do público e nenhum casamento restante tanto da primeira quanto da segunda temporada, a Netflix até tentou resolver essas questões no reencontro, o que passou quase despercebido. No entanto, o anúncio do spin-off Casamento às Cegas Brasil: Depois do Altar, que reunirá participantes das três edições, pode recuperar a confiança do público na veracidade de um reality com proposta insana e enfim esclarecer dúvidas cruciais que pouco foram abordadas na última reunião ao vivo.

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Gustavo Alexandreli

A primeira temporada de O Livro de Boba Fett estreou no catálogo do Disney+ em 29 de dezembro de 2021. Chegando já na virada do ano, a produção marcou não somente o novo ciclo, como também a primeira das apostas para as séries do universo Star Wars em 2022. No semestre inicial, a saga apresentada pela franquia no streaming foi a de Obi-Wan Kenobi, com o protagonista homônimo interpretado por Ewan McGregor. Já em setembro será a vez de Andor, cujo personagem principal será novamente protagonizado por Diego Luna. A coincidência entre ambas produções é que todas trazem a história de uma figura com passagem em histórias anteriores.

Obi-Wan Kenobi teve sua primeira aparição em 1977, em Uma Nova Esperança, e possui relação ainda mais identificada com o público por conta do tempo. A presença de Cassian Andor é mais recente: chegou em 2016 em Rogue One para fechar uma ponta solta da história, aberta entre os capítulos III (A Vingança dos Sith, de 2005) e IV, filme que deu início à saga. Por fim, no caso de Boba Fett, o caçador de recompensas apareceu pela primeira vez  em 1980, em O Império Contra-Ataca. Na série homônima do vilão, a franquia Star Wars, que obteve extremo sucesso com The Mandalorian (2019), apresenta a volta de Fett (Temuera Morrison). A sua trajetória é feita na cidade arenosa de Tatooine, trazendo à tona peças conhecidas, como o palácio de Jabba e também a sua nave, agora com um formato diferente do usual.

Na primeira aparição de Boba nos filmes, ele trabalhou para Jabba The Hutt, inclusive participando no sequestro de Han Solo e Leia. Em The Book of Boba Fett, porém, o personagem chega ao local com novos propósitos e uma trajetória de pacificidade bastante longa. Dividida em sete episódios, a obra entrega ao público as devidas explicações sobre como o agora piedoso vilão sobreviveu às ameaças enfrentadas no poço de Sarlacc e outras das suas aventuras. O retorno, no entanto, se deu na segunda temporada de The Mandalorian. Na ocasião, Boba buscava por outra peça chave de sua história: seu traje

Apesar disso, a série que carrega o nome daquele que deveria ser o personagem principal acaba escorregando entre flashbacks e misturas com a trajetória do que viveu o mandaloriano. A produção anterior, que se tornou um fenômeno, anda mais perto do que deveria. Embora não haja um grande brilhantismo individual, O Livro de Boba Fett possui lampejos de boas produções. Por definição, é uma série com a essência Star Wars, porém comum.

A essência de The Book of Boba Fett pode ser traduzida nas indicações ao Emmy que a série recebeu. Das surpreendentes quatro categorias indicadas, todas em aspectos técnicos, inicialmente vale o destaque para Melhor Coordenação de Acrobacias em Série de Drama, Limitada ou Antologia ou Telefilme, para JJ Dashnaw, e também para Melhores Efeitos Visuais em uma Temporada ou Telefilme. Nesses dois aspectos, de fato, não há decepções. A produção saiu como a vencedora na categoria que premia os melhores efeitos durante a temporada. Já na primeira, quem levou a melhor foi Stranger Things, recebendo 5 estatuetas no total. No entanto, também vale ressaltar que a série de Boba Fett chegou ao Oscar da TV com vinte indicações a menos que a saga do Mandaloriano – recordista do ano em que participou.

Produzida por Jon Favreau e Dave Filoni, O Livro de Boba Fett não possui um roteiro ruim, porém deixa a desejar na narrativa do próprio vilão. Por conta disso, assim como fazem as premiações, é melhor ressaltar a técnica. Sob o comando de Ludwig Göransson, a trilha sonora é um show à parte. Desde a entrega na música tema e a passagem do capítulo de estreia, Um Estranho Numa Terra Estranha, é possível ter a certeza que esse será um dos pontos altos da série. No Emmy 2022, o capítulo 6, Do Deserto Vem Um Estranho, é quem carregou a indicação como Melhor Edição de Som em Série de Comédia ou Drama, apesar do prêmio ter ficado com o Disney+, na franquia vizinha. Cavaleiro da Lua, da Marvel Studios, saiu vencedora.

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Gustavo Alexandreli

Se você gosta ou já ouviu falar da saga Star Wars, sabe que compreender a cronologia é um grande desafio, até mesmo para os fãs mais apaixonados. Com Rogue One: Uma História Star Wars, lançado em dezembro de 2016, não é diferente. Para entender a jornada de Jyn Erso (Felicity Jones), é necessário voltar mais de uma década e encaixar a história rebelde deste spin-off, o primeiro de Star Wars, entre os eventos dos episódios III (A Vingança dos Sith, de 2005) e IV (Uma Nova Esperança, de 1977).

Com direção do britânico Gareth Edwards, a trama se inicia quando o notável cientista Galen Erso (Mads Mikkelsen) é levado à força por um Esquadrão Imperial e seu líder para finalizar a construção da Estrela da Morte – arma destruidora de planetas –, e sua filha, Jyn Erso, ainda criança é deixada para ser resgatada pelo líder Saw Gerrera (Forest Whitaker) – que não possui sua primeira aparição do universo Star Wars neste filme.

A primeira vez que o vimos foi na animação Star Wars: The Clone Wars, lançada em 2008, que se passa na Era Republicana. O personagem reaparece em Star Wars Rebels, sequência de 2014, já na Era Rebelde – a mesma de Rogue One, em mais uma demonstração do quão extenso é o universo e a cronologia desta franquia. A saga ainda possui em seu horizonte após Rogue One ao menos 7 produções já disponíveis e receberá ainda nos próximos anos conteúdos que foram anunciados durante Disney Investor Day, em 2020.

Após essa breve introdução, Jyn Erso, agora adulta, está presa pelo Império e escondida sob um pseudônimo, enquanto a Aliança Rebelde busca por informações de um suposto piloto desertor enviado por Galen. Ambientado em diversas áreas, inicialmente Rogue One transita muito rapidamente entre as várias cidades, luas, campos e espaços. Com fotografia sob direção do experiente Greig Fraser, é de ressaltar a alta qualidade deste quesito.

Após saber destas informações, o filme não possui muito aprofundamento e segue com a caça por parte da inteligência rebelde em não perder as esperanças de deter a tão temida Arma Imperial. Jyn, agora sob controle da rebelião, é crucial para a missão por conta do sobrenome que carrega. A garota, no entanto, participa ativamente da missão e os acompanha nos diferentes espaços. Possuindo voz forte em decisões que norteiam a rebelião, ela chega ao comando do grupo em conflitos determinantes, fugindo do fardo de ser apenas a portadora do sobrenome.

Os inúmeros conflitos, ambientados desde espionagem até roubos, não possuem elementos conhecidos como os sabres de luz ou a presença da Força dos Jedis e do Lado Sombrio, pois Rogue One se passa pelos esforços daqueles que lutaram pela rebelião para termos “Uma Nova Esperança”. A luta perdura muito mais por questões políticas do que em torno da Força – o que não significa abandono aos elementos base, que, a partir de referências sutis, trazem essa lembrança dos outros filmes da franquia.

Este objeto político durante toda a saga Star Wars sempre se faz muito presente, mas é neste filme que, durante o último suspiro, nos faz pensar para além de apenas uma guerra – indo desde o ideal revolucionário, até mesmo como parte da sua própria vida. As desavenças políticas, o poder de escolha ou não, tornam-se mais do que somente parte da obra.

Rogue One não é a melhor, mas sem dúvidas é uma das melhores produções recentes da saga Star Wars. O roteiro de Rogue One preenche com honra o legado dos que lutaram pela rebelião. Poderia ser simplesmente mais um filme de guerra, mas, ao final, entrega muita luta e esperança para se manter firme em roubar os planos da Estrela da Morte, essenciais na sequência da aventura de Luke Skywalker. O último ato rebelde se dá em uma intensa batalha no planeta Scarif onde a missão se encerra, porém, ainda revela, em seus últimos 3 minutos, um fim dramático e impressionante para uma rebelião contra o Imperador Darth Vader.

Mesmo estando situado entre filmes longínquos – tanto 1977 quanto 2005 –, Rogue One: Uma História Star Wars é a esperança anterior a tudo que a rebelião e os Jedis, quando presentes dentro dos filmes sequenciais da franquia, prosseguem. Atualmente, após 5 anos de sua chegada, a obra ainda preenche parte essencial no universo Guerra nas Estrelas, com um pouco mais de profundidade na história daqueles que não possuíam sabres nas mãos.

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Gustavo Alexandreli

O ano de 2015 foi marcado por grandes sucessos de bilheteria, como Velozes e Furiosos 7, Jurassic World: O Mundo dos Dinossauros e Vingadores: Era de Ultron. E para encerrar o ano com uma saga clássica e postulante ao sucesso, em 17 de dezembro foi lançado no Brasil Star Wars VII: O Despertar da Força. O êxito – já esperado – se concretizou, assim que o filme tornou-se a maior bilheteria dentre os já lançados pela franquia, e a quarta maior bilheteria mundial, arrecadando um total de 2,066 bilhões de dólares. O Despertar da Força é, cronologicamente – na saga -, o primeiro filme após a trilogia original, iniciada  pelos episódios IV (Uma Nova Esperança, de 1977) e V (O Império Contra-Ataca, de 1980). E 32 anos após o encerramento da história com o episódio VI (O Retorno de Jedi, de 1983), sua continuação chegou aos cinemas.

O sétimo episódio, obviamente, tinha a necessidade de dar continuidade a história e iniciar uma futura nova trilogia. Porém, manter-se no clássico é essencial, já que os filmes lançados entre 1977 e 1983 conquistaram uma legião de fãs. Contudo, a presença de novidades ainda foi muito forte, tornando este um marco na franquia. A principal marca de Star Wars VII fica por conta de sua produção que, pela primeira vez foi comandada pela Disney – em transação bilionária, a empresa comprou a Lucasfilm e a franquia Star Wars -, além da presença do diretor J. J. Abrams que estreia à frente da saga.

Apesar das novidades em sua produção, o filme inicia de seu modo já conhecido do público, com o texto inicial em letras amarelas – que já descreve o caminho que o filme seguirá – e acompanhado da famosa composição musical de John Willians. A trajetória da narrativa é de fato explicitada em seu texto de início, mas isso não faz com que o espectador não se surpreenda ao longo das mais de duas horas de filme.

O início é muito dinâmico, e dentro de um clima muito intenso de guerra, perseguição e morte, o espectador é colocado de frente com os novos personagens, como Poe Dameron (Oscar Isaac), Kylo Ren (Adam Driver)  FN-2187/Finn (John Boyega) e Rey (Daisy Ridley). A aparição desses personagens, além de indicar o início de uma nova era, é carregada de representatividade, já que a protagonista Rey é mais uma mulher forte e independente presente na saga e Finn, um personagem negro, que começa como um Stormtrooper mas logo demonstra muita coragem, se rebelando para fazer o que considera certo.

Após um início intenso e o bombardeio imediato de novidades nos primeiros minutos, a trama mostra, sem profundidade e em tom de conversa, o passado dos protagonistas e os objetivos que os motivam. Dividido em duas frentes e com muito acerto ao não misturar linhas do tempo, BB-8 (dróide que contém o mapa mais desejado da galáxia) e Rey seguem em meio ao cenário de destruição de Jakku, e Finn e Poe se conhecem durante um voo arriscado pelo espaço.

A partir desse ponto, o conflito entre Resistência e Primeira Ordem foi estabelecido e o filme torna-se muito equilibrado. Apresentando de maneira sutil e progressiva elementos que trazem o sentimento de nostalgia aos olhos dos fãs, O Despertar da Força flui entre paisagens de destruições das eras passadas e entre a presença de rostos e máquinas conhecidas como o trio: Han Solo (Harrison Ford), Chewbacca e a famosa nave Millennium Falcon. Estas aparições se alinham a uma construção de efeitos especiais altamente detalhista e ao contraste de luzes e cores, que conversam com as faces que as representam (tornando-se mais escuras quando em relação ao lado sombrio e oposta quando em ligação a resistência), e fazem com que a trama fique próxima do público e ainda mais nostálgica.

A aparição de elementos conhecidos não se limita apenas aos personagens emblemáticos, e também se conecta à parte mais permanente e importante de toda a história: a ‘força’, que é tratada de uma forma mais simplificada e que acompanha o crescimento do filme. A força, embora metafísica e particular, gera bastante conflito entre as gerações fãs da saga, visto que Rey sequer tem treinamento, mas sozinha aprende a usar os truques mentais. E os mais apegados ao clássico de George Lucas podem se incomodar também com algumas utilizações que Finn faz dos sabres de luz, que originalmente seriam armas únicas de Jedi.

Apesar da simplificação de processos na força e da fuga de padrões, o apelo à nostalgia, visto da metade inicial até o fim de Star Wars VII: O Despertar da Força, faz com que o filme caia em fórmulas comuns, que apesar de repetidas e extremamente utilizadas na franquia, ainda formam sucessos. São estes as lutas de sabre de luz – ponto alto de muitos filmes -, a perseguição entre caças, e o embate entre familiares – elemento mais conhecido do Episódio V -. 

A fórmula de Star Wars VII, apesar de seu grande sucesso, deixa a sensação de um roteiro simplista e sem ousadia, em muitos aspectos. Porém, o desfecho do filme não decepciona, e em uma única aparição, o Jedi Luke Skywalker (Mark Hammil) finaliza o filme sem dizer uma única palavra. Assim, fica totalmente em aberto sua presença no futuro da trilogia, que vem através dos filmes Star Wars VIII, lançado em 2017 e Star Wars IX do ano de 2019.

O sucesso na estreia da Disney, sem dúvidas, foi a marca de Star Wars VII, mesmo com a falta de criatividade e forte apelo ao passado. E o período pós-O Despertar da Força se mostrou  muito promissor, já que de antemão, trouxe consigo os dois filmes da nova trilogia que conseguem ir do céu ao inferno em menos de dois anos, entre 2017 (Star Wars VIII: Os Últimos Jedi) e 2019 (Star Wars IX: A Ascensão Skywalker). 

Em uma tentativa ousada, após a decepção de A Ascensão Skywalker, a franquia apostou na estreia de The Mandalorian, primeira série live-action da franquia. E seu sucesso, assim como em 2015, quando fez a franquia se reencontrar com o espectador, trouxe também um futuro para a saga. A conquista da série apresenta aos fãs uma luz no fim do túnel, e para a Disney, uma direção que encaminha Star Wars para um futuro brilhante.

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Gustavo Alexandreli

Desde sua criação, os videogames sempre foram muito populares entre os jovens. Nas décadas de 80 e 90, o sucesso eram os fliperamas, locais onde era possível jogar os clássicos de Arcade. Essa época ficou marcada por jogos como Pac Man (1980), Galaga (1981), Donkey Kong (1981) entre outros. Pixels, longa lançado em 23 de julho de 2015, traz ao espectador uma lembrança do nostálgico mundo dos games clássicos. Sob a direção do famoso Chris Columbus, o filme que mistura ação e ficção científica é animador, mas nada como uma piada sem graça para estragar o clima. A produção, que utiliza de muitos efeitos especiais para dar vida aos jogos, é formada pelas companhias Happy Madison, 1492 e Columbia Pictures com distribuição da Sony Pictures.

Pixels é baseado no curta-metragem – de mesmo nome – do francês Patrick Jean. Em sua adaptação para o cinema, a trama tem início no ano de 1982, quando Sam Brenner (Adam Sandler) e seu amigo William Cooper (Kevin James) vão ao fliperama, e Sam se descobre um grande jogador. A dupla então vai ao 1° Campeonato de Jogos de Fliperama, onde conhecem Ludlow Lamonsoff (Josh Gad) – um louco por teorias da conspiração – e o sempre confiante e debochado Eddie Plant (Peter Dinklage). A disputa entre os jogadores é gravada por agentes da NASA e agrupada com outros eventos e elementos da cultura pop de 1982, que então é lançada em uma sonda ao espaço em busca de contato com vida extraterrestre.

O início é muito promissor, mas o filme toma um rumo que decepciona, produzindo um roteiro raso e sem profundidade na construção de diálogos. Por conta disto, o público é quem perde muito da sua interação com a trajetória de seus jogadores, pela escolha de pular toda a adolescência deles e reapresentar em fase adulta, com estilos de vida já formados. Além de algumas falhas em conectar as personagens com o público, os diálogos não dão maiores detalhamentos, e por muitas vezes as cenas que dão sequência a história são cortadas de forma abrupta. A junção de todos esses elementos dentro da obra deixa a impressão de que o cineasta quer correr com o filme, para encontrar de forma mais rápida uma solução para o problema. Neste caso um problema literalmente de um outro mundo.

Apesar do roteiro não contagiar, nada melhor para uma ficção científica do que um ataque ao planeta Terra, comandado por alienígenas, que são videogames em formatos reais. E já que na maioria das vezes os diálogos não ajudam, por que não inserir uma piada? Mas o recurso humorístico estraga o clima, por ser altamente previsível. Os momentos cômicos antecipados pelo espectador podem ser explicada devido ao elenco. Michelle Monaghan, Josh Gad e Matt Lintz sustentam a obra em boa parte. Mas o destaque fica para Adam Sandler – que divide opiniões no meio cinematográfico – e Kevin James, que contribuem para a comédia repetitiva e já conhecida do público. A fórmula satírica presente em Pixels é corriqueira muito em função de outros filmes. Dentre eles, podem se destacar, Gente Grande (2010) – em que ambos participam –, e sua continuação Gente Grande 2 (2013), além de Esposa de Mentirinha (2011) e muitos outros.

O ápice do longa gira em torno da ação presente nas batalhas, muito bem elaboradas. O espetáculo de luzes, cores e efeitos especiais atingem as expectativas de todos, trazendo também para os espectadores o sentimento de nostalgia. Este sentimento apesar de muito aparente no filme é direcionado para um público específico, neste caso, para as pessoas que vivenciaram os jogos em sua forma original, pois mexe com a memória afetiva, sendo um dos principais pontos de emoção do filme. É um estímulo, como uma tentativa de entender as muitas referências. Porém essa especificidade faz com que os mais novos que assistem não sejam cativados e sejam obrigados a pesquisar para entender sobre as menções, sendo cansativo. 

A obra, apesar de tudo, finaliza deixando claro o sentimento de visita ao passado e a vontade de jogar novamente o clássico Pac-Man. O filme não pode ser considerado um clássico, mas aos que não se preocupam com um roteiro impecável e se satisfazem com efeitos especiais e uma comédia usual, Pixels se encaixa perfeitamente dentro desses padrões.

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Gustavo Alexandreli

Após o sucesso da produtora Temple Hill em parceria com a FOX na adaptação do best-seller A culpa é das estrelas (2014), rendendo uma bilheteria de 307,2 milhões de dólares, as produtoras apostaram em mais uma adaptação da obra de John Green, desta vez em 2015. O best-seller Cidades de papel (Paper Towns) virou filme, dirigido pelo americano Jake Schreier. Em 9 de julho de 2020 a trama romântica completa cinco anos de lançamento e mantém temáticas atuais acerca de assuntos importantes, como a amizade, o amor na juventude e as transformações causadas pela chegada da vida adulta.

John Green trabalhou como produtor executivo e teve grande colaboração na adaptação para o cinema, e deixou uma interpretação mais livre, que se torna muito perceptível para aqueles que leram o livro e assistiram ao filme. Para os fãs da escrita de Green, essas mudanças podem causar estranheza, por não parecerem totalmente autênticas. Apesar de diferenças no enredo e a omissão de alguns detalhes, não há interferência que cause maiores prejuízos, mantendo a mesma essência tanto no cinema quanto na literatura. Como afirmado por John em uma coletiva de imprensa, “existem algumas diferenças. A coisa mais importante para mim é que o filme passa o mesmo sentimento que o livro”.

A trama inicia quando Quentin Jacobsen (Nat Wolff), nutre um amor platônico por sua vizinha Margo Roth Spiegelman (Cara Delevingne). Os dois possuem personalidades opostas, sendo que a de Quentin é fortemente trabalhada durante todo o filme, aproximando a atuação dele com o público. Em contrapartida, a personalidade da garota passa despercebida, deixando uma falha na ligação da personagem com o espectador. Ainda assim, apesar desta falha, o público é instigado a assistir, visto que Margo não é apenas uma garota comum como denotado no início do filme, e que explica um pouco seu desaparecimento. “Margo sempre adorou um mistério, e com tudo que aconteceu depois, nunca consegui deixar de pensar que talvez tenha gostado tanto de mistérios que acabou se tornando um”.

O filme inicialmente parece clichê, por ter um recorte temporal muito definido, e corriqueiro em outros romances já consagrados. O período de passagem do ensino médio para a faculdade, na fase final da escola. Na trama, esse intervalo acaba se tornando promissor, pois abrange as várias possibilidades que cada um dos personagens podem escolher em relação ao futuro de sua vida. Apesar de ter um recorte usual em filmes românticos para adolescentes, Cidades de Papel é diferenciado e chamativo por possuir um gatilho além do desaparecimento da garota, as referências e pistas deixadas para trás. Este elemento de persuasão em busca da garota é bem trabalhado, o que torna o filme uma particularidade no seu meio.

A partir do desaparecimento e da busca iniciada, é possível perceber que a amizade é aflorada. Os amigos de Quentin, – um tanto quanto bem humorados – Radar (Justice Smith) e Ben (Austin Abrams), o acompanham nesta trajetória de forma integral, reforçando o companheirismo e dando um toque descontraído ao filme. Além da ligação entre os amigos, outras relações amorosas ocorrem de forma simultânea com as garotas do colégio Angela (Jaz Sinclair) e Lacey (Halston Sage). Esses envolvimentos apresentam as diferenças com que cada relação ocorre, trazendo ao público memórias da época escolar, fazendo com que o espectador se identifique mais ainda.

É necessário destacar que o número de personagens é reduzido aos seis principais, deixando uma sensação de repetição constante durante o filme. Em contrapartida, a produção compensa esse número reduzido com um aprofundamento das relações entre eles, explorando um ambiente além de Margo e Quentin, e não deixando a narrativa cansativa. Apesar de Cidades de Papel já estar completando cinco anos, continua proporcionando momentos emocionantes, de reflexões, e nos ensinando o quão importante é uma amizade independente de qual seja a proposta e sua expectativa, e também que a vida e a busca pela felicidade não deve ser resumida a um amor.

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